Animation is Film đã công bố các tác phẩm tranh giải diễn ra vào ngày 18-20/10 tại Nhà hát Trung Quốc TCL ở Hollywood, Mỹ. Liên hoan sẽ giới thiệu các bộ phim hoạt hình mới đến từ châu Á, châu Âu, Nam Mỹ và Bắc Mỹ. Weathering with You của đạo diễn Makoto Shinkai và nhà sản xuất Genki Kawamura vinh dự được trình chiếu trong buổi khai mạc liên hoan phim. Bộ phim được chọn khép lại liên hoan phim là I lost my body – một bộ phim Pháp của đạo diễn Jeremy Clapin và nhà sản xuất Marc du Pontavice. Năm nay sẽ có 10 phim hoạt hình cùng tranh giải cho cả hai giải thưởng được bầu chọn từ ban giám khảo và khán giả. Nhiều hoạt động như hội thảo, sân chơi, thuyết trình, giới thiệu phim ngắn sẽ diễn ra bên cạnh các buổi trình chiếu đặc biệt trong sự kiện kéo dài ba ngày này. “Cùng với Liên hoan phim hoạt hình quốc tế Annecy, chúng tôi rất vui khi giới thiệu các nhà làm phim hoạt hình tuyệt vời cho kỳ tranh giải hàng năm đến từ khắp nơi trên thế giới”, Eric Beckman – nhà sáng lập GKIDS & AIR chia sẻ. “Một loạt tác phẩm được trình chiếu trong năm nay là sự kiện đáng chú ý đối với khán giả Los Angeles, từ những người chiến thắng tại Cannes, Venice và Annecy, cho đến những siêu phẩm phòng vé hay những câu chuyện cá nhân đáng yêu. Có tác phẩm của những người tự học làm phim, những người lần đầu làm phim và cả bậc thầy đáng kính. Từ biểu cảm đến ảnh động, đến hình ảnh thực đến những thử nghiệm mạo hiểm có cả vẽ tay, có 3D CGI. Các tác phẩm bao gồm đủ thể loại, hài kịch, lãng mạn, tình cảm, kinh dị tâm lý, giả tưởng sử thi, thật không thể phân loại ra hết. Nếu ai vẫn lầm rằng hoạt hình là một thể loại giải trí gia đình, thì Liên hoan phim này sẽ mở rộng tầm mắt của họ khi họ thấy những khả năng thực tế không giới hạn mà loại hình nghệ thuật này mang lại.” Chất lượng và sự đa dạng của các bộ phim được trình chiếu tại Animation Is Film năm nay sẽ củng cố thêm sự hài lòng của Annecy khi kết nối với một sự kiện đã chứng tỏ được vai trò của mình chỉ sau 2 lần tổ chức – đó là những lời nhận xét của Mickael Marin, Giám đốc điều hành của Annecy. Animation Is Film cho thấy hoạt hình là một thể loại phim ngang tầm với phim hành động và là một hoạt động nhằm ủng hộ cho các nhà làm phim phát triển khả năng của họ. Liên hoan phim được sản xuất bởi GKIDS hợp tác với Liên hoan phim hoạt hình quốc tế Annecy.   Những bộ phim hoạt hình tranh giải năm 2019 Weathering with you (Đạo diễn: Shinkai, Sản xuất: Kawamura, Nhật Bản) Weathering with You, được sản xuất cùng đội ngũ làm phim Your Name, là bộ phim có doanh thu cao nhất trong năm tại Nhật Bản, và là phim được chọn dự tranh giải Oscar phim nói tiếng nước ngoài hay nhất.   I lost my body (Đạo diễn: Clapin, Sản xuất: Du Pontavice, Pháp) Bộ phim chiến thắng giải thưởng lớn Nespresso trong Tuần lễ Phê bình tại Liên hoan phim quốc tế Cannes.   Bombay Rose (Đạo diễn: Gitanjali Rao, Ấn Độ/ Anh/ Pháp/ Qatar)   Children of the sea (Đạo diễn: Ayumi Watanabe, Nhật Bản)   Marona’s Fantastic Tale (Đạo diễn: Anca Damian, Pháp/ La Mã / Bỉ)   Cherry lane (Đạo diễn: Yonfan, Hong Kong)   Ride your way – West Coast Premiere (Đạo diễn: Masaaki Yuasa, Nhật Bản)   SHe – US Premiere (Đạo diễn: Shengwei Zhou, Trung Quốc)   The Swallows of Kabul (Đạo diễn: Zabou Breitman, Elea Gobbe-Mellevec; Pháp)   White Snake  (Đạo diễn: Amp Wong, Ji Zhao, Trung Quốc)   Công chiếu đặc biệt Na Tra (Đạo diễn: Jiao Zi, Trung Quốc) Với việc phát hành Na Tra, ngành công nghiệp hoạt hình Trung Quốc đã khởi sắc. Bộ phim kinh phí 20 triệu đô đã thu về 700 triệu đô tại phòng vé Trung Quốc.   Son of The White Mare (1981, Đạo diễn: Marcell Jankovics, Hungary)   Steven Universe the Movie (Đạo diễn: Rebecca Sugar, Mĩ)   Cencoroll Connect (Đạo diễn: Atsuya Uki, Nhật Bản)   The Best of Annecy (Phim ngắn, nhiều đạo diễn)   * Nguồn: awn * Biên dịch: Mita – Comic Media Academy

Câu chuyện về một ”vị thần trong dân gian” trẻ tuổi bay xung quanh bánh xe lửa đã thu hút khán giả và những kỳ vọng về tiềm năng thương mại cho ngành hoạt hình của Trung Quốc. Sau khi phát hành vào ngày 26 tháng 7, Nezha (Na Tra) nó đã kiếm được 674 triệu USD (tương đương 4,81 tỷ đồng) – doanh thu chỉ xếp sau bộ phim năm 2017 là Sói chiến binh II, trở thành phim hoạt hình thành công nhất ở Trung Quốc, vượt xa phim giữ kỷ lục trước đó –  Zootopia (Phi vụ động trời) đã mang  về cho Disney 236 triệu USD. Thành công đáng kinh ngạc của bộ phim đã làm tăng hy vọng cho ngành hoạt hình đang phát triển nhưng vẫn còn non nớt của Trung Quốc. Trong khi các tựa phim hoạt hình liên tục chiếm từ 10% đến 15% doanh thu phòng vé ở Mỹ và khoảng 40% tại Nhật Bản, con số này ước tính chỉ khoảng 6% đến 10% tại Trung Quốc. Tuy nhiên, Na Tra đã đặt ra cho Trung Quốc một tiêu chuẩn mới về chất lượng phim hoạt hình – thể loại vẫn đang được xem là dành cho trẻ em thay vì dành cho những khán giả trưởng thành hơn. Nhưng liệu rằng Na Tra có thực sự là điềm báo cho một làn sóng mới hay không?, hay chỉ có mỗi bộ phim tạo ra “cơn sốt” này? Nhà phê bình Yu Yaqin cho rằng bộ phim thành công chủ yếu là nhờ thời gian. Na Tra của công ty sản xuất nổi tiếng Trung Quốc Enlight Media tạo ra hit trong suốt mùa hè vừa qua trong một lĩnh vực không có đối thủ cạnh tranh. Nội dung bộ phim cũng khai thác vào cảm giác tự hào dân tộc ngày càng tăng trong lòng người xem ở Trung Quốc. ”Có rất nhiều giá trị sản xuất tốt đằng sau bộ phim hoạt hình Trung Quốc phá kỷ lục này” – hãng tin Tân Hoa Xã cho biết’. Chúng tôi ngày càng có niềm tin mãnh liệt vào văn hóa truyền thống và hình thức thể hiện sáng tạo của bộ phim”. Na Tra, người đôi khi xuất hiện cùng với vị thần dân gian nổi tiếng là Vua khỉ, được rất nhiều khán giả yêu thích, nhờ vào điện ảnh, chương trình truyền hình và văn hóa pop. Nhân vật Na Tra “bước ra thế giới” kể từ bộ phim hoạt hình năm 1979 ”Na Tra  chinh phục Vua rồng” được khởi chiếu tại Cannes. Bộ phim là thành quả cho quá trình làm việc vất vả của Jiaozi, tên thật là Yang Yu.  Anh  học tại trường y ở Tứ Xuyên nhưng bắt đầu học hoạt hình 3D sau khi tốt nghiệp. Anh phải mất gần bốn năm sống như một ẩn sĩ, ở nhà với mẹ để đưa ra đoạn phim ngắn 16 phút đầu tiên của mình, tiếp tục giành được nhiều giải thưởng, kể cả tại Liên hoan phim ngắn Berlin. Anh  đã viết 66 phiên bản của kịch bản trong suốt hai năm và duyệt qua hơn 100 bản vẽ của phim Nezha (Na Tra). Khoảng 80% các bức ảnh liên quan đến các hiệu ứng đặc biệt, và ít nhất 60 công ty và 1.600 người đã tham gia vào quá trình sản xuất 5 năm. Xét về chi phí cũng như thời gian cần thiết để tạo ra một bộ phim hoạt hình hay, nhiều người lo sợ Na Tra có thể là một câu chuyện thành công nhưng chỉ một lần. Trung Quốc từng chứng kiến sự bùng nổ của bộ phim bom tấn mùa hè 2015 ”Monkey Monkey: Hero Is Back” với doanh thu 134 triệu đô la, nhưng làn sóng quan tâm với phim hoạt hình sau đó đã giảm. Hóa ra, mọi người đã không phải chờ đợi quá lâu cho sự mong chờ tiếp theo với ngành hoạt hình Trung Quốc. Abominable, một câu chuyện về hành trình phiêu lưu của người tuyết, hứa hẹn sẽ tạo ”hit” cho các rạp phim Trung Quốc vào ngày 1 tháng 10. Abominable được công chiếu tại Liên hoan phim Toronto, kể về câu chuyện một cô gái cố gắng đoàn tụ với một con thú người tuyết cùng gia đình trên đỉnh Everest. Bộ phim là bản phát hành đầu tiên kể từ năm 2016 từ công ty trước đây là Oriental DreamWorks, sự hợp tác đầy tham vọng giữa DreamWorks Animation và China Media Capital.   * Nguồn: variety * Biên dịch: Mita – Comic Media Academy

Phim hoạt hình đòi hỏi chi phí sản xuất khá cao, đơn cử như chi phí sản xuất phim Zootopia (2016) và Frozen (2013) ước tính không thấp hơn 150 triệu USD. Chi phí sản xuất luôn là nỗi trăn trở, bận tâm hàng đầu của nhà sản xuất phim hoạt hình. Vì vậy, chẳng có gì khó hiểu khi họ thẳng tay gạt bỏ nhiều ý tưởng hay để chỉ tập trung phát triển ý tưởng giàu triển vọng, dự án phim hứa hẹn mang lại doanh thu “khủng.” Tuy nhiên, đôi khi ngay cả dự án phim đầy hứa hẹn cũng có thể bị “đắp chiếu” dài hạn, không hẹn ngày tái xuất do nhiều nguyên nhân khác nhau (chẳng hạn như gặp khó khăn, thiếu kinh phí,…), mặc dù trước đó nó đã được công bố trên phương tiện truyền thông đại chúng và ấn định ngày bấm máy. Bài viết dưới đây tổng hợp 8 dự án phim Disney được nhiều khán giả mong đợi, nhưng đáng tiếc là chúng sẽ không hẹn ngày ra rạp. Tuy nhiên, chúng ta vẫn vững tin nếu chúng tái xuất, chúng ta sẽ là người đầu tiên xếp hàng đi xem.   1. Gigantic Phim hoạt hình ca nhạc được phóng tác từ truyện cổ tích Jack và cây đậu thần (Jack and the Beanstalk), kể về chàng trai trẻ Jack lạc bước vào thế giới của người khổng lồ trên những đám mây, kết bạn với cậu bé khổng lồ Imma, 11 tuổi, rồi hợp sức cùng nhau chống lại âm mưu thống trị thế giới của người Storm Giant. Bộ phim có sự tham gia của đạo diễn Nathan Greno (Tangled) và Meg LeFauve (Inside Out), cùng nhà soạn nhạc Kristen Anderson-Lopez và Robert Lopez (Frozen), dự kiến sẽ được công chiếu trong năm 2019, sau Frozen II. Tuy nhiên, năm 2017, Disney tuyên bố hủy bỏ dự án vì chậm tiến độ.   2. King of the Elves Bộ phim dựa trên truyện ngắn của nhà văn Phillip K. Dick, xoay quanh câu chuyện về một người đàn ông sinh sống tại vùng đồng bằng sông Mississippi, tìm thấy ý nghĩa của cuộc đời sau khi dấn thân vào chuyến hành trình đầy hiểm nguy, giúp bộ tộc yêu tinh chạy trốn khỏi gã khổng lồ độc ác, và được họ suy tôn lên làm vua. Ban đầu, việc sản xuất phim diễn ra suôn sẻ và dự kiến công chiếu vào năm 2012 – phim Frozen thậm chí bị dời lịch phát hành sang năm 2013. Tuy nhiên, sau đó, sản xuất đình trệ do nảy sinh vấn đề liên quan đến cốt truyện, và đạo diễn “nhảy” sang thực hiện dự án khác.   3. The Seven Dwarfs Vào những năm 2000, DisneyToon Studio lên kế hoạch thực hiện phần prequel (tiền truyện) cho phim hoạt hình kinh điển Snow White and the Seven Dwarfs (1937). Phim tiết lộ hoàn cảnh đưa bảy chú lùn đến với nhau và chung sống dưới một mái nhà, cùng âm mưu chiếm đoạt ngai vàng của mụ hoàng hậu độc ác. Sau này, trong quá trình sản xuất, phim chỉ xoáy sâu vào nhân vật chú lùn Dopey bị mất giọng sau khi chứng kiến mẹ mình qua đời. Câu chuyện nhuốm nhiều màu sắc u ám đến mức không còn phù hợp cho thiếu nhi, và phim bị ngừng quay vào năm 2006.   4. Newt Câu chuyện xoay quanh hai cá thể cuối cùng của loài sa giông chân xanh. Chúng vốn không ưa nhau, nhưng cứ bị các nhà khoa học ghép đôi để giúp duy trì nòi giống. Ban đầu, nhà làm phim dự định phát hành phim vào mùa hè năm 2011, nhưng sau gạch tên nó khỏi danh sách dự án phim sắp khởi quay mà không nói rõ lý do tại sao. Theo một số người suy đoán, nhà làm phim sở dĩ khai tử nó là vì muốn dồn sức vào dự án phim giàu triển vọng hơn, trong khi số khác cho rằng Newt có quá nhiều điểm tương đồng với phim Rio (2011).   5. Mort Phim hoạt hình được Disney chuyển thể từ tiểu thuyết cùng tên của nhà văn Terry Pratchett, có nội dung kể về một cậu bé được Thần Chết chọn làm người học việc. Tuy nhiên, trong lần đầu tiên được giao nhiệm vụ đi lấy mạng công chúa, cậu bé đã trúng tiếng sét ái tình và không làm tròn phận sự của mình, dẫn đến làm thay đổi lịch sử và chuỗi biến cố sau đó. Dự án bị hủy bỏ vì nhiều lý do. Đầu tiên, Disney không có ý định biến Thần Chết thành nhân vật chính. Thứ hai, dự án được chuyển nhượng cho Disney, nhưng Disney không có ý muốn bao thầu hết. Câu chuyện nghe khá hấp dẫn, và chúng ta hy vọng một ngày nào đó Tim Burton sẽ biến nó thành tác phẩm điện ảnh.   6. Wild Life Phim hoạt hình được sản xuất vào cuối những năm 1990, nhưng đến năm 2000 thì bị đình chỉ. Chủ hộp đêm tìm kiếm ngôi sao ca nhạc mới để giúp tăng danh tiếng cho hộp đêm của mình. Ella là một nàng voi biết hát, đến từ vườn thú địa phương, hứa hẹn trở thành ngôi sao của hộp đêm. Ella vốn tính tự ti, không tin tưởng vào bản thân cho đến một ngày cô bị điện giật bất tỉnh. Tỉnh dậy, cô tìm thấy sự tự tin và trở thành ca sĩ nhạc pop nổi tiếng. Vấn đề là bộ phim hóa ra không phải dành cho thiếu nhi. Phim tràn ngập cảnh “người lớn,” Roy Disney vừa mới nghe qua kịch bản đã vội hạ lệnh đình chỉ sản xuất ngay lập tức.   7. Dumbo II Dumbo II nối tiếp câu chuyện trong phần đầu bộ phim, kể về những chú thú

  Trong bối cảnh ngành công nghiệp 3D ngày càng phát triển mạnh mẽ, bạn càng cần bảo đảm tác phẩm của mình nổi bật giữa đám đông. Là họa sĩ 3D, bất kể trình độ của bạn đến đâu, 10 lời khuyên hữu ích dưới đây của chuyên gia sẽ giúp bạn nâng cao kỹ năng điều khiển cử chỉ, chuyển động nhân vật – một trong những yếu tố quan trọng góp phần tạo nên nhân vật hoạt hình chân thực, ấn tượng, đáng xem.   1. Nghiên cứu, tham khảo, ghi chép Nghiên cứu nhân vật theo nhiều cách khác nhau. Tập thói quen lập kế hoạch công việc. Quan sát người khác, đặc biệt người có nét giống nhân vật của bạn. Đại danh họa Picasso có câu nói bất hủ, “Good artists copy, great artists steal” (tạm dịch: Nghệ sĩ giỏi chỉ biết sao chép, nghệ sĩ vĩ đại thậm chí đánh cắp luôn). Bí quyết là đừng đánh cắp tác phẩm của người khác, mà hãy đánh cắp từ cuộc sống và biến nó thành một phần không thể thiếu trong kho tư liệu tham khảo của bạn.   2. Lưu ý khâu thiết kế chuyển động Hoạt hình là thiết kế chuyển động nhân vật. Bạn cần thiết kế chuyển động sao cho ăn nhập với cảnh phim. Thiết kế chuyển động trong hoạt hình đôi khi quá lố. Tập trung xác định các cử chỉ chuyển động như thế nào trong không gian, cố gắng phản ánh chúng sao cho tự nhiên, đẹp mắt nhất.   3. Khám phá sức mạnh của sự bất động Thay vì tạo chuyển động cho nhân vật, bạn tìm kiếm những khoảng khắc “dừng hình” trong hoạt hình, nơi sự bất động của nhân vật thường toát lên ý nghĩa khác ngoài cử chỉ, hành động. Trong phim live-action, khoảnh khắc ấn tượng mạnh mẽ nhất là khoảnh khắc bất động tinh tế. Hoạt hình đôi khi không cần sự quá lố.   4. Tìm hiểu không gian cử chỉ Không gian cử chỉ (gesture space) là phạm vi chuyển động của nhân vật. Nó nằm bên trong không gian cơ thể, bên ngoài, bên cạnh, hay bên dưới khuôn mặt? Cử chỉ có cần không gian rộng mở hay không? Hay nó chỉ là thành phần thứ yếu? Tìm kiếm khoảng thay đổi giữa các không gian cử chỉ – sự tương phản là công cụ tuyệt vời.   5. Cân nhắc sự tương phản Kết cấu và thời gian đóng vai trò quan trọng. Lột tả sự tương phản giữa cử chỉ thả lỏng với chuyển động nhanh. Phá vỡ tính đơn điệu, vì nó là kẻ thù của hoạt hình. Chuyển động có thể đơn điệu, nhưng cứ đơn điệu mãi sẽ dẫn đến nhàm chán, tẻ nhạt. Cân nhắc nơi bạn có thể phá vỡ cử chỉ đơn điệu.   6. Biến tấu cử chỉ rập khuôn Những cử chỉ như xoa cổ, chỉ tay,… từng một thời là ý tưởng thiên tài, nhưng đã bị dùng đi dùng lại nhiều lần trong hoạt hình đến mức biến thành rập khuôn, ai cũng thấy, cũng biết. Nếu bạn dự định dùng lại cử chỉ rập khuôn, hãy tìm cách biến tấu nó cho khác đi, cho trở thành nét đặc sắc riêng của mình.   7. Thêm đạo cụ Bạn thích ý tưởng trao đạo cụ vào tay nhân vật. Là họa sĩ hoạt hình, bạn cần tìm cách diễn tả cử chỉ cầm nắm, mang vác đạo cụ sao cho chân thực, tự nhiên nhất, làm cảnh phim toát lên sức lôi cuốn, hấp dẫn. Tránh lạm dụng hoặc “thêm mắm thêm muối” quá nhiều vào cảnh phim. Chỉ sử dụng đạo cụ như phương tiện nhấn mạnh cảnh phim mà thôi.   8. Sử dụng chuyển động của đầu Mỗi bộ phận trên cơ thể nhân vật đều có khả năng chuyển động; vì vậy, hãy thử tưởng tượng cử chỉ nhân vật sẽ như thế nào nếu anh ta không sử dụng tay. Nếu phải kể câu chuyện qua sử dụng chuyển động của đầu nhân vật, bạn sẽ làm gì? Bạn sẽ miêu tả ra sao? Dưới bao nhiêu góc độ? Khởi đầu từ đơn giản, rồi mới trau chuốt khi bạn hoạt hóa cử chỉ của đầu. Cân nhắc sức nặng của chuyển động.   9. Tránh những sai lầm phổ biến Sai lầm lớn nhất là quá nhiều, quá dư thừa. Càng ít càng tốt. Sai lầm tiếp theo là không trau chuốt đúng mức. Cần tạo vẻ chân thực, tự nhiên cho cử chỉ. Mỗi nhân vật – đồ chơi, con bọ, siêu anh hùng – có ngôn ngữ cử chỉ riêng, nên sẽ có cử chỉ khác nhau.   10. Tưởng tượng tương lai Tiếp theo sẽ là gì cho nhân vật hoạt hình? Hãy lưu tâm đến sự tương tác, khả năng chuyển động của quần áo, mái tóc,… Những công cụ ghi hình giúp nắm bắt dễ dàng hơn cử chỉ bàn tay, cách chuyển động của nhân vật. Hoạt hình là nơi bạn đẩy ý tưởng diễn xuất đi theo nhiều hướng khác nhau. Độc đáo, thú vị, đúng với nhân vật.   * Nguồn: creativebloq * Biên dịch: V.Toàn – Comic Media Academy

Phỏng vấn đạo diễn Hayao Miyazaki về phim hoạt hình gây tranh cãi The Wind Rises Bao năm qua, mỗi khi nhắc đến Hayao Miyazaki, fan hâm mộ đều nói bằng giọng kính phục. Với thiết kế nhân vật phong phú, đẹp mắt, chủ đề câu chuyện sâu lắng, những bộ phim hoạt hình của ông – trong đó có phim Spirited Away đoạt giải viện hàn lâm Nhật Bản – thường xuyên phá vỡ kỷ lục doanh thu phòng vé tại Nhật Bản. Vì vậy, chẳng có gì khó hiểu khi dư luận xôn xao về việc ông tuyên bố giã từ sự nghiệp sau khi cho ra mắt bộ phim cuối cùng The Wind Rises (Gió Nổi). Câu chuyện trong phim The Wind Rises không chỉ khác với những tác phẩm trước đây của ông, mà nó còn dấy lên tranh cãi trên toàn nước Nhật. Dựa trên nhân vật có thật trong lịch sử, The Wind Rises xoay quanh câu chuyện về mối tình đẫm nước mắt của chàng kỹ sư máy bay Jiro Horikoshi trong bối cảnh xã hội Nhật Bản vào những năm đầu Thế chiến thứ hai. Được đề cử giải Oscar, The Wind Rises chủ yếu được trình chiếu tại Mỹ, do ông biết trước nó sẽ vấp phải làn sóng tranh cãi dữ dội tại quê hương ông. Trong cuộc phỏng vấn với Dan Sarto, nhà phát hành kiêm tổng biên tập của Animation World Network, Hayao Miyaki chia sẻ cảm xúc và lý do tại sao mình viết câu chuyện này, cũng như những khó khăn, thử thách mà ông phải đối mặt trong quá trình làm phim. Dan Sarto: Tại sao ông sáng tác câu chuyện này? Câu chuyện có gì hấp dẫn đến mức thôi thúc ông vẽ manga, làm phim về nó? Hayao Miyazaki: Ban đầu, tôi vẽ manga như một sở thích. Nhà sản xuất Suzuki xem qua nó, rồi nói, “Tại sao anh không dựng thành phim?” nhưng tôi nhiều lần từ chối với lý do dựng thành phim sẽ không hay lắm. Bộ phim phù hợp cho người lớn hơn là trẻ em. Bên cạnh đó, ê-kíp được tuyển vào làm việc tại Studio Ghibli không am hiểu nhiều về lịch sử. Tôi nghĩ sẽ mất nhiều thời gian dạy lịch sử cho họ. Vẽ máy bay thời xưa cũng là thử thách không nhỏ. Tuy nhiên, sau nhiều lần bàn bạc, cân nhắc kỹ lưỡng, cuối cùng, tôi và nhà sản xuất đã đi đến quyết định dựng thành phim. Dan Sarto: Chủ đề câu chuyện có điểm đặc biệt nào khiến ông tâm đắc và mong muốn dựng thành phim? Hayao Miyazaki: Tôi nhớ mình lớn lên trong những năm tháng cuối cùng của Thế chiến thứ hai. Cha mẹ tôi sống vào thời trước khi Nhật Bản tham gia Thế chiến thứ hai. Tôi không biết gì nhiều về những chuyện xảy ra trong giai đoạn này, ngoại trừ hai người mà tôi quan tâm nhất, Jiro Horikoshi và Hori Tatsuo. Tôi chứng kiến cả hai trải qua nhiều đau khổ và bi kịch trong chiến tranh. Tôi biến họ thành nhân vật chính trong bộ phim của mình. Dan Sarto: Ban đầu, ông từ chối dựng thành phim với lý do nó không phù hợp. Bây giờ, câu chuyện đã được dựng thành phim, ông nghĩ bọn trẻ có yêu thích nó hay không? Bộ phim có ý nghĩa đối với trẻ em và người lớn hay không? Hayao Miyazaki: Một thành viên trong ê-kíp nói cho dù hiện tại bọn trẻ chưa hiểu ý nghĩa của bộ phim, nhưng một khi bộ phim đã in sâu vào tâm trí chúng, một ngày nào đó chúng sẽ hiểu thôi. Tôi nói đùa với ê-kíp rằng làm xong bộ phim này là chúng tôi đang tự đào huyệt chôn mình [cười]. Dan Sarto: Thật may là làm xong bộ phim, ông chưa phải đào cái huyệt nào cả. Xin ông cho biết những khó khăn, thử thách mà ông và ê-kíp gặp phải trong quá trình làm phim? Hayao Miyazaki: Thứ nhất, bộ phim kể về thời kỳ khác hẳn với thời đại chúng ta sống hiện nay. Người Nhật Bản thời đó có cách đi đứng, ăn mặc khác hẳn với bây giờ. Ví dụ, ở nhà, họ ngồi trên chiếu tatami, ra đường, họ mặc kimono. Chúng tôi cần tìm hiểu cặn kẽ lối sống của họ. Chúng tôi sử dụng những bức ảnh cũ làm tư liệu tham khảo. Chúng tôi cố tưởng tượng Nhật Bản có diện mạo ra sao vào thời kỳ không ô nhiễm không khí như hiện nay. Đó là một trong những thử thách lớn nhất mà chúng tôi gặp phải trong quá trình làm phim. Nói về bản thân, năm 40 tuổi, tôi đã đạt được điều mình hằng mong ước từ thuở nhỏ. Sau đó, thử thách lớn nhất là phải tìm kiếm câu chuyện có chủ đề thật hay để dựng thành phim. Nó giống như mò mẫm đi trong phòng tối, không biết mình sẽ đi đến đâu. Dan Sarto: Tôi tin chắc trong mấy tháng qua có cả ngàn người hỏi ông câu hỏi này, và giờ tôi xin mạn phép làm người thứ 1001 hỏi lại ông câu hỏi đó. Tôi nghe có người đồn đoán đây sẽ là bộ phim cuối cùng trong sự nghiệp của ông. Tuy nhiên, tôi cũng nghe có người nói điều ngược lại. Vậy xin cho tôi hỏi đây có phải là bộ phim cuối cùng của ông hay không? Ông có dự định giải nghệ hay không? Hayao Miyazaki: Tại buổi họp báo, tôi lẽ ra không nên nói với mọi người rằng mình sẽ giải nghệ. Những người hiểu tôi nhất định sẽ không tin lời tôi [cười]. Tôi nghĩ Wind Rises sẽ không phải là bộ phim cuối cùng khi tôi bấm máy. Tôi chỉ nghĩ, “Đây sẽ là

Ngành công nghiệp anime cạnh tranh khốc liệt. Mức lương trung bình có thể khá thấp. Muốn biết mức lương thấp đến mức độ nào, chúng ta hãy xem qua bài phân tích dưới đây. Năm 2018, Hiệp hội tác giả hoạt hình Nhật Bản (Japanese Animation Creators Association) công bố kết quả khảo sát mức lương và độ tuổi trung bình của người đảm nhận những công việc khác nhau trong ngành công nghiệp anime tại Nhật Bản. Biểu đồ dưới đây của họa sĩ hoạt hình Thomas Romain giúp giải thích cặn kẽ hơn mối quan hệ giữa những công việc này: Hơn 750 người (60% nam, 40% nữ) tham gia cuộc khảo sát, và sau đây là kết quả: Series Director (đạo diễn series phim) Độ tuổi trung bình: 42 Mức lương trung bình hàng tháng: 540.833 yên Nhật (4.878 USD) Mức lương trung bình hàng năm: 6,490,000 yên Nhật (58.540 USD)   Chief Animation Director (đạo diễn hình ảnh chính) Độ tuổi trung bình: 43 Mức lương trung bình hàng tháng: 470.000 yên Nhật (4.239 USD) Mức lương trung bình hàng năm: 5.640.000 yên Nhật (50.873 USD) Producer (nhà sản xuất) Độ tuổi trung bình: 39 Mức lương trung bình hàng tháng: 451.667 yên Nhật (4.074 USD) Mức lương trung bình hàng năm: 5.420.000 yên Nhật (48.888 USD)   Character Designer (họa sĩ thiết kế nhân vật) Độ tuổi trung bình: 38 Mức lương trung bình hàng tháng: 425.000 yên Nhật (3.833 USD) Mức lương trung bình hàng năm: 5.100.000 yên Nhật (45.997 USD)   Animation Director (đạo diễn hình ảnh) Độ tuổi trung bình: 38 Mức lương trung bình hàng tháng: 327.500 yên Nhật (2.954 USD) Mức lương trung bình hàng năm: 3.930.000 yên Nhật (35.445 USD)   3DCG Animator (họa sĩ 3D) Độ tuổi trung bình: 34 Mức lương trung bình hàng tháng: 320.000 yên Nhật (2.886 USD) Mức lương trung bình hàng năm: 3.840.000 yên Nhật (34.629 USD)   Episode Director (đạo diễn tập phim) Độ tuổi trung bình: 41 Mức lương trung bình hàng tháng: 316.667 yên Nhật (2.856 USD) Mức lương trung bình hàng năm: 3.800.000 yên Nhật (34.268 USD)   Storyboarder (họa sĩ vẽ storyboard) Độ tuổi trung bình: 49 Mức lương trung bình hàng tháng: 310.000 yên Nhật (2.795 USD) Mức lương trung bình hàng năm: 3.720.000 yên Nhật (33.546 USD)   Art Director (giám đốc nghệ thuật) Độ tuổi trung bình: 35 Mức lương trung bình hàng tháng: 285.000 yên Nhật (2.570 USD) Mức lương trung bình hàng năm: 3.420.000 yên Nhật (30.841 USD)   Color Designer (họa sĩ thiết kế màu sắc) Độ tuổi trung bình: 38 Mức lương trung bình hàng tháng: 278.333 yên Nhật (2.510 USD) Mức lương trung bình hàng năm: 3.340.000 yên Nhật (30.118 USD)   Cinematographer (đạo diễn hình ảnh kiêm quay phim) Độ tuổi trung bình: 34 Mức lương trung bình hàng tháng: 265.833 yên Nhật (2.397 USD) Mức lương trung bình hàng năm: 3.190.000 yên Nhật (28.765 USD)   Production Assistant (trợ lý sản xuất) Độ tuổi trung bình: 30 Mức lương trung bình hàng tháng: 257.000 yên Nhật (2.317 USD) Mức lương trung bình hàng năm: 3.090.000 yên Nhật (27.865 USD)   Key Animator (họa sĩ chính) Độ tuổi trung bình: 36 Mức lương trung bình hàng tháng: 235,000 yên Nhật (2.119 USD) Mức lương trung bình hàng năm: 2.820.000 yên Nhật (25.430 USD)   Inbetween Checker (họa sĩ kiểm tra khung hình trung gian) Độ tuổi trung bình: 35 Mức lương trung bình hàng tháng: 217.500 yên Nhật (1.961 USD) Mức lương trung bình hàng năm: 2.610.000 yên Nhật (23.531 USD)   Layout Artist (họa sĩ layout) Độ tuổi trung bình: 38 Mức lương trung bình hàng tháng: 195.000 yên Nhật (1.758 USD) Mức lương trung bình hàng năm: 2.340.000 yên Nhật (21.097 USD)   Paint Staff (bộ phận tô màu) Độ tuổi trung bình: 26 Mức lương trung bình hàng tháng: 162.000 yên Nhật (1.460 USD) Mức lương trung bình hàng năm: 1.950.000 yên Nhật (17.581 USD)   2nd Key Animation/Clean-Up (họa sĩ lọc nét) Độ tuổi trung bình: 27 Mức lương trung bình hàng tháng: 93.333 yên Nhật (841 USD) Mức lương trung bình hàng năm: 1.120.000 yên Nhật (10.097 USD)   Inbetween Staff (bộ phận chèn khung hình trung gian) Độ tuổi trung bình: 24 Mức lương trung bình hàng tháng: 92.500 yên Nhật (833 USD) Mức lương trung bình hàng năm: 1.110.000 yên Nhật (10.007 USD)   Những người nắm giữ cương vị chủ chốt như đạo diễn series phim hoạt hình có mức lương khá cao, nhưng chẳng đáng là bao so với thu nhập của đạo diễn series phim truyền hình và nhà làm phim Hollywood. Nhìn xuống những người hưởng lương thấp hơn, bạn hẳn sẽ “sốc” khi thấy có người thậm chí không kiếm nổi mức lương tối thiểu. Theo tờ báo Mainichi News, mức lương tối thiểu tại nhiều xưởng phim hoạt hình ở Nhật Bản (dao động tùy theo từng nơi) cao nhất là là 907 yên Nhật (8,18 USD)/giờ. Như vậy, đối với công việc lương thấp, bạn phải làm việc nhiều hơn mới mong kiếm được mức lương tối thiểu. Một thực tế thật đáng buồn! NHK cụ thể hóa mức lương của họa sĩ hoạt hình bằng câu chuyện sau: Họa sĩ hoạt hình được trả 200 yên Nhật (1,8 USD) cho mỗi bức vẽ.  Mỗi ngày họ có thể vẽ tới 20 bức vẽ.  Lương hàng tháng là 107.833 yên Nhật (972 USD)  Ngày làm việc 11 tiếng, nghỉ 4 ngày.  Và thật đáng buồn hơn nữa khi bạn thấy số lượng anime ra mắt ngày càng nhiều hơn trước, nhưng đâu đó trong ngành công nghiệp anime vẫn còn những người hưởng mức lương không đủ sống.   * Nguồn: kotaku * Biên dịch: V.Toàn – Comic Media Academy

  Khi bạn sáng tác câu chuyện, trong câu chuyện luôn có nhân vật truyền cảm hứng mạnh mẽ tới bạn. Nhân vật này ắt hẳn là nhân vật chính phải không nào? Người mà bạn sẽ theo chân anh ta đi suốt chiều dài câu chuyện và có ý nghĩa đối với bạn nhất? Không, người đó chính là nhân vật phản diện. Nhân vật phản diện không chỉ truyền cảm hứng, mà còn cho phép bạn đi sâu khám phá những góc khuất đen tối trong tâm hồn con người để từ đó cho ra đời những nhân vật xấu xa, độc ác đến khó tưởng. Sau đây là 9 yếu tố giúp bạn xây dựng nhân vật như vậy:   1. CÁI BÓNG CỦA NHÂN VẬT CHÍNH Mối quan hệ giữa nhân vật chính và nhân vật phản diện đóng vai trò chủ đạo trong câu chuyện, vì nó là nguồn gốc của mọi mâu thuẫn. Nhân vật chính sẽ không có cơ hội tỏa sáng nếu như không có nhân vật phản diện gây rắc rối cho anh ta. Không vướng vào rắc rối, nhân vật chính sẽ khó lòng nhận ra điểm yếu của bản thân và tìm cách khắc phục. Nhân vật phản diện là hiện thân cho điểm yếu “chí mạng” của nhân vật chính. Nhân vật phản diện là CÁI BÓNG của nhân vật chính – tấm gương phản ánh chuyện gì sẽ xảy ra nếu nhân vật chính lầm đường lạc lối. Cả hai nhân vật cùng đối mặt với một vấn đề, nhưng theo cách khác nhau. Ví dụ, nhân vật phản diện Darth Vader là cái bóng của người hùng Luke.   2. THỦ ĐOẠN TẤN CÔNG Trong nỗ lực ngăn cản nhân vật chính đạt được mục tiêu, nhân vật phản diện sẽ ra sức tấn công nhân vật chính trên ba cấp độ: 1) quan hệ cá nhân 2) quan hệ xã hội và 3) tinh thần. Ở cấp độ quan hệ cá nhân, nhân vật phản diện sẽ tấn công bạn bè, người thân,… của nhân vật chính. Ở cấp độ quan hệ xã hội, nhân vật phản diện sẽ tấn công cộng đồng của nhân vật chính. Ở cấp độ tinh thần, nhân vật phản diện sẽ bạo hành tinh thần nhân vật chính. Vì là người chuyên tấn công điểm yếu “chí mạng” của nhân vật chính, nhân vật phản diện phải có thủ đoạn tấn công trên ít nhất hai cấp độ.   3. ĐIỂM YẾU Nhân vật phản diện tất nhiên cũng phải có điểm yếu, nhưng điểm yếu ở đây không đại loại là “Anh ta khoái hành hạ rùa trước mỗi bữa ăn sáng,” “Anh ta có sở thích ướp bướm khô,” hoặc “Anh ta thích giết người.” Đây là những hành động độc ác, CHỨ KHÔNG PHẢI điểm yếu. Lấy ví dụ trong phim, nhiều nhân vật phản diện làm việc xấu mà không cần lời giải thích lý do TẠI SAO. Họ làm vậy vì lý do khá đơn giản: điểm yếu của con người! Những hành động độc ác của họ – từ nhỏ nhặt như trộm cắp đến kinh thiên động địa như tàn sát cả hành tinh – đều bắt nguồn từ ĐIỂM YẾU CỦA CON NGƯỜI. Cùng như nhân vật chính, nhân vật phản diện cần có những khiếm khuyết trong tâm hồn. Ví dụ, tiên hắc ám Maleficent tuy thuộc chủng tộc rồng, nhưng vẫn có điểm yếu như con người.   4. MỤC TIÊU Cũng như vật vật chính trong câu chuyện, nhân vật phản diện cần có những mục tiêu cho riêng mình: ngăn cản nhân vật chính đạt được mục tiêu hoặc cố đạt mục tiêu khác với nhân vật chính. Nhân vật phải là trở lực lớn nhất đối với nhân vật chính, khiến nhân vật chính phải vất vả, khó khăn lắm mới đạt được điều mình muốn.   5. ĐỘNG CƠ BÊN NGOÀI Nhân vật phản diện sở dĩ được nhiều người ủng hộ là vì anh ta chẳng bao giờ nói ra động cơ thật sự của mình. Anh ta luôn tạo bức bình phong che đậy con người thật của mình. Anh ta muốn tỏ vẻ như mình là người tốt. Anh ta bóp méo khái niệm thiện ác để bao biện cho động cơ xấu xa của mình. Anh ta không coi những việc làm xấu xa của mình là trái luân thường đạo lý. Anh ta khiến khiến mọi người lầm tưởng là người tốt. Ví dụ, Gothel là bà mẹ yêu thương, bảo bọc con gái, nhưng như bạn biết đấy, bà chính là hung thủ đâm trọng thương Flynn. Động cơ bên ngoài tuy không đứng vững dưới góc độ lôgic và đạo đức, nhưng nó cho nhân vật phản diện cái lý để làm những việc trái luân thường đạo lý  – và điều này góp phần tăng thêm sức lôi cuốn, hấp dẫn cho câu chuyện.   6. CÁI LÝ CỦA KẺ XẤU Nhân vật chính cần nghiệm ra chân lý nào đó để giúp anh ta điều chỉnh cuộc sống, khắc phục điểm yếu, và xua tan bóng ma quá khứ. Đó là chân lý về “cách sống tốt” – điều bạn muốn chứng minh qua câu chuyện của mình. Nhân vật phản diện có suy nghĩ khác hẳn. Anh ta không đồng tình với chân lý đó và đưa ra cái lý của mình, “sống là phải biết hưởng thụ.” Ví dụ, Voldmort nói, “Không có thiện ác, chỉ có quyền lực, và những kẻ quá nhu nhược mới không mưu cầu quyền lực.” Mặc dù cái lý của Voldmort không mang tính thuyết phục cho lắm, nhưng nó phản ánh đúng suy nghĩ trong đầu kẻ xấu.   7. VẺ NGOÀI Vẻ ngoài của nhân vật phản diện được phản ánh qua diện mạo, cách ăn nói, cách hành xử, địa vị và quyền lực. Nhân

  Hai liên hoan đầy sức sống của Hà Lan– liên hoan Hoạt hình KLIK tại TP Amsterdam và Liên hoan hoạt hình Holland tại TP Utrecht sẽ cùng hợp tác để tạo ra một lễ hội mới cho hoạt hình, diễn ra từ ngày 9 đến 17 tháng 11. Sự kiện đình đám từ cái bắt tay của hai thành phố sẽ mang tên Lễ hội hoạt hình Kaboom, diễn ra ở cả Utrecht và Amsterdam. Mới mẻ và hoành tráng, Kaboom sẽ mang đến những câu chuyện đầy màu sắc về gia đình và trẻ em. Từ ngày 9 đến 12 tháng 11, Kaboom Kids sẽ diễn ra ở nhiều địa điểm khác nhau ở Utrecht và tập trung hoàn toàn vào hoạt hình cho trẻ em và gia đình. Du khách sẽ gặp mặt trực tiếp các nhân vật hoạt hình mình yêu thích, bao gồm Shaun the Sheep, Wallace & Gromit  – phim hoạt hình hài trẻ em của Anh và sản xuất theo công nghệ hoạt hình búp bê, Elle, Oscar & Hoo – chương trình hoạt hình của Pháp. Bên cạnh đó, người tham dự lễ hội còn được thưởng thức các buổi chiếu phim độc quyền ở Utrecht, tham gia các hội thảo khác nhau, gặp gỡ những tài năng mới từ các trường nghệ thuật ở Hà Lan… Sau đó, từ ngày 13 đến 17 tháng 11, Kaboom chuyển đến Westergas ở Amsterdam, tiếp tục mang đến những sự kiện thú vị liên quan đến  hoạt hình. Lễ hội sẽ có các buổi ra mắt, chương trình trao giải, triển lãm, thảo luận của các diễn giả quốc tế, chiếu phim….   * Nguồn: awn * Biên dịch: Mita – Comic Media Academy

    [1] Nhân vật dám nghĩ dám làm đáng ngưỡng mộ hơn nhân vật thành đạt.   [2] Đừng quên những gì thú vị đối với người viết không có nghĩa chúng cũng sẽ hấp dẫn người xem. Chúng khác nhau xa lắm!   [3] Cần thử nghiệm chủ đề sáng tác, nhưng viết đến cuối câu chuyện mới biết nó thật sự kể về điều gì, thì bạn nên viết lại là vừa.   [4] Ngày xửa ngày xưa, có______________. Hằng ngày,_________. Một ngày nọ_____________. Vì vậy,______________. Cuối cùng____________.   [5] Đơn giản. Tập trung. Kết hợp nhân vật. Tránh lòng vòng. Bạn cảm thấy như đang đánh mất thứ gì đó quý giá; nhưng bù lại, bạn được giải thoát khỏi sự ràng buộc.   [6] Nhân vật có thế mạnh và sở trường gì? Hãy thay bằng điểm yếu và sở đoản của anh ta. Thách thức anh ta, xem anh ta xoay sở như thế nào?   [7] Nghĩ ra phần kết, rồi mới đi vào phần giữa câu chuyện. Nghiêm túc mà nói, phần kết là phần khó nhất, nên cần ưu tiên giải quyết trước.   [8] Viết xong câu chuyện là thôi cho dù nó vẫn còn đầy thiếu sót, rồi đi tiếp. Cố gắng làm tốt hơn trong lần sau.   [9] Khi bạn rơi vào thế bí, hãy lập danh sách những tình tiết sẽ không xảy ra… nó nhiều khi sẽ giúp bạn thoát khỏi thế bí.   [10] Lôi những câu chuyện ưa thích ra đọc. Nhận diện điều bạn yêu thích trong câu chuyện, rồi vận dụng chúng vào sáng tác của mình.   [11] Viết câu chuyện ra giấy để tiện bề chỉnh sửa. Ý tưởng tâm đắc nếu không được bạn chia sẻ với ai, nó sẽ vẫn “ngủ yên” trong đầu bạn.   [12] Đừng vội chộp lấy ý tưởng đầu tiên nảy ra trong đầu. Bạn sẽ ngạc nhiên khi thấy ý tưởng thứ hai, thứ ba, thứ tư, thứ năm,… sẽ lần lượt xuất hiện.   [13] Tạo cá tính cho nhân vật. Bạn có lẽ yêu thích tuýp nhân vật ngoan hiền, thụ động, dễ bảo, nhưng nó sẽ là “liều thuốc độc” đối với độc giả.   [14] Bạn sáng tác câu chuyện bằng niềm tin cháy bỏng nào trong bạn? Niềm tin cháy bỏng góp phần làm nên linh hồn của câu chuyện.   [15] Nếu muốn thấu hiểu tâm can nhân vật trong hoàn cảnh nhất định, bạn hãy đặt mình vào vị trí của anh ta.   [16] Nhân vật vấp phải khó khăn, trở ngại nào? Cho độc giả lý do để động viên, khích lệ nhân vật khi anh ta thất bại.   [17] Chẳng có gì là lãng phí. Nếu hiện tại nó vô dụng, cứ để đó, rồi đi tiếp – Sau này quay lại, biết đâu nó sẽ hữu ích thì sao?!   [18] Bạn cần hiểu rõ sự khác biệt giữa làm việc hết sức mình với làm việc thái quá. Kể chuyện là sự thử nghiệm, chứ không phải sự trau chuốt.   [19] Nhân vật vướng vào rắc rối do sự trùng hợp ngẫu nhiên, nhưng sẽ thật giả tạo nếu nhân vật thoát khỏi rắc rối cũng do sự trùng hợp ngẫu nhiên.   [20] Đem bộ phim bạn không thích ra mổ xẻ, phân tích. Bạn có cách dàn dựng lại bộ phim theo đúng ý mình được không?   [21] Bạn sẽ không thể sáng tác được câu chuyện hay nếu như không có khả năng đồng cảm với nhân vật.   [22] Điểm mấu chốt của câu chuyện là gì? Nếu nắm được nó, bạn có thể dựa vào đó để sáng tác câu chuyện.

    1. Storyboard là gì? Storyboard là bản vẽ phác thảo cảnh quay trong kịch bản phim. Sau khi hoàn thành, storyboard giống như một quyển truyện tranh, nhưng không có lời thoại. Vẽ storyboard là một phần của công đoạn tiền kỳ, bao gồm viết logline, phát triển nhân vật, viết kịch bản, và thiết kế âm thanh.   2. Lịch sử ra đời Walt Disney là người có công khai sinh storyboard hiện đại. Năm 1933, kịch bản phim “The Three Little Pigs” (Ba chú heo con) hoàn toàn được vẽ dưới dạng storyboard. Trước kia, các họa sĩ hoạt hình tại Warner Brothers thường viết những mẩu chuyện rời rạc, rồi tìm cách gắn kết chúng thành câu chuyện mạch lạc. Ngày nay, storyboard phổ biến trong những xưởng phim hoạt hình lớn và ngành công nghiệp game.   3. Storyboard trong phim live action Vào cuối thập niên 30 của thập kỷ trước, David Selznik thuê William Menzies vẽ storyboard cho bộ phim “Gone With the Wind” (Cuốn theo chiều gió). Orson Welles, Howard Hughes, và Alfred Hitchcock tiếp bước theo sau, thuê người vẽ storyboard cho những tác phẩm điện ảnh. Ngày nay, hầu hết đạo diễn nổi tiếng như Stephen Spielberg, George Lucas, anh em nhà Cohen,… đều thuê người vẽ storyboard cho tác phẩm điện ảnh.   4. Dự án nhóm Hầu hết dự án sản xuất phim là dự án nhóm. Storyboard là công cụ truyền đạt mục tiêu của dự án đến tất cả thành viên trong nhóm. Khi thực hiện dự án cá nhân, họa sĩ cũng vẫn muốn thông qua storyboard để hoạch định dự án, chọn lựa góc quay, định thời (timing),…   5. Lợi ích Tiết kiệm thời gian thảo luận. Cho phép mọi người chia sẻ ý tưởng trên tinh thần bình đẳng và thúc đẩy sự đồng lòng, nhất trí. Tạo điều kiện thuận lợi cho chọn lựa giải pháp thay thế. Hiệu quả, kinh tế, chính xác. Tạo sự gắn kết giữa các bộ phận, phòng ban. Giúp phát hiện sớm vấn đề tiềm ẩn trước khi chúng phát sinh. Duy trì tính nghệ thuật, tính thẩm mỹ, và tính nhất quán về mặt hình ảnh. Có cái để nói chuyện với nhà tài trợ dự án.   6. Thiết kế âm thanh Tiếp sau công đoạn vẽ storyboard là công đoạn ghi âm. Công đoạn ghi âm thường được thực hiện trước tiên, kế đến là công đoạn hoạt hóa (animation) sao cho hình ảnh ăn khớp với âm thanh. Storyboard giúp diễn viên nắm vai diễn qua phần ghi âm. Phần ghi âm bao gồm lời thoại, thuyết minh, hiệu ứng âm thanh, và âm nhạc.   7. Animatic Animatic là bước kết hợp storyboard với audio track để kiểm tra phần timing. Thỉnh thoảng, animatic còn kèm theo hoạt hình 2D đơn giản hoặc chuyển động camera. Hiện nay, nhiều storyboard còn được lồng thêm cả hoạt hình và mô hình 3D đơn giản.   8. Tính dễ hiểu Thông thường, bạn cần chỉnh sửa phần hình ảnh nếu dự án có chỗ khó hiểu đối với người xem. Thông thường, bạn cần chỉnh sửa phần âm thanh nếu dự án không mang lại cảm xúc cho người xem. Cố gắng vẽ storyboard sao cho người xem không cần đọc lời thoại mà vẫn hiểu được câu chuyện.   9. Tôi có cần phải là họa sĩ hay không? Vẽ là một phần không thể thiếu trong portfolio của bạn. Nhiều công việc đòi hỏi bạn phải có kỹ năng vẽ ở mức độ nhất định. Hầu hết trường mỹ thuật đều yêu cầu học viên (thậm chí cả vẽ 3D) phải biết vẽ. Tại nhiều trường mỹ thuật, bạn phải vượt qua khóa học vẽ người mẫu thì mới được phép theo học hoạt hình.   10. Trang storyboard Storyboard thường là những bản vẽ phác thảo trên thẻ chỉ mục (4” x 6”) cho dễ thêm bớt, xáo trộn thứ tự khung hình. Sau khi xây dựng xong câu chuyện, họa sĩ vẽ hình thu nhỏ (thmbnail) vào 9 – 12 khung trên trang storyboard. Sau khi hoàn thành, production storyboard thường chỉ có 1 – 3 khung trên mỗi trang. Khung lớn dành cho pan và truck (giải thích sau). Production storyboard cần bao gồm action và lời thoại.   11. Góc quay Luôn sử dụng loạt cảnh quay từ nhiều góc quay khác nhau, mỗi góc quay hiếm khi kéo dài quá vài giây. Cố gắng tìm kiếm góc quay ấn tượng, thay vì trực diện.   12. Tiêu điểm Luôn đặt câu hỏi, “Mình muốn hướng sự chú ý của người xem vào đâu?” Sắp xếp các thành phần hình ảnh sao cho chúng dễ đập vào mắt người xem. Trong hầu hết trường hợp, không nên đặt chủ thể chính (tiêu điểm) ở ngay giữa khung hình Áp dụng quy tắc 1/3 để kẻ đường chia khung hình ra thành 9 phần. Cố gắng đặt chủ thể chính (tiêu điểm) tại một trong bốn giao điểm (trái trên, phải trên, trái dưới, phải dưới).   13. Vị trí đặt đường chân trời Trong địa lý, đường chân trời là đường giao nhau giữa bầu trời và mặt đất. Trong nghệ thuật, đường chân trời là đường tầm mắt. Trong cảnh ngoài trời, đường chân trời và đường tầm mắt có thể không phải là một. Đừng bao giờ để đường chân trời chia đôi khung hình. Trong hầu hết trường hợp, nên hạ đường chân trời thấp xuống. Đường chân trời chia đôi khung hình     14. Ống kính camera và phối cảnh Bạn cần hiểu rõ điểm khác biệt giữa các loại ống kính camera. Trong 3D, ống kính góc rộng hoặc ống kính tele tỏ ra phù hợp hơn cả. Kích cỡ ống kính thường được đo bằng đơn vị mm. Ống kính góc rộng: khoảng 12 mm. Ống kính tiêu

  Thomas Edison có câu nói nổi tiếng, “Thiên tài 1% là cảm hứng và 99% là mồ hôi.” Nhà làm phim đưa câu nói đi xa hơn, “Bộ phim xuất sắc 1% là ý tưởng và 99% là chuẩn bị.” Thực tế cho thấy đạo diễn tài giỏi đến mấy cũng không thể cho ra đời bộ phim xuất sắc nếu bỏ qua bước chuẩn bị cần thiết cho quá trình làm phim. Đạo diễn thường vì quá say sưa với ý tưởng tâm đắc, nên vội lao ngay vào sản xuất càng nhanh càng tốt. Đây là cái bẫy mà nhiều người mắc phải, từ sinh viên trường điện ảnh cho đến nhà làm phim Hollywood. Say sưa với ý tưởng tâm đắc đến mức chỉ muốn cả thế giới biết ngay đến nó cũng giống như ngồi sau tay lái trong tình trạng say rượu. Nó thật không phải là ý hay chút nào. Làm phim là một chuyến hành trình phức tạp, và nhiệm vụ của bạn là lèo lái con thuyền ý tưởng đến đích thành công. Nào bạn hãy uống tách cà phê cho đầu óc tỉnh táo, rồi thực hiện bước chuẩn bị cho chuyến hành trình ngay thôi. Giai đoạn tiền sản xuất (pre-production) là quá trình chuẩn bị mọi thứ cần thiết trước khi bấm máy hầu bảo đảm giai đoạn sản xuất diễn ra suôn sẻ, thuận lợi. Giai đoạn tiền sản xuất kéo dài từ vài tuần đến cả mấy tháng, bao gồm các bước lập kế hoạch, tuyển người, đầu tư trang thiết bị,… Tất cả phải được thực hiện nghiêm túc, kỹ lưỡng. Giai đoạn tiền sản xuất thường bắt đầu sau khi bạn biến ý tưởng tâm đắc thành kịch bản phim hoàn chỉnh. Sau đây là danh sách liệt kê 13 việc bạn cần làm trong giai đoạn tiền sản xuất. Những việc cần làm không phải lúc nào cũng mang tính bắt buộc, và bạn không nhất thiết làm theo đúng trình tự trong danh sách. Nhà làm phim có thể dựa vào danh sách này để chuẩn bị mọi thứ cần thiết trước khi bắt tay vào sản xuất video, phim quảng cáo, phim truyện,…   1. Thành lập ê-kíp (Phần 1) Tìm người tận tâm, mẫn cán, và đáng tin cậy để đưa vào ê-kíp sản xuất. Nếu thành lập ê-kíp theo cách này, bạn sẽ ưu tiên bạn bè và người thân rồi mới đến đồng nghiệp. Ngoài ra, bạn cũng cần đến nhà sản xuất, vì anh ta sẽ chia sẻ công việc chuẩn bị mọi thứ cần thiết trước khi bấm máy. Giai đoạn tuyển người vào những vị trí quan trọng trong ê-kíp sẽ tiếp thêm cho bạn nghị lực để tiến lên phía trước. Mỗi cá nhân thường có thể đảm nhận nhiều vai trò và công việc khác nhau; ví dụ, diễn viên hoặc giám đốc hình ảnh có thể kiêm luôn công việc của nhà sản xuất. Bạn sẽ như hổ mọc thêm cánh khi quy tụ được dưới trướng những cộng sự cùng chung chí hướng, mục tiêu thực hiện dự án.   2. Chuyển kịch bản phim thành storyboard Bước kế tiếp là chuyển kịch bản phim thành storyboard. Storyboard là kịch bản phim được minh họa bằng hình ảnh sinh động, dễ hiểu giống như truyện tranh. Chúng cho thấy diện mạo từng cảnh quay, từng cảnh phim sau khi biên tập. Đứng dưới góc độ ấn tượng ban đầu, storyboard cho bạn thấy kịch bản phim sẽ trông ra sao khi được chuyển thành hình ảnh. Tuy nhiên, đứng dưới góc độ thực tiễn, storyboard cho bạn khả năng truyền đạt bằng hình ảnh ý tưởng trong đầu đến diễn viên và ê-kíp. Storyboard không đơn thuần là công cụ trực quan, nó còn có khả năng làm thay đổi lộ trình. Nếu kịch bản phim là sách hướng dẫn, storyboard là bản đồ chỉ đường.   3. Lập danh sách cảnh quay Trước khi bấm máy, bạn cần xác định mỗi cảnh quay sẽ được dàn dựng ra sao, camera sẽ chuyển động như thế nào cho từng cảnh cắt, cùng nhiều chi tiết quan trọng khác. Lập danh sách cảnh quay (shot list) là cách giúp dự toán kinh phí sản xuất, lên lịch quay phim, đầu tư trang thiết bị cần thiết,… trong giai đoạn tiền sản xuất. Bên cạnh đó, nó còn giúp tổ chức sản xuất và bảo đảm quay đủ số cảnh cần thiết cho dự án.   4. Phân tích kịch bản Bạn phân tích kịch bản (script breakdown) để biết mình cần gì trong quá trình sản xuất. Kiểm kê tất cả mọi thứ cần thiết như đạo cụ, phục trang, camera, ống kính, thiết bị âm thanh, nguồn cấp điện, địa điểm quay phim, diễn viên, thành viên trong ê-kíp,… Quá trình kiểm kê cần chi tiết và tỉ mỉ, tốt nhất không nên làm một mình để tránh bỏ sót. Mời các trưởng bộ phận cùng tham gia sẽ giúp kiểm kê hiệu quả hơn và mở ra những cơ hội không ngờ đến. Hãy dành nhiều thời gian cho bước chuẩn bị này, vì nó thật sự cần thiết trong giai đoạn tiền sản xuất.   5. Lên lịch quay phim Lịch quay phim ảnh hưởng sâu sắc tới kinh phí sản xuất và sự phân bổ nguồn lực. Nếu địa điểm quay phim xuất hiện ở nhiều phần khác nhau trong bộ phim, lên lịch quay tất cả các cảnh cùng một lượt sẽ giúp kiểm kê dễ dàng hơn, quay phim ít tốn kém hơn, và cắt giảm chi phí sản xuất. Đây chỉ là một trong số nhiều lợi ích của lịch quay phim. Bạn có thể xếp lịch quay cảnh ban ngày và ban đêm. Thời điểm quay những cảnh này phụ thuộc vào thời điểm hiện diện của diễn viên hoặc địa điểm quay phim.

  Là fan chân chính của truyện tranh và phim hoạt hình Nhật, bạn luôn thắc mắc truyện tranh và phim hoạt hình Nhật phát triển ra sao kể từ Thế chiến thứ hai? Ai đã làm thay đổi bộ mặt truyện tranh và phim hoạt hình Nhật? Chiến tranh ảnh hưởng như thế nào đến truyện tranh và phim hoạt hình Nhật? Bài viết dưới đây sẽ giúp bạn giải tỏa những thắc mắc trên.   Lịch sử phát triển Nếu từng xem qua những bộ phim hoạt hình nổi tiếng như Sailor Moon, Dragonball Z, Voltron, Gundam Wing, Speed Racer, Digimon, và Pokemon, bạn hẳn nhận thấy nhân vật trong phim có thiết kế độc lạ: nhân vật nữ có cặp mắt cực to, mái tóc cực dày, và thân hình siêu gợi cảm; nhân vật nam thường sở hữu ngoại hình lực lưỡng, cuồn cuộn cơ bắp (như trong Dragonball Z và GT), đôi khi mang hình hài robot khổng lồ như trong Robotech và Gundam Wing. Muốn biết những bộ phim hoạt hình kể trên có xuất xứ từ đâu? Bạn phải tìm đến đất nước Nhật Bản – cái nôi của truyện tranh và phim hoạt hình Nhật, cội nguồn của mọi điều điên rồ khó tin. Phim hoạt hình Nhật (anime) được ưa chuộng tại Nhật Bản, và du nhập vào Mỹ từ rất sớm. Giữa phim hoạt hình Mỹ và phim hoạt hình Nhật có một điểm khác biệt lớn: trái ngược với phim hoạt hình Mỹ chỉ dành riêng cho trẻ em, phim hoạt hình Nhật được phần đông người lớn ưa thích. Đối tượng xem phim hoạt hình Nhật không chỉ bao gồm trẻ em mà còn cả thanh thiếu niên và người lớn. Tất nhiên, điều này cũng đúng với truyện tranh Nhật (manga). Ngành công nghiệp truyện tranh và phim hoạt hình Nhật phát triển mạnh mẽ trong Chiến tranh thế giới thứ hai. Chính phủ Nhật huy động toàn dân đóng góp sức người, sức của cho cuộc chiến. Người dân buộc phải tuân theo, nếu không sẽ bị xử phạt nghiêm khắc. Theo ghi chép trong sách Manga Manga: The World of Japanese Comics của Frederik Scholdt, người bất hợp tác bị bắt bớ, giam cầm, cấm hoạt động, cách ly khỏi xã hội; người quy thuận được trọng đãi… họa sĩ từng một thời chỉ trích gay gắt chính phủ giờ quay sang ca ngợi hết lời chủ nghĩa quân phiệt. Khoảng năm 1940, nhiều hội họa sĩ được thành lập, trong đó có New Cartoonists Association of Japan (Shin Nippon Mangaka Kyokai) và New Cartoonists Faction Group (Shin Mangaha Shudan). Trong giai đoạn này, một số ít họa sĩ được miễn nghĩa vụ quân sự hoặc không bị chính phủ cấm hoạt động. Họ được nhà cầm quyền sử dụng làm công cụ tuyên truyền. Artwork và comic strip do họ sáng tác tràn ngập nội dung tuyên truyền, đả kích kẻ thù của Nhật Bản.   Phim hoạt hình Mỹ Ở bên kia địa cầu, họa sĩ có tầm ảnh hưởng nhất thế giới Walt Disney – cha đẻ của hãng phim hoạt hình Walt Disney – đang chật vật với nghề làm phim hoạt hình. Ông khởi nghiệp vào những năm 1920 qua việc ra mắt hai tác phẩm đầu tay Alice’s Wonderland (Alice ở xứ sở thần tiên) và Oswald the Lucky Rabbit (Chú thỏ may mắn Oswald). Ngày 16/11/1928, ông cho ra đời nhân vật chuột Mickey và gặt hái thành công vang dội tại Mỹ. Sau chuột Mickey, ông quyết định bắt tay vào thực hiện dự án phim hoạt hình Snow White and the Seven Dwarfs (Bạch Tuyết và bảy chú lùn). Bộ phim được công chiếu năm 1937, và lập tức chiếm được cảm tình của đông đảo khán giả. Công việc làm ăn của ông diễn ra suôn sẻ cho đến khi chiến tranh thế giới thứ hai bùng nổ. Tuy nhiên, bất chấp chiến tranh, ông vẫn tiếp tục ra mắt tác phẩm Pinocchio (Cậu bé người gỗ) và Fantasia. Tuy cả hai tác phẩm được đánh giá cao về giá trị nghệ thuật, nhưng ông lỗ nặng vì mất trắng thị trường nước ngoài do chiến tranh gây ra. Ông làm phim Dumbo (Chú voi biết bay Dumbo – 1941) và Bambi (Chú nai Bambi – 1942) trong bối cảnh ngân sách eo hẹp. Do làm nhiều bộ phim tốn kém trong thời chiến, ông sa cảnh thua lỗ triền miên và bắt đầu đánh mất vị thế số 1 trên thị trường. Trong thời gian chiến tranh, ông tung ra thêm hai bộ phim Saludos Amigos và The Three Cabelleros tại khu vực Nam Mỹ. Ông chú trọng vào làm phim tuyên truyền và huấn luyện quân sự. Sau chiến tranh, ông chật vật tìm lại ánh hào quang xưa, sản xuất nhiều series phim hoạt hình ngắn như Make Mine Mine Music và Melody Time. Đến năm 1950, thành công lại mỉm cười khi ông ra mắt hai bộ phim Treasure Island (Đảo châu báu) và Cinderella (Cô bé lọ lem). Không hài lòng với tất cả những gì đạt được, ông ấp ủ kế hoạch xây dựng công viên chuyên đề để người lớn và trẻ em có nơi vui chơi, giải trí. Công viên Disneyland khai trương năm 1955 sau thời gian dài xây dựng và mở rộng, trở thành điểm đến hấp dẫn du khách từ khắp nơi trên thế giới. Mặc dù khá bận rộn với công việc điều hành công viên Disneyland, ông vẫn cùng ê-kíp phát hành những tác phẩm giải trí chất lượng như 20,000 Leagues Under Sea (Hai vạn dặm dưới đáy biển), Shaggy Dog (Điệp vụ chó xù), Zorro, và Mary Poppins. Ông không may ra đi vào ngày 15/12/1966, bỏ lại phía sau những kế hoạch còn dang dở. Hãng phim hoạt hình tiếp tục tồn tại dưới sự dẫn dắt của anh

  Đây là bài viết tiếp theo của phần 1 và cũng là bài viết cuối cùng trong seri bài “Top 50 nhân vật hoạt hình sống mãi với thời gian”. Qua loạt bài này, Nhân vật hoạt hình không chỉ dành riêng cho trẻ nhỏ, mà ngay cả người lớn cũng yêu thích. Đó là lý do vì sao có những nhân vật hoạt hình không bao giờ “chết” trong lòng công chúng. Các bạn có thể xem lại Top 50 nhân vật hoạt hình sống mãi với thời gian – Phần 1 tại đây   26. Josie Josie chính là Beyoncé trong thời đại của cô. Khoác trên mình bộ trang phục mèo bó sát, cô dẫn ban nhạc nữ đi lưu diễn khắp thế giới. Ngoài Josie and the Pussycats của Hanna Barbera, cô còn góp mặt trong Scooby-Doo và The Monkees. Tạo hình nhân vật Foxxy Love trong Drawn Together cũng được lấy cảm hứng từ cô. Josie khởi đầu chỉ là nhân vật phụ trong series truyện tranh Archie (1962) trước khi có TV series (1967) và phim live-action (2001) riêng của mình.     27. Heckle và Jeckle Đi theo mô típ “Crosby và Hope,” Heckle và Jeckle đánh bại đối thủ bằng trí thông minh của mình. Việc hai chú chim ác mỏ vàng kết bạn với nhau trong hoàn cảnh nào vẫn còn là một điều bí ẩn lớn: một chú nói giọng Brooklyn, chú kia nói giọng Anh. Bộ đôi do Paul Terry tạo ra xuất hiện lần đầu tiên trên màn ảnh rộng vào năm 1946. Sau khi phim bị ngừng sản xuất năm 1966, bộ đôi chuyển sang “định cư” trên màn ảnh nhỏ.   28. Top Cat Top Cat là nhân vật hoạt hình của Hana-Barbera trong những năm 1960. Chú là thủ lĩnh băng nhóm mèo đường phố, chuyên kiếm ăn bằng những chiêu trò bịp bợm, nhưng đều bất thành nhờ Dibble ra tay ngăn chặn kịp thời. Lũ mèo nổi loạn mấy lần tính lật đổ Top Cat, nhưng chú vẫn giữ vững địa vị thủ lĩnh của mình.     29. Ren và Stimpy Phát sóng từ năm 1991 trên Nickelodeon, The Ren and Stimpy Show của tác giả John Kricfalusi làm khán giả thế hệ X mê mẩn bằng những cuộc phiêu lưu kỳ lạ của chó Ren và mèo Stimpy. Đến năm 1995, chương trình bị hủy bỏ do đề cập quá nhiều chủ đề cấm kỵ, cùng nội dung hài hước thô tục, không phù hợp với lứa tuổi thanh thiếu niên. Như bao nhân vật hoạt hình khác, Ren và Stimpy để lại dấu ấn khó phai trong lòng người xem suốt nhiều năm sau đó.   30. Winnie the Pooh Ban đầu được vẽ nguệch ngoạc trong truyện thiếu nhi, chú gấu nhỏ Winnie the Pooh trở thành thương hiệu nhượng quyền của Disney kể từ khi hãng này mua bản quyền nhân vật. Chú đóng vai chính trong nhiều phim truyện, chương trình đặc biệt, và phim hoạt hình đáng nhớ như Winnie the Pooh and the Blustery Day (1970), Winnie the Pooh and the Honey Tree (1970), và Winnie the Pooh and Tigger Too (1975). Năm 2011, Disney ra mắt phim Winnie the Pooh dựa trên nguyên tác của A.A. Milne, và bộ phim gặt hái rất nhiều thành công.   31. Arthur Arthur là nhân vật trong series truyện thiếu nhi của Marc Brown (1976). Năm 1996, chú góp mặt trong một bộ phim hoạt hình trên PBS, và nhanh chóng được nhiều người yêu thích. Kể từ đó, Arthur trở thành linh vật trong các chương trình đọc truyện, và vẫn đóng vai chính trong chương trình thiếu nhi của PBS.     32. Bill from ‘Schoolhouse Rock’ Phát sóng từ năm 1973 đến 1985, Schoolhouse Rock là series hoạt hình ngắn mang tính giáo dục trẻ em, được khán giả nhớ đến nhiều nhất nhờ câu nói của Bill, “I’m Just a Bill” (Tôi chỉ là Bill.) Bộ phim đoạt giải thưởng này là thành quả của sự hợp tác giữa tổng giám đốc điều hành công ty Walt Disney, Michael Eisner và nhà làm phim hoạt hình thiên tài Chuck Jones.   33. Space Ghost Bản thân Space Ghost là người dẫn chương trình talkshow đêm khuya trên Cartoon Network (1994), cùng hai đồng nghiệp Moltar và Zorak phỏng vấn khách mời qua màn ảnh nhỏ. Anh được liệt vào hàng ngũ ngôi sao hoạt hình được ưa thích từ khi trở thành siêu anh hùng chống lại kẻ xấu ngoài hành tinh trong phim hoạt hình thập niên 60 của Hanna-Barbera.   34. Gấu Yogi và Boo Boo Bộ đôi nhân vật “con cưng” của Hanna-Barbera, Yogi và Boo Boo xuất hiện lần đầu tiên trong The Huckleberry Hound Show (1958), rồi có hẳn phim hoạt hình riêng mang tên The Yogi Bear Show (1961). Yogi thông minh là thế nhưng vẫn gặp rắc rối liên tiếp, và Boo Boo thường đứng ra giúp cậu gỡ rối. Yogi và Boo đóng vai chính trong rất nhiều chương trình truyền hình, thậm chí cả phim truyện (2010).   35. Mighty Mouse Bước ra từ chương trình hài kịch tạp kỹ Saturday Night Live, Mighty Mouse trải qua nhiều lần “lột xác” để trở thành chuột siêu anh hùng, gánh vác trọng trách bảo vệ ngôi làng Mouseville khỏi tay lũ chuột gian ác. Ban đầu, Mighty Mouse được đặt tên là Super Mouse trong phim Mouse of Tomorrow 1942).   36. Vịt Donald Là bạn đồng hành của chuột Mickey, vịt Donald khiến khán giả thích thú bằng tính nết nóng nảy bất tận của chú. Chú xuất hiện lần đầu tiên trong phim hoạt hình The Wise Little Hen của Walt Disney (1934), và nhanh chóng trở thành ngôi sao theo cách riêng. Phim hoạt hình ngắn đoạt giải Oscar Donald in Mathmagic Land (1959) là một trong những phim giáo dục

Tiếp nối thành công của “Sáng tác mùa xuân” năm 2019, Viện Truyện tranh và Hoạt hình- CMA hay còn gọi là Comic Media Academy “thừa thắng xông lên” để tiếp tục hoạt động này.  “Sáng tác đi các em”, “sáng tác nào các em”, “chúng ta nên thường xuyên sáng tạo”,… Nếu bạn là học viên của Comic Media Academy, chắc chắn bạn sẽ nghe những câu nói quen thuộc này như câu chào buổi sáng đến từ giáo viên. Bạn có thể cho đó là áp lực vô hình cho sinh viên Comic Media Academy. Nhưng ngược lại, đối với sinh viên chọn lựa Comic Media Academy, đây chính là động lực cũng như là bàn đạp để các bạn cố gắng.  Nếu thường xuyên đối diện với áp lực, nó sẽ trở nên bình thường. Sáng tạo cũng vậy, với điều kiện làm việc thường xuyên yêu cầu có trí tưởng tượng, sáng tạo sẽ tập cho não bộ con người được phản xạ có điều kiện. Hơn nữa, sinh viên Comic Media Academy sẽ học thêm được nhiều cách quản lý thời gian, để tránh trường hợp “chạy đua” với deadline.  Mỗi mùa một thức- mỗi mùa một kỳ sáng tác, teamwork – cá nhân, cá nhân- teamwork; Họa sĩ kể chuyện tại Comic Media Academy đã được tập dượt để chuẩn bị sẵn sàng cho tương lai. Một số hình ảnh trong ngày khởi động Sáng tác Mùa Hè – 2019 tại Comic Media Academy.    Comic Media Academy. 

chuột Mickey, top 50 nhân vật hoạt hình.

  Nhân vật hoạt hình không chỉ dành riêng cho trẻ nhỏ, mà ngay cả người lớn cũng yêu thích. Đây là lý do vì sao có những nhân vật hoạt hình không bao giờ “chết” trong lòng công chúng. Bài viết dưới đây sẽ điểm danh top 50 nhân vật hoạt hình như thế. Theo dõi phần 2 trong bài viết : “Top 50 nhân vật hoạt hình sống mãi với thời gian – phần 2”. Muốn trở thành HỌA SĨ LÀM PHIM HOẠT HÌNH, đăng ký ngay.    1.Thỏ Bunny Trên thế giới có nhân vật hoạt hình nào nổi tiếng hơn thỏ Bunny hay không? Xuất hiện lần đầu tiên trong phim hoạt hình Wild Hare (1940) của Warner Brothers, chú thỏ đáng yêu Bunny khiến khán giả phải cười bò bằng câu nói cửa miệng, “What’s up, Doc?” Bất kể đóng vai kẻ chuyên đi chọc ngoáy người khác trong phim kinh điển What’s Opera, Doc? (1957) hay chàng hiệp sĩ tinh quái tron phim ngắn đoạt giải thưởng Oscar năm 1958 Knighty Knight, Bugs, chú đều mang lại tiếng cười cho khán giả. Chú là nhân vật hoạt hình đáng nhớ nhất mọi thời đại, xếp ngang hàng với một số ngôi sao hoạt hình khác trong danh sách này. 2. Homer Simpson Kể từ khi xuất hiện trong chương trình giải trí The Tracey Ullman Show (1987), Homer Simpson đã làm hài lòng không ít khán giả truyền hình. Hai năm sau, Fox ưu ái dành chương trình riêng cho gia đình Simpson, và nó vẫn được phát sóng đến năm 2018. Cũng như thỏ Bunny nổi tiếng qua câu nói cửa miệng, “What’s up, Doc?” (Có chuyện gì thế, bác sĩ?) Homer được nhiều người biết đến với câu cảm thán kinh điển, “D’ho!” Tên gọi Homer Simpson ẩn giấu một bí mật thú vị: Cha của tác giả Matt Groening cũng có tên là Homer. Và nếu chịu khó để ý đôi tai của Homer, bạn sẽ thấy nó là tên họ viết tắt của tác giả, MG.     3. Chuột Mickey Chuột Mickey xuất hiện lần đầu trong Steamboat Willie (1928), được đích thân Walt Disney lồng tiếng. Bộ phim không chỉ đánh dấu sự ra mắt của Mickey mà còn là phim hoạt hình đầu tiên được lồng tiếng. Ngoài vai phù thủy tập sự trong Fantasia (1940), Mickey còn góp mặt trong một số phim hoạt hình ngắn đáng nhớ như Mickey and the Beanstalk (1947), Mickey’s Christmas Carol (1983),…   4. Bart Simpson Bart Simpson là cậu con trai tinh nghịch của Homer Simpson. Cậu sinh ra để quấy rầy cha mẹ mọi lúc, mọi nơi. Cậu gây rắc rối từ trong nhà ra đến ngoài đường. Cậu thường thể hiện thái độ coi thường nhà chức trách bằng câu nói lém lỉnh, hài hước, “Eat my shorts” (Ăn cái quần tao ý.) Kể từ lúc xuất hiện năm 1987, Bart Simpson đã trở thành biểu tượng đáng nhớ trong các tập phim The Simpsons.   5. Charlie Brown Cậu bé đáng yêu, không biết đá banh Charlie Brown xuất hiện lần đầu trong comic strip Lil’s Folks của Charles Schulz (1938). Sau đó, cậu lần lượt xuất hiện cùng chú chó đáng yêu Snoopy và cô bạn nhỏ tóc đỏ trong truyện tranh Peanuts (1950) và phim hoạt hình A Charlie Brown Chrismas (1965). Cậu làm tan chảy trái tim hàng triệu khán giả mỗi dịp Giáng sinh về. 6. Fred Flintstone Nếu không phải vì Fred Flintstone, thì có lẽ Homer Simpson và Peter Griffin đã không hiện diện trên đời này. Fred xuất hiện lần đầu trong chương trình truyền hình The Flintstones (1960). Được xây dựng dựa trên chương trình truyền hình hài hước nổi tiếng The Honeymooners. The Flintstones là chương trình hoạt hình sitcom đầu tiên lên sóng vào “giờ vàng” suốt 6 mùa liên tiếp, và được nhiều đài truyền hình mua bản quyền phát sóng. Anh chàng thượng cổ đáng yêu Fred Flintstone cùng cô vợ Wilma và hai người hàng xóm Barney và Wilma Rubble sống ở thời tiền sử, nhưng vẫn tận hưởng tiện nghi vật chất như thời hiện đại. Cha đẻ của The Flintstones, bộ đôi họa sĩ hoạt hình William Hanna và Joseph Barbera từng làm việc cho hãng MGM trước khi đứng ra thành lập công ty riêng. 7. Grinch Được chuyển thể từ bộ truyện thiếu nhi cùng tên của Dr. Seuss (1957) và phát sóng lần đầu tiên trên truyền hình vào năm 1966, phim hoạt hình How the Grinch Stole Chistimas! xoay quanh câu chuyện về sinh vật lông lá, xanh lè Grinch (Boris Karloff) thích sống cô độc trong hang, tìm cách phá hoại Giáng sinh của dân làng Whoville. Grinch chiếm nhiều cảm tình của người xem đến nỗi Jim Carrey phải cho tái xuất trên màn ảnh rộng vào năm 2000. Phim được trình chiếu thường xuyên trên TV vào dịp Giáng sinh. 8. Popeye Popeye chào đời từ comic strip Thimble Theatre của E. C. Segar (1929), và nhanh chóng trở nên nổi tiếng. Bốn năm sau, Popeye được họa sĩ hoạt hình Max Fleisher đưa lên màn ảnh rộng, rồi được Paramount Studios chuyển thể thành TV series vào đầu những năm 1960. Năm 1980, Robert Altman ra mắt phim Popeye với Robin Williams đóng vai chàng thủy thủ thích ăn rau chân vịt Popeye, còn Shelley Duval vào vai bạn gái của anh, OIive Oyl.   9. Wile E. Coyote Wile E. Coyote ra mắt lần đầu trong phim ngắn Fast and Furry-ous của hãng Warner Brothers (1949), rồi kể từ đó góp mặt trong gần 50 phim ngắn. Ở mỗi tập phim, Coyote tội nghiệp dù dùng trăm phương ngàn kế vẫn không tài nào bắt được chú chim Road Runner, mà trái lại còn bị “gậy ông đập lưng ông.” Hầu hết các tập phim kinh điển do Chuck Jones và Michael

phim hoạt hình frozen

Phần 2: 6 tháng cuối năm, những siêu phẩm phim hoạt hình nào sẽ đến với khán giả? The Lion King Vua sư tử Đạo diễn: Jon Favreau Hãng phim: MPC (principal VFX house)(Mỹ/Anh/Canada/Ấn Độ) Nhà phân phối: Walt Disney Studios Ngày phát hành: 19/7/2019 Phim tuy mang tiếng là live-action, nhưng nó thực chất được Disney và đạo diễn Favreau (The Jungle Book) thực hiện bằng công nghệ “quay” phim CG, nên mang đến hình ảnh chân thực nhất nhất từ trước tới nay. MPC phụ trách thiết kế nhân vật và môi trường trong phim.   Wish Dragon Đạo diễn: Chris Appelhans Hãng phim: Base Animation (Trung Quốc) Nhà phân phối: Columbia Pictures/Sony Pictures Animation Ngày phát hành: 26/7/2019 (Trung Quốc) Lấy bối cảnh Trung Quốc thời hiện đại, Wish Dragon kể lại câu chuyện về “vị thần trong chai.” Base Animation bắt tay hợp tác với Sparkle Roll Media, Sony Pictures Animation, và Columbia Pictures để sản xuất và phát hành bộ phim này. Phim đặc biệt có sự tham gia lồng tiếng của ngôi sao võ thuật lừng danh Thành Long. Phim dự kiến ra mắt khán giả Trung Quốc vào cuối tháng bảy tới, còn tại Mỹ thì hiện chưa rõ phát hành ngày nào.   Playmobil: The Movie Đạo diễn: Lino DiSalvo Hãng phim: On Animation Studios (Canada) Nhà phân phối: Tristar Pictures Ngày phát hành: 16/8/2019 Bộ phim hoạt hình CG này được lấy cảm hứng từ thương hiệu đồ chơi Playmobil (Đức). Câu chuyện xoay quanh một cô bé phải rời xa tổ ấm để dấn thân vào chuyến hành trình tìm kiếm em trai trong thế giới Playmobil.   Angry Birds 2 Những chú chim nổi giận 2 Đạo diễn: Thurop Van Orman Hãng phim: Sony Pictures Imageworks (Canada) Nhà phân phối: Columbia Pictures Ngày phát hành: 6/9/2019 Sau khi ra mắt phần 1 vào năm 2016, Rovio và Sony Pictures Animation lại hợp tác sản xuất phần 2 cho “đứa con tinh thần” của mình. Phim được xây dựng dựa trên một game mobile của Phần Lan.   Spies in Disguise Điệp vụ ẩn danh Đạo diễn: Nick Bruno, Troy Quane Hãng phim: Blue Sky Studios (Mỹ) Nhà phân phối: Twentieth Century Fox Ngày phát hành: 13/9/2019 Will Smith và Tom Holland tham gia lồng tiếng cho chàng điệp viên cừ khôi và cậu trợ lý hậu đậu trong phim sắp ra mắt của Blue Sky Studios. Phim được lấy cảm hứng từ phim ngắn Pigeon: Impossible của Lucas Martell (2009).   Abominable Đạo diễn: Jill Culton Hãng phim: Pearl Studio (Trung Quốc) Nhà phân phối: Universal Pictures Ngày phát hành: 27/9/2019 Phim hoạt hình Everest ­– sản phẩm hợp tác của Dreamworks Animation và Pearl Studio – đã được đổi tên thành Abominable, kể câu chuyện về sinh vật huyền bí yeti.   The Addams Family Gia đình nhà Addam Đạo diễn: Greg Tiernan, Conrad Vernon Hãng phim: Cinesite Animation (Canada) Nhà phân phối: MGM Ngày phát hành: 18/10/2019 MSM và Cinesite (tiền thân là Nitrogen Studios, nơi làm ra bộ phim hoạt hình gắn mác 18+ Sausage Party) hợp tác sản xuất phim mới chuyển thể từ truyện tranh cùng tên của Charles Addams. Trong phim, cuộc sống của gia đình Addam trở nên rối ren khi họ đối mặt với người dẫn chương trình thực tế gian tham trong lúc chuẩn bị cho gia đình họ tham dự một lễ kỷ niệm lớn.   Frozen 2 Nữ hoàng băng giá 2 Đạo diễn: Chris Buck, Jennifer Lee Hãng phim: Walt Disney Animation Studios (Mỹ) Nhà phân phối: Walt Disney Studios Ngày phát hành: 27/11/2019 Ra mắt năm 2013, Frozen vẫn đứng top trong danh sách phim hoạt hình có doanh thu phòng vé cao nhất thế giới. Phần 2 chứng kiến sự trở lại của đạo diễn, cùng dàn diễn viên lồng tiếng quen thuộc Kristen Bell, Idina Menzel,…   Klaus Đạo diễn: Sergio Pablos Hãng phim: Sergio Pablos Animation Studios (Tây Ban Nha) Nhà phân phối: Netflix (online) Ngày phát hành: Giáng sinh năm 2019 Sergio Pablos không chỉ là họa sĩ hoạt hình tài năng, mà còn là “cỗ máy” sáng tạo ý tưởng cho Despicable Me và Smallfoot. Klaus là bộ phim đầu tiên ông thử sức với nghề đạo diễn phim truyện. Ông và ê-kíp kết hợp hoạt hình vẽ tay 2D với công nghệ kỹ thuật số tiên tiến để tạo nên câu chuyện vượt thời gian về xuất thân của ông già Noel. Phim được phát hành trực tuyến trên kênh Netflix. CMAVN dịch và biên tập.

   Phần 1: Danh sách phim hoạt hình ra mắt vào 6 tháng đầu năm Theo ghi nhận của Cartoon Brew, 2019 sẽ được xem là năm thành công của phim hoạt hình qua sự ra mắt của hàng loạt siêu phẩm như The Lego Movie 2: The Second Part, How to Train Your Dragon: The Hidden World, Frozen 2, Toy Story 2,… Tất cả đều nhắm vào thị trường phim gia đình và thiếu nhi.   Mặc dù những siêu phẩm ra mắt trong năm nay đều là phim hoạt hình stop-motion, nhưng chúng đa phần được sản xuất theo công nghệ CG. Muốn biết chi tiết, chúng ta hãy cũng nhau xem qua danh sách dưới đây nhé!   The Lego Movie 2: The Second Part Câu chuyện Lego: Phần 2   Đạo diễn: Mike Mitchell Hãng phim: Animal Logic (Úc/Canada) Nhà phân phối: Warner Bros. Ngày phát hành: 8/2/2019 Emmet (Chris Pratt), Wyldstyle (Elizabeth Banks), cùng những nhân vật quen thuộc trong phần 1 đối đầu với kẻ thù mới đáng sợ đến từ không gian Lego Duplo. Phim được sản xuất tại Animal Logic, Vancouver, theo công nghệ CG.   How to Train Your Dragon: The Hidden World Bí kíp luyện rồng: Vùng đất bí ẩn Đạo diễn: Dean DeBlois Hãng phim: Dreamworks Animation (Mỹ) Nhà phân phối: Universal Pictures Ngày phát hành: 22/2/2019 Toothless (Răng Sún) ngờ nghệch cuối cùng cũng có bạn gái, nhưng trước cảnh quê nhà lại bị đám thợ săn quấy phá, cậu phải tạm gác tình riêng để đi tìm vùng đất mới, bình yên cho bộ tộc rồng của mình. Theo công bố của Dreamworks, phần 3 này cũng là phần kết của loạt phim hoạt hình nổi tiếng How to Train Your Dragon.   Wonder Park Công viên kỳ diệu Đạo diễn: Chưa công bố Hãng phim: Ilion Animation Studios (Tây Ban Nha) Nhà phân phối: Paramount Pictures Ngày phát hành: 15/3/2019 Được sản xuất bởi Ilion Animation Studios và Paramount Pictures chịu trách nhiệm phát hành, phim xoay quanh câu chuyện về cô bé June bất ngờ phát hiện công viên giải trí bỏ hoang, lung linh, huyền ảo như được xây dựng bởi phép thuật.   Missing Link Đạo diễn: Chris Butler Hãng phim: Laika (Mỹ) Nhà phân phối: Annapurna Pictures Ngày phát hành: 12/4/2019 Phim hoạt hình stop-motion mới nhất của Laika kể về cuộc hành trình tìm kiếm mắt xích còn thiếu giữa con người và loài vượn. Hãng phim không ngần ngại áp dụng những tiến bộ trong công nghệ CG và VFX để thổi hồn vào nhân vật trong phim.     Uglydolls Đạo diễn: Kelly Asbury Hãng phim: Reel FX Animation Studios (Mỹ/Canada) Nhà phân phối: STX Entertainment Ngày phát hành: 10/5/2019 Những thú bông vô tri vô giác mang thương hiệu UglyDoll nổi tiếng qua bàn tay nhào nặn của đạo diễn Robert Rodriguez đã hóa thành nhân vật sống động trong phim hợp tác với STX Entertainment.   Farmageddon: A Shaun the Sheep Movie Đạo diễn: Richard Starzak Hãng phim: Aardman Animations (Anh) Nhà phân phối: Lionsgate Ngày phát hành: 15/5/2019 Sau thành công của Shaun the Sheep Movie trong năm 2015, Aardman tiếp tục ra mắt bộ phim hoạt hình stop-motion thứ hai mang tên Farmageddon: A Shaun the Sheep Movie, và hiện nó đang được Lionsgate phát hành tại Mỹ. Trong phim, chú cừu Shaun cùng những người bạn trong trang trại hợp sức chống lại cuộc xâm lăng của người ngoài hành tình.   The Secret Life of Pets 2- Đẳng cấp thú cưng 2 Đạo diễn: Chris Renaud Hãng phim: Illumination Mac Guff (Pháp) Nhà phân phối: Universal Pictures Ngày phát hành: 7/6/2019 Ra mắt vào năm 2016, phim do Illumination sản xuất gặt hái thành công vang dội trên toàn cầu, thu về ngót nghét 875 triệu USD. Hãng phim thừa thắng xông lên, làm tiếp phần 2. Sau bê bối quấy rối tình dục, danh hài Louis C.K. không còn đảm nhiệm vị trí lồng tiếng cho chú chó Max trong phim mới.   Toy Story 4   Câu chuyện đồ chơi 4 Đạo diễn: Josh Cooley Hãng phim: Disney-Pixar (Mỹ) Nhà phân phối: Walt Disney Studios Ngày phát hành: 21/6/2019 Thế giới trong Toy Story được mở rộng thêm khi chàng cao bồi Woody lên đường tìm kiếm cô bạn gái thất lạc Bo Peep. Toy Story 4 ban đầu dự kiến phát hành năm 2017, nhưng sau bị dời lại đến năm 2018, và rồi đến tận năm nay. Mời các bạn đón đọc tiếp phần 2. 

làm giàu từ truyện tranh và phim hoạt hình

  Truyện tranh và phim hoạt hình từ lâu đã phát triển thành một ngành công nghiệp, mang lại lợi nhuận khổng lồ cho các ông lớn Disney, Marvel, DC hay Ghibli. Lợi nhuận siêu khủng đó không chỉ có được từ việc kinh doanh sản phẩm gốc mà phần lớn đến từ việc khai thác các mô hình, thú bông, phim, game chuyển thể,… Talk Show “Tư duy dài – Tái lợi nhuận” được tổ chức bởi Viện Truyện Tranh và Phim Hoạt Hình Việt Nam CMA vào sáng ngày 10-3-2019 vừa qua tại Đường Sách Nguyễn Văn Bình bàn về vấn đề làm sao để hoạ sĩ trở nên giàu có từ một sản phẩm gốc đã thu hút đông đảo bạn trẻ yêu truyện tranh và phim hoạt hình đến tham dự.   Chương trình có sự tham dự của anh Hoàng Anh Tuấn – thành viên nhóm vẽ B.R.O và anh Đoàn Trần Anh Tuấn – CEO, đồng sáng lập hãng phim hoạt hình Colory Animation Studio. Là những người có nhiều kinh nghiệm trong ngành truyện tranh và phim hoạt hình Việt Nam, trong hơn hai tiếng đồng hành cùng buổi Talk Show, hai anh đã chia sẽ cho khán giả đến tham gia chương trình những kinh nghiệm làm nghề quý báu.   Lấy trường hợp phim hoạt hình Vương Quốc Xe Hơi 3 đứng trước nguy cơ thua lỗ ở thị trường nội địa, nhưng thu được doanh thu siêu khủng từ việc bán các mô hình xe hơi trong phim. Anh Đoàn Trần Anh Tuấn cho rằng, hoạ sĩ cần có tư duy như một nhà sản xuất để phòng ngừa rủi ro và tối ưu hoá lợi nhuận cho tác phẩm.   Cùng quan điểm trên, anh Hoàng Anh Tuấn, tác giả bộ truyện tranh nổi tiếng Học Sinh Chân Kinh nhấn mạnh, để có thể khai thác được những sản phẩm phát sinh từ truyện tranh, phim hoạt hình thì ngay ở bước chuẩn bị, hoạ sĩ cần phải có quá trình thực tế, nghiên cứu về nhu cầu, sở thích của đọc giả để xây dựng nhân vật và cốt truyện. Anh cũng chia sẻ thêm, trước khi sáng tác Học Sinh Chân Kinh, anh cũng từng có những giai đoạn mắc sai lầm, rất nhiều đầu truyện được nhóm của anh vẽ ra nhưng chưa bao giờ được xuất bản. Học Sinh Chân Kinh ra đời là sự đúc kết kinh nghiệm của anh sau hơn 10 năm với rất nhiều thất bại. Hiện nay, Học Sinh Chân Kinh là một trong những bộ truyện tranh Việt Nam dành cho độ tuổi Teen nổi tiếng nhất, cùng với sự thành công của truyện gốc là sự ra đời của rất nhiều những sản phẩm như áo thun, ly sứ, lịch để bàn,… Những sản phẩm này không chỉ đem lại thêm nguồn thu nhập, mà còn đóng vai trò quan trọng trong việc quảng bá tên tuổi của tác giả và tác phẩm gốc. Thời đại kĩ thuật số cùng sự phổ biến của các thiết bị điện tử chính là cơ hội để tác giả truyện tranh đưa sản phẩm tiếp cận với đọc giả dễ dàng hơn. Những platform webtoon, webcomic hay motion book đã đưa truyện tranh phát triển lên một giai đoạn mới – không còn chỉ là truyện tranh in trên giấy, chưa bao giờ tác giả truyện tranh có nhiều cách để làm giàu trên tác phẩm của mình như hiện nay.   Nhưng trước thực tế, nhiều khán giả đến tham dự chương trình lo ngại sự “tuyệt chủng” của truyện tranh giấy. Trước quan ngại đó, anh Đoàn Trần Anh Tuấn cho rằng sự ra đời của truyện tranh online là điều tất yếu của thời đại, có nhiều lợi hơn là mất. Dưới góc nhìn của một người yêu mến và thích sưu tầm truyện tranh, anh Hoàng Anh Tuấn khẳng định truyện tranh trên mạng hay in giấy đều có đối tượng đọc giả riêng, và truyện tranh in sẽ không mất đi bởi anh tin vẫn có rất nhiều người có thói quen sở hữu, sưu tầm như mình.   Hai tiếng đồng hành cùng chương trình là khoảng thời gian bổ ích cho những bạn trẻ quan tâm đến ngành truyện tranh và phim hoạt hình. Các bạn khán giả thừa nhận rằng mình đã có cái nhìn rộng hơn về ngành nghề, tác giả cần có dư duy như một nhà sản xuất để sản phẩm không chết trên trang giấy. Tư duy dài, tái lợi nhuận – Tư duy sai, lụm ve chai! CMAVN. Một số hình ảnh trong buổi talkshow:  

beatboard bí ẩn nghề hoạt hình

Beatboard Beatboard là gì? Beatboard là một thuật ngữ mô tả công việc tìm ý tưởng cho câu chuyện bằng các hình vẽ phác thảo. Beatboard là một thuật ngữ ghép bởi 2 thành tố beat – board. Beat trong ngôn ngữ kể chuyện là những nhịp trong câu chuyện, là những điểm mấu chốt có tính bước ngoặt. Một câu chuyện hay kịch bản phim mẫu mực theo kiểu “Hollywood” sẽ gồm 8 nhịp lớn (major beat). Các nhịp này còn có thể được chia thành các nhịp nhỏ (minor beat). Các hình phác trong kỹ thuật beatboard phải là những hình vẽ mô tả được tình huống  của các “beat” lớn nhỏ trong toàn bộ câu chuyện. Board là tấm bảng, là một không gian mà người ta sẽ “ghim” các hình vẽ phác của đường dây câu chuyện lên trên đấy. Như vậy, beatboard theo cách hiểu đơn giản là một tập hợp các hình vẽ xâu chuỗi thành một mạch truyện, theo nghĩa quy ước của các nhà làm phim có thể được hiểu là một công cụ “tư duy bằng hình ảnh” khi tìm ý tưởng.. Beatboard là cách mà nhà sản xuất dùng để truyền cảm hứng cho các nhân sự tham gia và tiết kiệm chi phí cho đoàn làm phim Làm thế nào để tạo ra “beatboard”? Nếu làm rõ được ý nghĩa và tầm quan trọng của beatboard, chúng ta sẽ dễ dàng hình dung được vai trò của người họa sĩ kể chuyện trong đường dây sản xuất. Với hãng Pixar, nơi mà ý  tưởng hay nội dung câu chuyện là yếu tố sống còn, thì những người có trách nhiệm ở khâu tiền kỳ phải gánh vác một trách nhiệm rất nặng nề. Họ phải thuyết phục chính mình và những người khác rằng các ý tưởng được đưa ra là độc đáo, khả thi và hứa hẹn khả năng sinh lời. Tất cả câu chuyện được tạo ra ở Pixar đều phải tuân theo nguyên tắc nói vui là “làm đi làm lại, sửa tới sửa lui”. Họ không chỉ viết (write story) mà là viết đi viết lại (rewrite story). Họ không chỉ vẽ (draw story) mà chính xác là vẽ tới vẽ lui (redraw story). Nguyên tắc này hiểu một cách đơn giản: không tồn tại một câu chuyện hay mà chỉ qua một vài lần kể. Tinh thần đó vẹn nguyên trong cách làm beatboard. Một căn phòng đủ rộng với vô số tranh vẽ được gắn lên tường, nâng lên hạ xuống, dời qua xếp lại với bất tận các buổi pitching, thảo luận  là một “đặc sản” ở Pixar. Hình vẽ có thể gợi ý cho người tiếp nhận, giúp tăng chất lượng của những góp ý phản hồi.          Cần phải nói rõ là không cần phải là những hình ảnh hay hình vẽ quá “kỹ”, quá  “sâu”, những tranh ở mức độ sơ phác là đủ để các họa sĩ kể chuyện truyền đi ý đồ của mình cho những người phản biện. Ký họa  nhanh – thoát ý – đủ hiểu – rõ tiêu điểm của nhịp truyện  là những tiêu chí quan trọng của kỹ năng vẽ beatboard. Bên cạnh đó, việc xác lập các bảng màu sắc – yếu tố mỹ thuật gắn liền với cảm xúc – cũng được tính đến từ sớm. Cũng chưa cần đến những tranh màu vẽ cầu kỳ, mà chỉ là những “kịch bản  màu” (color script) đơn giản được kết nối thành các dải màu được sắp xếp theo trật tự. Toàn bộ công tác chuẩn bị phản ánh sự khoa học trong khâu quản lý của những người làm nghề. Việc vẽ quá tỉ mỉ, chi tiết ở bước này – với rất nhiều tranh sẽ kéo theo sự lãng phí về công sức, thời gian thực hiện của họa sĩ, và tiền bạc của nhà sản xuất. Tuy chỉ là những hình vẽ đơn giản, beatboard vẫn thực sự phát huy tối đa sức mạnh trao truyền thông tin và cảm xúc của hình ảnh. Nó làm cho người tiếp nhận có cái nhìn gần như đầy đủ về các ý tưởng được nêu ra, từ đó làm tăng chất lượng của buổi thảo luận. Các nhà làm phim hoạt hình là những bậc thầy về “quản lý cảm xúc” thông qua các kịch bản màu ở bước tiền kỳ Có nhiều cách để tổ chức một buổi pitching beatboard ( tạm dịch: buổi kể chuyện bằng hình). Người ta có thể sắp xếp các hình vẽ lên tường để có cái nhìn khái quát về toàn bộ hình ảnh và cảm xúc của câu chuyện. Một cách khác, đó là xâu chuỗi các hình vẽ  theo trật tự thời gian và trình chiếu qua màn hình kết hợp với lời kể của họa sĩ kể chuyện. Cách làm này để tạo ra các story reel (phim nháp) để các đồng nghiệp có thể “xem trước”. Việc sử dụng triệt để ngôn ngữ của hình ảnh trong công việc như thế sẽ giúp hạn chế tối đa những “điểm mù” của ngôn ngữ nói, giúp các thành viên có cái nhìn đồng điệu và từ đó nâng cao chất lượng của các buổi họp thảo luận, đồng thời  tăng hiệu quả của công việc chung. Với một số phần mềm dựng đơn giản, khán giả đã có thể “xem trước” những đoạn phim ở dạng thô. Từ những kinh nghiệm của Didney và Pixar, Viện Truyện tranh và Hoạt hình – Comic Media Academy đã hiểu được tầm quan trọng của Beatboard và đưa vào giảng dạy trong hệ chuyên nghiệp của các ngành học:  Truyện tranh chuyên nghiệp  Hoạt hình chuyên nghiệp Th.s Lê Thắng

Hoạt hình siêu anh hùng phá vỡ mọi giới hạn Spider Man: Into The Spider Verse

  Cậu bé Miles Morales (Shameik Moore) chẳng may bị nhện cắn và biến thành Spider-Man trong vũ trụ song song. Tuy nhiên, không bao lâu sau, khi Kingpin (Live Schreiber) mở ra cánh cổng dẫn tới vũ trụ song song khác, cậu liền nhận ra mình không phải là người duy nhất sở hữu siêu năng lực của loài nhện. Người Nhện: Vũ Trụ Mới mang khán giả từ bất ngờ này đến bất ngờ khác.  Gần đây, những cuộc phiêu lưu của Spider-Man trên màn ảnh rộng đang ngày càng khiến bạn cảm thấy ngán ngẩm vì nó cứ lặp đi lặp lại mãi. Và trong suốt một thập kỷ qua, cả ba phiên bản điện ảnh của Peter Parker đều quanh đi quẩn lại cũng chỉ là “sức mạnh lớn lao đi kèm với trách nhiệm lớn lao.” Người Nhện: Vũ Trụ Mới (Spider-Man: Into The Spider-Verse) sẽ không làm bạn lắc đầu thất vọng vì quy tụ không chỉ một mà đến tận năm Spider-Man đến từ nhiều vũ trụ song song khác nhau. Dàn Spider-Man này mang diện mạo khác hẳn về mọi mặt với phiên bản live-action. Nếu như trong những phiên bản trước, phóng tác từ truyện tranh, Peter Parker là một Spider-Man chín chắn, trưởng thành, thì trong Người Nhện: Vũ Trụ Mới, Miles Morales chỉ là một chàng nhện bồng bột, non nớt của tuổi mới lớn, vô tình bị cuốn vào cuộc đối đầu với những đại ác nhân khi cánh cổng dẫn tới vũ trụ song song khác mở ra. Phim hội tụ dàn Spider-Man hùng hậu, nhưng Miles Morales (Shameik Moore) đến từ vũ trụ Ultimate là đặc biệt nhất, vì cậu không phải là người da trắng. Cũng như Peter Parker, Miles sở hữu trí thông minh phi thường, nhưng cậu thích vẽ tranh đường phố, nghe nhạc hiphop hơn là việc vùi đầu vào học. Tạo hình nhân vật Spider-Man qua bàn tay nhào nặn của Phil Lord và Christopher Miller đều trở nên hài hước, vui nhộn, lập dị, từ Người Nhện “hết thời” Peter Parker (Jake Johnson) cho đến chú Lợn Nhện Peter Porker (John Mulaney). Để giúp đem đến những trải nhiệm mới mẻ chưa từng có cho khán giả, các nhà làm phim không ngại tốn kém kinh phí đầu tư cho phim hoạt hình thiếu nhi Người Nhện: Vũ Trụ Mới, áp dụng kết hợp công nghệ 3D với kỹ thuật vẽ tay 2D để tạo nên thế giới đầy màu sắc sống động, mang đậm tính cách điệu trong câu chuyện kể về Miles Morales. Ẩn sau vẻ ngoài bồng bột, non nớt, Miles là chàng nhện có trái tim nhân hậu và động cơ trong sáng. Người Nhện: Vũ Trụ Mới là một trong những phim hay nhất về Spider-Man, bởi nó chứa đựng nhiều điều độc đáo, mới mẻ, bất ngờ mà ngay cả fan ruột của Spider-Man cũng phải há hốc miệng ngạc nhiên, thích thú. Phim có đoạn post-credit tôn vinh StanLee và Steve Ditko, những người có công làm nên sức hấp dẫn toàn cầu cho siêu anh hùng Spider-Man của Marvel. Trong Người Nhện: Vũ Trụ Mới, bất cứ ai đeo mặt nạ cũng có thể trở thành Spider-Man.  CMAVN dịch và biên tập.

hoạt hình Pixar sáng tạo

(*) Phương châm của Pixar:” GOING FROM SUCK TO NONSUCK” –  tạm dịch: điều tuyệt vời bắt đầu từ những thất bại. Trong một thế giới bị ám ảnh bởi sự hoàn hảo và sợ hãi trước những sai lầm, có lẽ, sẽ là mỉa mai khi mặc dù sở hữu 11 bộ phim bom tấn, đồng sáng lập hoạt hình Pixar, Chủ tịch Ed Catmull mô tả quá trình sáng tạo tại Pixar là “bắt đầu từ những điều tệ hại và kết thúc bằng những điều tuyệt vời”. Ed Catmull và các đạo diễn làm việc tại hoạt hình Pixar điều cùng quan điểm rằng nhận ra rồi sửa chữa lỗi sai luôn tốt hơn ngăn chăn việc phạm lỗi. Adrew Stanton, đạo diễn của phim hoạt hình chuyên nghiệp Finding Nemo và WALL-E chia sẻ: “Về cơ bản, có thể giải thích là chúng ta luôn có những sai sót, chúng ta hãy thừa nhận chúng và đừng sợ hãi”. Đây là cách làm việc mà mọi người nên thường xuyên áp dụng. Đồng sáng lập Pixar- Edcatmull Thông thường Pixar không bắt đầu một bộ phim hoạt hình chuyên nghiệp mới từ kịch bản. Ý tưởng bộ phim được khởi nguồn từ storyboard và họ phải trải qua quá trình xử lý hàng ngàn những vấn đề để đưa bộ phim hoạt hình từ con số “ 0” đến tuyệt vời. Đối với những họa sĩ kể chuyện làm việc tại hoạt hình Pixar, storyboard chính là “phiên bản truyện tranh vẽ bằng tay” của một bộ phim hoạt hình chuyên nghiệp, là bản thiết kế cho nhân vật – hành động. Storyboard là những tờ giấy trắng có kích thước 3×8 inch (7.5 x 20 cm) mà trên đó, các nhà hoạ sĩ truyện của hoạt hình Pixar phác thảo ý tưởng. Như Joe Ranft, một trong những hoạ sĩ truyện hàng đầu tại Pixar, đã chia sẻ: “Đôi khi, lần thử đầu tiên đã đạt được hiệu quả mong muốn, trong khi những lần khác đòi hỏi hàng chục lần thử nghiệm hoặc nhiều hơn.” Phải kiên trì! Pixar đã sử dụng 27.565 storyboard cho A Bug’s Life, 43.536 cho Finding Nemo, 69.562 cho Ratatouille và con số 98.173 thuộc về WALL-E. Một phần trong đồ án storyboard của học viên Nguyễn Gia Lộc- Comic Media Academy Với quá trình phê bình khắc khe này sẽ tạo ra những thay đổi lớn cho bộ phim hoạt hình. Nó tựa một vòng tuần hoàn, cứ tiếp diễn, tiếp diễn cho đến khi kịch bản đầu tiên được phê duyệt. Phiên bản đầu của bộ phim hỏa hình chuyên nghiệp sẽ được tạo ra trên những thức được gọi là “ những cuộc băng”. “ Những cuộc băng” này chứa các storyboard kết hợp với bản thu thanh và sẽ được trình chiếu trong nội bộ hoạt hình Pixar trước khi được gia công lại bằng digital với những công nghệ tiên tiến và đắt đỏ. “Tất cả các bộ phim hoạt hình thuộc lứa đầu của tôi đều thất bại thảm hại”, Catmull nói. Các họa sĩ kể chuyện và những chuyên gia sẽ email cho đạo diễn để trình bày ý kiến của họ, những điểm họ thích, những điểm họ không thích, lý do kèm theo và những ý kiến đóng góp để thay đổi bộ phim hoạt hình sau đó. Trên thực tế, các họa sĩ kể chuyện chia sẻ rằng, các bộ phim của hoạt hình Pixar đều dở tệ trong suốt quá trình cho đến khâu sản xuất cuối cùng. Vì các vấn đề sẽ liên tiếp được phát hiện và xử lý. Finding Nemo mắc một lỗi nghiêm trọng trong một loạt các cảnh hồi tưởng mà khán giả thử nghiệm không hề nhận ra. Còn kịch bản của Toy Story phải viết lại hoàn toàn trong một năm trước khi bộ phim ra mắt. (Ngày ra mắt phim của hoạt hình Pixar được đặt cố định, đóng vai trò như một sự ràng buộc.) Những gì chúng ta nhìn thấy không phải là những tuyệt tác dễ dàng đạt được. Phải trải qua một quá trình lặp đi lặp lại không mệt mỏi, cần mẫn cùng với biết bao đêm thức trắng, những bộ phim mới bắt đầu hoàn thiện. Tuỳ theo hình thức của bộ phim hoạt hình Pixar mà chủ nghĩa cầu toàn không nhất thiết sẽ cản trở sự sáng tạo. Ngày càng có nhiều nghiên cứu về tâm lý học đã tiết lộ rằng, sự cầu toàn tồn tại dưới hai hình thức: lành mạnh và không lành mạnh. Theo tâm lý học, đặc điểm của một chủ nghĩa cầu toàn lành mạnh bao gồm phấn đấu để đạt được sự xuất sắc và mong muốn người khác cũng theo đuổi những chuẩn mực tương tự, lập kế hoạch cho tương lai và có kỹ năng tổ chức tốt. Chủ nghĩa cầu toàn lành mạnh được dẫn dắt một cách chủ quan, được thúc đẩy bởi những giá trị cá nhân mạnh mẽ.  Ngược lại, chủ nghĩa cầu toàn không lành mạnh chịu các tác động khách quan. Các mối bận tâm bên ngoài xuất phát từ nhận thức áp lực từ gia đình, nhu cầu đồng cảm, xu hướng làm sáng tỏ những gì đã diễn ra, hoặc sự lo lắng tột độ về việc mắc sai lầm. Người theo chủ nghĩa cầu toàn lành mạnh thể hiện mối quan ngại thấp đối với những yếu tố khách quan này. Mục đích của việc mô tả quá trình sáng tạo tại hoạt hình Pixar không phải để nói rằng, mọi người nên tuân thủ tuyệt đối một quy trình như vậy. Ví dụ như, không phải lúc nào cũng có một đội ngũ họa sĩ kể chuyện để đánh giá phiên bản đầu tiên của tất cả các tác phẩm. Hoặc là, chúng ta cũng không nên đầu quá nhiều cảm xúc, thời gian cho

Âm thanh đóng vai trò như thế nào trong một bộ phim hoạt hình? Theo các nhà làm phim của Viện hàn lâm điện ảnh Mỹ, trong một bộ phim hình ảnh sẽ chiếm 85%, còn lại 15% thuộc về âm thanh. Điều đó cho ta thấy, sức mạnh vô hình của âm thanh trong việc lôi kéo sự chú ý của người xem. Âm thanh là vũ khí chuyển tải nhiều cảm xúc nhất cho làm phim hoạt hình Vào thời đại công nghệ, âm thanh được xem như là một vũ khí sắc bén nhất mà các nhà làm phim hoạt hình hay khoa học giả tưởng sử dụng để mang đến cảm xúc cho người xem, bên cạnh những kỹ xảo máy tính khác. Mặc dù, điện ảnh là môn nghệ thuật của hình ảnh nhưng âm thanh lại đóng vai trò rất lớn trong sự thành công của một tác phẩm. Hãy thử tưởng tượng, một bộ phim chỉ có hình ảnh có thể khiến bạn tập trung theo dõi và cảm thụ hay không? Dù cho nội dung hình ảnh rất tốt nhưng ý đồ và cảm xúc mà phim muốn truyền tải đến khán giả vẫn không đạt hiệu quả nhiều khi thiếu mất âm thanh. Với chỉ 15%, âm thanh có thể giúp đạo diễn chuyển đến 100% sức biểu cảm của tác phẩm đến người xem. Lý do rất đơn giản, bên trong khả năng nhận thức của con người, hình ảnh chỉ tác động gián tiếp tới cảm giác và cảm xúc con người, trong khi âm thanh đóng vai trò trực tiếp nhất, ảnh hưởng mạnh mẽ đến tâm trạng của con người. Có nhiều trường hợp còn cho rằng, âm thanh trong phim nếu được sử dụng hợp lý và phù hợp có thể đóng vai trò như một nhân vật trong phim.   Tái hiện nhạc phim “Lord of Rings” Theo đó, âm thanh trong một bộ phim sẽ gồm 3 thành phần là tiếng động, lời thoại và âm nhạc. Một bộ phim có âm thanh xuất sắc là khi tiếng động phải chân thực, lời thoại phải có duyên, không thừa, không thiếu, âm nhạc phải tinh tế và phù hợp với từng phân cảnh, chất lượng thu âm tốt và hòa âm phải khéo. Nhìn chung, nó giống như một nồi lẩu mà người đạo diễn âm thanh phải biết cách nêm nếm cho đủ vị, không quá tay cũng không nhạt nhòa. Công việc này thực sự không đơn giản. Một số đạo diễn âm thanh tài giỏi thường sử dụng âm thanh như một công cụ để truyền tải nỗi đau của nhân vật trong phim. Họ khiến âm thanh trở thành người dẫn chuyện, nói lên cảm xúc về những điều mà nhân vật trong phim đang trải qua. Thông thường, họ sẽ hạ tông của cuộc hội thoại giữa các nhân vật xuống và dùng âm thanh để thay lời muốn nói của nhân vật nhằm lột tả mạnh mẽ cảm xúc của một phân cảnh hay mạch phim. Đây chính là lúc chúng ta sẽ bắt gặp một nhân vật mới, người không thể nhìn thấy mà chỉ có thể lắng nghe và cảm nhận. Cùng với đó, cách lồng ghép âm thanh vào từng phân đoạn phải phù hợp với bầu không khí trong phim. Trong trường hợp này, bầu không khí có thể được hiểu là cảm xúc chung mà bộ phim muốn truyền tải, cảm xúc khi chuyển từ cảnh này sang cảnh khác. Ngoài ra, một điểm cần chú ý chính là đừng nên cố gắng ràng buộc vào một khái niệm lý thuyết nào đó. Bởi, người ta vẫn thường nói, nếu bạn làm phim hoạt hình  theo chất riêng hay tính cách riêng của mình sẽ càng làm cho tác phẩm hay hơn nhiều. WALL-E minh chứng hùng hồn nhất cho vai trò của âm thanh trong điện ảnh Nhắc đến âm thanh trong làm phim hoạt hình, Wall-E của Pixar luôn được đánh giá cao và nó cũng là minh chứng rõ ràng nhất cho vai trò của âm thanh trong một tác phẩm điện ảnh nói chung, làm phim hoạt hình nói riêng. Hầu như Wall-E không xuất hiện đối thoại giữa các nhân vật, thay vào đó là âm thanh dẫn dắt mạch phim. Từ những tiếng đơn giản đến các tiếng động phức tạp như âm thanh của môi trường đều có những dụng ý riêng.   Ben Burtt trong lễ trao giải The Annie Award Theo thống kê, có đến khoảng 2.600 loại âm thanh đã được sử dụng trong Wall-E. Và chuyên viên thiết kế Ben Burtt là người điều phối âm thanh cho tác phẩm. Người từng đoạt tượng vàng Oscar này đã phải dành nhiều thời gian cùng các cộng sự tìm kiếm những âm thanh chuyển tải được cảm xúc thay ngôn từ. “Bản nhạc” do Ben Burtt dựng nên trong tác phẩm đã tạo ra một thứ ngôn từ không lời khá đặc sắc, hấp dẫn người xem. Burtt cho biết, vai trò của các nhà thiết kế hay đạo diễn âm thanh rất quan trọng trong lĩnh vực phim khoa học viễn tưởng. Ông nói: “Họ phải hiểu lúc nào thì dùng âm thanh nào, vui hay buồn, hưng phấn hay tức giận, cảm thông hay gây chiến.” Điều này thể hiện rõ ràng trong từng nhân vật của Wall-E. Khi chúng di chuyển cánh tay hay xoay quanh, đi lùi, âm thanh đã thể hiện được sức sống và làm bộc lộ cảm xúc của nhân vật khiến người nghe cảm nhận ý nghĩa của từng chuyển động. Cũng theo Ben Burtt, chuyên viên âm thanh cần phải hiểu rõ ý đồ của đạo diễn chính để có thể dựng nên bản âm thanh phù hợp cho toàn bộ phim. Họ phải làm việc với đạo diễn ngay trước khi phim khởi

hoạt hình stop motion isle of dogs

  Isle of Dogs – hoạt hình stop-motion đột phá của đạo diễn Wes Anderson là một câu chuyện ngụ ngôn mang nhiều tầng ý nghĩa. “Tất cả những tiếng sủa đều được chuyển thành tiếng Anh” Nếu có ai đó đưa ra câu hỏi cho những người đi xem rạp chọn ra vị đạo diễn có khả năng mở đầu một bộ phim với dòng thông báo này, thì chắc hẳn đa số sẽ chọn Wes Anderson. Và tất nhiên họ sẽ đúng. Isle of Dogs, bộ phim thứ chín và bộ phim hoạt hình stop-motion chuyên nghiệp thứ hai thuộc thể loại stop-motion của ông là một bộ phim quý giá, chi tiết và ấn tượng mạnh mẽ với sự hài hước rất riêng, mang dấu ấn Wes Anderson. Và giống như tác phẩm tiền nhiệm của nó, The Grand Budapest Hotel, bộ phim kể về sự ác độc, nhẫn tâm mà chỉ loài người mới có thể có –trong trường hợp này đối tượng là những con vật được cho là người bạn tốt nhất của con người.  Bộ phim có nội dung như một câu chuyện ngụ ngôn, nhân vật là động vật, lấy bối cảnh tại thành phố tưởng tượng Megasaki của Nhật trong tương lai. Dưới dạng những giả thuyết sai trái về các dịch bệnh lây nhiễm từ chó, thị trưởng Kobayashi (Kunichi Nomura lồng tiếng) đã trục xuất loài chó ra khỏi thành phố, di chuyển chúng đến “Hòn đảo Rác”, nơi chính xác với tên gọi của mình: một bãi rác khổng lồ gợi ta nhớ đến thế giới dơ bẩn mà robot Wall-E bị bỏ lại để dọn dẹp. Đúng với tên gọi “ Hòn đảo Rác”– hòn đảo đầy dơ bẩn và bốc mùi hôi thối, nhưng lại lộng lẫy theo một cách khác. Anderson đã đưa ra những lối diễn đạt gây ảnh hưởng thị giác người xem khác biệt từ Rankin/Bass, Akira Kurosawa, và Hayao Miyazaki. Nhưng trên tất cả là phim hoạt hình stop-motion  cảm xúc tổng thể hoàn toàn thuộc về Anderson: Mỗi đống rác đều được đặt ở độ chính xác trọn vẹn, từng chai rượu sake bị vứt bỏ nắm bắt ánh sáng như những viên đá quý, những dòng rác thải lại chảy thành dòng một cách rực rỡ. Những cư dân chó sống trên “Hòn đảo Rác” đều cùng chia sẽ vẻ đẹp không bình thường này: ốm đói và hốc hác, bệnh tật và những vết thương, lông của chúng bết dính nhưng lại truyền tải một nét thanh cao không thể diễn tả được. Nhân vật trong phim được làm kỳ công ( được biết hơn 500 con chó trên đảo đều không giống nhau) Chú chó đầu tiên bị đưa tới “Hòn đảo Rác” là Spots (Liev Schreiber lồng tiếng), người bạn đồng hành, bảo vệ của chính thị trưởng và “cháu trai họ hàng xa”, Atari (Koyu Rankin). Và từ đó, sự kết hợp của tình yêu với sự nhiệt tình vốn có của bất kì người chủ mười hai tuổi nào, Atari chiếm một chiếc máy bay nhỏ và thực hiện sứ mệnh giải cứu bầy chó. Khi đến “Hòn đảo Rác”, cậu được hỗ trợ bởi một “đàn chó alpha đáng sợ, không thể hủy diệt”: Rex (Edward Norton), với cách thức lãnh đạo trong Moonrise Kingdom, Boss (Bill Murray), cựu linh vật, Duke (Jeff Goldblum), một kẻ tám chuyện nhảm nhí, King (Bob Balaban), một cựu phát ngôn viên; và Chief (Bryan Cranston), một chú chó hoang lạc lõng có khả năng chiến đấu. Cuộc hành trình đi tìm Spots là cốt lõi của bộ phim. Tuy nhiên, kịch bản thêu dệt các cuộc du ngoạn qua nhiều cảnh hồi tưởng, câu chuyện huyền thoại với một kịch bản phụ về một học sinh trao đổi đến từ Cincinnati, Tracy (Greta Gerwig), mong muốn tìm ra các âm mưu của thị trưởng. Nhưng lấy hình ảnh một người Mỹ đứng lên đảm đương trách nhiệm trước những học sinh cùng lớp người Nhật rõ ràng là một bước đi sai lầm về văn hóa của bộ phim. Và Isle of Dogs khó có thể là một bộ phim của Wes Anderson nếu nó không bao gồm một vài chi tiết phim tỉ mỉ, đặc biệt là những miếng sushi chết người và có lẽ là cảnh cấy ghép thận đầu tiên từng xuất hiện trong một bộ phim hoạt hình stop-motion. Bộ phim tập hợp những ngôi sao lồng tiếng lạ lùng – Scarlett Johansson, Courtney B. Vance, Harvey Keitel, Ken Watanabe, F. Murray Abraham, Yoko Ono và Tilda Swinton trong vai những chú chó, Cranston đặc biệt tỏa sáng dưới vai Chief, chú chó dần dần học cách yêu thương một người chủ. Nhạc phim cũng là một bảng phối khí lạ lẫm khi kết hợp trống Taiko, “Midnight Sleighride”, một vài đoạn nhạc từ Seven Samurai và dòng nhạc đồng quê “I Won’t Hurt You” do The West Coast Pop Art Experimental Band thể hiện. Và cũng giống như trong Fantastic Mr. Fox, tiếng huýt sáo đóng vai trò rất ý nghĩa trong phim. Isle of Dogs mang nhiều dấu ấn riêng của đạo diễn Wes Anderson Anderson gây được nhiều tiếng vang với người xem, ông có cả những người hâm mộ, và những người hay phỉ báng tài năng, Isle of Dogs có vẻ như đã hoàn thành kì vọng của cả hai. Bộ phim tinh tế và đầy tính châm biếm, hay nó quá kiểu cách và sướt mướt? Tất cả những bộ phim của Anderson đều ẩn chứa những nỗi buồn, nhưng giống như The Grand Budapest Hotel, bộ phim mới của ông không chỉ đơn thuần là nói về những vết thương lòng của từng cá nhân, mà đó còn là về những ngược đãi, lạm quyền trong xã hội hiện nay. Khi đến xem rạp, thật khó để người xem có thể chống lại cám dỗ

Vài vấn đề cơ bản về lĩnh vực họa sĩ kể chuyện (story artist), một lĩnh vực tương đối mới tại Việt Nam nhưng không hề lạ trên thế giới.   Nhiều người thường thắc mắc rằng làm sao có thể trở thành một họa sĩ kể chuyện (story artist) hay họa sĩ vẽ phân cảnh (storyboader) và cụ thể về công việc đó. Họ thường biết một ít về hoạt hình, đã xem qua vài cuốn DVD nhưng vẫn cảm thấy hoang mang. Cũng phải thôi, họ đang dần hình dung ra nó và bài viết này hoàn toàn đi  sâu vào những trăn trở của họ. Tuy nhiên, ngay từ khi bắt đầu để ý đến các chuyên gia khác trong ngành công nghiệp hoạt hình,họ thường không biết rõ vai trò của nhóm Phụ trách câu chuyện trong một dự án phim hoạt hình. Một cách trung thực thì họa sĩ kể chuyện (story artist) đều được coi là những nhà làm phim hoạt hình. Tất cả từ đạo diễn, biên tập đến đội ngũ kết xuất đồ họa. Họ không hiện thực hóa câu chuyện. Họa sĩ kể chuyện (story artist) làm rất nhiều việc, đó cũng là những việc mà đồng trong chuyên môn gọi là: Phim Chuyển Thể. Họ có đạo diễn, tác giả, đạo diễn nghệ thuật, biên tập viên, người quay phim (đội ngũ phục trách bố trí và đội ngũ phụ trách ánh sáng) và tất cả những người có khả năng tạo nên thế giới từ con số 0. Dựng cảnh trong bộ phim hoạt hình nổi tiếng Finding Nemo Đầu tiên bàiviết này sẽ cho bạn biết họa sĩ kể chuyện (story artist) và nhóm phụ trách câu chuyện thực sự làm những việc gì. (Ít nhất là trong phạm vi của Pixar). Các họa sĩ kể chuyện (story artist) thực hiện công việc của tất cả mọi người trước khi mọi người thực hiện công việc của mình. Họ là những người đầu tiên đặt nỗ lực vào mỗi phân cảnh trong bộ phim. Có nghĩa là, tạo nên hình hài đầu tiên của một phân cảnh từ kịch bản hoặc đôi khi từ danh sách những khoảnh khắc (những sự kiện sẽ xảy ra trong một cảnh). Họ xem xét hành động của các nhân vật: nhân vật đang nói gì và họ nói thế nào? (Diễn viên) Những nhân vật này trông như thế nào? (Thiết kế nhân vật) Họ xuất hiện ở đâu trong phân cảnh? Họ tương tác với đao cụ gì? (Đạo diễn nghệ thuật) Góc máy ảnh từ đâu? (Đạo diễn hình ảnh) Phải quay bao nhiêu lần để nối những điểm trong câu chuyện liền mạch? Và tốc độ khi kể câu chuyện như thế nào? (Biên tập viên) Ánh sáng như thế nào? Sử dụng ánh sáng hoặc bóng tối như thế nào để đẩy câu chuyện lên cao trào? (Bộ phận phụ trách ánh sáng) Sau đó, bổ sung những ý kiến giúp câu chuyện hay hơn hoặc hài hước hơn. (Tác giả) Storyboard từng góc   Trong hoạt hình, họa sĩ kể chuyện (story artist) biến mọi thứ thành hiện thực, vì vậy, bất cứ thứ gì có thể giúp cải thiện chất lượng bộ phim sẽ được thực hiện bằng mọi giá. Bất kì khía cạnh nào của diễn xuất cũng được nghiên cứu một cách chi tiết. Vì vậy các họa sĩ kể chuyện (story artist) xây dựng những bảng vẽ, làm việc cùng với biên tập viên để kết hợp chúng với âm nhạc, âm thanh và lồng tiếng tạm thời để biến chúng trở thành một bộ phim trước khi thiết lập bất cứ thứ gì bằng đồ họa máy tính. Những trường hợp thay đổi về chi tiết bộ phim luôn luôn xảy ra, vì vậy họa sĩ kể chuyện (story artist) luôn phải hoạt động hết công suất trong thời gian làm phim. Một vài ý giải thích trên mong rằng có thể giải đáp phần nào thắc mắc của khán giả về họa sĩ kể chuyện (story artist). Sinh viên à, vẫn còn muốn theo đuổi nghề nghiệp này trong tương lai? Nó sẽ rất vất vả những cũng tràn ngập niềm vui….tất nhiên là nếu bạn thật sự thích vẽ và sáng tác những câu chuyện. CMAVN dựa trên Valerie’s Blog.

  Night is short, walk on girl được dịch qua tiếng Việt bằng môt cái tên thơ mộng Dạo bước trong đêm.  Xoáy tung bầu trời Kyoto, hoạt hình chuyên nghiệp với “cơn điên” trong đêm gây nhiều tranh cãi khi vượt mặt những cái tên nặng ký như : Mary và Đóa hoa phù thủy; Pháo hoa, nên ngắm từ dưới hay bên cạnh, để đoạt giải hạng mục Phim hoạt hình xuất sắc nhất của Viện Hàn Lâm Nhật Bản năm 2017. Tóm tắt : Duyên dáng nhưng cũng rất mãnh liệt, cô gái với mái tóc đen tựa như một cơn bão đầy niềm thích thú xoáy qua màn đêm Kyoto. Thổi tung những hang hóc của tiệc tùng, lễ hội và hội chợ sách, niềm hân hoan tuổi trẻ lan truyền đến tất cả các nhân vật lập dị. Nhưng trong số những con nợ, người theo chủ nghĩa hiện sinh và vị thần của phiên chợ cũ, liệu rằng cô gái sẽ nhận ra có một Senpai (tiền bối, đàn anh) đang theo đuổi mình. Dù những chiếc đồng hồ đeo tay có chạy nhanh hay chậm thì “đêm ngắn lắm, dạo phố ngay thôi”. Review : Bộ phim bắt đầu bằng một giả thuyết vô cùng quen thuộc với  các fan truyện tranh (manga) : một Senpai vụng về đã trúng tiếng sét ái tình với một hậu bổi cùng trường đại học, anh luôn tìm cách chạm mặt cô nhiều nhất có thể và vờ như đó là sự trùng hợp ngẫu nhiên để cô gái chú ý đến mình. Và đêm nay, trong khi dự một tiệc cưới mà cả hai đều có mặt, anh sẽ bắt chuyện với cô gái và thổ lộ hết tình cảm của mình, hoặc đó chính là những gì anh nghĩ đến. Nhưng với cốt truyện mở ra một cách chậm rãi, chúng ta nhận ra rằng câu chuyện của Senpai không phải là duy nhất. Bộ phim hoạt hình chuyên nghiệp còn là câu chuyện của cô gái mà anh thầm thương trộm nhớ, cô gái trẻ hay được gọi là “ Thiếu nữ tóc đen”. Và hành trình của cô – sự khám phá thế giới màn đêm huyền ảo chỉ có thể được miêu tả từ tác giả của “The Tatami Galaxy” và đội ngũ của Science SARU,  những người đứng sau việc chuyển thể từ tập truyện tranh cùng tên năm 2010. Sau khi trốn khỏi bữa tiệc, thiếu nữ tóc đen quyết định ghé vào quán bar để thưởng thức vài ly cocktail. Điều này không chỉ giới thiệu cô với nhiều nhân vật kì bí mà có lẽ các fan hâm mộ của Tatami Galaxy chắc chắn sẽ nhận ra mà còn để bắt đầu một chuỗi sự kiện dẫn cô gái đến với những cuộc dạo chơi suốt cả một đêm dài. Từng địa diểm, từng nhân vật và thậm chí là từng món đồ uống, tất cả đều có sự kết nối với bước đi tiếp theo của cô gái trong cuộc dạo chơi, niềm say mê, hứng khởi  của  cô dường như luôn bị kích thích bởi bất kì điều gì xuất hiện. Cô gái càng hạnh phúc, vui vẻ hơn khi được tham gia vào câu lạc bộ nhảy của đội hùng biện, thách đấu ở cuộc thi uống kì quái, và thậm chí là đảm nhận vai chính trong một vở kịch của nhóm kịch du kích, hoàn thành vai diễn với những phục trang kì lạ và những ca khúc viết về cuộc trạm trán định mệnh. Nhưng tại sao cô giá lại có thể làm được mọi thứ như thế ? Cô có cả đêm dài, và màn đêm dường như là vô tận đối với cô gái trẻ – người dường như có cả thời gian của thế giới này. Và tất nhiên Senpai của thiếu nữ tóc đen lúc nào cũng ở rất gần cô, cố gắng đuổi kịp và tìm ra con đường khác có thế giao với lối đi của cô gái. Chàng trai cũng gặp một vài nhân vật dị thường ( đôi khi lại vô cùng đáng sợ) – những gương mặt không hề xa lạ với fan của Tatami Galaxy. Một số người cố gắng giúp anh trong việc theo đuổi tình yêu, họ đưa ra những gợi ý để anh có thể tìm món đồ quý báu thời thơ ấu đã bị lạc mất của cô gái để chiếm được tình cảm của cô. Một số khác chỉ làm cho mọi việc khó khăn hơn với chàng trai thông qua những thử thách phức tạp, những sự hiểu lầm lố bịch, và đôi khi điều đó làm anh thêm quỵ lụy, khổ sở hơn là hài hước. Bất chấp tất cả, các chi tiết đều được kết nối với nhau bằng cách nào đó. Mọi thứ đều quay về với thiếu nữ tóc đen và anh chàng Senpai, những người chu du trên những con đường khác nhau trong giấc mơ đêm kì dị, nhưng cuối cùng lại có chung một điểm đến, liệu rằng họ có nhận ra điều đó hay không. Đội ngũ của Science SARU đã tạo dựng lên một bộ phim hoạt hình chuyên nghiệp vô cùng mãn nhãn. Để có sự hấp dẫn về mặt thị giác, lối chuyển cảnh vô cùng sáng tạo của đạo diễn Masaaki Yuasa luôn là điểm nhấn, và  Dạo bước phố đêm cũng không phải là ngoại lệ. Từ khung cảnh màn đêm ngoài trời hội chợ sách hiện lên như một đại dương đến những suy nghĩ bên trong của Senpai trông vô cùng hỗn độn như bức vẽ của M.C.Esther cũng trở nên đặc sắc, thu hút. Những gì mà Yuasa tạo ra luôn đầy màu săc và có ấn tượng rất sâu sắc. Ta sẽ luôn tìm thấy những điều thú vị xuất hiện trong phim. Dành cho những khán giả lớn

animation Fawn

Nơi phép màu được tạo ra: Khám phá cuộc sống của một họa sĩ kể chuyện tại Disney Animation Studios. “Sau khi tốt nghiệp, tôi đã nộp đơn vào Disney nhưng không hề nhận được bất kỳ phản hồi nào và tôi hiểu rõ tại sao. Đừng mong đợi sự hoàn hảo ngay tức thì, mọi thứ đều cần thời gian để hoàn thiện.” Prasansook Veerasunthorn vẫn còn nhớ những ngày tháng tuổi thơ của mình ở quê nhà Thái Lan từng gắn liền với bộ phim Dumbo của Disney, cô đã xem nó hàng trăm lần bởi vì quá đỗi yêu thích nhân vật chú voi biết bay. Cô chia sẻ, mặc dù không thể hiểu được bộ phim bằng tiếng Anh, nhưng những hình ảnh hấp dẫn của Dumbo đã nhen nhóm ngọn lửa đầu tiên cho niềm yêu thích hoạt hình của cô. Là một họa sĩ kể chuyện của Walt Disney Animation Studios trong suốt 5 năm qua, Prasansook hay ‘Fawn’ – tên mà đồng nghiệp gọi cô, đã tạo nên những bộ phim thành công rực rỡ như Zootopia và Frozen, và hiện tại đang thực hiện bộ phim Moana. Tin hay không tùy bạn, nhưng việc trở thành một họa sĩ kể chuyện chưa bao giờ nằm trong kế hoạch của cô ấy. “Lớn lên ở Thái Lan, nơi mà nghề này thậm chí không hề tồn tại, nên khi tôi nói với bố mẹ về mong muốn theo học trường nghệ thuật, bố mẹ tôi đã rất hoang mang không biết con đường sự nghiệp của tôi rồi sẽ ra sao”, Fawn nói. Mặc dù vậy, cô vẫn theo đuổi ước mơ trở thành một nhà sản xuất hoạt hình và năm 19 tuổi, cô chuyển đến Mỹ để bắt đầu học tại trường Cao đẳng Nghệ thuật và Thiết kế Columbus tại Ohio. Sau khi tốt nghiệp, cô bắt đầu sự nghiệp nhà sản xuất hoạt hình cho Animation Collective ở New York. Một vài năm sau đó, cô ấy làm việc ổn định trong vai trò một nhà sản xuất hoạt hình 2D và thậm chí tiến lên vị trí Đạo diễn Hình ảnh. Với kinh nghiệm hơn một thập kỷ trong lĩnh vực kinh doanh, đó là lần đầu tiên cô trải nghiệm việc thiết kế kịch bản phân cảnh. “Các đồng nghiệp hỏi tôi liệu tôi có thể thiết kế kịch bản phân cảnh, và tôi đã trả lời chắc chắn có, mặc dù tôi chưa biết nhiều về quá trình này, nhưng tôi sẽ theo đuổi nó. Tôi đã học được nhiều điều từ công việc thời điểm ấy và đó là cách tôi mà bắt đầu”. Những bộ phim hoạt hình của Disney mất từ 3 đến 5 năm để hoàn thiện, và rất nhiều họa sĩ kể chuyện, bao gồm cả Fawn, thực hiện những bước đầu tiên để định hình bộ phim bằng việc tạo ra những bảng vẽ phân cảnh dựa trên những trang kịch bản. Sau khi Fawn được giao phân cảnh, đạo diễn và biên kịch sẽ truyền đạt những cảm xúc họ muốn đạt được cùng với đạo diễn hình ảnh cung cấp những yếu tố thiết kế nhân vật và môi trường. Ngoài những điều đó ra, còn lại cô ấy được mặc sức sáng tạo và khám phá. Là một họa sĩ làm việc với những nhân vật hoạt hình, những nhân vật dẫn dắt sợi dây cảm xúc theo một cách rất riêng của Disney, Fawn cho biết nguồn cảm hứng cho những nhân vật và cảnh vật mà cô tạo ra đến từ cuộc sống và kinh nghiệm của chính cô. Ví dụ, cô đã liên hệ nhân vật Judy trong Zootopia với cá nhân mình – một người con gốc Thái chuyển đến Mỹ sinh sống và nó đã ảnh hướng đáng kể đến tác phẩm của cô ấy. “Zootopia giống như thành phố New York vậy, nơi mà mọi người từ khắp nơi trên thế giới đổ về, và tôi nghĩ về Zootopia như việc tôi sống ở Mỹ nói chung”. “Ở Thái Lan, mọi người đều đến từ Thái Lan, bạn không thể thấy được nhiều sự đa dạng. Vì vậy, việc chuyển đến đây thật sự là một cú sốc văn hóa, nên tôi hiểu cảm giác của Judy khi đến thành phố”, Fawn tiết lộ. Có một cảnh trong phim khi Judy nhảy lên tàu đến Zootopia và kinh ngạc nhìn ra cửa sổ khi ngang qua Quảng trường Sahara và Thị trấn Tudra trên đường đi trước khi đến ga tàu. Khi cô đến nhà ga, những chú chuột bắt đầu tuột xuống từ những đường ống trong suốt và những chú hà mã trong bộ comle trồi lên khỏi mặt nước sẽ tự động được chào đón bằng những chiếc máy sấy. Những cảnh như thế đòi một sự kết hợp giữa việc động não và liên tưởng, Fawn chia sẻ. Trên thực tế, cô và những người đồng nghiệp đến những nơi khác nhau cùng đóng góp vào nội dung của tác phẩm – những chi tiết như thế không bao giờ được viết sẵn trong kịch bản. Tuy nhiên, việc tạo ra các cảnh và nhân vật chưa bao giờ là một công việc dễ dàng cả. Fawn cho biết quá trình này đòi hỏi việc chỉnh sửa và chọn lọc vô số lần. Tuy nhiên, bắt đầu từ một tờ giấy trắng luôn là phần yêu thích của cô ấy. “Khởi đầu thật đáng sợ nhưng cũng thật thú vị! Bắt đầu với một con số 0 tròn trĩnh, sau đó dần định hình nó và hòa mình vào nó là một thử thách rất thú vị đối với tôi. Bạn có thể mơ về những viễn cảnh khác nhau và thật thú vị khi lần đầu tiên được dệt nên chúng”. Ngoài ra, cô còn đề cập đến việc được làm chung nhóm với những con

đạo diễn stop motion Ray Harryhausen

Những nhà làm phim hoạt hình chuyên nghiệp stop-motion có một sự kiên trì cực kỳ đáng nể.   Stop-motion là một phương pháp làm phim hoạt hình không hề mới lạ. Để tạo ra những thước phim uyển chuyển và khung hình đẹp mắt, người làm phim hoạt hình stop-motion phải kiên trì, nhẫn nại trong từng khâu thực hiện. Đồng thời, họ cũng bước từng bước thật chậm nhưng chắc chắn để có chỗ đứng vững chắc trong lòng công chúng. Cách thức làm phim hoạt hình ấn tượng   Bên cạnh 2D và 3D, stop-motion là một phương pháp thể hiện đặc biệt trong chất liệu hoạt hình và có tuổi thọ tương đương với lịch sử điện ảnh. Các nhà làm phim hoạt hình stop-motion sẽ chụp liên tiếp các bức ảnh tĩnh, cắt ghép tỉ mỉ những đồ vật, chi tiết cụ thể trong phim như nhân vật, đạo cụ,.. và sắp đặt chúng theo trình tự đựng sẵn để tạo thành những khung cảnh sống động theo chuẩn khung 24 hình/giây. Thật khó để tưởng tượng, hàng ngàn bức ảnh được chính tay các họa sĩ tạo ra lại có thể trở thành một bộ phim hoạt hình ấn tượng.Tuy vậy, không phải ai cũng có thể làm phim hoạt hình stop-motion chỉ với khả năng tạo hình giỏi. Người làm lĩnh vực này đòi hỏi phải có khả năng thổi hồn vào những đồ vật vô tri vô giác và tạo ra sự chuyển biến trong cảm xúc của người xem. Là một phương pháp làm phim hoạt hình lâu đời và đặc sắc, thế nhưng các hãng phim hoạt hình stop-motion từ trước tới nay không thường được cờ hoa đình đám, truyền thông quảng cáo rầm rộ như các chất liệu hoạt hình khác như 3D hay vẽ tay. Song, giới chuyên môn và những người yêu nghệ thuật vẫn dành cho nó một sự ưu ái đặc biệt. Lý do rất đơn giản, công đoạn thực hiện của stop-motion đòi hỏi các họa sĩ và ekip phải kiên trì, nhẫn nại khi thực hiện tạo hình các nhân vật, khung cảnh trong phim. Bởi số lượng hình ảnh cho một bộ phim stop-motion không phải là ít. Ngoài ra, người làm phim hoạt hình stop-motion cũng phải có kỹ năng tạo hình khéo léo, tinh tế và cẩn thận cao. Chính vì vậy, có thể dễ hiểu vì sao các bộ phim stop-motion vẫn luôn có một chỗ đứng vững chắc trên màn ảnh rộng và nhỏ, mặc cho nó không có nhiều bom tấn oanh tạc các phòng vé toàn cầu. Những nhà làm phim stop-motion nổi tiếng Nhắc đến những cây đại thụ của stop-motion không thể không kể đến những “lão đại” của nghề làm kỹ xảo điện ảnh, những người đặt nền móng đầu tiên cho các kỹ thuật cơ bản của phương pháp này. Bạn còn nhớ Willis O’Brien, một đạo diễn nổi tiếng đã đưa hình ảnh loài khủng long đồ sộ lên điện ảnh trong The Lost World (1925) và khiến khán giả choáng ngợp với chú linh trưởng khổng lồ trong Kinh Kong (1993)? Thế nhưng, bài viết sẽ không đề cập sâu về Willis O’Brien mà là học trò của ông, Ray Harryhausen, người đã đặt nền móng đầu tiên cho những kỹ thuật cơ bản của stop-motion. Ray Harryhausen thành danh với loạt tác phẩm như như Mighty Joe Young (1949), The 7th Voyage of Sinbad (1958), Jason and the Argonauts (1963), và đặc biệt là Clash of the Titans (1981). Tuy là những bộ phim người đóng, nhưng những nhân vật thần thoại, kỳ bí dưới dạng mô hình thu nhỏ qua bàn tay tài hoa của Harryhausen đã xuất hiện vô cùng sống động. Khởi nguồn cho hoạt hình chuyên nghiệp stop-motion, khủng long khổng lồ trong phim The Lost World (1925) Ray Harryhausen, đạo diễn đặt nền móng cho hoạt hình chuyên nghiệp stop-motion Tiếp đến là hai nhà làm phim hoạt hình chuyên nghiệp của LAIKA, hãng phim chuyên về stop-motion. Còn nhớ vào năm 2016, LAIKA tung ra bộ phim hoạt hình Kubo and the two strings, cái tên đã đe dọa tượng vàng Oscar của Zootopia. Thực chất, LAIKA không chỉ nổi tiếng với Kubo and the two strings mà có một nền tảng vững mạnh với những nhà làm phim xuất sắc của stop-motion. Henry Selick chính là một trong những người đóng góp không ít cho dòng phim hoạt hình chuyên nghiệp stop-motion nói chung và LAIKA nói riêng với bộ phim kinh điển Coraline.Cùng với đó là Travis Knight, chủ tịch và giám đốc của LAIKA, đồng thời là đạo diễn cho Kubo and the two strings. Ông là người đã trực tiếp thực hiện những thước phim hoạt hình chuyên nghiệp stop-motion cho hãng này, một loại hình nghệ thuật đòi hỏi rất nhiều sự kiên nhẫn của người làm. Travis Knight từng chia sẻ rằng: “Khi chúng tôi bắt đầu thành lập Laika 10 năm về trước, chúng tôi điều biết rằng làm sống lại một nền hoạt hình đang suy tàn là điều cực kỳ khó khăn. Chúng tôi phải tìm ra một lối thoát, môt giải pháp để đưa stop-motion trở lại, nếu như chúng tôi muốn tiếp tục thực hiện những gì mình yêu thích, nuôi nghề và sống bằng nghề này. Chúng tôi phải cố gắng mang đến một kỷ nguyên mới, một tương lai mới và truyền sinh khí cho nó.” Không chỉ riêng Knight mỗi một nhân viên LAIKA đều có ý nghĩ và quyết tâm về tương lai của phim hoạt hình chuyên nghiệp stop-motion: “Có những cách khác dễ dàng hơn nhưng sao tôi không chọn chúng. Đơn giản vì chúng tôi muốn thử thách chính mình. Chúng tôi muốn tạo nên điều gì đó đặc biệt.” Đạo diễn hoạt hình chuyên nghiệp Tim Burton với dòng phim phong cách gothic

hoạt hình birdboy

Hơn cả một phim hoạt hình mang màu sắc kinh dị là nỗi buồn man mác của những đứa trẻ tìm lối thoát trong Bridboy: The Forgotten Children. Birdboy: The Forgotten Children (Psiconautas) tên tiếng Việt là Những đứa trẻ bị lãng quên, sản phẩm của sự kết hợp David Kronenberg và The Fantastic Planet. Rất dễ nhận ra Birdboy: The Forgotten Children (Psiconautas) của Alberto Vázquez và Pedro Rivero kể về hậu tận thế, thế giới bị hủy diệt, những biến đổi hỗn loạn về môi trường và sự xa lánh hậu công nghiệp. Bộ phim bắt đầu như một tiểu thuyết bằng tranh được viết bởi Alberto Vázquez, sau đó được chuyển thể sang màn hình lớn dưới dạng phim hoạt hình ngắn Birdboy bởi Pedro Rivero và Alberto Vázquez, miêu tả về một thế giới mà chúng ta có thể tìm thấy trong series Mad Max. Thật vậy, những kẻ cướp đồng (xuất hiện một cách ngoạn mục ở đầu phim) mang chúng ta đến một thởi điểm công nghiệp hạnh phúc, nơi những “đứa trẻ bị lãng quên” đang khát máu. Nhưng ở đây, hoạt hình 2D chuyên nghiệp này lại tập trung nhiều hơn đến câu chuyện của những đứa trẻ hay những con người phải luôn ghi nhớ câu châm ngôn: “Không phải bất cứ thứ gì có cơ thể cũng đều còn sống”. Bộ phim kể về câu chuyện của những thanh thiếu niên Birdboy và Dinky. Birdboy (được ám chỉ đang sử dụng ma túy) khóa kín mình tách biệt với thế giới và sống trong một ngọn hải đăng bỏ hoang, mang theo những vết thương lòng về gia đình và về bản thân mình. Trong khi chuột Dinky sống cùng với cha mẹ nuôi của mình, những người tôn thờ tôn giáo nhưng không bao giờ hiểu được những lo lắng thực sự của cô. Birdboy nhốt mình trong “lồng giam” và đấu tranh với nỗi đau đớn hiện tại. Birdboy đang ngày càng bị ăn mòn bởi những con quỷ ám sâu trong lòng của mình, còn Dinky và những người bạn của mình, Sandra và Dorrito, càng muốn rời khỏi hòn đảo, nơi đang và sẽ chịu đựng những luật lệ khắc nghiệt và tình cảnh vô chính phủ trong “khu công nghiệp”. Đừng đánh giá thấp một giây phút nào trong bộ phim chỉ vì các nhân vật trong đó không phải là anh hùng (hay ác quỷ). Một trong những phút phim khắc nghiệt và dữ dằn nhất xảy ra giữa Chicocerdo, đứa trẻ đầu tiên sử dụng ma túy trên hòn đảo, và người mẹ bị bệnh sắp biến đổi thành nhện của mình. Những đứa trẻ của hoạt hình 2D chuyên nghiệp The Chidlren Fogotten có lẽ là sản phẩm của 400 blows của Truffaut (1959) hơn là thành viên của những gia đình hạnh phúc. Là một bộ sưu tầm toàn diện hơn câu chuyện của chính Birdboy, The Children Fogotten– hoạt hình 2D chuyên nghiệp sử dụng những phân đoạn hồi tưởng để chèo lái qua một quá khứ bình yên, để bù đắp cho vẻ đẹp hiện hữu, những ảo giác chưa bao giờ khiến ta thất vọng. Những con chim nhỏ bé trở thành những con thú đầy giận dữ và các tổ hợp đơn sắc lột tả mọi thứ một cách choáng ngợp khiến ta không thốt nên lời. Nhiều hơn một chuyến phiêu lưu cá nhân, Birdboy trong  The Forgotten Children hoạt hình 2d chuyên nghiệp là một cuộc chiến nội tâm giữa bản ngã của bạn và người mà bạn chọn trở thành. Không giống như The Fantastic Planet (1973), bất bình đẳng và thống trị không được áp dụng giữa những thành viên của các bộ tộc và giống loài khác nhau, nhưng giữa cùng một người ở những bang khác nhau – đó khi nơi quyết định được đưa ra. Sự phân ly tồn tại ở khắp mọi nơi trong bộ phim: thậm chí cả những món đồ chơi (như Reloggio đoản mệnh, nốt nhạc hài hước duy nhất trong phim) cũng có thể khằng định vẻ đẹp của quá khứ. Birdboy và Dinky có thể đắm chìm mình trong vẻ đẹp của những khu rừng rực rỡ và những linh hồn bảo vệ nhỏ bé vàng óng, nhưng hiện thực của họ lại tràn ngập những ma quỷ, xấu xa. David Kronenberg có lẽ sẽ rất hạnh phúc với những đấu tranh nội tâm trong nhân vật chính của mình, đặc biệt là Birdboy, người có sợi dây kết nối luôn tràn đầy những lo lắng về mối quan hệ máu mủ. Hoạt hình 2D chuyên nghiệp này lột tả một câu chuyện đầy thăng trầm với những hình ảnh đồ họa ấn tượng, nhưng nó lại không quá lộng lẫy, không quá hào nhoáng hoặc xảy ra quá bất ngờ. Ngược lại, Dinky luôn muốn giải thoát khỏi những “bức tường” ngăn cô khỏi thế giới mà cô mơ ước. Nhân vât trong phim là yếu tố khiến người xem luôn phải quan tâm. Có thể đó chỉ là một chiếc vòng cổ nhỏ bé đặt trong tai của Dinky. Chiếc vòng cổ vũ cho ý định giải thoát của họ, dù bằng cách nào đều sẽ hoàn thành. Mặc cho sự giải thoát này không nằm trong thế giới của họ. Bằng con mắt của một người trưởng thành, đây quả thật là một trong những bộ phim hoạt hình 2D chuyên nghiệp, chân thành nhất trong những năm gần đây. Vassilis Kroustallis Nguồn: http://www.zippyframes.com/index.php/reviews/psiconautas-review-beware-of-children-in-distress  

Comic Media Academy giới thiệu những bản phác thảo vẽ tay tuyệt vời của hãng phim hoạt hình 2D Ghibli Từ lâu phong cách làm phim hoạt hình 2D của hãng phim hoạt hình  Ghibli luôn là một đề tài mà các nhà sản xuất  phim hoạt hình 2D trẻ và các họa sĩ concept cho phim hoạt hình 2D luôn chú ý. Các họa sĩ  phim hoạt hình 2D tỉ mỉ nghiên cứu từng khung hình phim để khám phá sự kì lạ đằng sau những nét vẽ đơn thuần đó của hãng phim hoạt hình 2D Ghibli. [spacer] [spacer] Và để đáp ứng lại nhu cầu của họ. Mới đây , một tài khoản tumblr có tên là Ghibli Collector đã chia sẻ toàn bộ những khung hình phim mà anh đã sưu tầm được . Comic Media Academy xin phép được chia sẻ với tất cả những người hâm mộ hãng phim hoạt hình 2D Ghibli những bản vẽ tuyệt vời này và hãy xem xét kỹ từng khung hình phim, bạn sẽ cảm nhận được vẻ đẹp tuyệt vời từ những nét vẽ phác ban đầu [spacer] Howl’s Moving Castle     [spacer] Whisper of the Heart [spacer] Spirited Away Mononoke Hime Nguồn : Ghibli Collector /Tumblr

  “Giải thưởng compostela quốc tế lần thứ 11” đã được khởi động tại Tây Ban Nha. Thời hạn tham gia: 14/5/2018 Phòng Giáo dục của Hội đồng Thành phố Santiago de Compostela (Tây Ban Nha) phối hợp với nhà xuất bản Kalandraka thông báo tìm kiếm các ứng viên tham gia cuộc thi. Đây là cuộc thi trong chuỗi sự kiện hưởng ứng chiến dịch khuyến khích đọc sách lần thứ 18 của thành phố Thí sinh tham gia có thể đăng ký dự thi bằng các ấn phẩm nằm trong danh mục sách ảnh: sách kể chuyện thông qua minh họa và hình ảnh. Yêu cầu đối với thí sinh tham dự bao gồm: 5 bản sao phần lời thoại 3 bức minh họa gốc, 5 bản bản sao màu đối với từng bức ( Nếu vẽ bằng Digital, tác giả có thể gửi bản in chất lượng cao) Một bản Layout hoàn chỉnh cho cả tác phẩm Tác phẩm có thể được trình bày bằng kích thước, kĩ thuật và định dạng bất kì nhưng không được quá 40 trang nội dung (ngoại trừ phần bìa bên ngoài) Tác phẩm có thể được trình bày dưới bất cứ ngôn ngữ chính thức của vùng Iberian Peninsula (khu vực Tây Ban Nha và Bồ Đào Nha) bao gồm tiếng Galician, Catalan, Basque, Castillian và Bồ Đào Nha. Các sáng tác phải là bản gốc của chính tác giả và chưa được xuất bản trước đó. Tác phẩm dựa trên sách và bài thi đã từng đoạt giải hoặc được nói tới trong các cuộc thi khác sẽ không được chấp nhận. Lệ phí tham gia thi: miễn phí. Điều kiện tham dự: Cá nhân hoặc nhóm tác giả ở bất cứ quốc gia nào đều có thể tham dự Giải Thưởng Một giải duy nhất trị giá 9,000 Euro ( tương đương 11,090 USD) đây như phí mượn bản quyền tác giả có hiệu lực trong 1 năm. Sau thời gian đó tác giả có quyền tự do sử dụng tác phẩm. Tác phẩm đoạt giải sẽ được xuất bản bằng toàn bộ ngôn ngữ chính thức của Penisula bởi nhà xuất bản Kalandraka vào tháng 11 2018. Link chính thức của cuộc thi: www.kalandraka.com/en/premio-compostela/

đạo diễn Ji Barta

Đạo diễn stop-motion người Séc tâm sự về bộ phim hoạt hình mới nhất của mình, Đồ chơi trên Gác xép (Toys in the Attic) và hoạt hình phế thải kỳ diệu của Jiří Barta. Stop- motion: hoạt hình tĩnh vật Jiří Barta Khi xem tuyệt phẩm stop motion của Jiří Barta, Đồ chơi trên gác xép,  bạn sẽ nhận ra không có chi phí nào đủ lớn để thay thế sức mạnh của một người có tầm nhìn xa trông rộng tài năng với một câu chuyện thông minh, một đội ngũ tận tuỵ, một chiếc máy ảnh và một căn gác xép đầy những thứ phế liệu cũ kỹ và bụi bặm. Bộ phim của Barta không khoe khoang những mô hình tinh xảo hay kỹ thuật in màu 3D, thay vào đó là những thiết kế tuyệt vời, những nhân vật có chiều sâu và set phim dựng từ tập hợp kỳ diệu của những thứ phế liệu gia dụng kỳ quặc nhất mà bạn từng thấy. Đôi khi ngớ ngẩn, đôi khi đáng sợ, nhưng luôn thú vị để xem, Đồ chơi trên gác xép là một lời nhắc nhở về sức mạnh vốn có của visual (hình ảnh hoá) storytelling (kể chuyện) của hoạt hình stop motion. Vốn được hoàn thành vào năm 2009, bộ phim được đăng ký bản quyền bởi Eurocine Films trụ sở ở Paris vào năm 2010. Bản chuyển thể tiếng Anh, được viết, tuyển vai và đạo diễn bởi Vivian Schilling, với dàn diễn viên lồng tiếng hùng hậu  gồm Forest Whitaker, Joan Cusack và Cary Elwes. Đồ chơi trên gác xép đánh dấu sự ra mắt trên màn ảnh lớn đầu tiên của Barta ở Mỹ và review về bộ phim vô cùng tích cực. Và anh đã chia sẻ về những khó khăn khi thực hiện một bộ phim hoạt hình có thiết kế tinh xảo với một ngân sách eo hẹp ở Tiệp Khắc thời hậu Xô Viết   Buttercup Dan Sarto ( phóng viên): Cuộc sống của anh như thế nào dưới tư cách là một người làm phim hoạt hình trong hoàn cảnh Tiệp Khắc bị cai trị bởi Xô Viết? Jiří Barta: Dù đất nước của chúng tôi dưới sự ảnh hưởng và áp bức của Xô Viết trong 40 năm, số lượng sản xuất phim hoạt hình của Tiệp Khắc khá lớn, khoảng 250 dự án phim mỗi năm. Một phần lớn của việc sản xuất đó là chương trình cho trẻ em để chiếu trên TV, trong khi một phần nhỏ hơn tập trung vào các dự án cá nhân như những bộ phim hoạt hình ngắn, những bộ phim được chiếu trong rạp phim trước phim truyện hay tại những liên hoan phim điện ảnh. Khi được trao cơ hội để làm nên một câu chuyện của chính mình, tôi cùng các đồng nghiệp gồm những đạo diễn, thiết kế, những nhà diễn xuất hoạt hình đều muốn làm một phim ngắn. Tuy nhiên sự kiểm duyệt của nhà sản xuất phim ở Tiệp Khắc gắt gao với phim có live-action hơn là hoạt hình nên tôi và những đồng nghiệp có cơ hội tốt hơn để biến những ý tưởng của mình thành một phong cách nghệ thuật đại diện cho những phép ẩn dụ, biểu tượng và hàm ý của chúng tôi. Tôi biết có nhiều đồng nghiệp của tôi ở những nơi khác trong Đông Âu đã đi theo con đường tương tự vào lĩnh vực phim hoạt hình. Chúng tôi nắm bắt lấy cơ hội lớn, đối mặt với những thử thách lớn, kiếm tìm một chút tự do sáng tạo trong cái mê cung khổng lồ của cái chế độ này.   Sir Handsome DS: Điều gì cuốn hút anh đến với câu chuyện này?Tại sao anh lại chọn kịch bản này mà không phải là một câu chuyện khác để quay dựng?  JB: Tôi luôn có một vài chủ đề hoặc kịch bản trong ngăn kéo, chờ đợi một nhà sản xuất tài giỏi và có đủ kinh phí. Đồ chơi trên gác xép nguyên bản được gọi là Hôm nay là sinh nhật ai? (Whose birthday is it Today?) Nó là một trong những dự án “ngủ quên” mà tôi đã viết nhiều năm về trước với đồng nghiệp của mình, biên kịch Edgar Dutka. Tôi nhớ rằng chúng tôi đã rất mệt mỏi và buồn bực vì những khó khăn dai dẳng từ dự án dang dở Golem của mình nên chúng tôi quyết định làm một cái gì đó mới mẻ, một cái gì đó nhẹ nhàng, vui vẻ và dễ được chấp nhận bởi các nhà sản xuất cũng như khán giả nhỏ tuổi.  Trò chơi trẻ em bao giờ cũng đầy sự sáng tạo và tưởng tượng. Trẻ con dùng trí tưởng tượng để tạo ra những cuộc phiêu lưu và những tình huống trong những vở diễn của chúng. Ví dụ, chúng dùng những cái ly to thay thế cho những ngọn núi cao. Và một chiếc máy hút bụi bình thường trở thành một chiếc phi cơ hay một cái lò than nặng nề sẽ trở thành đầu máy hơi nước. Chúng hiểu ngôn ngữ của ẩn dụ của đồ vật khá tốt, đó là một thử thách tuyệt vời khi chúng tôi phải cố gắng sát nhập trí sáng tạo này vào bộ phim.   Tập hợp những món đồ chơi. Khi tôi tìm thấy quyển vở bài tập cũ của mình với hình tôi vẽ một đoàn tàu lửa làm từ nhưng tấm vé tàu cũ với một mẩu thuốc lá thay cho ống khói, đứa trẻ trong trí tưởng tượng của tôi sống dậy. Edgar và tôi nhớ lại những trò chơi chúng tôi thường chơi trong những nơi kỳ quặc bị cấm trên gác xép nhà mình. Đột nhiên, kịch bản chúng tôi viết đem lại cho chúng tôi cảm giác vui vẻ thật sự.

đồ họa raster phong cách hoạt hình

Đồ họa Raster trong Digital Painting Hãy cùng Comic Media Academy tìm hiểu qua đồ họa Raster trong Digital Painting có 12 phong cách cơ bản. Những phong cách này vô cùng thuận lợi cho giáo dục trực tuyến. Tuy nhiên đồ họa Raster trong Digital Painting nhìn chung có nhược điểm là khi phóng to vượt mức pixel cho phép thì ảnh sẽ bị “out nét”.  Mặc dù có rất nhiều kiểu vẽ, nhưng trong bài này chúng ta chỉ đề cập đến những ví dụ cơ bản. Từ những ví dụ này chúng ta có thể pha trộn, kết hợp để tạo ra thật nhiều phong cách vẽ khác nữa. Mục đích của bài đăng này đơn giản chỉ là làm sao để chúng ta có thể có ý tưởng một cách dễ dàng nhất. Để dễ so sánh, chúng ta sẽ sử dụng các nhân vật trong thế giới của Harry Porter để minh họa cho các phong cách khác nhau Lớp Digital Painting Thiếu niên tại Comic Media Academy (Khai giảng 5/5/2018) Hotline: 08 3820 9066 – 0902 738 806 1. Phong cách phối màu giới hạn Khi chúng ta giới hạn chỉ sử dụng một số màu đơn giản, chúng ta sẽ thu được những kết quả không ngờ. Dưới đây là ví dụ cho phong cách đồ họa Raster trong Digital Painting cơ bản. 2. Phong cách hoạt hình Một phong cách vui nhộn rất phù hợp với nhiều chương trình giáo dục trực tuyến khác nhau. 3. Phong cách cô đọng nét mặt Tương tự với phong cách hoạt hình, nhưng ở phong cách này, các chi tiết và biểu cảm trên khuôn mặt được giảm bớt. 4. Phong cách biểu hiện. Ngược lại với phong cách cô đọng nét mặt, ở phong cách này, các biểu cảm của khuôn mặt là trọng tâm. 5. Phong cách chèn chất liệu Ở phong cách này, bề mặt nhân vật được chèn một lớp chất liệu dịu nhẹ, nhằm tăng hiệu ứng thị giác. 6. Phong cách tạo hiệu ứng ánh sáng. Điểm đặc trưng của phong cách này là ánh sáng làm nhân vật nổi bật lên, ở phong cách này chúng ta cần chú ý vị trí của nguồn sáng nhé. 7. Phong cách ánh sáng dịu nhẹ Được phát tiển dựa trên phong cách chèn chất liệu và tạo hiệu ứng ánh sáng, nhưng điểm đặc trưng là phần ánh sáng được chuyển dần theo nhiều lớp, tạo hiệu ứng dịu nhẹ hơn chứ không gắt như phong cách ở trên. 8. Phong cách đường nét Nếu quan sát kĩ, chúng ta có thể thấy các đường nét dùng trong phong cách này chủ yếu là các nét thẳng và mạnh. Hiệu ứng này làm các nhân vật trông có vẻ trưởng thành hơn. 9. Phong cách manga Đây là một phong cách được các người hâm mộ manga và anime  ưa chuộng. Điểm đặc trưng ở đây là đôi mắt mang biểu cảm rất tốt, là trung tâm của việc truyền đạt cảm xúc. 10. Phong cách phổ thông Chúng ta gọi đây là phong cách phổ thông vì chúng được sử dụng rất nhiều. Đặc trưng của phong cách này là nhân vật trông khá hiện thực. 11. Phong cách cổ nhỏ  Phong cách này tập trung vào một bộ phận cơ thể và làm cho nó trở nên khác biệt so với các phần còn lại.   12. Phong cách màu nước Đặc trưng của phong cách này là màu sắc được loang ra giả lập chất liệu màu nước nhưng vẫn đảm bảo tính đơn giản phù hợp cho ứng dụng vào minh họa cho ứng dụng trực tuyến. Các bạn quan tâm muốn cho con em mình tham gia các khóa học giới thiệu về Digital Thiếu niên có thể tham khảo theo đường link này:  http://bit.ly/2qIoAsv Hoặc Liên hệ số Hotline: 08 3820 9066 – 0902 738 806  

đạo diễn takahahta isao

Takahta Isao – cây đại thụ phim hoạt hình Nhật Bản Giới mộ điệu của phim hoạt hình Nhật Bản nói riêng và thế giới nói chung đã gần như cạn khô nước mắt dành cho sự qua đời của Takahata Isao, một trong hai người “cha đẻ” của studio Ghibli lừng danh. Tiếc thương cho sự mất mát ấy, xin chia sẻ bài viết của Lạc An, giảng viên tại Viện Truyện tranh và Hoạt hình Việt Nam.  Cùng với Miyazaki, Takahata là người đồng sáng lập ra hãng phim hoạt hình huyền thoại Ghibli – nơi cho ra đời những bộ phim hoạt hình đầy tính nhân văn trong lịch sử phim hoạt hình thế giới. Những tác phẩm của Takahata, nếu chỉ dùng từ “phim hoạt hình” để mô tả thì không đủ, vì nó đẹp đến từng khoảnh khắc, chân thực đến từng chi tiết và sâu sắc đến đau lòng. Đó chính là điểm tận cùng của nghệ thuật, vì suy cho cùng, nghệ thuật chính là viết lại cuộc sống có niềm vui, hạnh phúc, hoan lạc, dằn vặt, đớn đau,… bằng thứ ngôn ngữ trần trụi hơn cả sự thật, chẳng sắc, mà cứa vào tận sâu vào những trắc ẩn của lòng người. Những cây đại thụ của phim hoạt hình Nhật Bản ( Takahata bìa phải) 1.Từ người đạo diễn tài hoa với trái tim nhạy cảm… Phim của Takahata dường như đều không có xung đột, tất cả chỉ là câu chuyện tuyến tính với những góc camera đẹp trên nền nhạc du dương tưởng như kéo dài đến vô tận. Tính nhịp điệu trong câu chuyện gần gũi đến mức đôi lúc mình tưởng rằng mình đang lạc đến một thế giới trần trụi đến kinh ngạc, lạc đến một nơi khác cũng đầy rẫy những khổ đau nhưng cũng chính cái nhịp đều đặn nhẹ nhàng ấy khiến mình lắm lúc cảm thấy bất lực trước những bi kịch của nhân vật và đau lòng trước những vấn đề xã hội vốn dĩ chẳng thể chối từ.   Takahata gần như đem toàn bộ chất liệu của cuộc sống vào với một góc nhìn lãng mạn mà sắc đến độ xuyên thấu đến tận cùng những bi kịch của người dân Nhật Bản nói riêng và nhân loại nói chung. Mặc dù phong cách làm phim của Takahata là tập trung vào việc miêu tả chi tiết hiện thực xã hội, nhưng cách nhìn của ông không hề khiến cho người đọc có cảm giác như đang xem một bài học về đạo đức, triết lý và nhân cách; ngược lại, thông điệp của ông được cảm thụ trên cái nền bình dị nhất, nhẹ nhàng nhất, chẳng có bài học cụ thể nào được viết ra trong những thước phim của Takahata, tất cả chỉ là những cảm xúc chen lấn, về sự thật trái ngang, về hạnh phúc trên những thứ khổ đau và khổ đau vẫn hiển hiện trên những điều hạnh phúc. 2. Đến Ngôi một của những con đom đóm làm nức lòng người xem Một trong những bộ phim của Takahata ám ảnh mình nhất đó chính là “Grave of the Fireflies”, tạm dịch là “Ngôi mộ của những con đom đóm”. Bộ phim kể cuộc sống chật vật hai anh em Seita và Setsuko trong bối cảnh Nhật Bản vào những ngày cuối cùng của cuộc chiến tranh thế giới thứ hai. Bằng ngôn ngữ tự sự từ góc nhìn của linh hồn người anh và cách kể chuyện chậm rãi xen lẫn những khoảng lặng bi kịch của chiến tranh và bi kịch của lòng người, bộ phim được Roger Ebert đánh giá là : “ bộ phim hoạt hình nhân văn nhất mà tôi từng xem”. Bộ phim mở đầu bằng cái chết của người anh, và kết thúc bằng cái chết của người em. Cấu trúc hồi tưởng dự báo cho người xem biết trước một khung cảnh tăm tối về số phận của Seita và Setsuke, điều ấy khiến mình chần chừ khi quyết định xem phim, nhưng rồi, tấm poster về hình ảnh hai đứa trẻ rách rưới giương đôi mắt tròn trĩnh ngây thơ xen lẫn sợ hãi và đôi chút trách móc khiến mình không thể cầm lòng. Mình đã xem phim, đã đắm chìm trong từng thước phim không thừa không thiếu, và đã hoang mang. Vì cái chết đau lòng quá nên mình cứ mải miết đi tìm lý do để đổ lỗi. Do người cô ư? Nhưng giữa cảnh chiến tranh, khi mà chồng và con gái mình còn không đủ ăn, khi mà mỗi tối phải cạo đáy nồi để làm thỏa mãn cái dạ dày đang cồn cào gào thét bằng chút cơm cháy còn sót lại, thì liệu có còn đủ sức để bồng bế thêm hai đứa trẻ chỉ toàn mang lại những điều rắc rối? Trách chính phủ Mỹ ư? Khi mà chính bản thân người Nhật cũng tham chiến và và gieo rắc khổ đau cho cả các dân tộc khác? Trách chính phủ Nhật Bản ư? Khi mà Seito vẫn tự hào vì người ba trên tàu hải quân, khi mà toàn dân tộc Nhật Bản vẫn tự hào vì Nhật Hoàng vĩ đại. Không bao giờ có lời hồi đáp cho cái chết trong chiến tranh.   Giữa những khổ đau, tấn bi kịch của hai anh em cũng trở nên nhỏ nhoi và chìm nghỉm giữa muôn vàn nỗi đau đớn khác của con người. Nhưng người xem vẫn day dứt, để rồi đau đớn chấp nhận rằng, chẳng ai có lỗi trong nỗi đau này cả. Có chăng chỉ là những nghịch lý trong chính thế giới quan của người Nhật, nơi mà lòng tự trọng được đặt nặng quá đỗi, đến mức chính nó đã dẫn đến cái chết của những số phận nhỏ bé như Seita và Setsuko, và cũng chính nó

đạo diễn Domee Shi

Đạo diễn nữ đầu tiên của loạt phim hoạt hình ngắn Pixar Đã hơn 30 năm thành lập cho đến nay và hãng phim hoạt hình pixar đã sản xuất hơn 20 phim hoạt hình ngắn, nay lần đầu tiên có đạo diễn là nữ, Domee Shi đạo diễn phim hoạt hình ngắn “Bao” sẽ công chiếu vào ngày 15/6/2018 Domee Shi tốt nghiệp chương trình Cử nhân  Hoạt hình Ứng dụng tại trường Sheridan College, hiện đang làm việc tại Pixar như là một nghệ sĩ hình ảnh “Tôi yêu storyboard, thiết kế nhân vật, và hoạt hình những điều dễ thương. Mặc dù tôi đã sống và ở Canada, nhưng tôi vẫn mơ ước được gặp gỡ và làm việc với mọi người trên khắp thế giới cùng chia sẻ niềm đam mê phim hoạt hình và sản xuất phim hoạt hình” Domee Shi  chia sẻ. Đạo diễn  Domee Shi sinh ra tại Trung Quốc, sống tại đấy cho đến khi ba mẹ chuyển chỗ ở đến Toronto, Canada vào năm cô 2 tuổi. Sau khi tốt nghiệp Cô gái trẻ bắt đầu công việc thực tập tại Pixar nhiều năm, sau đó chính thức làm việc với vai trò thiết kế câu chuyện cho Inside Out và những dự án khác như The Good Dinosaur, Incredibles 2 và sắp tới là Toy Story 4. Để thực hiện mơ ước, Đạo diễn  Domee Shi đã bắt đầu từ trang blog Tumblr, You Tube và Vimeo “ tràn ngập” những bản vẽ và phim hoạt hình của Domee Shi thời sinh viên khi năm học kết thúc. Gestures! 30 giây và 1 phút của Đạo diễn  Domee Shi   Sketch mỗi mùa và cũng có lúc “hơi làm biếng”     Quan sát Sketch các hoạt động của con người trong đời sống Thiết kế Nhân Vật     Phác thảo Layout Beat board Và cuối cùng là các Animatic trên Youtube và Vimeo Nguồn tham khảo : https://www.tumblr.com/tagged/domee-shi http://anim-tuts.blogspot.com/2012/06/pixar-story-artist-domee-shi.html

Sách luyện kỹ thuật xử lý ánh sáng và đổ bóng 9

Trước khi bắt tay vào công việc sáng tạo ra những tranh minh họa cực đỉnh hay những bức concept art cực bá đạo, bạn sẽ cần phải làm chủ các nguyên lý nền tảng của hội họa. Và một trong những kỹ năng “ngon lành” mà bạn phải cố gắng có được là làm chủ được nguyên lý ánh sáng. Thực chất lĩnh vực này cực kì phức tạp vì nó không chỉ dính dáng đến các trạng thái đa dạng của ánh sáng, mà còn liên quan tới sự biến chuyển của những vật liệu khác nhau với thuộc tính hấp thụ hay phản xạ sáng khác nhau. Thông thường một người cần rất nhiều năm mới có thể làm chủ tốt ánh sáng/ bóng tối. Tuy nhiên với phương pháp học tập đúng đắn và sự nỗ lực rèn luyện, bạn có thể tiến bộ rất nhanh. Trong bài viết này tôi xin chia sẻ những cuốn sách tham khảo tốt nhất cho các họa sĩ đang nghiên cứu về ánh sáng và bóng đổ, để có thể vẽ được mọi chất liệu một cách chính xác. Light for Visual Artist Nguồn: geros.com.br Đây là quyển sách sơ đẳng nhất dành cho nhập môn nghiên cứu về nghệ thuật ánh sáng. Những kĩ thuật được viết trong này rất cô đọng và dễ nhớ. Quyển sách này chỉ gồm 170 trang với rất nhiều thông tin hữu ích về các dạng khác nhau của ánh sáng, sự khúc xạ, phân tích những đường ranh giới sáng tối, quy luật bóng đổ và sự phản quang. Ánh sáng là một kĩ năng nền tảng nhưng rất phức tạp của Nghệ thuật.   Nó được tranh cãi là lĩnh vực có độ khó thứ 2 chỉ sau Giải Phẫu. Tuy nhiên Light for Visual Artist có khả năng đơn giản hóa nó để dành cho những họa sĩ mới bắt đầu nghiên cứu. Quyển sách này chứa hầu như toàn bộ những kiến thức bạn có thể cần, với lối giảng dạy mà ở bất kì trình độ nào người đọc cũng có thể tiếp thu tốt. How to render Nguồn: ozon.ru (Chú thích: Rendering là khái niệm rất rộng trong ngành nghệ thuật nói chung, ở đây bàn về khâu cuối cùng của painting, là lên chất liệu và xử lý sáng/ tối) Học lý thuyết về nguyên lý Ánh sáng là điều tốt, nhưng chỉ biết thế thôi  bạn sẽ khó mà xử lý render khi tác phẩm của bạn đã đi gần đến mức hoàn thành. Và quyển sách vô cùng giá trị này của tác giả Scott Robertson sẽ giúp bạn điều đó. Đây là phần tiếp theo của quyền How To Draw của ông. Mọi kiến thức đến từ Scott Robertson đều quý giá cho cả các nghệ sĩ Digital Painting lẫn Hội Họa Truyền thống. Các bài tập trong sách vô cùng chi tiết và kỹ càng, khiến bạn phải bỏ ra nhiều thời gian để nghiên cứu và thực hành. Nghiêm túc mà nói thì độ khó và phức tạp của bài tập là rất cao, nên bạn có thể phải bỏ ra vài tuần cho một bài trước khi chuyển sang bài kế tiếp. Sau khi hoàn thành quyển sách, những người mới bắt đầu sẽ học được rất nhiều từ nó. Điều quan trọng nhất ở đây là bạn không được vội vã, phải nghiền ngẫm, tiếp thu thật kĩ từng bài một để thu nhật được nhiều thông tin nhất có thể. Đây là quyển sách rất được khuyến cáo cho những người có niềm đam mê và thái độ học tập nghiêm túc với Hội họa. Lessons on Shading Nguồn: pinterest.com Đây là sự thay thế siêu rẻ nhưng chất lượng cho các đầu sách nghệ thuật đắt đỏ hơn. Trong quyển sách này, tác giả W.E Sparkes đã gói gọn những kĩ thuật đi kèm với ví dụ mẫu để giúp bạn render bóng đổ và ánh sáng thật chính xác. Nên lứu ý rằng tuổi đời của quyển sách đã khá cao, nên những kiến thức nó cung cấp là của thế kỉ 20 mặc dù đã được hiệu chỉnh và biên tập lại nhiều lần để dễ học hơn. Tuy nhiên đây là những kiến thức nền tảng vững chắc và vẫn được các họa sĩ tin dùng. Đặc biệt là giá cả khá mềm. Trong sách, bạn sẽ bắt đầu với các nguyên tắc cơ bản của bóng và cách bóng tối phủ lên bề mặt các vật thể. Sau đó bạn sẽ tập xây dựng các hình khối trên giấy, như hình nón, nón cụt, hình cầu, hình kim tự tháp. Những bài hình họa này cần được thực hành mỗi ngày cho đến khi nó ăn sâu vào trí óc của bạn (phương pháp học cổ điển) Những chương cuối sẽ đào sâu vào phần đánh bóng các vật thể thực và các bài tập sẽ ngày một khó hơn, nhưng đây cũng là những bài học hữu ích nhất để giúp các bạn trưởng thành hơn trong nghề vẽ. Drawing Light & Shade: Understanding Chiarascuro Nguồn: theworks.co.uk Drawing Light and Shade dạy cho bạn cách “nhìn” ánh sáng cho đúng và làm thế nào để “xuất” nó ra trên giấy. Kĩ thuật chính trong sách là “cross hatching” (đánh bóng đậm nhạt bằng các nét gạch), rất hữu ích để tham khảo. Quyển sách này được ưa thích một phần do tập trung vào các chủ đề vẽ và lên khối bằng bút chì. Nếu bạn mới bắt đầu tập vẽ, bạn nên thử cố gắng kiểm soát sắc độ (value) bằng bút chì hoặc chì than trước khi chuyển qua các chất liệu màu (sơn dầu, poster…) Mỗi chương trong sách giới thiệu một chủ đề mới về kỹ thuật chiaroscuro (tương quan sáng tối trong sơn dầu), từ đó hướng dẫn bạn cách hiểu sâu hơn về ánh sáng khi vẽ

5 điều cần làm trước khi bắt tay làm phim hoạt hình

Là một người đang học làm phim hoạt hình hay đã hoạt động trong ngành này hoặc, bạn đã từng thử làm luôn một đoạn phim ngay từ đầu mà không cần bất kì kế hoạch nào? Tôi nghĩ nó chắc chắn sẽ kết thúc trong thảm họa nếu bạn làm thế. Khi ta bật ra một ý tưởng mới trong đầu, thì thật khó mà cưỡng lại việc diễn hoạt từng khung một cách vội vàng, để rồi mọi chuyện không đi đến đâu cả vì không thể phát triển thêm được ý tưởng và chúng ta cứ bị đi lòng vòng, vừa tốn thời gian vừa mất công sức vẽ. Để tránh lỗi lầm hết sức phổ biến trên, bạn cần quản lý mọi thứ trong khuôn khổ và tuần theo đúng quy trình, hãy làm theo 5 bước đơn giản sau đây trước khi bạn bắt đầu công vuệc. Chậm rãi, từ tốn lại sẽ không mang lại niềm vui nhiều cho lắm, nhưng điều này sẽ cứu nguy cho dự án của bạn vào phút cuối. Biết rõ câu chuyện mình muốn kể  Nguồn: hollywoodreporter.com Rất nhiều người, đặc biêt là người mới học, thường bị sa đà vào diễn hoạt với chỉ ý tưởng, mà không có câu chuyện đàng hoàng. Bởi vì một câu chuyện là sự phát triển của các ý tưởng/khái niệm, nên bạn cần phải viết ra tất cả mọi thứ để biết mình phải làm gì và nên lên kế hoạch như thế nào . Bạn có thể cần phải thay đổi vài thứ vào phút chót trong câu chuyện khi bạn gặp khó khăn hoặc trở ngại nhưng dàn ý/ bộ khung cơ bản vẫn cần giữ nguyên.  Viết ra một kịch bản hoàn chỉnh với cách dàn xếp sân khấu, chú thích lia camera, thu phóng, góc đặt máy quay…. Càng chi tiết càng tốt, vì bạn sẽ cần đến nó về sau. Hiểu rõ nhân vật mình tạo ra Nguồn: awn.com Đừng chỉ phác thảo một bản duy nhất khi tạo hình các nhân vật của mình. Hãy tạo ra thật nhiều model đa dạng, đừng chỉ gói gọn ở chỉnh sửa gương mặt. Vẽ nhân vật của bạn ở góc toàn thân, ở mọi góc độ và biểu đạt mọi hành động/ cảm xúc, ví dụ như những hành động biểu lộ tính cách tiêu biểu của nhân vật, các cung bậc cảm xúc (giận, vui vẻ…), động tác tay khi nhân vật nói chuyện… Đi vào chi tiết cả những thứ nhân vật đeo trên ngón tay, đeo trên tai… hay những chi tiết kì quái trên áo quần của chúng Sau đó hãy tô màu và tả chất liệu cho nhân vật. Tạo ra một bản thiết kế nhân vật (model sheet) hoàn chỉnh với 5 góc nhìn khác nhau. Vẽ luôn cả những thứ sẽ xuất hiện và tương tác với nhân vật trong phim của bạn, như xe, tàu vũ trụ, sung ống… Điều này sẽ giúp bạn rất nhiều ở công đoạn diễn hoạt (animation) vì bạn đã hình dung được thể khối của chúng. Dù chúng ta có thể hình dung rõ nhân vật của chúng ta trông như thế nào trong đầu, nhưng sẽ khó mà thống nhất cái mình nghĩ với cái mình có thể vẽ ra được trên giấy, nên model sheet nhân vật là thứ sẽ hỗ trợ bạn sự đồng bộ đó. Việc tao ra các tờ model sheet giúp bạn chính thức hóa nhân vật của mình, và bạn có thể dùng lại để tham khao cho các dự án sau này. Bạn sẽ rất ngạc nhiên khi thấy model sheet giúp cho bộ phim của bạn thống nhất và quy củ đến thế nào. Không những thế, nó giúp bạn quen với nhân vật và chỉ cần vài nét để vẽ ra chúng, tiết kiệm bớt thời gian và khối lượng công việc. Lên kế hoạch từng phân cảnh  Nguồn: cartoonbrew.com Trừ những đoạn hoạt hình ngắn chỉ có 1 góc camera, bạn sẽ phải quản lý rất nhiều phân cảnh khác nhau trong bộ phim của mình. Hãy đọc kĩ câu chuyện của mình hoặc kịch bản phân cảnh. Đánh dấu chỗ bắt đầu và kết thúc của phân cảnh, sau đó xác định cụ thể các yêu cầu cho từng cảnh đó: Có bao nhiêu nhân vật, bối cảnh là gì, âm thanh, âm nhạc, âm thanh, lời loại…. Tạo ra một storyboard phân định cụ thể các hành động chính, chuyển động camera, hiệu ứng, màu sắc, vân vân. Hãy biến từ ngữ của câu chuyện biến thành hình ảnh có ý tứ rõ ràng. Đây sẽ là khuôn khổ hướng dẫn bạn trong suốt quá trình. Về cơ bản nó là những hướng dẫn trực quan cho bản thân bạn. Canh chỉnh nhịp thời gian (Timing)  Nguồn: alicegearyyear2.wordpress.com Sự điều hòa thời gian cho chuẩn xác là điều cốt lõi trong hoạt hình. Không phải vật thể nào trong phim cũng di chuyển ở cùng một tốc độ, ví dụ như trong cùng một khoảng cách thì hành động đi và chạy sẽ có số lượng khung hình khác nhau. Nếu bạn diễn hoạt một con báo đang phóng đi nhưng lại phân bố một lượng khung hình xen (inbetween)  đều đặng giữa các khung chính (key frame), bạn có thể sẽ khiến cho con báo nhìn như đang nổi lềnh bềnh trên không khí, hoặc đang lao đi với tốc độ chết người. Không chỉ có thế, không phải mọi chuyển động luôn tiếp diễn ở cùng một vận tốc. thỉnh thoảng nhanh hơn và chậm hơn ở các thời điểm khác nhau (ease-in/ ease-out)  Bạn còn phải đối mặt với các ràng buộc về deadline, nên bạn buộc phải tính toán kĩ thời lượng của bộ phim mà bạn muốn, cắt bớt những cảnh không thực sự cần.  Tạo bảng kế hoạch chi tiết cho công việc  Nguồn: shutterstock.com

Tương lai của làng giải trí thế giới sẽ thay đổi khi 21st Century Fox sát nhập vào Disney

Thương vụ thu mua 21st Century của Disney đã tạo ra chấn động lớn trong làng giải trí thế giới. Trường hợp 21st Century “về cùng một nhà” với Disney, khá nhiều lợi ích sẽ rơi vào túi Nhà Chuột và đưa hãng trở thành “Gã khổng lồ” khó đối đầu trong ngành. Tương lai của làng giải trí thế giới sẽ thay đổi khi 21st Century Fox sát nhập vào Disney. Nguồn: businessnews.gr Vụ thu mua nghìn tỷ đô của Disney đang làm chấn động cả làng điện ảnh thế giới. Theo đó, thông tin mới nhất ghi nhận là Disney đang đàm phán để đưa 21st Century Fox về một nhà Theo một nguồn tin thân cận, Disney mong muốn mua lại phần lớn cổ phần của 21st Century Fox với các rạp phim, hãng truyền hình, những đài cáp như Star Movies và Star World, đài phát thanh Sky ở Anh và dịch vụ xem phim trực tuyến Hulu. Ước tính số tiền Disney phải bỏ ra cho “cuộc chơi lớn” này lên đến 60 tỷ đô la. 21st Century Fox sẽ sớm về cùng một nhà với Disney. Nguồn: fyinews.tv Disney và 21st Century Fox đã bước vào cuộc đàm phán thứ 2 về những chi tiết của các điều khoản trong bản hợp đồng. Trong vụ mua bán này, Comcast cũng góp mặt. Song, dường như sự xuất hiện của Comcast chẳng thể gây áp lực nào cho Disney khi tiến độ đàm phán của Nhà Chuột với 21st Century Fox phát triển nhanh hơn. Kết quả chính thức của thương vụ này sẽ được đưa ra trong tuần này. Tuy vậy, công chúng có vẻ như đã nhìn thấy trước kết quả của cuộc mua bán này và hiện họ chỉ quan tâm đến những lợi ích mà Disney sẽ thu về khi nắm trong tay 21st Century Fox. Sở hữu loạt thương hiệu phim bạc tỉ của Fox Kingsman và Avatar có thể sẽ thuộc về Disney sau khi thu mua 21st Century Fox Home Alone, Alien, Planet of the Apes, Kingsman, Predator, Avatar là loạt thương hiệu phim đình đám sẽ thuộc quyền sở hữu của Disney sau khi thu mua 21st Century Fox thành công. Riêng Avatar, với sự hậu thuẫn của Disney, đạo diễn James Cameron có thể an tâm phát triển 4 phần phim còn lại mà không cần lo lắng về kinh phí. Ngoài ra, ông cũng đã hợp tác với Disney để mở khu vui chơi Pandora – The World of Avatar tại công viên Disney World ở Orlando (Mỹ). Như vậy, người hâm mộ Avatar có thể chờ đợi sự công phá của bộ phim trong thời gian tới. Triệu hồi đội quân Marvel Hội fan của đế chế Marvel chắc chắn sẽ rất hào hứng với thương vụ này. Nhìn lại quá khứ, ông chủ Marvel từng mang bán bản quyền các nhân vật siêu anh hùng để vượt qua thời điểm làm ăn khó khăn. X-Men, Deadpool và Fantastic Four lúc bấy giờ rơi vào tay Fox, trong khi Spider Man do Sony Pictures thu mua. Hội fan Marvel sẽ rất háo hức nếu thương vụ mua bán 21st Century Fox của Disney thành công. Nguồn: pinsdaddy.com Đến khi Marvel thuộc về Disney, họ quyết định “triệu hồi” đội quân siêu anh hùng bằng cách đàm phán mua lại bản quyền từ 2 hãng trên. Quá trình gặp nhiều khó khăn khi các dự án siêu anh hùng đều mang về nguồn thu lớn và không dễ để Sony và Fox “buông tay”. Song, việc Sony và Disney đã hoàn tất thương vụ sử dụng hình ảnh nhân vật Spider-Man cùng tín hiệu khả quan trong vụ thu mua 21st Century Fox đã tạo ra hy vọng lớn cho fan cứng của bộ truyện tranh Marvel. Thời điểm X-Men, Spider-Men, Fantastic Four sát cánh cùng biệt đội Avengers trên màn ảnh rộng không còn xa. Sẵn sàng “chinh chiến” ở “mặt trận” phim trực tuyến Disney hiện đang nắm 30% cổ phần dịch vụ phim trực tuyến Hulu, trong khi Fox giữ 30%. Như vậy, khi 21st Century sát nhập, Disney sẽ sở hữu đến 60% cổ phần và hoàn toàn có thể đứng ra quản lý nền tảng dịch vụ trực tuyến Hulu với hàng triệu người đăng ký. Tham vọng của Disney là đưa Hulu trở thành nhà phát hành phim trực tuyến lớn nhất thế giới với kho phim khổng lồ. Đồng thời, Nhà Chuột có thể hoàn toàn tự tin khi đối đầu trực diện với Netflix và Amazon, 2 hãng trực tuyến lớn ở thời điểm hiện tại. Đưa truyền hình phát triển mạnh mẽ Kênh truyền hình Disney nhiều năm gần đây lao dốc không phanh và tỏ ra yếu thế hơn hẳn các đối thủ. Do đó, việc sở hữu thêm một hãng phim từ Fox, mảng truyền hình của Disney chắc chắn sẽ có sự xoay chuyển đáng kể. Vấn đề mà các nhà đầu tư của Disney cần nghĩ đến là khai thác làm sao cho hiệu quả nguồn tài nguyên có sẵn khá lớn của Fox khá lớn với kênh truyền hình Fox Television, FX Networks, National Geographic, Star và Sky cùng số lượng người xem phủ sóng trên toàn cầu, nhất là ở khu vực Á-Âu.   Cơ hội nắm giữ đến 40% thị phần ở Hollywood Nhà Chuột sẽ trở thành “gã khổng lồ” khó đồi đầu ở Hollywood. Nguồn: glassdoor.com Viễn cảnh Hollywood trở thành xứ sở thần tiên của phim hoạt hình cùng loạt bom tấn siêu anh hùng hoàn toàn có thể xảy ra nếu thương vụ làm ăn này thành công. Theo đó, Hollywood vốn được điều hành bởi 6 hãng phim lớn gồm Warner Bros., 21st Century Fox, Paramount Pictures, Univesal, Sony và Walt Disney. Con số này sẽ chỉ còn 5 khi 21st Century sát nhập vào Disney. Điều này đồng nghĩa với việc miếng bánh

Ngày 31/10/2017, Hãng phim hoạt hình VinTaTa, thuộc Tập đoàn Vingroup đã chính thức phát động cuộc thi tìm kiếm ý tưởng kịch bản “Tác giả lừng danh” với tổng trị giá giải thưởng lên tới gần 2 tỷ đồng. Đây là lần đầu tiên một hãng phim hoạt hình trong nước tổ chức cuộc thi kịch bản trên phạm vi toàn cầu, nhằm tìm ra những ý tưởng sáng giá nhất cho series phim hoạt hình “made in Việt Nam” có công nghệ hiện đại, mang đậm tinh thần và bản sắc văn hoá Việt. VinTaTa là hãng phim hoạt hình do Tập đoàn Vingroup thành lập cuối năm 2016, với sứ mệnh “mang lại tiếng cười cho trẻ thơ”. Sau một năm đi vào vận hành, Hãng đã hoàn thiện 2 studio trang bị hiện đại tại Hà Nội và Thành phố Hồ Chí Minh, trang bị hạ tầng phần cứng và phần mềm mới nhất đang được sử dụng ở các studio lớn trên thế giới. Hiện VinTaTa đang có hơn 100 nhân sự là các gương mặt nổi bật của ngành sản xuất phim hoạt hình Việt Nam và đã có những sản phẩm thử nghiệm đầu tiên. Poster cuộc thi truy tìm Tác giả lừng danh Với mục tiêu tạo ra những bộ phim hoạt hình “made in Việt Nam” có công nghệ tinh xảo và hiện đại như tại các nước phát triển, đảm bảo tôn vinh các giá trị chân thiện mỹ, có ý nghĩa giáo dục cao và đặc biệt mang đậm tinh thần, văn hoá Việt – hãng đã quyết định tổ chức cuộc thi tìm kiếm ý tưởng kịch bản “TÁC GIẢ LỪNG DANH” trên phạm vi toàn cầu nhằm thu hút rộng rãi trí tuệ xã hội. Cụ thể, từ ngày 31/10 – 30/11/2017, các tác giả là công dân toàn cầu trong độ tuổi từ 7 – 77 có thể tham gia dự thi “TÁC GIẢ LỪNG DANH” bằng cách lên ý tưởng kịch bản cho một dòng phim dài tập, không giới hạn hình thức thể hiện (văn xuôi, văn thoại, truyện tranh, video…), đáp ứng được các “tiêu chí kép”: vừa mang lại tiếng cười cho trẻ nhỏ, vừa có có ý nghĩa giáo dục cao; vừa thấm đẫm bản sắc và tâm hồn Việt, vừa có tầm vóc quốc tế. Tạo hình Monta và các nhân vật trong film Kịch bản sẽ xoay quanh chú khỉ Monta – nhân vật chủ đạo, xuyên suốt các series phim của VinTaTa, đồng thời là linh vật biểu tượng của hãng phim. Monta được thiết kế dựa trên nguyên mẫu là loài voọc quần đùi trắng – động vật quý hiếm và đặc hữu ở Việt Nam, hội đủ những ưu điểm tích cách đặc trưng của người Việt như thông minh, tốt bụng, vui vẻ, nhanh nhẹn, tháo vát, hóm hỉnh… Các tác giả sẽ trải qua 4 vòng thi bao gồm Vòng đầu vào, Vòng loại, Sản xuất phim nháp và Vòng show thực tế để chọn ra được những kịch bản suất sắc nhất. Ngoài tổng trị giá giải thưởng lên tới gần 2 tỷ đồng – lớn nhất từ trước đến nay tại Việt Nam cho một cuộc thi tìm kiếm ý tưởng kịch bản phim, các kịch bản lọt vào 2 vòng trong sẽ được VinTaTa sản xuất demo. Bên cạnh tâm huyết đầu tư công phu, bài bản và toàn diện cho ngành công nghiệp hoạt hình theo hướng chuyên nghiệp hoá để đạt được những giá trị lâu dài – VinTaTa còn có nhiệm vụ hỗ trợ quảng bá và đồng hành cùng Vinpearl Land, đưa Vinpearl Land hướng đến thương hiệu vui chơi giải trí đẳng cấp quốc tế. Đây là bước đi quan trọng trong chiến lược phát triển tổng thể ngành công nghiệp giải trí theo mô hình công viên giải trí chủ đề (amusement theme park) như Disney, Universal… Nhân vật chủ đạo Monta cũng được chọn là “đại sứ thương hiệu” cho lĩnh vực du lịch, giải trí của Vingroup. Ngoài Vinpearl, Vinpearlland, hình ảnh Monta cũng có thể xuất hiện trong các dịch vụ sản phẩm dành cho trẻ em, gia đình thuộc hệ sinh thái đa dạng của Vingroup như Vinschool, Vinmec, Vinmart…. Để phục vụ mục tiêu trên, VinTaTa sẽ thực hiện phụ đề tiếng Anh hoặc lồng tiếng Anh với sự hỗ trợ của các biên kịch đến từ Hollywood cho tất cả các phim và tiến hành phát hành rộng rãi trên các kênh truyền hình, Internet…trên phạm vi thế giới. Dự kiến, tập phim đầu tiên sẽ ra mắt công chúng vào năm 2018./. Giải thưởng cuộc thi tìm kiếm ý tưởng kịch bản “TÁC GIẢ LỪNG DANH”: Giải thưởng cuộc thi “TÁC GIẢ LỪNG DANH” có tổng trị giá 1,7 tỷ đồng, gồm: •     1 Giải Nhất do Hội đồng cố vấn lựa chọn: 1 tỷ VND. •     7 giải khuyến khích: 100 triệu VND Giám khảo của Cuộc thi “TÁC GIẢ LỪNG DANH” là các nhà sản xuất, đạo diễn, diễn viên, người có ảnh hưởng tới công chúng. Đặc biệt, cuộc thi còn có một “Nhóm giám khảo nhí” tham gia đánh giá sau khi ý tưởng kịch bản đã được xây dựng thành phim để đảm bảo tiêu chí cốt lõi là “mang lại tiếng cười cho trẻ nhỏ”. Thông tin chi tiết về cuộc thi có thể được tìm thấy ở fanpage: https://www.facebook.com/vintatastudio/ Nguồn: Vingroup http://vingroup.net/vi-vn/tin-tuc-su-kien/tin-tuc-hoat-dong/vingroup-phat-dong-cuoc-thi-tim-kiem-y-tuong-kich-ban-tac-gia-lung-danh-3097.aspx 

Viện Truyện tranh và Hoạt hình (Comic Media Academy – CMA) tổ chức Talkshow UNDERSTANDING ANIMATION. Với sự chia sẻ của Mr. Thomas Voigt, Tổng giám đốc Con Voi Animation Studio, Professor of Animation – CMA. Với hơn 30 năm kinh nghiệm làm phim hoạt hình chuyên nghiệp cho thị trường quốc tế, Mr. Thomas Voigt sẽ giúp cho học viên và các bạn yêu thích hoạt hình hiểu sâu hơn về: – Các định dạng hoạt hình phổ biến trên thế thế; – Các nhóm khán giả phổ biến trên thế giới, phân loại theo những quốc gia mà Mr. Thomas Voigt từng làm việc; – Các phong cách hoạt hình phổ biến trên thế giới; – Các kỹ năng nghề nghiệp cần có đối với họa sĩ hoạt hình chuyên nghiệp; – Các quy trình sản xuất phim hoạt hình hiệu quả. – ….. [spacer] THÔNG TIN CHƯƠNG TRÌNH: TALKSHOW UNDERSTANDING ANIMATION – Khách mời: Mr. Thomas Voigt – Thời gian: 9:00 – 11:30 ngày thứ 7, 28/10/2017 – Địa điểm: 164 Nguyễn Đình Chính, P.11, Q. Phú Nhuận, TPHCM (*) Chương trình có hỗ trợ phiên dịch song ngữ Anh – Việt (**) Bắt buộc tham gia đối với học viên chuyên ngành Hoạt hình. [spacer] THÔNG TIN VỀ MR. THOMAS VOIGT: [spacer] [spacer] Mr. Thomas Voigt sinh năm 1959, người Đức. Ông là Tổng giám đốc Con Voi Animation Studio, nhà sản xuất hoạt hình 2D, 3D, Motion Comics, TV Serires, Feature film, games… cho nhiều khách hàng quốc tế. Theo IMDb.com, Năm 2000, Mr. Thomas Voigt giành chiến thắng hạng mục Best Animated Film tại Annecy International Animated Film Festival với tác phẩm ‘The Moment’. Cũng trong năm 2000, tác phẩm The Moment của ông được đề cử cho hạng mục Best Short Film tại Berlin International Film Festival. Hiện nay, ông đảm nhận vai trò Professor of Animation tại CMA. IMDb giới thiệu về Mr. Thomas Voigt: http://www.imdb.com/name/nm0901203/?ref_=nmawd_awd_nm [spacer] Xem lại hình ảnh & Video clip chương trình TẠI ĐÂY.

Học viên Comic Media Academy tham quan công ty Sao Sáng

Ngày 12/7, học viên Viện Truyện tranh và Hoạt hình (Comic Media Academy – CMA) đã có một chuyến tham quan và tìm hiểu công ty Thiết Kế Sao Sáng (Sao Sang Design), một trong những studio làm phim hoạt hình nổi tiếng hiện nay. Trong buổi tham quan công ty Thiết Kế Sao Sáng, các bạn học viên CMA được anh Nguyễn Thành Nguyên – giám đốc công ty đón tiếp, giới thiệu về doanh nghiệp và chia sẻ về quy trình làm phim hoạt hình mà công ty đã và đang ứng dụng vào các tác phẩm như One Piece Gold, Assassination Classroom, Terra Formars… và nhiều Anime hấp dẫn khác. Các bạn học viên Khóa 5 – 6, hệ Kỹ thuật viên tham gia chuyến đi (Ảnh: Nguyễn Duy Anh, K5) Họa sĩ Hồ Hưng đại diện CMA gửi tặng hoa đến anh Nguyễn Thành Nguyên, giám đốc công ty Sao Sáng (Ảnh: Nguyễn Duy Anh, K5) Một số hình ảnh chuyến tham quan công ty Thiết Kế Sao Sáng (Ảnh: Nguyễn Duy Anh, K5) Công ty TNHH Thiết Kế Sao Sáng: Được thành lập vào ngày 25/05/2010 hoạt động chính trong lĩnh vực vẽ tranh, phim hoạt hình. Với đội ngũ nhân viên trẻ năng động đầy nhiệt huyết cùng các chuyên gia đến từ Nhật Bản Sao Sáng đang là điểm đến của các bạn trẻ yêu thích lĩnh vực đồ họa hứa hẹn sẽ có nhiều bộ phim mới thật hay thật hấp dẫn người xem. Liên hệ công ty: http://saosangdesign.com/

Key Animator - Bước ngoặt của Animator 1

Sau khi làm việc với vai trò là người làm phim hoạt hình – Animator, ít nhất sau 3 năm trong ngành thì các Animator thường có xu hướng chọn một vị trí cao hơn để tiếp tục công việc của mình – đó là Key Animator, hay còn gọi là Senior Animator. Nói cách khác, vị trí Key Animator là bước thang tiếp theo của con đường sự nghiệp của tất cả các Animator. Nguồn: app.hiive.co.uk Vị trí này đòi hỏi khá cao về bề dày kiến thức chuyên môn, kỹ năng máy tính và kinh nghiệm thực tiễn. Đối với nhiều công ty, trở thành một Senior Animator chính là bước cuối cùng trước khi trở thành Đạo Diễn – Director. Mặc dù mang thứ bậc cao hơn nhưng nhiệm vụ của một Key Animator vẫn là sáng tạo hình ảnh, nhận vật, bối cảnh… Tuy nhiên, công việc của họ đòi hỏi nhiều hơn ở công tác chỉ đạo, hướng dẫn và quản trị. Công việc của một Key Animator, họ làm những gì? Như đã nói ở trên, ngoài công việc hỗ trợ phát triển nhân vật, nhiệm vụ của Key Animator còn là hướng dẫn cho các thành viên thuộc đội ngũ ở giai đoạn tiền sản xuất (Pre-production). Trong giai đoạn này, các Animator sẽ hướng dẫn đội ngũ của mình xử lý các hệ thống chuyển động của nhân vật và hình ảnh của họ bằng cách hiệu chỉnh các rigger (một dạng hệ thống điều khiển nhân vật và hình ảnh được thể hiện giống một khung xương điện tử), các mô hình, những con rối của bộ phim… khiến chúng phối hợp nhịp nhàng và chuẩn xác với các hành động, âm thanh, biểu cảm của mình, ngoài ra các Key Animator cũng phải đảm bảo những nhân vật cũng phải “diễn” thật ăn ý với nhau. Một khi giai đoạn tiền sản xuất được hình thành, đội ngũ sẽ bắt đầu vào khâu sản xuất (production). Trong giai đoạn này, các Key Animator sẽ làm việc trực tiếp với đạo diễn dự án, hỗ trợ và thúc đẩy toàn bộ quá trình, đảm bảo chúng hoành thành đúng thời hạn và nằm trong ngân sách cho phép. Các Key Animator làm việc chủ yếu cho các xưởng phim hoạt hình, các công ty sản xuất video, sản xuất phim điện ảnh, game, một số còn làm cho các công ty quảng cáo. Nguồn: seattletimes.com Thu nhập cho một Key Animator là bao nhiêu? Key Animator thuộc về nhóm ngành nghệ sĩ đa phương tiện (Multiply Artist) và Animator. Vào cuối năm 2014, mức thu nhập bình quân mỗi năm cho nghệ sĩ đa phương tiện và animator là 61.370 USD/năm. Trong đó, mức  lương tối thiểu mà họ kiếm được là 34.860 USD và cao nhất là 113.470 USD. Với mức thu nhập 72.680 USD, nghệ sĩ đa phương tiện và animator làm việc trong lĩnh vực sản xuất phim hoạt hình trở thành 1 trong 5 ngành nghề có thu nhập hằng năm cao nhất trong lĩnh vực này. Tuy nhiên, các bạn phải luôn nhớ rằng mức lương cho từng nghệ sĩ và họa sĩ phụ thuộc rất nhiều vào các yếu tố khác, như: bề dày kinh nghiệm, lĩnh vực và quy mô công ty bạn làm việc, tính chất địa phương vùng miền cũng ảnh hưởng không nhỏ tới thu nhập của bạn. Ví dụ: tại trụ sở California, mức lương trung bình của một animator hoặc nghệ sĩ đa phương tiện là 88.150 USD/năm, đây cũng là mức lương cao nhất cho ngành này ở Mỹ. tuy nhiên, nếu bạn làm việc tại trụ sở Arkansas – mức này chỉ còn 40.890USD/năm, thấp nhấp cho ngành này tại Mỹ. Cụ thể hơn, sau đây là top 5 các tiểu bang có mức lương cao nhất dành cho nghề Animator và nghệ sĩ đa phương tiện: Bang California (88.150 USD/năm); Bang Washington (76.900 USD/năm); District of Columbia (76110 USD/năm); New York (72.530 USD) và New Mexico (70.310 USD). Làm sao để trở thành một Key Animator? Con đường để trở thành một Key Animator luôn bắt đầu bằng một tấm bằng Cử nhân. Vì hầu hết các nhà tuyển dụng đều ưa chuộng thuê những họa sĩ có văn bằng Cử nhân hoặc cao hơn để  hợp tác lâu dài với họ. Nếu bạn có hứng thú để trở thành một người làm hoạt hình, các bạn có thể chọn những ngành gợi ý sau đây để ghi danh: *Vì tính chính xác của ngôn ngữ, người dịch sẽ giữ lại bản gốc của các ngành học để bạn đọc dễ theo dõi. – Bachelor of Art (BA); – Bachelor of Science (BS); – Bachelor of Fine Art (BFA) đào tạo tập trung cho Animation; – Animation & Digital Arts; – Media Arts & Animation; – Computer Animation; – Computer Graphics, Media Arts & Science; – Fine Art; – Các khóa Computer Science (tập trung chủ yếu cho Animation). – … Đặc biệt, một số họa sĩ có tham vọng có thể học thêm văn bằng về Quản trị kinh doanh (business management) nếu họ có định hướng tiến đến vị trí Đạo Diễn. Ngoài ra, để đảm nhiệm được vị trí này, ngoài 4 năm đào tạo các nhà tuyển dụng cũng tìm kiếm ứng viên có ít nhất 2 năm kinh nghiệm và kỹ năng máy tính tốt. Tuy nhiên, rất nhiều studio hàng đầu lại ưa chuộng tuyển các cá nhân có từ 5-7 năm kinh nghiệm trong lĩnh vực, có kỹ năng lãnh đạo, quản lý và nhiều còn đoài hỏi văn bằng cao hơn như Thạc Sĩ và Tiến Sĩ. Do đó hiện nay có rất nhiều trường cũng cung cấp các khoa học chính quy như sau nhằm đáp ứng nhu cầu tuyển dụng của doanh nghiệp: – Master of Fine Arts (MFA) degrees in Animation; – Animation & Visual Effects;

Họa sĩ tái tạo hiện trường

Họa sĩ tái tạo hiện trường – Forensic Animation là một trong những ngành nghề độc đáo nhất của lĩnh vực hoạt hình. Thay vì tạo ra các hình ảnh mang tính giải trí cho phim ảnh, hoạt hình hay quảng cáo… thể loại này tạo ra những sản phẩm tái tạo lại các hiện trường gây án; các cảnh gây tai nạn nhằm phục vụ cho việc điều tra, giải quyết các vụ án diễn ra trong thực tế. Công việc của một Forensic Animator, họ làm những gì? Công việc của họ là sử dụng các công nghệ máy tính tân tiến để dựng lại các sự kiện có thật như: tai nạn, hành hung, cướp giật, bạo động, giết người… và nhiều hình thức phạm tội khác. Họ sử dụng những phần mềm đồ họa máy tính chuyên biệt để tổng hợp những thông tin từ phía điều tra cung cấp như: ánh sáng, hình ảnh (hoặc thông tin) mô phỏng kẻ gây án, các mô hình nhân vật (giới tính, quần áo), các video ghi lại quá trình gây án, các thông tin ghi nhận từ các thiết bị theo dõi bằng vệ tinh… tất cả những thông tin trên đều được họ xử lý và chuyển hóa thành định dạng phim hoặc hình ảnh ba chiều. Nhằm cung cấp cho các cơ quan liên quan cái nhìn tổng quát nhất về hiện trường vụ án, phục vụ cho quá trình điều tra, truyền thông đại chúng. Các animator trong lĩnh vực này thường làm việc với các nhân chứng (những người chứng kiến vụ án lúc nó xảy ra), cảnh sát, các chuyên gia pháp y và tất cả những người có liên quan khác, nhằm thu thập đầy đủ thông tin để dựng lại chính xác các sự việc đã xảy ra. Các công cụ họ sử dụng thường xuyên là: Adobe Illustrator, 3DS Max, AutoCAD, Photoshop, Adobe Flash Professional CC, After Effects, Adobe Premiere, Anark Core và Eos Systems PhotoModeler. Các Forensic Animator làm việc chủ yếu cho các cơ quan hành pháp, cụ thể họ làm việc tại: các cơ quan điều tra, các cơ quan chính phủ, các cơ quan thực thi pháp luật, các phòng thí nghiệm khoa học và pháp y. Rất nhiều các họa sĩ tái tạo hiện trường làm việc độc lập (self-employed) và phối hợp với nhiều cơ quan khác nhau. Theo một số trang web về việc làm cho biết, các họa sĩ tái tạo hiện trường mới vào nghề thường kiếm được khoảng 14-25 USD/tiếng cho những dự án quy mô từ nhỏ đến trung bình. Mức phí dành để chi trả cho một họa sĩ thường không dưới 100 USD/giờ làm việc, trung bình con số này dao động từ 125-180USD. Làm thế nào để trở thành một Foerensic Animator? Trình độ đại học (cử nhân đại học) là yêu cầu tối thiểu mà các nhà tuyển dụng đưa ra. Bên cạnh đó, nhiều nhà tuyển dụng khác cũng yêu cầu các họa sĩ có ít nhất từ 2-3 năm kinh nghiệm trở lên và có thể là một bằng cấp cao hơn (như Thạc sĩ hoặc Tiến sĩ). Các văn bằng phải đào tạo chuyên sâu những lĩnh vực như: hoạt hình máy tính (computer animation), hoạt hình (animation), tranh minh họa bằng vec-tơ (illustration) hoặc họat hình + luật hình sự (criminal justice), minh họa + luật hình sự (criminal justice); hoạt hình máy tính + luật hình sự (criminal justice).  Ngoài ra, kỹ năng lập trình và chuyên môn về vật lý, toán học cũng cần thiết cho việc dựng mô hình 3 chiều của công việc này. Tại Việt Nam, bạn có thể tham gia khóa học làm phim hoạt hình do Viện Truyện tranh và Hoạt hình tổ chức để lĩnh hội những kỹ năng về nghề từ cơ bản đến nâng cao. Đồng thời, trong quá trình học, bạn sẽ được giới thiệu với các công ty, mở rộng cơ hội nghề nghiệp,…  Các bạn có thể liên hệ bộ phận Tư vấn Tuyển sinh của Viện Truyện tranh và Hoạt hình (Comic Media Academy – CMA) để tìm hiểu thêm về khóa học và trò chuyện với bộ phận tư vấn – tuyển sinh của Viện, để chắc chắn rằng bạn ghi danh vào đúng ngành học cho con đường sự nghiệp của mình. Cơ hội nghề nghiệp và xu thế dành cho ngành nghề này thế nào? Trong những năm qua, ngành nghề này đã trở nên khá phổ biến và được công nhận tại khắp các toàn án của Mỹ. Các cục cảnh sát, cơ quan chính phủ, cơ quan điều tra và thậm chí cả những kênh tin tức hiện nay đều tìm kiếm những họa sĩ tái tạo hiện trường. Cục thống kê lao động cho biết, mức tăng trưởng cho ngành nghề này không có chỉ số cụ thể tuy nhiên, tăng trưởng của lĩnh vực nghệ sĩ và họa sĩ được dự đoán tăng 6% vào các năm tới cho đến 2022 cũng phản ánh được phần nào tiềm năng cho ngành nghề này. Những thông tin thú vị về ngành hoạt hình: Bộ phim Toy Story (1995) của hãng Pixar là bộ phim hoạt hình dài đầu tiên được làm bằng máy tính và đã trở thành bộ phim hoạt hình ăn khách nhất lúc bấy giờ khi mang về 192 triệu USD trong nước và 362 triệu USD trên toàn cầu, doanh thu cao nhất dành cho phim điện ảnh ra rạp năm 1995 – theo Pixar. >>> Có thể bạn muốn xem: [Hậu trường hoạt hình] Để trở thành một họa sĩ thiết kế nhân vật Tác giả:  Michelle Burton Người dịch: Minh Phương Nguồn:http://www.animationcareerreview.com/articles/forensic-animator-career-profile

Top 7 anime đỉnh cao của người Nhật

Hoạt hình Nhật Bản đã đi một chặng đường dài 100 năm hình thành và phát triển. Và khi nhắc đến hoạt hình Nhật Bản, người ta sẽ nhớ ngay đến cái tên anime, một thuật ngữ riêng chỉ dành cho những bộ phim của người Nhật và do người Nhật thực hiện. Trải qua hành trình 100 năm, giờ đây phim hoạt hình Nhật Bản đã có một chỗ đứng vững chắc trong lòng người hâm mộ bên cạnh những tên tuổi lớn của thế giới. Từ khi ra đời đến nay đã có rất nhiều bộ phim hoạt hình được giới thiệu và để lại dư âm lớn đối với người xem. Cùng điểm qua một số bộ phim hoạt hình đỉnh cao của người Nhật để thấy anime đã phát triển lớn mạnh và có những thay đổi như thế nào sau 100 năm.  Grave of Fireflies (Takahata Isao, 1988) Grave of Fireflies hay còn gọi là Mộ đom đóm là một bộ phim hoạt hình đến từ hãng Ghibl do đạo diễn Takahata Isao thực hiện. Bộ phim dựa trên tiểu thuyết cùng tên của Nosaka Akiyuki. Tiểu thuyết này vốn được tác giả viết dưới dạng bán tự truyện như một lời xin lỗi gửi đến người em gái của mình. Mộ đom đóm phản ánh phần nào sự tàn khốc và đau thương của nước Nhật giai đoạn cuối Thế chiến thứ hai. Seita và Setsuko là hai anh em trong câu chuyện của Mộ đom đóm. Cuộc sống hai anh em gặp nhiều bi thương khi mẹ qua đời tại nơi thành phố đã từng hứng chịu hàng nghìn quả bom của quân đội Mỹ. Sau đó, hai anh em chuyển đến Nishinomiya sống cùng với dì một thời gian trước khi rời đi và sống tại một căn hầm trú bom nhỏ bị bỏ hoang gần cái hồ cách nhà chúng khi ở cùng mẹ không xa. Cuộc sống của hai đứa nhỏ trôi qua từng ngày với những bữa ăn là những thứ chúng kiếm được như rau hay bất cứ thức ăn nào có thể kiếm được, thậm chí là ăn cắp. Tuy nhiên, đến cuối cùng, cái chết vì đau đớn và đói rét của Seita là kết thúc của câu chuyện. Một kết thúc buồn đã lấy đi khá nhiều nước mắt của người xem. Không những vậy những cảnh quay nhẹ nhàng khiến cho người xem chìm vào dòng chảy của cuộc sống nước Nhật lúc bấy giờ, làm họ đồng cảm với những gì mà nhân vật chính phải đối mặt. Các nhà phê bình phim cho rằng Mộ đom đóm chính là một trong những bộ phim phản chiến mạnh mẽ nhất. Đặc biệt, nhà nghiên cứu lịch sử hoạt hình Ernest Rister đã nhận xét “Đây là bộ phim hoạt hình nhân văn nhất mà tôi được xem.  Spirited Away (Miyazaki Hayao, 2001) Nhắc đến hoạt hình Nhật Bản, chắc hẳn Spirited Away là một cái tên được nhớ đến nhiều nhất. Bởi, Spirited Away chính là bộ phim hoạt hình đã đưa anime Nhật vươn ra thế giới, tạo một cú hích mạnh cho sự phát triển của anime trong ngành công nghiệp phim hoạt hình. Spirited Away được khán giả Việt biết đến với tên gọi Cuộc phiêu lưu của Chihiro vào vùng đất linh hồn. Đây là một tác phẩm hoạt hình do hãng Ghibli sản xuất và đạo diễn bởi nhà làm phim hoạt hình kỳ cựu Hayao Miyazaki. Với việc giành được giải Oscar năm 2003 cho Phim hoạt hình hay nhất, Spirited Away thật sự đã khiến nhiều hãng hoạt hình trên thế giới ngạc nhiên với thành công này. Một hãng phim hoạt hình nhỏ như Ghibli lúc bấy giờ có thể đánh bại được Disney, Pixar để giành giải thưởng cao nhất ở hạng mục phim hoạt hình trong lễ trao giải danh giá của điện ảnh thế giới. Không những vậy, giai đoạn tiền Oscar, Spirited Away cũng giành được khá nhiều giải thưởng uy tín. Đặc biệt, Spirited Away đã trở thành bộ phim hoạt hình nội địa ăn khách nhất tại Nhật Bản mà chưa một bộ phim nào có thể soán ngôi.  Spirited Away gửi gắm những bài học giá trị sâu sắc đến giới trẻ về ô nhiễm môi trường, sự bóc lột sức lao động, xâm phạm trẻ em và hơn hết là lòng hiếu thảo, tình người của các nhân vật trong phim. Bộ phim không chỉ đưa Ghibli trở thành một trong những hãng sản xuất phim hoạt hình nổi tiếng thế giới mà còn góp phần đưa anime lan rộng trên thế giới.  Howl’s Moving Castle (Hayao Miyazaki, 2004) Howl’s Moving Castle hay Tòa lâu đài di động của Howl là bộ phim hoạt hình tiếp theo mà Hayao Miyazaki thực hiện sau Spirited Away. Bộ phim được thực hiện dựa trên tiểu thuyết cùng tên của Diana Wynne Jones. Howl’s Moving Castle nói về cô nàng Sophie và cuộc gặp gỡ vô tình với phù thủy Howl’s đã mở ra nhiều câu chuyện thú vị khác. Bộ phim được đánh giá là một trong những phim hoạt hình có nét vẽ đẹp nhất của Ghibli. Tuy vậy, Howl’s Moving Castle vẫn không thể đánh bại được thành tích mà Spirited Away đã đạt được, dù nhận được đề cử Oscar năm 2006.  Song, những thành công mà Howl’s Moving Castle đã làm được không thể chối bỏ như doanh thu đạt được là 231,7 triệu USD trên toàn thế giới và trở thành một trong những phim thương mại Nhật thành công nhất trong lịch sử. Không dừng lại ở đó, bộ phim còn được đạo diễn Pete Docter của Pixar chuyển thể sang tiếng Anh và công chiếu tại Bắc Mỹ.  5 Centimeters Per Second (Makoto Shinkai, 2007) 5 Centimeters Per Second là một bộ phim hoạt hình đến từ hãng phim CoMix Wave và do đạo

Comic Media Academy Khai giảng Khóa 06 Hệ Kỹ thuật viên

Sáng 20/04, Lễ khai giảng khóa 06 ngành Truyện tranh, Hoạt hình, Digital Painting đã được diễn ra tại cơ sở 164 Nguyễn Đình Chính, Phú Nhuận. Buổi lễ có sự tham gia của các giảng viên đang tham gia giảng dạy tại Viện cùng các bạn học viên, tân học viên. Sau chuyến tàu mang tên “Khóa 05”, Viện Truyện tranh và Hoạt hình tiếp tục đồng hành và hỗ trợ cho một hành trình mới mang tên Khóa 06. Hành trình của những họa sĩ vẽ truyện tranh, làm phim hoạt hình và Digital Painting tương lai.  Không chỉ là một buổi lễ khai giảng đơn giản, đây còn là buổi chào đón các bạn tân học viên Khóa 06 gia nhập Thế giới CMA, nơi các bạn tự tin thực hiện ước mơ của mình. Sự đặc biệt của buổi lễ khai giảng Khóa 06 đến từ sự chuẩn bị, góp sức của các bạn học viên khóa trước từ từ khâu thiết kế đến nội dung chương trình.  Bên cạnh chào đón học viên Khóa 06, Viện Truyện tranh và Hoạt hình còn tổ chức trao học bổng học tập cho các học viên xuất sắc, học viên tiêu biểu trong học kỳ trước.  Học viên có thành tích học tập cao nhất của từng khóa học Nguyễn Thị Hoài Thương – Học viên Khóa 2 hệ KTV Chuyên ngành Truyện tranh Mai Thu Hải Ngân – Học viên Khóa 3 hệ KTV Chuyên ngành Hoạt hình Huỳnh Thị Minh Phương – Học viên Khóa 5 hệ KTV Chuyên ngành Hoạt hình  Phan Hồng Đức – Học viên Khóa 5  hệ KTV Chuyên ngành Hoạt hình  Học viên tiêu biểu toàn khóa Nguyễn Khương Thảo – Học viên Khóa 5 hệ KTV Chuyên ngành Hoạt hình Như một thông lệ trong các buổi lễ khai giảng chào đón tân học viên của CMA, các bạn tân học viên Khóa 06 sẽ cùng giao lưu và chia sẻ với các bạn học viên khóa trên. Không chỉ vậy, các bạn Khóa 06 còn có khoảng thời gian vui chơi, gắn kết cùng nhau qua trò chơi vẽ tranh đoán nhân vật truyện tranh, hoạt hình . Mục đích của những trò chơi này là muốn cho các bạn tân học viên có thể thoải mái, cởi mở hơn và sẵn sàng đón nhận những thử thách phía trước.  Dù đều có sự khác biệt riêng nhưng tựu chung lại các bạn đều có một ước mơ, một đam mê trong ngành học Digital Painting, Truyện tranh, Hoạt hình. Cùng cố gắng cho tương lai phía trước nhé CMAers! >>> Theo dõi hình ảnh buổi lễ khai giảng TẠI ĐÂY

CMA Company Tour thực tế tại Armada Studio

Sáng 18/04, học viên Viện Truyện tranh và Hoạt hình (Comic Media Academy – CMA) đã có một chuyến tham quan và trải nghiệm thú vị tại Armada TMT Studio, một trong những studio làm phim hoạt hình giàu kinh nghiệm và thành công nhất Việt Nam hiện nay.  Trong buổi tham quan, các bạn học viên CMA được chiêm ngưỡng không gian làm việc chuyên nghiệp của những họa sĩ hoạt hình hàng đầu Việt Nam. Không chỉ là một chuyến tham quan, Company Tour tại Armada TMT Studio còn mang đến cho các bạn học viên CMA những trải nghiệm thú vị. Các bạn được lắng nghe những chia sẻ tâm huyết về nghề, về phương pháp rèn luyện kỹ năng nghề nghiệp của những họa sĩ dày dặn kinh nghiệm. Đồng thời các họa sĩ hoạt hình của Armada Studio còn tiết lộ quy trình làm hoạt hình theo phong cách hoạt hình thế giới như vẽ diễn hoạt animation, vẽ layout, vẽ background.  Sau Armada, Company Tour sẽ tiếp tục đưa học viên CMA đến trải nghiệm ở các công ty, studio chuyên nghiệp về truyện tranh và hoạt hình tại Việt Nam. Mở ra nhiều trải nghiệm thực tế nghề nghiệp dành cho các học viên, tạo điều kiện cho học viên học hỏi kinh nghiệm. Thành lập tại TPHCM từ năm 2002, Armada TMT Studio nổi tiếng với các tác phẩm hoạt hình như: Dalton, Kirikou, Oggy and the cockroaches, Zig and Sharko (chiếu trên Disney Channel và Cartoon Network). Studio hiện có gần 150 nhân sự, phần lớn là họa sĩ và animator. 

Nhảm nhí theo cách của Bầu Trời Chất Xám

Được thành lập từ những con người khác biệt nhưng có chung một đam mê với truyện tranh và hoạt hình. Kết nối và gắn kết sau 4 tháng học tại Viện Truyện tranh và Hoạt hình. Thể hiện khá tốt kỹ năng teamwork qua đồ án Sáng tác 1 và những tác phẩm đăng tải trên fanpage. Bầu Trời Chất Xám, họ là ai?  Những ngày tháng tuổi trẻ được làm những điều mình thích, những việc thỏa mãn sự đam mê của bản thân và được làm cùng với những người bạn có cùng chí hướng là điều tuyệt vời nhất. Và Bầu Trời Chất Xám chính là một ví dụ điển hình cho tất cả sự ngây thơ, dại khờ nhưng quý giá của tuổi trẻ.   Những ngày đầu xây dựng nhóm  Bầu Trời Chất Xám chính là cái tên tạo ra được sức hút ngay từ những ngày đầu nhóm “trình làng” trước hội đồng CMA cho môn Sáng tác 1. Không phải một cá nhân hay một tác phẩm xuất sắc nào khác có thể để lại ấn tượng mạnh và dư âm cho hội đồng chấm Sáng tác 1 ngày hôm đó như Bầu Trời Chất Xám. Một sự việc chưa từng xảy ra ở các khóa trước, những đồ án Sáng tác 1 của một số thành viên lớp Kỹ thuật viên 5T có sự liên kết chặt chẽ giữa các nhân vật. Như một ngôi làng thu thỏ với những câu chuyện riêng về từng nhân vật. Chia sẻ về ý tưởng khá mới mẻ này, nhóm cho biết “Với yêu cầu của đồ án Sáng tác 1, mỗi cá nhân phải tự thực hiện một tác phẩm, lúc này bạn Đức và bạn Hoàng đã tự hỏi rằng ‘Nếu mình thích làm nhóm thì sao?’. Thế là từ đó 2 bạn cùng làm 2 câu chuyện, nhưng bối cảnh giống nhau và nhân vật của bạn này sẽ có mặt trong tác phẩm của bạn kia. Kiểu như hai chuyện diễn ra ở cùng nơi. Ý tưởng hay này đã được duyệt bởi nhiều đồng bọn trong lớp. Và sau đó cả đám xúm vô chế ra một cái làng hư cấu, tên là làng Phong Long và giúp nhau tạo ra cốt truyện để đưa nhân vật của mỗi đứa vào bối cảnh làng đó. Khi dự án ‘Làng Rồng Gió’ vừa nhen nhúm đã bùng cháy liền trong suôn sẻ như vậy, bạn Hoàng thấy tâm đắc quá nên bật ra suy nghĩ ‘Tụi bây thấy không, cả một bầu trời chất xám như vậy làm sao mà không nghĩ ra chuyện để làm’ “.  Ý tưởng thú vị này đã mang đến những lời nhận xét, phản hồi tích cực từ hội đồng cho từng bài Sáng tác 1 của nhóm. Không những vậy, các thầy cô trong hội đồng mong muốn nhóm sẽ tiếp tục phát huy trong những bài Sáng tác khác cũng như lan tỏa mô hình làm nhóm này trong tập thể CMA. Chính những nhận xét, lời khuyên của thầy cô đã giúp nhóm tự tin hơn trong việc xây dựng một nhóm chính thức, có tên gọi và fanpage riêng, nơi các bạn thỏa sức thể hiện đam mê dành cho truyện tranh và hoạt hình và xây dựng thương hiệu cho nhóm về sau. Bầu Trời Chất Xám đã ra đời từ đó.  Ấn tượng từ tên gọi… Cái tên Bầu Trời Chất Xám chắc hẳn đã tạo ra sự tò mò cho những ai tiếp xúc lần đầu. Tại sao lại là Bầu Trời Chất Xám mà không phải là một cái tên khác? Giải đáp cho thắc mắc này, nhóm cho biết “Team quyết định dùng tên này vì thấy nó vừa thông thái lại vừa nhảm nhí tào lao, rất hợp với tính cách và con người của các thành viên trong team. Sau khi đi Tiền Giang, cả bọn chúng mình lấy tên là Team Chó theo yêu cầu đặt tên nhóm theo tên động vật của thầy Duy Anh, nên thành ra hình tượng con ‘cờ hó’ manh động luôn gắn liền với những bộ não năng động, thông minh và xàm xí trong Bầu Trời Chất Xám”.  Đến những tác phẩm truyện tranh ngắn  Fanpage Bầu Trời Chất Xám ở thời điểm hiện tại đang ngày càng tạo ra sự thu hút nhờ vào những tác phẩm truyện tranh ngắn do nhóm thực hiện. Những tác phẩm này tập trung thể hiện cuộc sống thường ngày qua góc nhìn hài hước, dí dỏm của các bạn trẻ. Song song với việc phát triển fanpage, các thành viên trong nhóm luôn chú ý đặt việc học lên hàng đầu. Chia sẻ về kế hoạch sắp tới, nhóm tâm sự “Hiện giờ các thành viên đang chăm chỉ học tập tốt, lao động tốt nên chưa triển khai các kế hoạch cho page. Song trước mắt team vẫn tập trung vào vẽ truyện tranh ngắn 1-4 khung, kể về những mẫu chuyện hài đời thường mà nhiều người có thể liên hệ được. Về lâu dài group đang đặc biệt ấp ủ các dự án file gif hoạt hình ngắn, cũng không nhằm mục đích gì cao cả hơn là viral, tăng view, câu like”.  Những mẩu truyện tranh ngắn 4 khung do Bầu Trời Chất Xám thực hiện Ngoài fanpage, nhóm còn có group nhỏ, nơi các thành viên lưu lại những ý tưởng để phát triển thành những tác phẩm đặc trưng của page. Những ý tưởng này xuất phát từ những mẩu chuyện tiếu lâm mà các bạn thường trò chuyện, tán dóc cùng nhau trong ngày thường hay những chuyện hài hước do mỗi thành viên “vận hết sức lực” để “vắt” trong “chất xám” ra.  Sáng tạo để không hòa tan  Ở thời điểm hiện tại, những fanpage hài hước xuất hiện khá nhiều trên trang mạng xã hội. Đặc biệt, những page theo

Hậu trường hoạt hình Nghệ sĩ phát triển hình ảnh trong làm phim hoạt hình 1

Nghệ sĩ phát triển hình ảnh (Visual development artists) là những người tham gia thiết kế và phát triển “diện mạo” và “cảm xúc” cho các thể loại phim chiếu rạp, phim hoạt hình, video, và các lĩnh vực sản xuất. Các nghệ sĩ này còn làm việc cho các lĩnh vực khác như quảng cáo, xuất bản, marketing hoặc quan hệ công chúng. Trong ngành công nghiệp hoạt hình, các nghệ sĩ phát triển hình ảnh có nhiệm vụ hình dung và đề xuất cho các hình ảnh của nhân vật, câu chuyện… về cách chúng nên xuất hiện thế nào; trông ra sao; hành động những gì và như thế nào. Các nghệ sĩ hình ảnh cũng làm việc với “cảm xúc” của nhân vật và tham gia hỗ trợ việc “kể chuyện” trong quá trình làm phim hoạt hình. Nguồn: animationinsider.com Công việc của Visual Developmet Artist, họ làm những gì? Các nghệ sĩ phát triển hình ảnh sẽ làm việc cùng với bộ phận sáng tạo để phát tiển cho các hình ảnh của các chi tiết như: phông nền, màu sắc, ánh sáng, môi trường và các vật thể và những thứ liên quan khác. Họ sẽ vận dụng các kỹ năng về hình họa, minh họa, kỹ năng vẽ và thiết kế của mình để tạo nên những hình ảnh mà họ tin rằng chúng có thể “diễn đạt” được hoàn chỉnh một nội dung cho một phân cảnh hay biểu cảm cho một nhân vật nào đó theo cách riêng của họ. Các nghệ sĩ phát triển hình ảnh làm việc với cả định dạng 2D và 3D, họ thường sử dụng những phần mềm đồ họa như Photoshop và Maya. Các nghệ sĩ phát trển hình ảnh làm việc trong rất nhiều lĩnh vực và công ty khác nhau, như: các xưởng làm phim hoạt hình, các studio sản xuất phim và video, các công ty thiết kế và phát triển game, thiết kế website, thiết kế đồ họa, quảng cáo, các công ty xuất bản liên quan đến phim ảnh và cả lĩnh vực điện thoại di động rộng lớn. Thu nhập cho một Visual Development Artist là bao nhiêu? Thu nhập cho từng cá nhân nghệ sĩ phát triển hình ảnh lệ thuộc vào nhiều yếu tố như: trình độ giáo dục, kinh nghiệm, địa phương (nơi họ làm việc và tính chất địa phương đó); quy chế và quy mô của công ty, ngành và tính chất ngành, hình thức việc làm (theo hợp đồng tạm thời hay làm công ăn lương),… Theo như những báo cáo từ các trang thống kê như Glassdoor đến SimplyHired cho biết, thu nhập bình quân của các nghệ sĩ phát triển hình ảnh có thể dao động từ 44.020 USD/năm đến 109.724 USD/năm. Còn các nghệ sĩ làm việc cho các hãng lớn như Dreamworks, Disney hay Blue Sky sẽ có mức lương cao hơn các nghể sĩ khác.   Nguồn: blog.sketchup.com Có một lưu ý rằng các nghệ sĩ phát triển hình ảnh thường làm việc dưới hình thức tự làm chủ (Self-employed) cho nên mức lương bình quân mỗi năm của họ có thể sẽ thấp hơn hoặc cao hơn lương của những nghệ sĩ làm cho hãng, tùy thuộc vào các yếu tố đã nên bên trên. Làm thế nào để trở thành một Visual Development Artist? Thị thường việc làm cho lĩnh vực nghệ thuật và ngành công nghiệp giải trí là một trong những thị trường cạnh tranh nhất thế giới. Chính vì lẽ đó, hầu hết tất cả những họa sĩ torng ngành đều được đào tạo qua trường lớp và nắm trong tay ít nhất một bằng cấp cử nhân hoặc thạc sĩ về một trong những ngành sau: mỹ thuật (fine art); tranh minh họa bằng vector (illutrastion); phối màu (painting); hình họa (animation); nghệ thuật thị giác (visual art) và truyền thông (communication). Các sinh viên lúc còn đi học cũng sẽ cố gắng tham gia các thực tập càng nhiều càng tốt, hoặc sẽ ghi danh vào những vị trí hỗ trợ tại các studio lớn nhỏ, cố gắng tích lũy thật nhiều kinh nghiệm thực tế cho bản thân trước khi ra trường. Điều này cũng là một yêu cầu của tất cả các nhà tuyển dụng lĩnh vực này. Một tấm bằng cử nhân và kinh nghiệm qua các vị trí thực tập sinh hay vị trí hỗ trợ sẽ giúp bạn khi xin được việc ở những vị trí sơ cấp (entry-level). Ở các vị trí trung cấp trở lên, các nhà tuyển dụng thường yêu cầu các ứng viên phải tích lũy ít nhất từ 2 năm kinh nghiệm trở lên; cộng với một bằng cấp Thạc Sĩ hoặc Tiến Sĩ. Còn những vị trí cao cấp, họ sẽ yêu cầu bạn phải có từ 3-5 năm kinh nghiệm, và một bằng cấp cao tương đương với vị trí ứng tuyển. Ngoài ra, kiến thức chuyên môn là điều cơ bản nhất cho tất cả các vị trí. Tại Việt Nam, bạn có thể tham gia khóa học làm phim hoạt hình do Viện Truyện tranh và Hoạt hình tổ chức để lĩnh hội những kỹ năng về nghề từ cơ bản đến nâng cao. Đồng thời, quá trình học bạn sẽ được giới thiệu với các công ty, mở rộng cơ hội nghề nghiệp,…  Các bạn có thể liên hệ bộ phận Tư vấn Tuyển sinh của Viện Truyện tranh và Hoạt hình (Comic Media Academy – CMA) để tìm hiểu thêm về khóa học và trò chuyện với bộ phận tư vấn – tuyển sinh của Viện, để chắc chắn rằng bạn ghi danh vào đúng ngành học cho con đường sự nghiệp của mình. Cơ hội nghề nghiệp và xu thế cho ngành nghề này như thế nào? Cơ hội nghề nghiệp cho ngành phát triển hình ảnh thay đổi tùy theo lĩnh vực và khối ngành của

Hậu trường hoạt hình bạn biết gì về Texture Artist

Trong ngành đồ họa máy tính, thuật ngữ “texture” là từ chỉ các lớp hiệu ứng màu nhân tạo, dùng để phủ lên một khu vực của các sản phẩm đồ họa. Các “texture” được tạo ra để thể hiện tính chất vật lý hoặc hiệu ứng đặc biệt cho sản phẩm đồ họa. Nguồn: 3dtotal.com Các kỹ thuật viên Texture (Texture Artist) là những người thiết kế, phát triển và làm việc cùng những textures này. Họ sẽ sử dụng chúng như những lớp da trên cơ thể một nhân vật, bề mặt môi trường hoặc đồ vật… và số lượng các họa sĩ Texture cho một sản phẩm hoàn chỉnh là rất lớn, bao gồm những người tạo ra các lớp da, lớp lông, các nếp nhăn, lớp vẩy, mồ hôi hay các lớp bùn đất trên một cơ thể nhân vật. Trong một số trường hợp, yêu cầu đặt ra cho một lớp texture quá đặc biệt và không thể tìm thấy trong thực tế (ví dụ như da, máu thịt hay màu mắt của người ngoài hành tinh) thì các kỹ thuật viên sẽ tự thiết kế và tạo ra một texture hoàn toàn mới bằng trí tưởng tượng và khả năng sáng tạo của mình. Công việc của một kỹ thuật viên Texture, họ làm những việc gì? Các kỹ thuật viên Texture sử dụng rất nhiều những phần mềm đồ họa, các hệ thống platform và những chương trình thu nạp và tổng hợp dữ liệu tân tiến… Một trong số các phần mềm mà họ sử dụng là: Photoshop, 3D Paint, UV Layout/Editing, RenderMan, Mental Ray, Maya, Shaders và  Houdini. Các họa sĩ cũng sử dụng những kỹ thuật tô màu bằng kỹ thuật số để tạo nên những texture nhiều tầng lớp và đa kết cấu hơn, chúng có thể bao gồm những lớp phản xạ ánh sáng, lớp tán xạ, khúc xạ hay những hình thức phức tạp hơn của các vật chất khác nhau. Nguồn: moddb.com Các Texture artist làm việc trong nhiều lĩnh vực và môi trường làm việc khác nhau, như: các hãng phim, xưởng phim hoạt hình, phim truyện, phim truyền hình, các công ty game, công ty thiết kế website, thiết kế đồ họa, công ty quảng cáo, và ngay cả lĩnh vực điện thoại di động. Các sản phẩm của họ thường phục vụ cho phim hoạt hình, video game, phim truyền hình, quảng cáo… Thu nhập của một Texture artist là bao nhiêu? Theo như Cục Thống Kê Lao Động cho biết, thu nhập trung bình cho ngành nghệ sĩ mỹ thuật và Animator là 44.850 USD/năm (đã bao gồm cả mức lương của các vị trí sơ cấp, trung cấp và cao cấp trong lĩnh vực này). Trong đó, 10% số nghệ sĩ có mức lương thấp nhất là 19.190 USD/năm và 10% số nghệ sĩ có mức thu nhập cao nhất là 89.720 USD/năm (cập nhập đến 05/2010) Các số liệu cũ hơn (năm 2009) cho thấy rằng mức thu nhập bình quân của các nghệ sĩ là 62.810 USD/năm. Trong đó, nghệ sĩ thu nhập thấp nhất là 32.360 USD/năm và cao nhất là 99.130 USD/năm. Nguồn: medinamatrix.com Làm thế nào để trở thành một Texture Artist? Các nhà tuyển dụng vẫn có xu hướng thuê những họa sĩ được đào tạo bài bản trong các ngành như: hoạt hình (animation); phim (film) và mỹ thuật ( fine art)… để cộng tác lâu dài với họ. Họ cũng yêu cầu các ứng viên phải có ít nhất 2 năm kinh nghiệm thực tiễn trong lĩnh vực của mình. Các nghệ sĩ nào đã tích lũy được cho mình lượng kiến thức về các phần mềm ứng dụng, hệ thống (plarfrom) và chương trình thu nạp và xử lý dự liệu… là một lợi thế rất lớn để ứng tuyển vào các công ty hàng đầu. Tuy nhiên, các kỹ năng hội họa truyền thống vẫn là một yếu tố vô cùng thiết yếu cho tất cả các cộng việc liên quan đến “texture” nói riêng và ngành họa sĩ nói chung. Tại Việt Nam, bạn có thể tham gia khóa học làm phim hoạt hình do Viện Truyện tranh và Hoạt hình tổ chức để lĩnh hội những kỹ năng về nghề từ cơ bản đến nâng cao. Đồng thời, quá trình học bạn sẽ được giới thiệu với các công ty, mở rộng cơ hội nghề nghiệp,…  Các bạn có thể liên hệ bộ phận Tư vấn Tuyển sinh của Viện Truyện tranh và Hoạt hình (Comic Media Academy – CMA) để tìm hiểu thêm về khóa học và trò chuyện với bộ phận tư vấn – tuyển sinh của Viện, để chắc chắn rằng bạn ghi danh vào đúng ngành học cho con đường sự nghiệp của mình.  [tabs direction=”top” tab1=”MIỄN PHÍ TƯ VẤN” tab2=”GỬI CÂU HỎI” ] [tab1] Comic Media Academy Viện Truyện tranh và Hoạt hình Cơ sở 1: 147 Pasteur, P.6, Q.3, TPHCM Telephone: (08) 3820 9066 Hotline: 0902 738 806 E-mail: daotao@cmavn.org Fanpage: www.facebook.com/cmavn.org  [/tab1] [tab2] [/tab2] [/tabs] Cơ hội nghề nghiệp và xu thế cho ngành nghề này thế nào? Mức tăng trưởng việc làm cho ngành mỹ thuật (bao gồm họa sĩ lên màu (painter) và người vẽ minh họa (illustrator)) được dự đoán sẽ tăng 9% trong các năm từ 2008 – 2018. Còn đối với lĩnh vực nghệ thuật và các lĩnh vực liên quan đến mỹ thuật nói chung, con số này được dự đoán sẽ lên đến 12 %. Đối với ngành hoạt hình, mức tăng trưởng việc làm của ngành này tăng cao hơn so với các ngành khác trong cùng hạng mục nghệ thuật: 14% – theo Cục Thống Kê Lao Động công bố. Tương tự với ngành sản xuất phim và video, tăng trưởng việc làm cũng được dự đoán sẽ tăng 14% trong các năm từ 2008 – 2018, cao hơn so với 11% của những lĩnh vực khác

Họa sĩ vẽ storyboard

“Storybroad” là thuật ngữ chỉ phiên bản truyện tranh của một thước phim hay bộ phim trước khi chúng được sản xuất. Các họa sĩ vẽ storyboard có mặt ở rất nhiều lĩnh vực khác nhau như phim truyện, phim truyền hình, phim hoạt hình hay những chiến dịch quảng cáo bạn hay thấy trên ti-vi, các video âm nhạc của ca sĩ tên tuổi hay thậm chí các đoạn phim video game… Các họa sĩ sẽ bắt đầu vẽ storyboard sau khi đã nhận được kịch bản hoặc các hình ảnh mô tả ý tưởng chính (concept art). Chuỗi hình ảnh storyboard này sẽ trình bày các hành động, diễn biến diễn ra trong phim, giúp cho các nhà làm phim, các chuyên gia quảng cáo và nhà sản xuất đánh giá được bộ phim trước khi dự án bắt đầu thực hiện. Ngoài ra, storyboard còn được sử dụng như một công cụ để định hướng trong quá trình sản xuất. Nguồn: mamamaryshow.com  Công việc của storyboard artist, học làm những gì? Các họa sĩ vẽ storyboard có thể vẽ tay hoặc vẽ máy, các sản phẩm của họ có thể là tranh trắng đen hoặc là tranh màu tùy theo nhu cầu của khách hàng. Các họa sĩ vẽ storyboard (hay còn được gọi là “storyboarder”) sẽ làm việc cùng với đạo diễn và đội ngũ làm phim từ khâu bắt đầu hình thành ý tưởng cho đến lúc sản phẩm được hoàn thành. Cộng việc của họ là sẽ tiếp tục chỉnh sửa, thêm thắt hoặc loại bỏ những cảnh không cần thiết n cho đến khi hoàn toàn ưng ý, thậm chí họ sẽ vẽ lại từ đầu và tạo ra một storyboard hoàn toàn mới nếu được nhà sản xuất yêu cầu. Các lĩnh vực của họ thường là ngành sản xuất phim hoặc những lĩnh vực sản xuất video khác (âm nhạc, quảng cáo), các công ty văn phòng hoặc xưởng làm phim tại gia… Thu nhập dành cho một Storybroad artist là bao nhiêu? Thu nhập dành cho một cá nhân họa sĩ vẽ storyboard thay đổi tùy thuộc vào nhiều yếu tố như: kinh nghiệm, trình độ đào tạo, các quy chế lợi ích của công ty, quy mô và lĩnh vực của công ty họ làm việc, ngành, địa phương (nơi họ làm việc và tính chất địa phương đó) và các yếu tố khác… Cụ thể, dựa theo các thống kê của trang Indeed, một họa sĩ vẽ storyboard làm việc tại thành phố Burbank, California (Trung tâm giải trí truyền thông của Thế Giới) có thể kiếm được trung bình 86.000 USD/năm. Tiến qua bên bờ tây New York (được xem là Thủ đô hoa lệ của Thế Giới) các nghệ sĩ tại đây có thể kiếm được trung bình 105.000 USD/năm. Nguồn: thehollywoodart.blogspot.com Ngoài ra Cục Thống Kê Lao động cũng cho biết, đối với ngành nghề vẽ storyboard hiện nay tuy đã khá phổ biến nhưng vẫn chưa có một con số thống kê cụ thể nào cho nó. Cho nên, cách tốt hơn để có cái nhìn tổng quan về thu nhập của ngành này, ta có thể xem các dữ liệu về ngành vẽ tranh minh họa (illustration), theo đó, mức lương cao nhất dành cho ngành nghề này là khoảng 91.200 USD/năm và thấp nhất vào mức 18.450 USD/năm. Ngoài ra các họa sĩ đa phần làm việc theo hình thức tự làm chủ (self-employed) nên thu nhập của họ có thể dao động cao hơn hoặc thấp hơn các con số trên. Làm thế nào để trở thành một họa sĩ vẽ storybroad? Tuy các bằng cấp chính quy không phải là yêu cầu thiết yếu của ngành nghề này, tuy nhiên các nhà tuyển dụng thường ưa chuộng những họa sĩ được đào tạo bài bản để làm việc lâu dài với họ. Các văn bằng của các bạn có thể là cử nhân hoặc thạc sĩ về các lĩnh vực như: mỹ thuật (fine art); nghệ thuật (art); vẽ tranh minh họa bằng vec-tơ (illustration); nghệ thuật điện tử (digital art) hoặc những lĩnh vực liên quan. Ngoài ra, yếu tố kinh nghiệm cũng rất quan trọng. Các họa sĩ vẽ storyboard thành công thường tích lũy rất nhiều kinh nghiệm từ khi còn là những thực tập sinh hay những vị trí sơ cấp không đòi hỏi kinh nghiệm (entry-level). Một vài họa sĩ có sẵn năng khiếu sẽ có hướng đi khác biệt hơn, tuy để đi được đường dài thì việc rèn luyện và đào tạo vẫn là con đường phù hợp nhất. Giờ học Digital Painting của học viên CMA Tại Việt Nam, bạn có thể tham gia khóa học làm phim hoạt hình do Viện Truyện tranh và Hoạt hình tổ chức để lĩnh hội những kỹ năng về nghề từ cơ bản đến nâng cao. Đồng thời, quá trình học bạn sẽ được giới thiệu với các công ty, mở rộng cơ hội nghề nghiệp,…  Các bạn có thể liên hệ bộ phận Tư vấn Tuyển sinh của Viện Truyện tranh và Hoạt hình (Comic Media Academy – CMA) để tìm hiểu thêm về khóa học và trò chuyện với bộ phận tư vấn – tuyển sinh của Viện, để chắc chắn rằng bạn ghi danh vào đúng ngành học cho con đường sự nghiệp của mình.  [tabs direction=”top” tab1=”MIỄN PHÍ TƯ VẤN” tab2=”GỬI CÂU HỎI” ] [tab1] Comic Media Academy Viện Truyện tranh và Hoạt hình Cơ sở 1: 147 Pasteur, P.6, Q.3, TPHCM Telephone: (08) 3820 9066 Hotline: 0902 738 806 E-mail: daotao@cmavn.org Fanpage: www.facebook.com/cmavn.org  [/tab1] [tab2] [/tab2] [/tabs] Cơ hội nghề nghiệp và xu thế ngành nghề này thế nào? Tăng trưởng việc làm cho nghệ sĩ và họa sĩ trong lĩnh vực vẽ tranh minh họa được dự  đóan sẽ tăng 4% trong các năm từ 2012-2022. Điều này cũng có nghĩa, số lượng nghệ sĩ trong tương lai sẽ tăng từ 28.800 đến

Liên hoan phim hoạt hình quốc tế FLIP

Liên hoan phim hoạt hình quốc tế FLIP là một trong hai liên hoan phim hoạt hình danh tiếng được tổ chức bởi trung tâm Phương tiện truyền thông Nhà Ánh Sáng (Lighthouse Media Centre), nhằm truyền đạt những thông điệp về cuộc sống bằng các hình ảnh động thông qua các phương tiện truyền thông. Nguồn: Flip Animation Festival Illustrations >>> Có thể bạn muốn tìm hiểu: Khóa học làm phim hoạt hình 3D Liên hoan phim hoạt hình quốc tế FLIP được tổ chức lần đầu tiên vào năm 2004 tại Wolverhampton (Anh), thu hút lượng lớn người dự thi từ hơn 30 quốc gia trên toàn thế giới. Liên hoan phim hoạt hình FLIP là cuộc cạnh tranh giữa các bộ phim hoạt hình được tạo ra bằng những kỹ thuật khác nhau như: chuyển động tĩnh, họa hoạt hình, cắt giấy, mô hình đất sét,… theo đó là các hạng mục giải thưởng. Hạng mục trao giải: Giải phim hoạt hình xuất sắc nhất (Best of Festival) Giải phim hoạt hình xuất sắc nhất nước Anh (Best UK Film) Giải phim hoạt hình quốc tế xuất sắc nhất (Best International Film) Ngoài ra, liên hoan phim hoạt hình FLIP cũng tổ chức các cuộc thi và trao giải cho những bộ phim hoạt hình xuất sắc cho đối tượng học sinh/ sinh viên. Cụ thể: Giải phim hoạt hình mới xuất sắc nhất (Best Newcomer) Giải phim hoạt hình thử nghiệm xuất sắc nhất (Best Experimental Film) Liên hoan phim hoạt hình FLIP cũng thực hiện những buổi trình chiếu nhỏ trong suốt năm đối với tất cả các tác phẩm chiến thắng giải thưởng hoặc những bài dự thi được chọn lọc. Tác phẩm thắng giải “Phim hoạt hình xuất sắc nhất” thường được trình chiếu tại nhiều điểm khác nhau ở West Midlands. Ở mùa giải năm 2010, tác phẩm đoạt giải “Phim hoạt hình xuất sắc nhất” – “The Astronomer’s Sun” của Simon Cartwright và Jessica Cope được chiếu tại cả hai nhà hát lớn là Stoke và Tòa Thị chính Wem, đồng thời còn có một buổi chiếu đặc biệt tại Birmingham Artsfest, Anh. The Astronomer’s Sun Trong liên hoan phim hoạt hình quốc tế FLIP 2011 được tổ chức gần đây nhất, từ ngày 27–29/10, phim hoạt hình “Bertie Crisp” của đạo diễn người Anh – Francesca Adams đã được trao giải “Phim hoạt hình được bình chọn yêu thích nhất từ khán giả”. Lê Trang dịch

giải Viện Hàn lâm Nhật Bản cho phim hoạt hình của năm

Giải Viện Hàn lâm Nhật Bản cho Phim hoạt hình của năm – Japan Academy Prize for Animation of the Year là một trong số những hạng mục trao thưởng của Viện Hàn lâm Nhật Bản được tổ chức thường niên ở Nhật Bản bởi Hiệp hội Viện Hàn lâm Nhật Bản (The Nippon Academy-sho association – Japan Academy Prize Association), nhằm cải thiện chất lượng phim ảnh, củng cố ngành công nghiệp điện ảnh, đáp ứng nhu cầu hằng năm của người hâm mộ, đồng thời góp phần vào việc thúc đẩy điện ảnh Nhật Bản phát triển, ghi nhận những đóng góp và cống hiến cho sự nghiệp điện ảnh. Nguồn: asiateca.net Giải Viện Hàn lâm Nhật Bản – Japanese Academy Awards, hay còn gọi là Giải Oscar Nhật Bản, là loạt giải thưởng thường niên được tổ chức hằng năm tại Nhật Bản từ năm 1978 bởi Hiệp hội Viện Hàn lâm Nhật Bản dành cho những bộ phim Nhật Bản xuất sắc nhất. Các hạng mục trao thưởng ở Giải Viện Hàn lâm Nhật Bản tương tự như ở Giải thưởng Viện Hàn lâm (hay Giải Oscar – Oscars – Academy Awards) được tổ chức thường niên ở Hoa Kỳ. Trong những năm đầu, Giải Viện Hàn lâm Nhật Bản cho Phim hoạt hình của năm không được chú trọng. Những bộ phim hoạt hình thuộc top những phim ăn khách nhất của Nhật Bản đã bị bỏ qua trong thời gian này là Doraemon (1980, 1981, 1983, 1984), Kiki’s Delivery Service (1989) của Studio Ghibli, Only Yesterday (1991), Porco Rosso (1992), Pom Poko (1994), và Whisper of the Heart (1995). Hay thậm chí có thế nói, không một bộ phim hoạt hình nào được đề cử cho Giải Viện Hàn lâm Nhật Bản trong những năm đầu của Giải. Điều đáng chú ý khác trong thời kỳ này là ở những giải thưởng điện ảnh lớn khác của Nhật Bản thì vẫn có phim hoạt hình được trao giải cho hạng mục Phim hoạt hình xuất sắc nhất, chẳng hạn như, Giải thưởng Điện ảnh Mainichi (Mainichi Film Award) và Giải thưởng Kinema Junpo (Kinema Junpo) đều được trao cho bộ phim hoạt hình My Neighbor Totoroin vào năm 1988 cho hạng mục Phim hoạt hình của năm. My Neighbor Totoroin [Trailer] Năm 1990, Hiệp hội Viện Hàn lâm Nhật Bản lần đầu tiên trao hạng mục Giải Thưởng Đặc Biệt (Special Award) cho bộ phim hoạt hình Kiki’s Delivery Service tại Lễ trao giải Viện Hàn lâm Nhật Bản lần thứ 13. Năm 1995, bộ phim hoạt hình Pom Poko của Takahata nhận được hạng mục giải thưởng này. Nguồn: wall.alphacoders.com Vào năm 1998, Hiệp Hội Viện Hàn lâm Nhật Bản đã có cách nhìn khác đối với giải thưởng phim hoạt hình với sự thành công rực rỡ của Princess Mononoke. Bộ phim hoạt hình này đã đạt kỷ lục doanh thu phòng vé cao nhất trong lịch sử điện ảnh Nhật Bản, đồng thời đã thống trị các hạng mục giải thưởng điện ảnh lớn khác. Tại Lễ trao Giải Viện Hàn lâm Nhật Bản lần thứ 21 vào năm 1998, Princess Mononoke của hãng Studio Ghibli đã trở thành bộ phim hoạt hình đầu tiên được đề cử và giành chiến thắng hạng mục Giải Viện Hàn lâm Nhật Bản cho Phim hoạt hình xuất sắc nhất của năm. Nguồn: youtubtranslate.seesaa.net Studio Ghibli là hãng sản xuất có nhiều bộ phim hoạt hình đoạt được giải thưởng nhất với 4 bộ phim đoạt giải Phim hoạt hình của năm. Trong số đó, Spirited Away (Vùng Đất Linh Hồn), một bộ phim hoạt hình khác của Hayao Miyazaki, là bộ phim thứ hai do hãng Studio Ghibli sản xuất được đề cử và giành chiến thắng cho hạng mục Phim hoạt hình của năm tại Lễ trao giải Viện Hàn lâm Nhật Bản lần thứ 25 vào năm 2003. Ngoài ra, vào năm 2002, Spirited Away cũng đã nhận được giải Gấu Vàng (Goldener Bär) – Giải thưởng danh giá nhất của Liên hoan phim quốc tế Berlin, và trở thành bộ phim hoạt hình có doanh thu cao nhất mọi thời đại, đạt doanh thu hơn 274 triệu USD trên toàn cầu. Nguồn: pinterest.com Cũng vào năm 2002, Giải Viện Hàn lâm Hoa Kỳ đã thiết lập thêm hạng mục Giải Viện Hàn lâm cho Phim hoạt hình hay nhất, và theo sau đó, năm 2007, Giải Viện Hàn lâm Nhật Bản cũng tạo lập hạng mục Giải Viện Hàn lâm Nhật Bản cho Phim hoạt hình của năm. Theo quy định, chỉ có một bộ phim được trao giải Phim hoạt hình xuất sắc nhất của năm, nhưng cả 5 bộ phim hoạt hình được đề cử đều được Hiệp hội công nhận bằng việc trao giải cho hạng mục Phim hoạt hình xuất sắc của năm. Năm 2016, bộ phim hoạt hình The Boy and the Beast của đạo diễn Mamoru Hosoda đã chiến thắng hạng mục dành cho Phim hoạt hình của năm tại Lễ trao giải Viện Hàn lâm Nhật Bản lần thứ 39 được tổ chức vào ngày 4/3, tại Grand Prince Hotel New Takanawa ở Tokyo, Nhật Bản. The Boy and the Beast [Trailer] Lễ trao giải Viện Hàn lâm Nhật Bản lần thứ 40 dự kiến sẽ diễn ra vào ngày 3/3/2017 tại khách sạn Grand Prince New Takanawa ở Tokyo, Nhật Bản. Các tác phẩm thoả mãn điều kiện tuyển chọn sẽ được công khai lựa chọn trên trang chính thức của Giải Viện Hàn lâm Nhật Bản từ ngày 16/12/2015 đến hết ngày 15/12/2016. Để cập nhật những Phim hoạt hình của năm và tìm hiểu thông tin về các hạng mục giải thưởng ở Giải Viện Hàn lâm Nhật Bản, vui lòng xem thêm tại: http://www.japan-academy-prize.jp/ Người dịch: Lê Trang Nguồn: https://en.wikipedia.org/wiki/Academy_Award_for_Best_Animated_Feature

CMA Toon Boom

Vào chiều ngày 11/10, các bạn học viên của Viện Truyện tranh và Hoạt hình sẽ có cơ hội được gặp gỡ và giao lưu cùng đại diện của Toon Boom – công ty tiên phong trong phần mềm đồ họa hoạt hình 2D, 3D trên thế giới. Buổi gặp gỡ giữa Toon Boom và Viện Truyện tranh và Hoạt hình sẽ mở đầu cho sự hợp tác của cả hai trong việc phát triển ngành hoạt hình ở Việt Nam.  Vài nét về Toon Boom: Được thành lập vào năm 1994, Toon Boom là công ty hàng đầu trong lĩnh vực cung ứng phần mềm làm hoạt hình và storyboard. Với uy tín và hiệu quả trong từng sản phẩm, Toon Boom được những hãng sản xuất phim hàng đầu thế giới như Disney, Warner Bros., Universal, Film Roman, Fox, Alphanim và Nelvana sử dụng. Hiện nay, Toon Boom đã có mặt trên khắp các châu lục gồm Châu Mỹ, Châu Âu, Châu Á, Châu Phi, Trung Đông và Châu Á Thái Bình Dương. Tính năng vượt trội, sáng tạo, phần mềm tương tác thân thiện với nghệ sĩ và người sử dụng phổ thông, ứng dụng chuyên nghiệp.  Năm 2005 và 2012, Toon Boom được trao giải Primetime Emmy vì những thành tựu vượt bậc trong ngành hoạt hình và storyboard. Đại diện Toon Boom gồm: Ông Francois Lalonde: Vice President of Sales (International) Ông Benoit Boiteux – Sales Director Asia Pacific  Cô An Nguyễn – phụ trách thương mai ERAI Asia (công ty tư vấn cho doanh nghiệp nước ngoài để xúc tiến kinh doanh tại thị trường Việt Nam và các nước châu Á  Cô Trang Lê – phụ trách thương vụ thuộc lãnh sự quán Canada THÔNG TIN CHƯƠNG TRÌNH Giao lưu cùng Toon Boom  Thời gian: 13h30 ngày thứ ba, 11/10/2016 Địa điểm: Cơ sở 3, Comic Media Academy, 164 Nguyễn Đình Chính, P.11, Q. Phú Nhuận, TPHCM.

họa sĩ vẽ concept 4

Họa sĩ vẽ concept là người chuyển thể các ý tưởng từ kịch bản (hoặc các văn bản, ghi chú) thành những hình ảnh cụ thể. Những hình ảnh (concept art) này miêu tả chi tiết và rõ ràng bằng màu sắc, khung cảnh, nhân vật… nhằm giúp cho người xem thấu hiểu được ý tưởng của câu chuyện và những đặc điểm đặc biệt của chúng. Quá trình này thường được áp dụng trong các lĩnh vực như phim hoạt hình, truyện tranh, truyện minh họa, các trò chơi, chương trình quảng cáo, in ấn và nhiều ngành nghề khác. Họa sĩ vẽ concept thường phải phối hợp với các họa sĩ khác từ các bộ phận nghệ thuật để bảo đảm rằng các hình ảnh mà họ thể hiện phản ánh chính xác những gì mà dự án hướng đến. Nguồn: howtonotsuckatgamedesign.com  Công việc của một Concept Artist, họ làm những gì? Một họa sĩ vẽ concept cần hội tụ rất nhiều kỹ năng đặc biệt, họ có thể sử dụng thành thạo các công cụ như màu nước, màu sáp, sơn, bút chì, phần mềm đồ họa và tất cả những thứ gì có thể sử dụng để tạo nên các thể loại vũ khí, phương tiện di chuyển, thiên nhiên, vật chất vũ trụ, nhân vật người hoặc thú… bất cứ thứ gì mà dự án đòi hỏi. Các họa sĩ vẽ concept làm việc thường xuyên ở các xưởng phim hoạt hình, các công ty thiết kế quảng cáo, công ty thiết kế và phát triển game, thiết kế đồ họa, các nhà xuất bản in ấn, thiết kế website, thiết kế trang trí đồ nội thất, thậm chí cho cả các công ty kiến trúc. Nguồn: forum.unity3d.com  Thu nhập cho môt họa sĩ vẽ concept là bao nhiêu? Thu nhập của từng cá nhân họa sĩ vẽ concept phụ thuộc rất nhiều vào các yếu tố như: vị trí địa lý (nơi họ làm việc và tính chất địa phương nơi đó), bề dày kinh nghiệm, trình độ học vấn, quy chế phụ cấp của công ty họ làm việc, và nhiều yếu tố khác nữa. Tuy mức lương cho từng nghệ sĩ hoạt động trong lĩnh vực này có sự khác biệt rất lớn và chưa có các thống kê cụ thể cho ngành nghề này. Nhưng theo thư các báo cáo của Cục Thống Kê Lao Động cho biết: mức lương bình quân của những nghệ sĩ vẽ minh họa (illustrator) và phối màu (painter) có thể xem là tương tự với ngành họa sĩ vẽ concept. Cụ thể hơn, Cục cho biết mức lương trung bình hằng năm mà một họa sĩ vẽ minh họa và phối màu có thể kiếm được là 44.850 USD/năm. Trong đó 10% các nghệ sĩ kiếm được ít hơn 18.450 USD/năm và 10% khác kiếm được trung bình 91.200 USD/năm. Nguồn: glassdoor.com Làm thế nào để trở thành một Concept Artist? Ngoài nhiệt huyết, đam mê và sự bền bỉ, các nhà tuyển dụng luôn chọn những ứng viên được đào tạo bài bản và kỹ lưỡng, họ nên nắm một trong các bằng cấp thuộc các ngành liên quan đến mỹ thuật và hoạt hình như: mỹ thuật (fine art); vẽ minh họa bằng vectơ (illustration); phối màu (painting); hoạt hình (animation); nghệ thuật thị giác (visual art); truyền thông (communication) và các lĩnh vực liên quan… Nên nhớ rằng, những nhà tuyển dụng luôn cân nhắc và đòi hỏi cao hơn 1 tấm bằng đại học ở những vị trí trung cấp và cao cấp trong công ty họ. Ngoài ra, các nhà tuyển dụng cũng rất chú trọng năng lực và kinh nghiệm của các ứng viên. Với các vị trí trung cấp hay gián tiếp, các ứng viên nên có từ 2 đến 3 năm kinh nghiệm cho mình. Do đó, các bạn sinh viên nên chủ động đăng ký vào những đợt thực tập của các studio lớn nhỏ ở bất kỳ vị trí nào. Hãy cố gắng tích lũy thật nhiều kinh nghiệm cho bản thân. Để khi ra trường các bạn vừa có kinh nghiệm vừa cầm trong tay tấm bằng tốt nghiệp. Đó là xuất phát điểm hiệu quả và hoàn hảo nhất dành cho các bạn trước khi bước vào môi trường cạnh tranh khốc liệt của lĩnh vực này. Nguồn: mods.curse.com Tại Việt Nam, bạn có thể tham gia khóa học làm phim hoạt hình do Viện Truyện tranh và Hoạt hình tổ chức để lĩnh hội những kỹ năng về nghề từ cơ bản đến nâng cao. Đồng thời, quá trình học bạn sẽ được giới thiệu với các công ty, mở rộng cơ hội nghề nghiệp,…  Các bạn có thể liên hệ bộ phận Tư vấn Tuyển sinh của Viện Truyện tranh và Hoạt hình (Comic Media Academy – CMA) để tìm hiểu thêm về khóa học và trò chuyện với bộ phận tư vấn – tuyển sinh của Viện, để chắc chắn rằng bạn ghi danh vào đúng ngành học cho con đường sự nghiệp của mình.  [tabs direction=”top” tab1=”MIỄN PHÍ TƯ VẤN” tab2=”GỬI CÂU HỎI” ] [tab1] Comic Media Academy Viện Truyện tranh và Hoạt hình Cơ sở 1: 147 Pasteur, P.6, Q.3, TPHCM Telephone: (08) 3514 4365 Hotline: 0902 738 806 E-mail: daotao@cmavn.org Fanpage: www.facebook.com/cmavn.org  [/tab1] [tab2] [/tab2] [/tabs] Cơ hội nghề nghiệp và xu thế cho ngành nghề này thế nào? Vai trò của một họa sĩ vẽ concept là một phần không thể thiếu của quá trình sáng tạo và sản xuất phim hoạt hình. Có thể nói công ty lớn nhỏ trong lĩnh vực hoạt hình hay phim ảnh đầu cần đến ít nhất một họa sĩ vẽ concept. Tuy nhiên, theo thống kê của Cục Thống Kê Lao động thì mức tăng trưởng của ngành nghề này trong tương lai chỉ tăng 4% cho các năm từ 2012-2022. Tuy nhiên, các họa sĩ am hiểu về công nghệ lại sẽ có nhiều cơ hội

kỹ thuật lắp ráp nhân vật

Các character rigger hay những kỹ thuật lắp ráp nhân vật là những chuyên gia trong việc điều khiển cử động cho các nhân vật, giúp chúng tương tác với môi trường xung quanh. Những nghệ sĩ đảm nhận vị trí này phải thấu hiểu về vật lý, kết cấu cơ thể và cách chúng hoạt động (“anatomy”/“giải phẫu học”), hệ điều hành UNIX và các phần mềm đồ họa như Autodesk Maya, Motion Builder, 3D Studio Ma và XSI.   Nguồn: blog.digitaltutors.com Công việc của Character Rigger, họ làm những gì? Công việc của những KTV lắp ráp nhân vật đôi khi rất tẻ nhạt, nó đòi hỏi sự sáng tạo, tính chính xác và kỹ lưỡng đến từng chi tiết. Nhiệm vụ của họ là sử dụng các phần mềm máy tính để tạo nên một bộ khung xương kết nối các bộ phận của nhân vật lại với nhau. Quy trình đòi hỏi họ phải thiết lập những cử động khác nhau cho từng bộ phận của nhân vật, ví dụ: cho bộ phận “tay” gồm các cử động: cầm, nắm, chỉ, viết chữ, vẫy chào; còn cho “chân” thì gồm các cử động như: đá, bước đi, chạy, nhảy… Công việc của họ cũng bao gồm hỗ trợ tạo ra phát triển các công cụ phục vụ cho quá trình sản xuất phim hoạt hình, phối hợp với các bộ phận tạo hình và animator, giúp họ tìm ra các kỹ thuật mới để giải quyết những thách thức của nhân vật đặt ra. Các KTV lắp ráp nhân vật làm việc chủ yếu ở các xưởng làm phim hoạt hình, cho các công ty thiết kế game, thiết kế website, thiết kế phần mềm máy tính và nhiều lĩnh vực khác. Nguồn: cgmeetup.net  Thu nhập của một Character Rigger là bao nhiêu ? Thu nhập cho từng cá nhân Character Rigger phụ thuộc rất nhiều vào các yếu tố như: ngành/lĩnh vực họ làm việc, nơi họ làm việc (địa phương và tính chất của địa phương này). Cục Thống Kê Lao Động chưa đưa ra thông số nào cụ thể cho ngành nghề này, tuy nhiên những trang mạng thông tin thống kê khác như PayScale và Indeed.com có một số bản báo cáo hữu ích, ta có thể tham khảo. Dựa trên các kết quả nghiên cứu của họ, thì mức lương bình quân hằng năm cho một KTV lắp ráp nhân vật do PayScale đưa ra là 25.585 USD/năm. Còn bên Indeed nói rằng mức lương trung bình cho ngành nghề này là 46.000 USD/năm. Nguồn: bossmountian.tumblr.com Các nguồn thống kê khác đều đưa ra con số từ 48.000 USD/năm cho tới 60.000 USD/năm cho những kỹ thuật viên có từ 3-5 năm kinh nghiệm và mức 84.000 USD cho những KTV có từ 6 năm kinh nghiệm trở lên. Một trưởng nhóm bộ phận kỹ thuật viên lắp ráp nhân vật (Lead rigger) có thể kiếm được khoảng 108.000 USD/năm. Làm thế nào để trở thành một Character Rigger? Con đường đào tạo phổ biến nhất cho đến nay để trở thành một kỹ thuật viên lắp ráp nhân vật chính là các chương trình đào tạo cử nhân ngành phim hoạt hình máy tính (“computer animation”) với chương trình chuyên sâu vào lắp ráp nhân vật (“character rigger concentration”). Những ngành học khác cũng bổ trợ cho con đường của bạn đó là: ngành khoa học máy tính (computer sience), đồ họa thương mại (Commercial Graphic) nhưng đào sâu kiến thức về mảng hoạt hình hoặc lắp ráp nhân vật. Các khóa học về giải phẫu học (Anatomy) và hình học (geometry) cũng rất hữu ích cho bạn nếu bạn muốn mở rộng lĩnh vực hoạt động của mình trong tương lai. Nguồn: cgmeetup.net  Ngoài những khóa học kể trên, các nhà tuyển dụng thường ưu tiên những ứng viên có nhiều năm kinh nghiệm trong lĩnh vực của mình. Nếu bạn chỉ mới là sinh viên đại học, hãy cố gắng tìm những vị trí thực tập ở các xưởng phim hay studio cho bất kỳ vị trí nào. Điều này sẽ cho bạn lợi thế hơn khi cọ sát thực tiễn từ trước, tiếp thu kinh nghiệm quý báu cho bản thân và hỗ trợ cho bạn một xuất phát điểm hoàn hảo trong lúc bạn nhận được bằng tốt nghiệp của mình. Tại Việt Nam, bạn có thể tham gia khóa học làm phim hoạt hình do Viện Truyện tranh và Hoạt hình tổ chức để lĩnh hội những kỹ năng về nghề từ cơ bản đến nâng cao. Đồng thời, quá trình học bạn sẽ được giới thiệu với các công ty, mở rộng cơ hội nghề nghiệp,…  Các bạn có thể liên hệ bộ phận Tư vấn Tuyển sinh của Viện Truyện tranh và Hoạt hình (Comic Media Academy – CMA) để tìm hiểu thêm về khóa học và trò chuyện với bộ phận tư vấn – tuyển sinh của Viện, để chắc chắn rằng bạn ghi danh vào đúng ngành học cho con đường sự nghiệp của mình.  [tabs direction=”top” tab1=”MIỄN PHÍ TƯ VẤN” tab2=”GỬI CÂU HỎI” ] [tab1] Comic Media Academy Viện Truyện tranh và Hoạt hình Cơ sở 1: 147 Pasteur, P.6, Q.3, TPHCM Hotline: 0902 738 806 E-mail: daotao@cmavn.org Fanpage: www.facebook.com/cmavn.org  [/tab1] [tab2] [/tab2] [/tabs] Cơ hội nghề nghiệp và xu thế cho ngành nghề này thế nào? Các kỹ thuật viên lắp ráp nhân vật có thể làm việc trong các lĩnh vực khác nhau như: hoạt hình, game, quảng cáo, dịch vụ thiết kế chuyên biệt, phim ảnh và phim truyền hình, các công ty thiết kế hệ điều hành máy tính và các dịch vụ liên quan, các công ty sản xuất phần mềm… Sau đây là top các tiểu bang tại Mỹ cung cấp nhiều cơ hội làm việc nhất cho những lĩnh vực trên: California, New York, Washington, Texas, Illinois, Florida, North Carolina, Oregon, Massachusetts và Virginia. Nguồn: cgmeetup.net Những thông tin thú

họa sĩ thiết kế nhân vật

Công việc của họa sĩ thiết kế nhân vật (Character animators) là tạo ra các nhân vật cho phim hoạt hình, game, video, quảng cáo ứng dụng di động bằng các phần mềm đồ họa máy tính. Họ có thể sử dụng phần mềm là phim 3D, 2D, hay cả phần mềm điều khiển rối. Nguồn: helpx.adobe.com Công việc của Character Animator, họ làm những gì? Sau khi đã có bản thiết kế nhân vật, các họa sĩ đưa chúng vào hệ thống và lập trình các hoạt động cho chúng bằng các phần mềm chuyên dụng như: MotionBuilder 3D, Flash Professional, LightWave, Maya… Công việc của họ cũng bao gồm cả vẽ storyboard (phiên bản hình ảnh của một bộ phim hoạt hình), dựng mô hình, thiết kế các môi trường vật chất, bối cảnh xã hội trong phim… Các họa sĩ thiết kế nhân vật thường xuyên làm việc phối hợp với các kỹ thuật viên âm thanh (Sound engineer) để đảm bảo cử chỉ của nhân vật ăn khớp với âm thanh của chúng và họ cũng phải làm việc với khách hàng để bàn luận các ý tưởng cho phim, chọn lựa chủ đề phù hợp với nó.   Các Character Animator hoạt động ở nhiều lĩnh vực khác nhau như: tại các xưởng sản xuất phim, 2D, 3D; các công ty quảng cáo, các nhà xuất bản, công ty thiết kế phần mềm, công ty thiết kế hệ thống máy tính, công ty thiết kế đồ họa, công ty thiết kế game, công ty thiết kế website, và một số trường đại học và cao đẳng có chương trình giảng dạy liên quan. Các báo cáo chỉ ra rằng có đến 57% các animator hoạt động dưới hình thức tự làm chủ (self-employed) vào năm 2012 – đây cũng là con số gần nhất mà chúng tôi có được về tỷ số các animator tự làm chủ hiện nay. Ngay cả những họa sĩ họa hình chuyên nghiệp cũng thường xuyên làm việc tại nhà riêng của mình. Một số khác thì làm việc tại các xưởng phim, xưởng game, những công ty thiết kế đồ họa, các công ty công nghệ kỹ thuật di động. Chỉ số ít còn lại làm việc tại văn phòng. Nguồn: mocak.am Thu nhập cho một Character Animator là bao nhiêu? Dựa theo báo cáo Cục Thống Kê Lao Động thì hai nhóm ngành: nghệ sĩ đa phương tiện (multiply artist) và nhóm ngành họa sĩ hoạt hình (Animator) đã được kết hợp lại thành một ngành thống nhất. Vào cuối năm 2014, mức thu nhập bình quân mỗi năm cho nghệ sĩ đa phương tiện và animator là 61.370 USD/1 năm. Trong đó, mức  lương tối thiểu mà họ kiếm được là 34.860 USD  và cao nhất là 113.470USD. Với mức thu nhập 72.680 USD, nghệ sĩ đa phương tiện và animator làm việc trong lĩnh vực sản xuất phim hoạt hình và video trở thành 1 trong top 5 ngành nghề có thu nhập hàng năm cao nhất trong lĩnh vực này. Tuy nhiên, các bạn phải luôn nhớ rằng mức lương cho từng nghệ sĩ và họa sĩ phụ thuộc rất nhiều vào các yếu tố khác, như: bề dày kinh nghiệm, lĩnh vực và quy mô công ty bạn làm việc, tính chất địa phương vùng miền cũng ảnh hưởng không nhỏ tới thu nhập của bạn. Ví dụ: tại trụ sở California, mức lương trung bình của một animator hoặc nghệ sĩ đa phương tiện là 88.150 USD/1 năm, đây cũng là mức lương cao nhất cho ngành này ở Mỹ. Tuy nhiên, nếu bạn làm việc tại trụ sở Arkansas – mức này chỉ còn 40.890USD/1 năm, thấp nhất cho ngành này tại Mỹ. Cụ thể hơn, sau đây là top 5 tiểu bang có mức lương cao nhất dành cho nghề Animator và nghệ sĩ đa phương tiện: Bang California (88.150 USD/1 năm); Bang Washington (76.900 USD/năm); District of Columbia (76.110 USD/năm); New York (72.530 USD); và New Mexico (70.310 USD). Làm gì để trở thành một Character Animatior? Cạnh trạnh tại thị trường phim hoạt hình thường diễn ra rất căng thẳng, cho nên các tiêu chuẩn đưa ra cũng rất cao. Các nhà tuyển dụng thường xuyên tìm kiếm những họa sĩ có văn bằng Cử nhân (4 năm đào tạo) hoặc cao hơn để hợp tác lâu dài với họ. Nguồn: all3dp.com Các khóa học liên quan đến đào tạo 2-D Animation Production (sản xuất hoạt hình 2D), 3-D Animation Production (sản xuất hoạt hình 3D) và thể loại phim rối: Stop Motion cũng hỗ trợ rất nhiều cho con đường của các bạn. Các Animator cũng phải học các khóa Anatomy, để tìm hiểu về về cơ thể người, cơ thể động vật các chúng chuyển động, giao tiếp – điều này rất quan trọng khi bạn muốn trở thành một animator. Vì nhiệm vụ chính của chúng ta chính là tạo những nhân vật thật sống động, chân thật mà phải không. Ngoài bằng cấp của các khóa học đào tạo, các nhà tuyển dụng cũng tìm kiếm những ứng viên có ít nhất 2 năm kinh nghiệm trong ngành và kỹ năng máy tính tốt. Ngoài ra, các vị trí công việc Entry-level  (các công việc không đòi hỏi kinh nghiệm) chỉ yêu cầu bằng cấp và kinh nghiệm qua các đợt thực tập hay các công việc mang tính hỗ trợ đơn giản. Các công việc cấp cao (Senior-level) sẽ yêu cầu nhiều năm kinh nghiệm hơn (ít nhất từ  5 – 7 năm kinh nghiệm) và có thể yêu cầu một bằng cấp cao hơn.  Tại Việt Nam, bạn có thể tham gia khóa học làm phim hoạt hình do Viện Truyện tranh và Hoạt hình tổ chức để lĩnh hội những kỹ năng về nghề từ cơ bản đến nâng cao. Đồng thời, quá trình học bạn sẽ được giới thiệu với các công ty, mở

họa sĩ vẽ bối cảnh

Họa sĩ vẽ bối cảnh (background painter) hay còn gọi là “matte painter” có nhiệm vụ tạo ra những hình ảnh miêu tả bối cảnh xã hội, thế giới cho những cảnh quay trong phim hoạt hình hay live-action (phim ăn theo các sản phẩm sáng tạo khác như truyện tranh, phim hoạt hình…). Một họa sĩ vẽ bối cảnh có thể sẽ phải tạo ra toàn bộ bối cảnh cho phim mình, ví dụ như: bầu trời, làng mạc, nhà cửa, sông ngòi, núi non… trong khi các animator chỉ tạo ra vài chi tiết hay một góc nhỏ cho phim. Công việc này đòi hỏi kỹ năng phát triển hoạt hình 2D và 3D, kỹ năng sáng tạo, minh họa và sức tưởng tượng phong phú. Nguồn: markusrothkranz.com Công việc của một Background Painter, họ làm những gì? Background Painter sẽ vẽ, phối màu hoặc thiết kế ra các hình ảnh, khung cảnh của thế giới cho phim bằng kỹ thuật vẽ tay, vẽ máy hoặc kết hợp cả hai hình thức trên. Để làm được nhiệm vụ này đòi hỏi phải có kỹ năng tổng hợp, kỹ năng thiết kế, tô màu, phối màu thật tốt. Những sản phẩm của họ sẽ là nơi mà các nhân vật sinh sống, chuyển động, trò chuyện với nhau. Nói cách khác, nhiệm vụ của một Background Painter chính là tạo nên thế giới mà tại đó câu chuyện chính sẽ diễn ra. Một số phần mềm chuyên dụng của các họa sĩ vẽ bối cảnh là: Maya, Photoshop và Illustrator. Background painters làm việc trong những lĩnh vực rất đa dạng như: các xưởng phim hoạt hình, các công ty sản xuất hình ảnh và phim ảnh, các công ty thiết kế và phát triển game… Họ cũng làm việc trong lĩnh vực thiết kế website, thiết kế đồ họa và lĩnh vực quảng cáo. Nguồn: design.tutplus.com Thu nhập của một Background Painter là bao nhiêu? Tùy vào các yếu tố khác nhau, như: nơi họ làm việc, quy chế và quy mô lớn nhỏ của công ty, số năm kinh nghiệm, trình độ học vấn của họa sĩ… mà mức thu nhập của một Background Painter có thể thay đổi. Cụ thể: top 5 các tiểu bang trả lương cao nhất cho các nghệ sĩ tại Mỹ hiện nay là Washington, New York, California, Connecticut và Michigan. Trong đó, mức lương bình quân mỗi năm tại Mỹ của một Background Painter là 44.850 USD/năm. Với mức thấp nhất là 18.450 USD/năm và cao nhất là 91.200 USD/năm. Nhưng bạn cũng nên nhớ là đa số các họa sĩ thường hoạt động theo hình thứ tự làm chủ (self-employed), với những cá nhân này số tiền mà họ kiếm được hằng năm có thể cao hơn rất nhiều so với các họa sĩ làm công ăn lương cho những công ty hay tập đoàn có tên tuổi. Nguồn: nzpetesmatteshot.blogspot.com Làm thế nào để trở thành một Background Painter? Có rất nhiều Background Painter nắm trong tay các tấm bằng đào tạo về hoạt hình (animation); mỹ thuật (fine art); vẽ tranh minh họa bằng vectơ (illustration), phối màu (panting); hoạt hình máy tính (computer animation) , thiết kế game (game design) và những khối ngành liên quan khác… Mặc dù vậy, trong thực tế có khá nhiều các nhà tuyển dụng và các xưởng phim yêu cầu ngoài bằng tốt nghiệp, các bạn phải có ít nhất 2-3 năm kinh nghiệm trong lĩnh vực mình muốn tham gia. Để đáp ứng được điều này các bạn có thể chọn những công việc ở những studio nhỏ, những công ty hay tập đoàn mới khởi nghiệp để gầy dựng kinh nghiệm cho bản thân mình. Nguồn: digitalpainting.jimdo.com Ngoài ra, bạn có thể tham gia khóa học làm phim hoạt hình do Viện truyện tranh và Hoạt hình tổ chức để lĩnh hội những kỹ năng về nghề từ cơ bản đến nâng cao. Đồng thời, quá trình học bạn sẽ được giới thiệu với các công ty, mở rộng cơ hội nghề nghiệp,…  Các bạn có thể liên hệ bộ phận Tư vấn Tuyển sinh của Viện Truyện tranh và Hoạt hình (Comic Media Academy – CMA) để tìm hiểu thêm về khóa học và trò chuyện với bộ phận tư vấn – tuyển sinh của Viện, để chắc chắn rằng bạn ghi danh vào đúng ngành học cho con đường sự nghiệp của mình.  [tabs direction=”top” tab1=”MIỄN PHÍ TƯ VẤN” tab2=”GỬI CÂU HỎI” ] [tab1] Comic Media Academy Viện Truyện tranh và Hoạt hình Cơ sở 1: 147 Pasteur, P.6, Q.3, TPHCM Hotline: 0902 738 806 E-mail: daotao@cmavn.org Fanpage: www.facebook.com/cmavn.org  [/tab1] [tab2] [/tab2] [/tabs] Cơ hội nghề nghiệp và xu thế cho ngành nghề này thế nào? Background Painter đóng vai trò cực kỳ quan trọng trong quá trình sản xuất. Nếu thiếu họ, các bộ phim hay sản phẩm khác sẽ không thể nào hoàn thành được. Tùy vào ngành và lĩnh vực khác nhau, cơ hội việc làm sẽ thay đổi tùy theo khối ngành mà họ tham gia. Nói chung, các họa sĩ nào có nhiều năm kinh nghiệm và tay nghề cao luôn chiếm ưu thế hơn và kiếm được nhiều cơ hội hơn trong thị trường việc làm. Nguồn:galeon.com Tăng trưỏng việc làm tổng quan cho ngành nghệ sĩ được dự báo sẽ đạt khoảng 4 % trong các năm từ 2012 đến 2022. Và số lượng nghệ sĩ sẽ tăng từ 28.800 người (2012) đến 29.900 người (2022). Những thông tin thú vị của ngành hoạt hình: Nói về vấn đề bối cảnh của phim, đa phần các hình ảnh cho bối cảnh thường được xây dựng khá đơn điệu, sơ sài. Tuy nhiên, hiện nay các nhà làm phim đã tìm ra một số cách để sử dụng bối cảnh một cách thông minh hơn, hợp lý và tinh tế hơn mà không ảnh hưởng đến nhiệm vụ của chúng cho bộ phim. Cụ thể, trong

Lễ khai giảng năm học và chào đón khóa 5 Viện Truyện tranh và Hoạt hình 4

Sáng 5/9, Lễ khai giảng khóa 5 và chào mừng năm học mới của Viện Truyện tranh và Hoạt hình (Comic Media Academy – CMA) đã được tổ chức tại cơ sở 146 Nguyễn Đình Chính, Q.Phú Nhuận, TPHCM, mở đầu cho Chuyến tàu của những đam mê được ra khơi và vượt sóng lớn.  Tiếp nối hành trình đồng hành với đam mê của các bạn học viên, Viện Truyện tranh và Hoạt hình tiếp tục trở thành người bạn, điểm đến đáng tin cậy của những bạn có ước mơ trở thành họa sĩ vẽ truyện tranh và làm phim hoạt hình.  Thạc sĩ – Họa sĩ Lê Thắng, Trưởng ngành Viện Truyện tranh và Hoạt hình Mở đầu buổi lễ khai giảng là những chia sẻ của Thạc sĩ – Họa sĩ Lê Thắng, Trưởng ngành Viện Truyện tranh và Hoạt hình về vấn đề học tập tại CMA, khái quát chương trình học ngành truyện tranh và hoạt hình 2D, 3D, tài liệu học tập và những phương pháp để học tốt hơn. Cùng với buổi lễ khai giảng, CMA hân hạnh giới thiệu hai giảng viên mới sẽ là người đồng hành, gắn bó với các bạn trong suốt thời gian học tại Viện, đó là: họa sĩ Nguyễn Thị Thanh Thủy và Thạc sĩ – Họa sĩ Nguyễn Bạch Dương. Một số giảng viên của Viện Truyện tranh và Hoạt hình tại Lễ khai giảng năm học mới:   Thạc sĩ – Họa sĩ Nguyễn Bạch Dương và Họa sĩ Trang Đức Huy   Nhiếp ảnh gia Duy Anh và Họa sĩ Nguyễn Thị Thanh Thủy  Cùng với những chia sẻ, hướng dẫn của các giảng viên, các bạn học viên khóa 5 ngành truyện tranh và hoạt hình cũng có những chia sẻ xoay quanh con đường đến với ước mơ của mình và những dự định trong tương lai. Bạn Phan Thị Hồng Nhung – học viên ngành truyện tranh khóa 5  Bạn Phan Thị Hồng Nhung cho biết “Từ nhỏ mình đã có sở thích vẽ truyện, vẽ tranh. Mình có quen biết với một chị học bên thiết kế đồ họa. Chị cũng có đam mê sáng tác truyện tranh nhưng do thời điểm đó chưa có một cơ sở nào đào tạo ngành nghề này như CMA nên chị đã chọn ngành thiết kế đồ họa. Mình muốn cùng chị lập team sáng tác bộ truyện tranh dành cho đối tượng nữ sinh. Chính vì vậy, mình quyết định chọn Viện, chọn con đường thẳng để đến với ước mơ của mình. Để thực hiện ước mơ này mình đã có kế hoạch là vừa học ở Viện, luyện tập ở nhà và học thêm những kiến thức khác để bổ sung cho ý tưởng của bộ truyện”. Bạn Huỳnh Bảo Ngân chia sẻ “Mình muốn làm phim hoạt hình. Mình muốn làm ra những bộ phim dành cho thiếu nhi, lồng ghép những kiến thức giáo dục đạo đức thay vì qua sách vở. Như vậy thì các bạn nhỏ sẽ dễ dàng tiếp thu hơn. Dù ba mẹ thường hay lo lắng cho tương lai của mình nhưng vẫn quyết định đồng ý và tạo điều kiện cho mình thực hiện đam mê”. Bạn Nguyễn Duy Quang, học viên khóa 5 Đặc biệt, bạn Nguyễn Duy Quang, chủ quán cafe mèo tiết lộ lý do đến với Viện Truyện tranh và Hoạt hình “Cuộc đời của chúng ta rất ngắn. Vậy thì hãy sống với đam mê sở thích của mình đi”. Chia sẻ của Duy Quang đã làm cho các bạn học viên và cả phòng náo nhiệt hơn hẳn. Đó là những chia sẻ đã chạm vào tâm tư, suy nghĩ của tất cả học viên tham gia học tại CMA. Các bạn là những người can đảm lựa chọn sống với đam mê của chính mình. Bởi sống và làm việc vì đam mê chính là hạnh phúc của mỗi người. Bên cạnh đó, CMA cũng dành tặng những phần học bổng đáng quý cho các bạn học viên có kết quả học tập tốt và đóng góp tích cực vào xây dựng hình ảnh của Viện Truyện tranh và Hoạt hình, gồm: Học viên có thành tích học tập cao nhất của từng khóa học Nguyễn Gia Lộc – Học viên Khóa 2 hệ KTV Chuyên ngành Hoạt hình  Mai Thu Hải Ngân – Học viên Khóa 3 hệ KTV Chuyên ngành Hoạt hình Học viên tiêu biểu toàn khóa Nguyễn Thị Hoài Thương – Học viên Khóa 2 hệ KTV Chuyên ngành Truyện tranh  Ngoài ra, các bạn học viên còn tham gia trò chơi giao lưu giữa các khóa nhằm gắn kết tình đoàn kết của tất cả học viên tại Viện Truyện tranh và Hoạt hình. Hy vọng buổi lễ khai giảng chính là điểm mở đầu cho hành trình thực hiện ước mơ của các bạn khóa 5 và tiếp tục đốt cháy ngọn lửa đam mê của học viên các khóa của Viện Truyện tranh và Hoạt hình. Cùng xem hình ảnh buổi Lễ khai giảng khóa 5 của Viện Truyện tranh và Hoạt hình bạn nhé! Hiền Đặng 

Viện Truyện tranh và Hoạt hình khai giảng khóa 5

Hòa cùng không khí của ngày khai giảng toàn quốc, ngày 05.09.2016 Comic Media Academy – Viện Truyện tranh và Hoạt hình tổ chức Lễ Khai Giảng Khóa 5 – ngành Họa sĩ Vẽ Truyện tranh và Họa sĩ Hoạt hình, chương trình đào tạo chuyên sâu hệ Kỹ thuật viên. Ngoài chương trình, phương pháp học tập được giới thiệu, buổi lễ khai giảng khóa 5 còn là cơ hội để các bạn học viên tìm hiểu về bộ truyện Hot Girl Tắc Kè –  một dự án do các bạn học viên khóa 1 thực hiện. Những khó khăn, thuận lợi khi vừa học vừa sáng tác sẽ được chia sẻ ngay tại buổi lễ. [spacer] THÔNG TIN CHƯƠNG TRÌNH Lễ khai giảng khóa 5 Ngành truyện tranh – hoạt hình Thời gian: 9:00 – 11:30 ngày thứ hai, 05/09/2016 Địa điểm: Viện Truyện tranh và Hoạt hình – Cơ sở 3, 164 Nguyễn Đình Chính, P.11, Q. Phú Nhuận, TPHCM (*) BẢN ĐỒ THAM KHẢO: Viện Truyện tranh và Hoạt hình trân trọng kính mời quý giảng viên, các bạn học viên, tân học viên đến tham dự. Comic Media Academy Viện Truyện tranh và Hoạt hình [spacer] (*) Cơ sở 3 của Viện Truyện tranh và Hoạt hình đặt tại Trung tâm dạy nghề Phú Nhuận. (**) Mọi thông tin chi tiết về Lễ khai giảng, bạn vui lòng liên hệ Mr. Hải Đăng – 090.273.8806.

hậu trường hoạt hình đạo hiễn hình ảnh animation director 1

Vai trò của các đạo diễn hình ảnh (Animation Director) là lựa chọn và tuyển dụng đội ngũ cho các dự án phim của họ, hướng dẫn và làm việc cùng họ để hoàn thành sản phẩm của mình. Vị trí này đòi hỏi người đạo diễn phải có nhiều năm hoạt trong ngành/lĩnh vực của họ. Đây cũng được xem là chức vụ cao nhất của một Animator trong ngành công nghiệp làm phim hoạt hình. Nguồn: collider.com Công việc của Animation Director, họ làm những gì? Ngoài đóng vai trò là nhà tuyển dụng, các đạo diễn còn phải tham gia vào việc điều hành các đội nhóm hoạt động dưới quyền họ. Họ sẽ làm việc trực tiếp cho tổng đạo diễn/giám đốc sản xuất (người điều hành toàn bộ hoạt động của dự án). Nhiệm vụ của các đạo diễn hình ảnh là vai trò trung gian giữa Tổng đạo diễn và các phòng ban khác trong đội ngũ làm phim. Trong quá trình sản xuất phim, đạo diễn hình ảnh sẽ xem xét tổng thể tất cả công việc của đội ngũ gồm các Animator và các trợ lý của dự án. Họ sẽ là người trả lời các câu hỏi với nhà sản xuất về tiến trình làm phim, ngân sách và kết quả thực hiện… Ngoài ra, các  đạo diễn hình ảnh còn phải đảm bảo cho các thiết kế sáng tạo của đội ngũ phải đáp ứng được yêu cầu của nhà sản xuất. Nói cách khác, đạo diễn hình ảnh đóng vai trò chính trong công tác thương lượng và đàm phán giữa hai bộ phận này với nhau, để đảm bảo đạt được thỏa thuận có lợi nhất cho đôi bên. Đạo diễn hoạt hình làm việc ở rất nhiều lĩnh vực, bao gồm: xưởng làm phim, xưởng sản xuất phim truyền hình, các công ty trò chơi và các công ty quảng cáo… Một số đạo diễn còn hoạt động riêng cho một số dự án hay các hợp đồng độc lập. Nguồn: plymouthart.ac.uk Thu nhập cho một Animation Director là bao nhiêu? Theo Cục Thống Kế Lao Động cho biết, mức lương hàng năm của đạo diễn hình ảnh (bao gồm cả vai trò là nhà sản xuất và đạo diễn) là 71.350 USD. Trong đó, 10% đạo diễn hình ảnh kiếm được ít hơn 32.080 USD/năm và 10% khác kiếm được hơn 187.200 USD/năm. Không chỉ vậy, các đạo diễn hoạt động độc lập còn nắm giữ mức thu nhập cao nhất  trong ngành công nghiệp giải trí. Cụ thể mức lương cơ bản dành cho một đạo diễn ở California là 122,210 USD/năm; tại New York là 112.060 USD/năm và lương cơ bản dành cho đạo diễn hình ảnh trong lĩnh vực hoạt hình và phim truyện là 94.110 USD/năm. Làm thế nào để trở thành một Animation Director? Đạo diễn hình ảnh là một trong những chức vụ cao nhất trong ngành phim hoạt hình. Cần có tài năng, sự sáng tạo và khả năng quản lý cũng như một tấm bằng cử nhân hoặc thạc sĩ chính là những điều cơ bản nhất cho chức vụ này. Tuy nhiên, tài năng và bằng cấp chỉ là sự khởi đầu, để trở thành một đạo diễn hình ảnh thực thụ bạn phải có ít nhất 5-7 năm kinh nghiệm trong nghề. Yêu cầu của chức vụ này đòi hỏi các đạo diễn hình ảnh phải thực hiện dường như tất cả các công việc của tất cả các phòng ban khác nhau, từ những công việc gián tiếp đến những việc đơn giản của trợ lý, các vị trí entry-level (vị trí không đòi hỏi kinh nghiệm) đến các công việc của Animator và cao hơn. Tại Việt Nam, nếu bạn có hứng thú với nghề này, bạn có thể tìm hiểu chương trình học làm phim hoạt hình của Viện Truyện tranh và Hoạt hình (Comic Media Academy – CMA) – đơn vị tiên phong đào tạo chuyên sâu nghề họa sĩ hoạt hình tại Việt Nam. Tiếp theo đó, hãy trò chuyện với bộ phận tư vấn – tuyển sinh của Viện, để chắc chắn rằng bạn ghi danh vào đúng ngành học cho con đường sự nghiệp của mình.  [tabs direction=”top” tab1=”MIỄN PHÍ TƯ VẤN” tab2=”GỬI CÂU HỎI” ] [tab1] Comic Media Academy Viện Truyện tranh và Hoạt hình Cơ sở 1: 147 Pasteur, P.6, Q.3, TPHCM Telephone: (08) 3514 4365 Hotline: 0902 738 806 E-mail: daotao@cmavn.org Fanpage: www.facebook.com/cmavn.org  [/tab1] [tab2] [/tab2] [/tabs] Các khóa học tại Viện Truyện tranh và Hoạt hình gồm có 2-D Animation Production (sản xuất hoạt hình 2D), 3-D Animation Production (sản xuất hoạt hình 3D) và thể loại phim rối (hoạt hình tĩnh vật – đất sét): Stop Motion cũng hỗ trợ cho con đường của bạn.  Các Animator tương lai tại Viện được đào tạo bài bản từ A – Z các kỹ năng từ vẽ tay, nguyên lý thị giác, khoa học màu sắc & ánh sáng, phối cảnh, chất liệu, Chuyển động, Dáng, kịch bản, âm nhạc, phần mềm… cùng các bộ môn khác như Giải phẫu học (Anatomy), để tìm hiểu về về cơ thể người, cơ thể động vật các chúng chuyển động, giao tiếp – điều này rất quan trọng, giúp bạn thể hiện nhân vật của mình thật sống động và chân thật trên màn ảnh. Cơ hội nghề nghiệp và xu thế cho ngành nghề này thế nào? Việc làm cho các đạo diễn và nhà sản xuất dự kiến sẽ tăng 3% trong các năm từ 2012-2022. Lực lượng lao động cho ngành này hiện nay là hơn 103.500 người, tại Mỹ. Cho tới năm 2022, con số này dự đoán sẽ tăng lên đến 106.400 người.  Giải thích cho việc này, Cục Thống Kê Lao Động cho biết: “tăng trưởng việc làm trong lĩnh vực sản cuất phim và hoạt hình chủ yếu đến từ nhu cầu tăng

làm phim hoạt hình cùng stop motion animator 1

Nghề làm hoạt hình bằng kỹ thuật Stop motion (chụp hình chuyển động) là một phạm trù khá đặc biệt của cách làm phim hoạt hình truyền thống. Họ, những họa sĩ sử dụng các mô hình tĩnh vật, các con rối và đất sét để tạo nên các thước phim, thể loại này thường được sử dụng trong quảng cáo, truyền hình, giải trí,… Nó còn được biết đến với các tên gọi khác như stop frame, model animation (phim hoạt hình mô hình), peppet animation (phim hoạt hình rối) và clay animation (phim hoạt hình đất sét). Cho đến nay, chỉ có vài bộ phim thuộc thể loại này thật sự gây được tiếng vang như: The Nightmare Before Christmas, Wallace & Gromit: The Curse of the Were-Rabbit, Chicken Run, Fantastic Mr. Fox, James and the Giant Peach, and Little Otik, Shaun The Sheep… Nguồn: emdep.vn Công việc của một người làm phim Stop Motion, họ làm những gì? Một người làm phim Stop Motion (Stop Motion Animator) là phải kết hợp nghệ thuật nhiếp ảnh, kỹ năng kể chuyện, kỹ năng bố trí và điều khiển ánh sáng, khả năng tính toán, lấy góc hình… để taọ ra một thước phim, sau đó họ sẽ sử dụng công nghệ kỹ thuật số để điều chỉnh chúng. Những nhà làm phim tạo ra rất nhiều các nhân vật, vật thể, cảnh trí khác nhau… Sau khi họ hoàn thành xong công việc lồng ghép, sắp xếp chúng, các hình ảnh nối tiếp nhau tạo nên một cảnh quay mượt mà, khi đó chúng ta sẽ nhìn thấy được cách nhân vật chuyển động và nội dung của thước phim được hé mở. Đây là một hình thức làm phim vô cùng độc đáo của thế giới, khi nó không những tạo sự tách biệt với hoạt hình bằng tranh vẽ mà nó cũng không đi theo cách làm phim bằng máy tính nhưng vẫn truyền tải được nội dung và  mang lại đầy đủ cảm xúc cho người xem. Nguồn: tiin.vn  Các Stop-Motion Animator làm việc chủ yếu ở các xưởng phim hoạt hình, xưởng phim truyện, các công ty thiết kế game và các công ty dịch vụ quảng cáo. Thu nhập cho một Stop-Motion Animator là bao nhiêu? Stop-Motion Animator thuộc về nhóm ngành nghệ sĩ đa phương tiện (Multiply Artist) và Animator. Vào cuối năm 2014, mức thu nhập bình quân mỗi năm cho nghệ sĩ đa phương tiện và Animator là 61.370 USD/năm. Trong đó, mức  lương tối thiểu mà họ kiếm được là 34.860USD  và cao nhất là 113.470USD. Với mức thu nhập 72.680 USD, nghệ sĩ đa phương tiện và animator làm việc trong lĩnh vực sản xuất phim hoạt hình và video trở thành 1 trong top 5 ngành nghề có thu nhập hằng năm cao nhất trong lĩnh vực này. Tuy nhiên, các bạn phải luôn nhớ rằng mức lương cho từng nghệ sĩ hay họa sĩ phụ thuộc rất nhiều vào các yếu tố khác, như: bề dày kinh nghiệm, lĩnh vực và quy mô công ty bạn làm việc, tính chất địa phương vùng miền cũng ảnh hưởng không nhỏ tới thu nhập của bạn. Ví dụ: tại trụ sở California, mức lương trung bình của một animator hoặc nghệ sĩ đa phương tiện là 88.150 USD/năm, đây cũng là mức lương cao nhất cho ngành này ở Mỹ. tuy nhiên, nếu bạn làm việc tại trụ sở Arkansas- mức này chỉ còn 40.890USD/năm, thấp nhất cho ngành này tại Mỹ. Nguồn:vnn.online  Cụ thể hơn, sau đây là top 5 tiểu bang có mức lương cao nhất dành cho nghề Animator và nghệ sĩ đa phương tiện: Bang California (88.150 USD/1 năm); Bang Washington (76.900 USD/1 năm); District of Columbia (76110 USD/1 năm); New York (72.530 USD); và New Mexico (70.310 USD). Làm thế nào để trở thành một Stop-Motion Animatior? Hầu hết các nhà tuyển dụng đều ưa chuộng thuê những họa sĩ có nhiều năm kinh nghiệm để hợp tác lâu dài với họ. Tại Việt Nam, nếu bạn có hứng thú để trở thành một họa sĩ hoạt hình, các bạn có thể liên hệ bộ phận Tư vấn Tuyển sinh của Viện Truyện tranh và Hoạt hình (Comic Media Academy – CMA) để tìm hiểu thêm về Khóa học làm phim hoạt hình tĩnh vật đất sét (Stop motion Animator). Tiếp theo đó, hãy trò chuyện với bộ phận tư vấn – tuyển sinh của Viện, để chắc chắn rằng bạn ghi danh vào đúng ngành học cho con đường sự nghiệp của mình.  [tabs direction=”top” tab1=”MIỄN PHÍ TƯ VẤN” tab2=”GỬI CÂU HỎI” ] [tab1] Comic Media Academy Viện Truyện tranh và Hoạt hình Cơ sở 1: 98, Ngô Tất Tố, P.19, Q. Bình Thạnh, TPHCM Cơ sở 2: 147 Pasteur, P.6, Q.3, TPHCM Telephone: (08) 3514 4365 Hotline: 0902 738 806 E-mail: daotao@cmavn.org Fanpage: www.facebook.com/cmavn.org  [/tab1] [tab2] [/tab2] [/tabs] Các khóa học tại Viện Truyện tranh và Hoạt hình gồm có 2-D Animation Production (sản xuất hoạt hình 2D), 3-D Animation Production (sản xuất hoạt hình 3D) và thể loại phim rối (hoạt hình tĩnh vật – đất sét): Stop Motion cũng hỗ trợ cho con đường của bạn. Các Animator tương lai tại Viện được đào tạo bài bản từ A – Z các kỹ năng từ vẽ tay, nguyên lý thị giác, khoa học màu sắc & ánh sáng, phối cảnh, chất liệu, Chuyển động, Dáng, kịch bản, âm nhạc… cùng các bộ môn khác như Giải phẫu học (Anatomy), để tìm hiểu về về cơ thể người, cơ thể động vật các chúng chuyển động, giao tiếp – điều này rất quan trọng khi bạn muốn trở thành một Animator khi bạn muốn thể hiện nhân vật của mình thật sống động và chân thật trên màn ảnh. Nguồn: hipencilstudio.com Ngoài bằng cấp, chứng nhận hoàn thành khóa học, các nhà tuyển dụng cũng tìm kiếm những ứng viên có ít nhất 2 năm

hậu trường hoạt hình chuyển động hình ảnh cùng flash animator 2

Flash Animator chỉ những người làm hình ảnh động cho các trang web, các video quảng cáo, maketing, các video game và các đoạn phim phục vụ giáo dục… Công việc của Flash Animator là phối hợp với giám đốc sáng tạo để đảm bảo rằng các hình ảnh kết hợp hài hòa với các thiết kế, thích ứng tốt với công nghệ được sử dụng để cho ra sản phẩm hoàn mỹ nhất. >>> Có thể bạn muốn tìm hiểu: Khóa học làm phim hoạt hình 3D  Nguồn: jobsmadereal.com Công việc của Flash Animator, họ làm những gì? Chức năng của một Flash Animator chính là việc làm nổi bật, phóng đại các thông điệp của các bảng quảng cáo (banner) trên trang web của họ hoặc website của khách hàng. Các phần mềm đồ họa họ sử dụng là: Macromedia Flash, Adobe Flash, Creative Suite, Dreamweaver (tiền thân là Macromedia Dreamweaver), 3DS Max và After Effects. Công việc này đòi hỏi các kỹ năng như: thiết kế, mỹ thuật và kỹ năng bố trí (layout skill), kiểm soát và điều phối các thành tố trong video. Nguồn: Internet Flash Animator làm việc ở nhiều lĩnh vực khác nhau như: nhà xuất bản, giáo dục, quảng cáo, ngành công nghiệp sản xuất phim hoạt hình và video, các công ty viết phần mềm, thiết kế game, các dịch vụ thiết kế chuyên dụng, thiết kế hệ thống máy tính và các dịch vụ liên quan, các công ty Marketing, các công ty thiết kế website, thiết kế đồ họa, công ty thiết bị di động và nhiều lĩnh vực khác… Thu nhập cho một Flash Animator là bao nhiêu? Flash Animator thuộc về nhóm ngành nghệ sĩ đa phương tiện (Multiply Artist) và Animator.  Vào cuối năm 2014, mức thu nhập bình quân mỗi năm cho nghệ sĩ đa phương tiện và Animator là 61.370 USD/năm. Trong đó, mức lương tối thiểu mà một nghệ sĩ kiếm được là 34.860 USD và cao nhất là 113.470 USD. Với mức thu nhập 72.680 USD, nghệ sĩ đa phương tiện và animator làm việc trong lĩnh vực sản xuất phim hoạt hình và video trở thành 1 trong top 5 ngành nghề có thu nhập hằng năm cao nhất trong lĩnh vực này. Nguồn: youtube.com  Tuy nhiên, các bạn phải luôn nhớ rằng mức lương cho từng nghệ sĩ và họa sĩ phụ thuộc rất nhiều vào các yếu tố khác, như: bề dày kinh nghiệm, lĩnh vực và quy mô công ty bạn làm việc, tính chất địa phương vùng miền cũng ảnh hưởng không nhỏ tới thu nhập của bạn. Ví dụ: tại trụ sở California, mức lương trung bình của một animator hoặc nghệ sĩ đa phương tiện là 88.150 USD/năm, đây cũng là mức lương cao nhất cho ngành này ở Mỹ. Tuy nhiên, nếu bạn làm việc tại trụ sở Arkansas, mức này chỉ còn 40.890 USD/1 năm, thấp nhấp cho ngành này tại Mỹ. Cụ thể hơn, sau đây là top 5 tiểu bang có mức lương cao nhất dành cho nghề Animator và nghệ sĩ đa phương tiện tại Mỹ: Bang California (88.150 USD/1 năm); Bang Washington (76.900 USD/1 năm); District of Columbia(76110 USD/1 năm); New York (72.530 USD); và New Mexico (70.310 USD). Làm thế nào trở thành một Flash Animator? Một bằng đào tạo cử nhân chính là yếu tố đầu tiên khi bạn muốn trở thành một Flash Animator. Chương trình đào tạo của bạn này phải bao gồm các lớp: animation (hoạt hình); computer animation (hoạt hình máy tính); art (mỹ thuật); fine art; thiết kế đồ họa (graphic design); mô phỏng (illustration); phát triển game (game development). Một số nhà tuyển dụng của các công ty lớn hàng đầu trong lĩnh vực này cũng đòi hỏi các ứng viên cho các vị trí  cấp cao các văn bằng cao hơn như Thạc Sĩ hay Tiến Sĩ. Học viên CMA thực hành trên máy  Kinh nghiệm đối với lĩnh vực phần mềm còn yêu cầu kỹ năng vẽ tay tốt, kỹ năng thao tác chuyên nghiệp với các phần mềm chuyên dụng như  Macromedia Flash, Adobe Flash, Creative Suite, and Dreamweaver (tiền thân là Macromedia Dreamweaver), 3DS Max, và After Effects. Cơ hội nghề nghiệp và xu thế cho ngành nghề này thế nào? Các báo cáo cho thấy, số lượng việc làm cho nhóm này dự kiến sẽ tăng 6% từ năm 2012 đến năm 2022. Sự tăng trưởng này chủ yếu là đến từ nhu cầu nhân lực của các ngành video game, sản xuất phim và các ngành dịch vụ giải trí truyền hình. Tuy nhiên, tăng trưởng này có thể bị chậm lại do các công ty có thể thuê nhân lực nước ngoài với các mức lương thấp hơn. Bên cạnh đó, nhu cầu ngày càng cao của ngành đồ họa máy tính cho các thiết bị di động có thể cải thiện tăng trưởng bằng cách tạo ra nhiều việc làm hơn trong ngành công nghiệp điện thoại di động rộng lớn. Nguồn:sites.google.com Mặc dù đối mặt với tăng trưởng việc làm chậm, nhưng cạnh tranh trong lĩnh vực này vẫn sẽ diễn ra rất mạnh mẽ. Cục cho biết “Cơ hội sẽ rộng mở nhất dành cho những cá nhân nào đã trang bị một loạt các kỹ năng hoặc chuyên biệt về một lĩnh vực đặc thù cho hình ảnh và hiệu ứng của họ”. Tuy nhiên, vào năm 2014, Mỹ đã trở thành sân chơi rộng lớn dành cho nghệ sĩ đa phương tiện và animator khi tạo ra 68.900 việc làm, xếp thứ 3 trong top những thị trường việc làm lớn nhất dành cho ngành Nghệ Thuật và Thiết Kế. Song song đó, với con số 259.500 việc làm, thiết kế đồ họa vẫn đang là ngành hot nhất hiện nay. Cơ hội việc làm cho Animator và nghệ sĩ đa phương tiện có thể được tìm thấy khắp các tiểu

hậu trường hoạt hình họa sĩ diễn xuất animator 2

Giống như tên gọi của nó, công việc của một họa sĩ diễn xuất (animator) chính là đưa “hoạt động” vào “hình ảnh”. Animator tạo ra các hình ảnh động và hiệu ứng cho các thể loại phim ảnh khác nhau, như video game, hình ảnh truyền hình phát sóng trên ti-vi, các hình ảnh trên thiết bị di động và những hình thức khác của truyền thông có sử dụng hình ảnh minh họa, các chương trình phần mềm kỹ thuật số… Các công cụ đồ họa dành cho công việc này phổ biến nhất là: Adobe After Effects, Adobe Premiere, Autodesk 3Ds Max và Autodesk Maya… tuy nhiên đó chỉ là số ít các phần mềm đồ họa dành cho công việc của Animator. Nhiệm vụ của họ cũng bao gồm việc xây dựng đồ họa và phát triển storyboard (phiên bản hình của một bộ phim), đòi hỏi kỹ năng vẽ và khả năng minh họa tốt. Ngoài ra, họ còn phải sáng tạo, lên kế hoạch, viết kịch bản và hỗ trợ qua lại với các bộ phận thiết kế cảnh nền hay các bộ cơ quan đồng sản xuất khác của dự án họ thực hiện. Nguồn: designs.vn  Công việc của Animator, họ làm những gì? Dựa theo báo cáo Cục Thống Kê Lao Động thì hai nhóm ngành: nghệ sĩ đa phương tiện (multiply artist) và nhóm ngành họa sĩ hoạt hình (Animator) đã được kết hợp lại thành một ngành thống nhất. Giải thích cho điều này, báo cáo cho rằng “Công việc của các nghệ sĩ đa phương tiện và các Animator có tính chất tương đồng với nhau. Cụ thể, cả hai đều tập trung vào sáng tạo các hình ảnh cho phim hay video game. Thứ hai, họ đều tạo ra các hiệu ứng hình ảnh cho sản phẩm phim hoặc chương trình truyền hình, các hình ảnh CGI (computer-generated images) của họ còn bao gồm việc mô phỏng lại hình ảnh thật của một diễn viên hay ca sĩ nổi tiếng vào môi trường không gian ba chiều, tạo ra một nhân vật ba chiều có ngoại hình và hành động như chính phiên bản gốc. Ngoài ra, các animator còn dựng cảnh trí, cảnh nền mô phỏng một khu vực, địa điểm, vị trí cụ thể  cho sản phẩm của mình” Cũng theo báo cáo, Cục cho rằng các nghệ sĩ đa phương tiện và các animator chủ yếu hoạt động trong các lĩnh vực sau đây: – Motion Picture and Video Industries – ngành sản xuất phim hoạt hình và video – Computer Systems Design and Related Services – ngành thiết kế hệ thống máy tính và các dịch vụ liên quan – Software Publishers – ngành sản xuất phần mềm ứng dụng – Advertising, Public Relations, and Related Services – ngành quảng cáo,  quan hệ công chúng và các dịch vụ liên quan – Specialized Design Services – ngành dịch vụ thiết kế chuyên ngành Học viên CMA thực hành trên máy Thêm vào đó, các báo cáo cũng cho biết rằng có đến 57% các animator hoạt động dưới hình thức tự làm chủ (self-employed) vào năm 2012 – đây cũng là con số gần nhất mà chúng tôi có được về tỷ số các animator tự làm chủ hiện nay. Ngay cả những họa sĩ họa hình chuyên nghiệp cũng thường xuyên làm việc tại nhà riêng của mình. Một số khác thì làm việc tại các xưởng phim, xưởng game, những công ty thiết kế đồ họa, các công ty công nghệ kỹ thuật di động. Chỉ số ít còn lại làm việc tại văn phòng. Thu nhập cho một Animator là bao nhiêu? Vào cuối năm 2014, mức thu nhập bình quân mỗi năm cho nhóm ngành nghệ sĩ đa phương tiện và Animator là 61.370 USD/năm. Trong đó, mức lương tối thiểu mà một nghệ sĩ kiếm được là 34.860 USD và cao nhất là 113.470 USD. Với mức thu nhập 72.680 USD/năm, nghệ sĩ đa phương tiện và animator làm việc trong lĩnh vực sản xuất phim hoạt hình và video trở thành 1 trong top 5 ngành nghề có thu nhập hằng năm cao nhất trong lĩnh vực này. Tuy nhiên, các bạn phải luôn nhớ rằng mức lương cho từng nghệ sĩ và họa sĩ phụ thuộc rất nhiều vào các yếu tố khác, như bề dày kinh nghiệm, lĩnh vực và quy mô công ty bạn làm việc, tính chất địa phương vùng miền cũng ảnh hưởng không nhỏ tới thu nhập của bạn. Ví dụ: tại trụ sở California, mức lương trung bình của một Animator hoặc nghệ sĩ đa phương tiện là 88.150 USD/năm, đây cũng là mức lương cao nhất cho ngành này ở Mỹ. Tuy nhiên, nếu bạn làm việc tại trụ sở Arkansas – mức này chỉ còn 40.890USD/năm, thấp nhất cho ngành này tại Mỹ. Cụ thể hơn, sau đây là top 5 tiểu bang có mức lương cao nhất dành cho nghề Animator và nghệ sĩ đa phương tiện: Bang California (88.150 USD/năm); Bang Washington (76.900 USD/năm); District of Columbia (76110 USD/năm); New York (72.530 USD) và New Mexico (70.310 USD). Làm thế nào để trở thành một Animator? Có rất nhiều con đường để trở thành một Animator chuyên nghiệp, tại Việt Nam, nếu bạn có hứng thú với nghề này, bạn có thể tìm hiểu chương trình học làm phim hoạt hình của Viện Truyện tranh và Hoạt hình (Comic Media Academy – CMA) – đơn vị tiên phong đào tạo chuyên sâu nghề họa sĩ hoạt hình tại Việt Nam.  Tiếp theo đó, hãy trò chuyện với bộ phận tư vấn – tuyển sinh của Viện, để chắc chắn rằng bạn ghi danh vào đúng ngành học cho con đường sự nghiệp của mình.  [tabs direction=”top” tab1=”MIỄN PHÍ TƯ VẤN” tab2=”GỬI CÂU HỎI” ] [tab1] Comic Media Academy Viện Truyện tranh và Hoạt hình Cơ sở 1: 98, Ngô

hậu trường hoạt hình họa sĩ dựng hình 3D

3D Modeler là ai? Theo số liệu của Cục Thống Kê Lao Động cho biết, công vệc chính của các 3D Modeler là dựng các mô hình nhân vật, các môi trường vật chất bên trong không gian ba chiều của máy tính thông qua các hình ảnh minh họa ý tưởng được gọi là concept art. Cụ thể, các họa sĩ sẽ vẽ và tạo ra các lớp da, các lớp bề mặt 2 chiều dùng để thể hiện bề mặt của vật thể, sau đó họ sẽ phủ các lớp da này lên một khung xương kỹ thuật số của nhân vật. Các khung xương này cũng do họ thực hiện, được sử dụng để tạo nên ngoại hình và điều khiển các chuyển động của chúng. Để làm công việc này, các họa sĩ thường sử dụng các phần mềm như Maya, 3DS Max, RenderMan của Pixar, POV-ray, và một số sản phẩm đồ họa khác. Nguồn: cgtrader.com Công việc của một 3D Modeler, họ làm những gì? Các họa sĩ dựng hình 3D hay còn gọi là 3D Modeler có nhiệm vụ tạo ra các nhân vật và môi trường vật chất, nhằm phục vụ cho các sản phẩm như video game, phim hoạt hình 3D, các hình ảnh quảng cáo, website, thiết kế đồ họa, hoạt hình, các hiệu ứng phim, hình minh họa, thiết kế hình ảnh truyền hình, hiệu ứng đặc biệt, các nhân vật và vật thể cho phim hành động, thiết kế CD-Rom và các mô hình thuộc lĩnh vực giải trí của địa phương. Ngoài ra, các họa sĩ chuyên nghiệp còn tạo ra các hình ảnh, mô hình phục vụ cho các nhà địa chất học, kiến trúc sư, nhà khoa học nghiên cứu, kỹ sư, các cơ quan sức khỏe và y tế… Nguồn: journaldugeek.com Nơi họ làm việc thường là: các công ty sản xuất phim và video, các công ty thiết kế game, quảng cáo và thiết kế đồ họa, thiết kế trang web, thiết kế phần mềm ứng dụng, các công ty kiến trúc, các phòng thí nghiệm (chủ yếu là khoa học và ngành dược); các trường đại học và cao đẳng, các công ty thiết kế sản phẩm và các công ty sản xuất (lĩnh vực bán lẻ, dụng cụ, nhà cửa…). Ngoài ra, các họa sĩ dựng hình 3D cũng tham gia làm việc cho các ngành đặc thù khác như: ngành hàng không, các cơ quan bảo vệ môi trường, các công ty sản xuất ô tô, công ty bán lẻ, các tổ chức chính phủ, cơ quan nghiên cứu hành vi tội phạm (pháp lý), các công ty thiết kế nội thất, các công ty thiết kế công nghệ dành cho doanh nghiệp, các công ty bất động sản,… và một số lĩnh vực khác. Thu nhập cho một 3D Modeler là bao nhiêu? Theo các báo cáo của trang Glassdoor (trang thống kê về việc làm, mức lương và cơ hội việc làm của Mỹ) cho  biết: mức lương trung bình hằng năm của công việc 3D Modeler là 68.645 USD/năm. Tùy vào chính sách ở mỗi công ty khác nhau mà mức lương này có thể thay đổi, tương tự với các yếu tố khác như: vị trí địa lý nơi làm việc, kinh nghiệm, trình độ học vấn của nghệ sĩ… Ví dụ: một họa sĩ dựng hình 3D ở trụ sở California của DreamWorks Animation có thể hưởng mức lương 100.000 USD mỗi năm. Trong khi đó ở một công ty nhỏ hơn, ví dụ như ở Kiz Toy – trụ sở bang Georgia, mức lương cho một họa sĩ dựng hình chỉ khoảng 40.000 USD mỗi năm. Nguồn: cgtrader.com Ngoài ra, trên thế giới cũng có rất nhiều họa sĩ 3D hành nghề tự do, nghĩa là họ không làm việc cho một công ty hay studio cụ thể nào. Cho nên mức lương dành cho mỗi cá nhân trong lĩnh vực này khác nhau rất lớn. Cụ thể, một vài họa sĩ dựng hình có tay nghề tốt và chọn lối đi hành nghề tự do như trên có thể hưởng mức lương cao hơn cả những họa sĩ làm việc cho một công ty hay studio nào đó. Tuy nhiên, đối với đa số các họa sĩ khác mới bắt đầu gây dựng tiếng tăm cho mình thì có khi còn phải đóng một khoản phí danh nghĩa để đổi lấy kinh nghiệm làm việc. Điều này cũng chỉ ra rằng: thu nhập bình quân cho các họa sĩ hành nghề tự do thấp hơn rất nhiều so với các họa sĩ làm việc cho công ty và studio, tuy nhiên điều này chỉ mang tính tạm thời, do các họa sĩ thực tài luôn có khuynh hướng tìm đến các công việc có quy chế thăng lương rõ ràng và hợp lý trong tương lai của họ. Làm thế nào để trở thành một 3D Modeler? Nếu bạn muốn trở thành một 3D Modeler, kỹ năng máy tính và toán học của bạn phải thật sự tốt và chuyên sâu. Các kỹ năng khác đều có thể được yêu cầu dựa vào lĩnh vực mà bạn tham gia. Ví dụ: các họa sĩ làm trong lĩnh vực phim hay video game phải có kỹ năng sáng tạo và kỹ năng thiết kế thuộc loại tốt trở lên, trong khi đó trong các lĩnh vực khoa học và nghiên cứu, các họa sĩ bắt buộc phải có nền tảng vững chắc về lĩnh vực mà họ làm việc như: vũ trụ hoặc địa chất chẳng hạn… Do đó, ngành học và lĩnh vực mà bạn chọn nên dựa vào ngành nghề và vị trí mà bạn muốn làm sau này. Cụ thể, nếu bạn muốn trở thành 3D Modeler trong ngành Game, hãy xem xét ứng tuyển vào ngành thiết kế game (Game Design). Nếu bạn muốn trở thành 3D Modeler trong ngành

điều tuyệt vời của phim hoạt hình đối với các animator

Động từ “animate” (làm hoạt hình) có nghĩa là đưa hoạt động vào hình ảnh.  Và công việc của người làm phim hoạt hình chính là thổi hồn vào các bức ảnh, đưa thêm tính cách cho những nhân vật bất động trên giấy. Tương tự, với hoạt hình máy tính, các animator (người làm phim hoạt hình bằng máy tính) sẽ sử dụng các phần mềm chuyên dụng để vẽ, dựng hình và nhân vật trong không gian kỹ thuật số rộng lớn. >>> Có thể bạn muốn tìm hiểu thêm: Khóa học làm phim hoạt hình 3D  Hoạt hình máy tính (hay còn gọi là hoạt hình kỹ thuật số) vừa là một lĩnh vực rộng lớn, rất nhiều thứ để khám phá, tìm tòi. Nhưng đồng thời cũng chứa đựng nhiều thách thức cho các nhà làm phim. Vì trong lĩnh vực này, giới hạn duy nhất mà các bạn gặp phải chính là Giới hạn của bản thân bạn tự đặt ra cho mình. Tất cả những bản phác thảo, storyboard, model, corlourscripts và những nguyên tố khác phương pháp truyền thống… tất cả những điều này là nguồn cảm hứng vô tận dành cho ngành công nghiệp phim hoạt hình ngày nay. Thiếu một trong những thứ trên, sẽ không có một nền nghệ thuật phát triển được như bây giờ. Phim hoạt hình bao gồm rất nhiều những chi tiết bình thường trong cuộc sống mỗi người. Mỗi chuyển động của các hình ảnh đấy được nghiên cứu kỹ càng, cài cắm một cách tài tình bên trong phim hoạt hình. Việc này đòi hỏi sự tỷ mỉ và khôn khéo trong từng chi tiết sản phẩm của đến độ hoàn hảo nhất có thể. Đó là cái tài tình của các nhà làm phim. “Sẽ không có chỗ cho bất kỳ một sự ăn may nào khi bạn làm việc với máy tính, chỉ có sự rèn luyện mới dẫn đến thành công. Nên hãy tự tạo ra không gian của mình, tạo ra thời gian cho mình trước khi chúng ta bắt tay vào xây dựng thế giới kỹ thuật số. Vì đó chính là lúc bạn thảnh thơi nhất” Ở Pixar, chúng tôi khuyến khích các họa sĩ của mình sáng tạo hết sức có thể, cung cấp cho họ không gian để thỏa trí tưởng tượng. Đổi lại, những bức họa của họ thúc đẩy các câu chuyện, bộ phim của chúng tôi lên một tầm cao mới. “Vào những ngày đầu của hoạt hình máy tính, mọi người thường hỏi chúng tôi rằng liệu máy tính có thể làm phim không? Rất là may mắn là chúng tôi đã làm được. Cho đến ngày hôm nay, chúng tôi đã đi được một quãng đường khá dài từ thời điểm đó. Và tôi rất vui mừng khi những cố gắng và cống hiến nghệ thuật của chúng tôi được thế giới công nhận.” – Brad Bird Phim hoạt hình, chúng có khả năng phóng đại, lý tưởng hóa, lột tả, khai phá, châm biếm hay thậm chí làm đơn giản một vấn đề nào đó. Nó là một con đường rộng lớn cho tất cả các nghệ sĩ nào có tính hài hước, chúng ta có thể phản ánh một vấn đề xã hội qua một câu thoại dí dỏm, miêu tả cái nhìn của một bộ phận giới trẻ bằng một thiết kế nhân vật hay đề cập đến những vấn đề ít được nói đến khác bằng cách rất riêng của chúng ta. Nhưng vẽ đẹp thật sự của Pixar chính là cách mà những hình ảnh và câu chuyện của họ đọng lại trong tâm trí khán giả. Đó là điều tuyệt vời mà phim hoạt hình mang lại cho mọi người. Phim hoạt hình là công cụ tốt nhất để tuyền tải thông điệp đến mọi người. Cho dù các hình ảnh này, chúng chỉ là kết quả của các di và nhấp chuột trên chiếc bàn máy tính của bạn. Cho dù nhiều khi bạn cảm thấy thật sự khó khăn khăn phải thổi sự sống vào cho nhân vật, làm cho khán giả buồn theo chúng, vui theo chúng, yêu chúng, ghét chúng, cảm thông cho chúng… Nhưng những gì bạn làm được, những thông điệp bạn truyền tải được đến mọi người – chính điều đó mới thật sự quan trọng. Trong thế giới phim hoạt hình, mọi thứ đều có thể sống, mọi thứ đều có thể nói chuyện, có tính cách riêng, suy nghĩ riêng. Bạn có thể tạo ra tất cả những vũ trụ kỳ diệu mà bạn muốn, tạo ra bất cứ những nhân vật nào mà bạn muốn gặp. Đó là sức mạnh của phim hoạt hình – một chuyến xe chứa đầy những ý tưởng sáng tạo. “Hoạt hình có thể cho bạn thấy được thứ nằm sâu trong trí óc của con người” – Walt Disney Đoạn phim sau đây cho thấy vẻ đẹp thật sự và tính nghệ thuật của phim hoạt hình Pixar, khi ta chú trọng việc phát triển câu chuyện và nhân vật và thật sự trân trọng việc ta đang làm. The Beauty of Pixar : Minh Phương dịch  Nguồn: http://pixar-animation.weebly.com/animation.html

bản màu của storyboard phim hoạt hình pixar

COLOUR SCRIPT (hay còn gọi là bản màu của storyboard) được tạo ra nhằm để theo dõi câu chuyện của phim. Do tính chất công việc được chia thành nhiều công đoạn khác nhau, giám đốc sản xuất cần phải tổng hợp tất các hình ảnh có thể nhằm giúp ông hình dung được sản phẩm cuối cùng sẽ trông như thế nào. Colour script là phần tiền sản xuất để thể hiện các mảng màu sắc, ánh sáng, tâm trạng và cảm xúc của câu chuyện khi đưa lên phim. Nó không chỉ đơn thuần là những bức vẽ đẹp mắt, mà còn là phiên bản hình ảnh của bộ phim, mang trong đó những tiết tấu, chuyển biến xuyên suốt bộ phim, hòa quyện với nó chính là diễn biến của câu chuyện. >>> Có thể tìm hiểu thêm: Khóa học làm phim hoạt hình 3D The Incredibles Colour Scripts Càng có nhiều cách để quan sát bộ thì càng dễ dàng để đạo diễn sản xuất đưa ra nhận định hơn. Bởi vì nếu chỉ có những bản phác màu thôi thì không thể nào tạo nên một tác phẩm hoàn chỉnh. Nhưng nó chắc chắn có thể giúp các studio phát triển ý tưởng của họ và tìm ra phương pháp tiếp cận khác nhau để thể hiện câu chuyện của mình Sắc thái của một bộ phim phụ thuộc rất nhiều vào các hình ảnh này, vì từ đây ta có thể thấy được diễn biến mà câu chuyện đi theo một cách toàn diện nhất. Đôi khi Pixar có xu hướng xem màu sắc như một dòng suy nghĩ, những người thiết kế có thể tạo ra một trải nghiệm điện ảnh hấp dẫn về mặt cảm xúc phong phú hơn và nhiều điều mới lạ hơn cho khán giả của họ với việc xem xét các hình ảnh này. Đây là lý do tại sao Pixar sử dụng các colour script cho mỗi bộ phim của họ, vì nó cho phép họ vạch ra các đường đi cho cốt truyện và diễn biến của nó. UP COLOURSCRIPT Xem xét các bản colour scripts, chúng tôi nhìn thấy được ánh sáng và màu sắc chủ đạo của bộ phim, cho từng cảnh quay. Việc này rất cần thiết khi bạn muốn giữ cảm xúc nhất định cho một phân cảnh nào đó trong phim. Công trình phối màu của phim phải được tạo dựng một cách khoa học giữa những công đoạn phối màu, các nhà thiết kế phải tìm cách dung hòa các hình ảnh tạo nên cái thần cho bộ phim đan xen với tính nghệ thuật của nó. Đi tìm Nemo Colourscripts Người có công đưa colour script đến với Pixar là Ralph Eggleston, và ông đã thực hiện một trong những colour scripts đầu tiên cho Toy Story bằng cách vẽ bằng phấn màu. Truyền thống đó đã được sử dụng trong nhiều năm sau đó, vì phấn màu là một phương tiện rất nhanh và có hiệu quả làm việc khá cao. Ngày nay, hầu hết các kịch bản màu sắc được thực hiện bằng kỹ thuật số bởi vì bức tranh kỹ thuật số thậm chí còn nhanh hơn so với làm việc bằng phấn màu. >>> Tiếp theo: [Pixar Tips] Điều tuyệt vời của phim hoạt hình đối với animator  Minh Phương dịch  Nguồn: http://pixar-animation.weebly.com/colour-script.html

storyboard trong làm phim hoạt hình của Pixar

Storyboard giống như là phiên bản vẽ tay của bộ phim, có chức năng diễn tả các thước phim, hành động và hội thoại của nhân vật trong phim. >>> Có thể bạn muốn tìm hiểu: Khóa học làm phim hoạt hình 3D Mỗi họa sĩ vẽ storyboard sẽ nhận được kịch bản và hệ thống các biểu cảm của từng nhân vật trước khi bắt đầu vẽ cho một phân cảnh nào đó của bộ phim. Sử dụng những chỉ dẫn của kịch bản và biểu đồ cảm xúc này, các họa sĩ sẽ bắt đầu phân công cho từng người trong nhóm, mỗi người sẽ lãnh một nhiệm vụ cụ thể và thông báo trực tiếp với người điều hành dự án – đạo diễn phim. Trung bình, sẽ có hơn bốn ngàn bản vẽ storyboard được tạo nên cho một bộ phim hoạt hình dài của Pixar. Và chúng sẽ được sửa đi sửa lại rất nhiều lần trước khi được chính thức đưa vào phim. Chức năng chính của storyboard là giúp các nhà làm phim hình dung ra được mạch truyện. Ban đầu, Storyboard chỉ là một văn bản chữ viết có vai trò như là kịch bản của phim. Tuy nhiên văn bản này được các họa sĩ sử dụng để vẽ lại nội dung thành các khung tranh. Việc này giống như việc đọc truyện tranh của các bạn, tuy nhiên các khung truyện này không có lời thoại và được vẽ với các kích thước và tỉ lệ bằng nhau. Sau khi vẽ xong, các bức tranh này được gắn lên các bảng lớn, sắp xếp theo thứ tự thời gian như trong văn bản thể hiện. Sau cùng, các “bảng truyện tranh” này được đạo diễn xem xét, hình dung ra bộ phim sẽ được thể hiện như thế nào trên màn ảnh rộng thông qua những bức vẽ của các họa sĩ. Đó chính là tác dụng của Storybroad.  Các video dưới đây giải thích Storyboard là gì, các bước thực hiện và làm việc với chúng. Ta cũng sẽ thấy được các họa sĩ của Pixar trình bày các ý tưởng của mình với các thành viên trong nhóm. Video sau đó sẽ so sánh giữa một storybroad và thành phẩm cuối cùng; bạn sẽ thấy tầm quan trọng của nó đến bộ phim cuối cùng như thế nào. Toy Story –  Storyboarding and Pitch   Sau đây là trích dẫn của John Lasseter, Giám đốc sáng tạo tại Pixar về tầm quan trọng của StoryBoard “Trong ngành công nghiệp phim hoạt hình, sẽ rất là đắt đỏ khi bạn muốn làm một đoạn phim quay thử (foottage), không giống như các thể loại phim có diễn viên, chúng tôi không có sự đảm bảo nào ở đây, chúng tôi không thể quay đi quay lại nhiều lần cho một cảnh quay, chúng tôi không có máy quay thứ hai hay bất cứ kế hoạch dự phòng nào… Chúng tôi chỉ có một cơ hội duy nhất với mọi phân cảnh của bộ phim, hoặc là có hoặc không đưa vào phim. Vậy làm thế nào biết được phân cảnh nào là lựa chọn đúng đắn cho bộ phim? Câu trả lời là các bạn phải chỉnh sửa bộ phim trước khi nó được sản xuất. Và việc sử dụng storyboard chính vì điều này. Chúng tôi nhanh chóng chuyển những con chữ từ kịch bản thành hình ảnh và đưa chúng vào storyboard – phiên bản truyện tranh của bộ phim. Đây cũng là cách mà hãng Walt Disney thực hiện với các bộ phim của họ, họ sử dụng những tấm bảng lớn 4×8 inch, gắn các bản vẽ lên theo thứ tự và kết nối chúng lại. Và cuối cùng ta nhìn lại tổng thể xem bộ phim sẽ được tái hiện như thế nào với các hình ảnh đó. Và khi cuối cùng tìm ra được câu chuyện ưng ý nhất, chúng tôi sẽ mang nó đến bộ phận edit, họ sẽ kết nối những hình ảnh này thành một phiên bản hình ảnh động (vẫn là các bản vẽ của storyboard). Sau đó chúng tôi sẽ lồng tiếng cho các hình ảnh này bằng chính giọng nói của mình, lồng âm nhạc cho chúng – những bản nhạc tạm thời mà chúng tôi nghĩ rằng sẽ phù hợp với cảm xúc của phân cảnh. Sau đó là cài thêm các hiệu ứng âm thanh. Và rồi chúng tôi vào phòng nghe nhìn của hãng phim, ấn nút play, ngồi lại với nhau và xem bộ phim nháp mà chúng tôi vừa thực hiện tại phòng nghe nhìn. Đó là cách chúng tôi xem trước bộ phim của mình. Chúng tôi không bao giờ cho bất kỳ thước phim nào được vào khâu sản xuất trước khi chúng được nhận định là “tuyệt đối hoàn hảo” từ khi còn là storyboard. Bởi vì dù bộ phim có kỹ xảo đẹp mắt đến đâu đi chăng nữa, bạn sẽ không bao giờ cứu được bộ cốt chuyện nhàm chán. Chúng tôi sẽ làm đi làm lại và tiếp tục làm lại bộ phim – có lúc chúng tôi phải làm đến mười ba lần trước khi đưa dự án vào khâu sản xuất. Để làm được điều này chúng tôi phải rất nghiêm khắc với bản thân và cả đội ngũ của mình. Chúng tôi thậm chí đã từng làm kéo dài tiến trình sản xuất hay thậm chí dừng toàn bộ khâu sản xuất chỉ để có được một câu chuyện tốt hơn. Bởi vì chúng tôi tin rằng chính câu chuyện mới là thứ khán giả cần đến cứ không phải kỹ xảo máy tính. Không phải là bộ phim trông ra sao mà là nó muốn nói lên điều gì”. Dưới đây là một số storyboard của Pixar: Toy Story Storaboard Brave Storyboard Up Storyboards >>> Tiếp theo: [Pixar Tips] Bản màu của Storyboard

ý kiến từ giới phê bình dành cho phim hoạt hình Pixar 1

Các bộ phim của Pixar thường được ca ngợi bởi các nhà phê bình. Điều này hoàn toàn là do câu chuyện thú bị mà những bộ phim mang lại, các nhân vật có chiều sâu, phong cách hoạt hình và cách chúng phản ánh những chủ đề phức tạp trong xã hội. Các nhà phê bình thường ca ngợi khiếu hài hước và tâm hồn của phim hoạt hình Pixar. >>> Có thể bạn muốn tìm hiểu: Khóa học làm phim hoạt hình 3D Từ khi cho ra đời Toy Story năm 1995 – bộ phim đã thắng 27 giải Oscar, 7 giải Quả Cầu Vàng, 11 giải Grammy và vô số giải thưởng giá trị khác. Phim Up và Toy Story 3 nhận được đề cử giải Oscar cho Phim hay nhất, khiến đây trở thành bộ phim thứ 2 và thứ 3 được đề cử giải tương tự, sau Người đẹp và quái vật (1991) “Đương nhiên chúng tôi lo ngại các nhà phê bình sẽ nói gì. Bữa công chiếu đầu tiên sẽ ra sao và bữa công chiếu cuối cùng sẽ như thế nào. Nhưng thật ra, điều mà chúng tôi quan tâm nhất khi chấp nhận thực hiện những bộ phim này chính là khán giả. Niềm vui sướng nhất của một nhà làm phim hoạt hình như tôi đó chính là  khi tôi lẻn vào đám đông xem bộ phim của mình và quan sát phản ứng của mọi người xung quanh. Vì khi xem phim, tất cả phản ứng của khán giả đều nói lên cảm xúc thật sự của họ về bộ phim. Và khi nhìn thấy niềm vui trên gương mặt họ, thấy họ cảm nhận được bộ phim của chúng tôi… với tôi đó là phần thưởng vô giá mà tôi có được” – John Lasseter Các đánh giá của giới phê bình Metacritic và Rotten Tomatoes là những trang web thống kê các nhận xét của giới phê bình phim từ rất nhiều nguồn khác nhau, những trang này cung cấp khá nhiều thông số thống kê về các đánh giá của các nhà phê bình cho các bộ phim của Pixar nói riêng và ngành công nghiệp điện ảnh nói chung. Dưới đây là những đánh giá của họ về phim của Pixar trong những năm qua. Thống kê doanh thu ngày công chiếu cho mỗi phim: Các giải thưởng và đề cử cho mỗi phim: Toy Story (1995) – MUSIC (Original Musical or Comedy Score) – Randy Newman (Nominated) – MUSIC (Original Song) – “You’ve Got a Friend in Me”, Music and Lyric by Randy Newman (Nominated) – WRITING (Screenplay Written Directly for the Screen) – Screenplay by Joss Whedon, Andrew Stanton, Joel Cohen, Alec Sokolow; Story by John Lasseter, Peter Docter, Andrew Stanton, Joe Ranft (Nominated) – SPECIAL ACHIEVEMENT AWARD – To John Lasseter, for his inspired leadership of the Toy Story team, resulting in the first feature-length computer-animated film. A Bug’s Life (1998) – MUSIC (Original Musical or Comedy Score) – Randy Newman (Nominated) Toy Story 2 (1999) – MUSIC (Original Song) – “When She Loved Me”, Music and Lyric by Randy Newman (Nominated) Monsters, Inc. (2001) – ANIMATED FEATURE FILM – Pete Docter, John Lasseter (Nominated) – MUSIC (Original Score) – Randy Newman (Nominated) – MUSIC (Original Song) – “If I Didn’t Have You”, Music and Lyric by Randy Newman (Won) – SOUND EDITING – Gary Rydstrom, Michael Silvers (Nominated) Finding Nemo (2003) – ANIMATED FEATURE FILM – Andrew Stanton (Won) – MUSIC (Original Score) – Thomas Newman (Nominated) – SOUND EDITING – Gary Rydstrom and Michael Silvers (Nominated) – WRITING (Original Screenplay) – Screenplay by Andrew Stanton, Bob Peterson and David Reynolds; Original Story by Andrew Stanton (Nominated) The Incredibles (2004) – ANIMATED FEATURE FILM – Brad Bird (Won) – SOUND EDITING – Michael Silvers and Randy Thom (Won) – SOUND MIXING – Randy Thom, Gary A. Rizzo and Doc Kane (Nominated) – WRITING (Original Screenplay) – Written by Brad Bird (Nominated) Cars (2006) – ANIMATED FEATURE FILM – John Lasseter (Nominated) – MUSIC (Original Song) – “Our Town”, Music and Lyric by Randy Newman (Nominated) Ratatouille (2007) – ANIMATED FEATURE FILM – Brad Bird (Won) – MUSIC (Original Score) – Michael Giacchino (Nominated) – SOUND EDITING – Randy Thom and Michael Silvers – Nominated – SOUND MIXING – Randy Thom, Michael Semanick and Doc Kane (Nominated) – WRITING (Original Screenplay) – Screenplay by Brad Bird; Story by Jan Pinkava, Jim Capobianco, Brad Bird (Nominated) WALL-E (2008) – ANIMATED FEATURE FILM – Andrew Stanton (Won) – MUSIC (Original Score) – Thomas Newman (Nominated) – MUSIC (Original Song) – “Down to Earth”, Music by Peter Gabriel and Thomas Newman; Lyric by Peter Gabriel (Nominated) – SOUND EDITING – Ben Burtt and Matthew Wood (Nominated) – SOUND MIXING – Tom Myers, Michael Semanick and Ben Burtt (Nominated) – WRITING (Original Screenplay) – Screenplay by Andrew Stanton, Jim Reardon; Original story by Andrew Stanton, Pete Docter (Nominated) Up (2009) – ANIMATED FEATURE FILM – Pete Docter (Won) – MUSIC (Original Score) – Michael Giacchino (Won) – BEST PICTURE – Jonas Rivera, Producer (Nominated) – SOUND EDITING – Michael Silvers and Tom Myers (Nominated) – WRITING (Original Screenplay) – Screenplay by Bob Peterson, Pete Docter; Story by Pete Docter, Bob Peterson, Tom McCarthy (Nominated) Toy Story 3 (2010) – ANIMATED FEATURE FILM – Lee Unkrich (Won) – MUSIC (Original Song) – “We Belong Together”, Music and Lyric by Randy Newman (Won) – BEST PICTURE – Darla K. Anderson, Producer (Nominated) – SOUND EDITING – Tom Myers and Michael Silvers (Nominated) – WRITING (Adapted Screenplay) – Screenplay by Michael Arndt; Story by John Lasseter, Andrew Stanton and Lee Unkrich (Nominated) Brave (2012) – ANIMATED FEATURE FILM – Mark Andrews and Brenda Chapman (Won) INSIDE OUT (2015)  – ANIMATED FEATURE FILM – Pete Docter and Ronnie Carmen (Won) >>> Tiếp theo: [Pixar Tips] Tầm quan trọng của storyboard trong phim hoạt hình Pixar Minh Phương dịch  Nguồn: http://pixar-animation.weebly.com/critical-reception.html

bài học từ phim hoạt hình của Pixar

Một bộ phim hoạt hình gia đình với những hình ảnh đẹp mắt, nhân vật đáng yêu và những khoảnh khắc tình cảm chính là thế mạnh của Pixar. >>> Có thể bạn muốn tìm hiểu thêm: Khóa học làm phim hoạt hình 3D Phim hoạt hình Pixar là một lựa chọn tuyệt vời cho cả khán giả người lớn và trẻ em, đặc biệt là trẻ em. Chúng rất thích những hình ảnh đẹp, sinh động, những pha hành động đa dạng hay những câu thoại dí dỏm – những điều mà mọi người luôn nghĩ đến khi nói đến phim hoạt hình. Tuy nhiên, một bộ phim hoạt hình hoàn hảo chỉ khi nó vừa kết nối được với trẻ em vừa làm hài lòng người lớn. Vì thông thường mỗi một đứa trẻ đi xem phim sẽ luôn có một người lớn đi kèm. Pixar có khả năng tạo ra được những thú vị rất riêng cho một bộ phim hoạt hình. Các tình tiết được gài cắm không chỉ vui nhộn, mà còn góp phần nâng cao nhận thức xã hội và truyền tải những thông điệp đạo đức và lối sống cho trẻ nhỏ. Phim của Pixar không chứa những hình ảnh đáng sợ, mang tính bạo lực, ám chỉ tình dục hay những ngôn từ tục tĩu… Nó không phù hợp cho khán giả nhỏ tuổi và cũng nằm trong nguyên tắc làm việc của Pixar. Các nhân vật của Pixar kể những câu chuyện rất gần gũi về tình bạn, khuyến khích sự dũng cảm, những suy nghĩ rộng nằm ngoài khuôn khổ, ủng hộ lòng tốt và lòng trung thành. Và cũng quan trọng không kém, mỗi câu chuyện của Pixar đều mang về một kết thúc có hậu cho từng nhân vật. Trong khi đó họ phải trải qua những thử thách, thách thức riêng và đặc biệt các nhân vật vẫn mắc sai lầm trong cuộc hành trình của mình – chúng không hề hoàn hảo. Ngoài ra, một số bộ phim về việc vượt lên số phận, chướng ngại vật trong cuộc sống, hành trình kết nối bạn bè và trưởng thành và vô số những bài học đáng quý khác về cuộc sống, bộ phim dành cho tất cả lứa tuổi, tầng lớp khán giả khác nhau. Một bộ phim hoạt hình cũng có thể tác động đến sự phát triển của một đứa trẻ về niềm tin cuộc sống hay về sự khác biệt giữa các văn hóa trong xã hội. Rất nhiều vấn đề khác nhau của cuộc sống mà bọn trẻ có thể học được qua các câu chuyện và nhân vật của phim Pixar. Cho trẻ em có cơ hội nhận thức được tình huống, thấy được các vấn đề và giải quyết vấn đề, biết thế nào là nên hay không nên qua cách các nhân vật hành động, nói chuyện. “Khán giả trẻ em thường có xu hướng đặt mình vào vị trí của những nhân vật  và học theo những gì mà nhân vật làm, được phép làm hay không được làm trong một môi trường tương tự ở thực tế. Do đó, việc lột tả sự giằng xé nội tâm của một đứa trẻ cũng vô cùng quan trọng mang tính định hướng và giáo dục rất cao với tâm lý của khán giả nhỏ tuổi” >>> Tiếp theo: [Pixar Tips] Ý kiến từ giới phê bình dành cho phim hoạt hình Pixar  Minh Phương dịch  Nguồn: http://pixar-animation.weebly.com/family–children.html

khán giá cũa phim hoạt hình Pixar

Để làm được một bộ phim đáp ứng được thị hiếu của tất cả các khán giả ở nhiều độ tuổi khác nhau không phải là một chuyện dễ dàng đạt đươc. Tuy nhiên, Pixar đã chứng minh được điều này ngay từ khi mới hoạt động. Phim hoạt hình của Pixar không những được trẻ em mà ngay cả các bậc phụ huynh cũng đón nhận rất nồng nhiệt. Mỗi người trong các bạn đã từng xem ít nhất một phim hoạt hình của Pixar trong đời và ai cũng có phim yêu thích riêng của mình. Và để giải thích điều này, chúng tôi chỉ tóm gọn trong một câu đơn giản sau: “Vì những bộ phim của Pixar có khả năng đưa ra những thế giới kỳ diệu nhất từ những điều tưởng chừng bình thường nhất trong cuộc sống của chúng ta” >>> Có thể bạn muốn tìm hiểu: Khóa học làm phim hoạt hình 3D  Nói một cách chính xác thì không chỉ những hình ảnh của Pixar phù hợp cho mọi lứa tuổi, mà họ đang cố gắng tạo nên những sản phẩm giải trí có thể phù hợp với tất cả lứa tuổi. Khi nói về phim của Pixar, một trong những câu nói bạn sẽ nghe nhiều nhất đó chính là: những bộ phim hoạt hình cho thiếu nhi nhưng ngay cả người lớn xem cũng mê mẫn. Không như những phim hoạt hình truyền thống khác, phim của Pixar bao hàm những câu chuyện, những khiếu hài hước dí dỏm dành cho cả trẻ nhỏ và khán giả ở những lứa tuổi khác. Công việc khó nhất đối với Pixar là làm cách nào họ có thể đưa ra một câu chuyện và hình ảnh tương tác với khán giả nhỏ tuổi nhưng đồng thời cũng phải chạm vào đươc “đứa trẻ trong tâm hồn” của người trưởng thành. “Phim hoạt hình là thể loại phim dành cho mọi loại lứa tuổi. Nhiệm vụ và cũng là thách thức của chúng ta chính là tạo ra một câu chuyện vừa kết nối với trẻ em và cả phụ huynh của chúng” – John Lasseter Khi con người trưởng thành, họ bắt đầu hiểu được các hình ảnh ẩn dụ hay lời thoại ngụ ý trong phim, có khả năng nhìn thấy bản thân mình qua nhân vật trong phim – cho dù đó có là một con quái vật lông xù màu xanh, mộ chú cá hề hay là món đồ chơi vũ trụ Buzz-lightyear. Trong phim của Pixar,  người lớn có thể thấy được những chủ đề mang tính xã hội hay thời sự, đương nhiên bộ phận khán giả nhí không hiểu được những thông điệp ấy nhưng nó cũng không ngăn cản được Pixar lồng ghép chúng vào phim của mình. Cụ thể, khi rời khỏi rạp khi xem xong phim Up hay Wall-E , các đứa trẻ cười tươi vui vẻ vì bộ phim vui tươi, màu sắc đẹp và nhân vật dí dỏm. Trong khi bố mẹ chúng rút ra được những suy nghĩ, tư duy riêng của mình về gia đình và xã hội… Minh Phương dịch  Nguồn: http://pixar-animation.weebly.com/older-audience.html

phim hoạt hình Pixar ước mơ Ratatouille

Trong phim của Pixar, ta có thể thấy được sức mạnh thật sự của những ước mơ mang lại. Các “ước mơ” của các nhân vật thường được các nhà làm phim khai thác triệt để, và được sử dụng như một chất xúc tác cho sự tiến triển của câu chuyện >>> Có thể bạn muốn tìm hiểu: Khóa học làm phim hoạt hình 3D  Pixar dạy chúng ta một thông điệp quan trọng, tin vào những giấc mơ của bạn có thể giúp bạn đạt được chúng. Tuy nhiên, Pixar không chỉ dạy chúng ta về tầm quan trọng của việc có nguyện vọng, khát khao và phấn đấu cho ước mơ đó, mà đôi khi còn dạy ta rằng trong cuộc sống, đôi khi mong ước sẽ không thành hiện thực. Nhưng luôn luôn có một con đường khác có thế dẫn bạn đến số mệnh thực sự của mình. Ước mơ trong phim Học Viện Quái Vật Monster Inc 2 của Pixar đưa ra một cái nhìn về xã hội thực tế bằng một cách rất lạ lẫm nhưng vô cùng hiệu quả. Nhiều bộ phim đã nhấn mạnh rằng ta có thể thực hiện mọi thứ nếu chúng ta theo đuổi ước mơ của chúng ta, nhưng Monster Inc 2 đã đi theo một hướng khác, rằng việc đạt được mong muốn bản thân không nằm ở thành bại – mà là ở ý chí không tuyệt vọng, cố gắng tiếp tục phấn đấu không chùn bước mới là nhân tố quyết định. Giám đốc Dan Scanlon thực hiện những ý tưởng bằng cách khéo léo đan xen những chi tiết đó với tình bạn vừa mới chớm nở của Sulley và Mike. Mỗi con người chúng ta đều sẽ đi đến một điểm nào đó và nhận ra giới hạn trong khả năng của mình. Chúng ta đều có những ước mơ như trẻ em, mặc cho thực tế rất khắc nghiệt, đến nỗi rất nhiều người trong chúng ta bỏ cuộc và từ bỏ ước mơ của bản thân mình. Chúng ta thường mơ ước đến với những công việc hoành tráng nhất, nhưng kết cục lại đưa ta đến những công việc nhàm chán. Điều này thật sự không được chào đón nồng nhiệt khi đưa các chi tiết có phần thực tế hóa như vậy vào những bộ phim gia đình. Hầu hết các phim gia đình thường không mang đến những lời nhắc nhở chân thực mà họ chỉ muốn giữ cho những giấc mơ vẫn phải nằm trong khuôn khổ những giấc mơ mà thôi. Một trong những cảnh phim tiêu biểu nhất trong Monster Inc 2 là khi Mike bị các bạn học và thầy cô, trong đó có cả Sulley, bảo rằng Mike không có những tố chất thiết yếu để trở thành một nhân viên hù dọa.  Cuối phim, Mike và Surlley được vào làm việc tại công ty quái vật, nhưng không phải như cách mà họ từng suy nghĩ. Để được thành công như 2 nhân vật trong Công ty quái vật sản xuất năm 2001, hai nhân vật phải bắt đầu làm việc ở phòng chuyển phát thư từ. Ở bộ đôi này đều có những tài năng tiềm ẩn, Mike là 1 cậu mọt sách chính hiệu, Surlley thì có thiên phú từ phía gia đình và có ngoại hình dể sợ. Cả hai cùng nhau trở thành bộ đôi bá đạo, vượt qua gian nan, phấn đấu để khỏa lấp đi những khuyết điểm của mình. Những khám phá mới về ước mơ trong Ratatouille Một khía cạnh khác về những ước mơ có thể được thấy trong phim Chú chuột đầu bếp (Ratatouille). Ở bộ phim này, Pixar muốn truyền tải tới mọi người rằng hãy vững tin vào bản thân và giấc mơ của mình và bạn có thể làm bất cứ thứ gì. Bộ phim nói về Remy, là một chú chuột nhân cách hóa có năng khiếu thiên bẩm, khứu giác và vị giác phát triển cực nhạy. Được truyền cảm hứng bởi thần tượng, bếp trưởng vừa qua đời Auguste Gusteau, Remy mơ trở thành một đầu bếp. Khi bầy đàn của chú bị buộc phải rời khỏi chỗ trú ẩn, Remy bị tách khỏi bầy và cuối cùng lưu lạc đến đường cống của thành phố Paris. Trong bộ phim này, chú muốn trở thành một đầu bếp, điều dường như là không tưởng với một chú chuột, nhưng với những điều kỳ diệu mà một bộ phim hoạt hình mang tới, giấc mơ của chú đã trở thành hiện thực. Bộ phim nói lên một thông điệp quan trọng: giấc mơ của bạn có khả năng sẽ trở thành hiện thực. Trong phim , Remy bị giằng xé giữa lựa chọn theo đuổi ước mơ hay quay về để làm một con chuột bình thường. Qua thời gian, Remy học được thế nào là tình bạn, gia đình, để rồi cuối cùng chú cũng đã quyết định đi theo con đường mình theo đuổi, trở thành một đầu bếp. Ratatouille chạm vào các giá trị mang tính nhân văn như sự phấn đấu, tình bạn và vượt qua những khó khăn, nhưng quan trọng nhất là nó khám phá sự hiện thực hóa giấc mơ. Bất cứ điều gì đều là có thể khi bạn có niềm tin vào những giấc mơ của bạn, và theo đuổi họ không có vấn đề trở ngại và khó khăn. Không phải ai cũng có thể trở thành một nghệ sĩ vĩ đại, nhưng một nghệ sĩ lớn có thể đến từ bất cứ nơi nào. Ratatouille là một bộ phim dành cho mọi lứa tuổi, mọi tầng lớp xã hội và mọi người với mong muốn làm theo một giấc mơ. Là một bộ phim nói về sự hào nhoáng đến từ sự bình dị, sự bình dị tạo nên sự lộng lẫy, và điều đó đã dẫn đến sự thành

tình bạn trong phim hoạt hình Wall-E Pixar

Các bộ phim luôn xoay quanh những chủ đề về những cuộc phiêu lưu, về khám phá bản thân, những điều kỳ thú, hay hoàn cảnh của từng con người. Nhưng trong cuộc sống, những mối quan hệ của chúng ta mới chính là huyết mạch nuôi sống tâm hồn mình. >>> Có thể bạn muốn tìm hiểu thêm: Khóa học làm phim hoạt hình 3D  Trong tất cả những vũ trụ độc đáo do Pixar tạo ra, dù dưới hình thức này hay hình thức khác, tình bạn luôn đóng vai trò chủ chốt trong mọi câu chuyện của Pixar. Pixar thường nhấn mạnh tầm quan trọng của tình bạn trong từng câu chuyện của mình vì đối với tất cả chúng ta thì những kỷ niệm mà ta cùng chia sẻ với bạn bè mình chính là những thứ quý giá nhất trên đời này. “Các mối quan hệ quan trọng hơn bất kỳ thứ tài sản hay thành tựu nào bạn đạt được, và một ‘cuộc sống thực sự’ thiên về một chặng đường hơn là vì một cái đích đến” Câu nói trên chính là “khẩu ngữ” dẫn đường cho đội ngũ chúng tôi tiếp tục lèo lái con thuyền Pixar cho đến tận hôm nay. Thay vì đi đường tắt nhanh hơn, các nhân viên của Pixar bỏ ra nhiều thời gian để tìm hiểu, gắn kết với nhân vật và khán giả của mình. Và đương nhiên, ai cũng muốn đến Thác Thiên Đường (Paradise Fall – phim UP) hay đến với cuộc đua tranh cúp Piston trong phim CARS. Tuy nhiên. Cách mà chúng ta đến nơi đó và những người bạn ta gặp trên đoạn đường đó mới thật sự quan trọng. Phân cảnh dưới đây từ phim Cars của Pixar, cho thấy nhân vật chính Lighting McQueen quyết định anh sẽ từ bỏ ước mơ khao khát của mình là thắng được chiếc cúp Piston trong vòng đua chung kết để cứu lấy một người bạn. Ngoài ra, Lighting Mcqueen còn học được giá trị đích thực của tình bạn với nhân vật xe tải kéo khờ tên Mater.  Pixar cho thấy rằng tình bạn có thể tìm thấy ở nơi mà bạn ít ngờ tới nhất, và những tình bạn như vậy sẽ bền vững và chân thành mặc cho những khác biệt giữa bạn và họ. Thông điệp to lớn nhất mà Pixar muốn chia sẻ với khán giả rằng: Một khi bạn không có ai để chia sẻ hay đồng hành thì cuộc sống sẽ trở nên vô cùng vô vị và đơn điệu. Pixar hiểu rằng chính các mối quan hệ mà bạn có được, những người bạn mà bạn có được khẳng định rằng “bạn là ai”. Nếu có một thông điệp nào được mang đến rõ ràng nhất qua những phim của Pixar, đó chính là: Mỗi chúng ta sinh ra không phải để sống độc tôn một mình ta mà là để sống nương tựa vào nhau. >>> Tiếp theo:[Pixar Tips] Sức mạnh của ước mơ trong phim hoạt hình Pixar  Minh Phương dịch  Nguồn: http://pixar-animation.weebly.com/friendship.html

Phim hoạt hình Pixar tình yêu Up

Tình yêu là chủ đề được khai thác rất nhiều qua các thập kỷ của các nhà thơ, nhà soạn nhạc và nhà làm phim. Pixar không phải là ngoại lệ, với rất nhiều bộ phim đề cập tới chủ đề tình yêu. >>> Có thể bạn muốn tìm hiểu: Khóa học làm phim hoạt hình 3D Pixar luôn cố gắng chứng minh trong phim của mình tầm quan trọng của tình yêu, nó chính là chìa khóa để có được một cuộc sống trọn vẹn và hạnh phúc. Pixar sử dụng tới rất nhiều hình thức “tình yêu” khác nhau trong phim của mình, bao gồm: Tình yêu lãng mạn, tình yêu giữa bạn bè và tình cảm gia đình. “We make the kind of movie we like to watch. I love love to laugh. I love to amazed by how beautiful it is. But I also love to be moved to tears. There’s lots of heart in our films.” Tạm dịch: Chúng tôi muốn tạo ra những bộ phim mang lại nhiều cảm xúc cho khán giả: khán giả cười khi xem, khóc khi xem, ấn tượng, kinh ngạc bởi vẻ đẹp mang bộ phim mang lại. Rất nhiều tình cảm khác nhau mà một bộ phim có thể mang lại. “Học được cách tìm kiếm và giữ gìn tình yêu của bạn (dù là tình yêu lãng mạn hay tình cảm gia đình), là một trong những nhiệm vụ quan trọng mà chúng ta phải cố gắng hoàn thành trong cuộc sống này” – đây là thông điệp to lớn nhất mà Pixar muốn gửi đến khán giả. Hầu hết các phim của Pixar, các cuộc phiêu lưu luôn bao gồm hai hay nhiều nhân vật khác nhau. Đây cũng là ngụ ý của các nhà làm phim khi bất kỳ chuyến đi nào cũng nên chia sẻ với một người bạn đồng hành. Có một người đồng hành, đồng nghĩa với việc bạn có một cuộc sống thú vị và hạnh phúc hơn. Pixar cũng đưa đến khán giả những thông điệp hết sức nhân văn về tình cảm gia đình. Cũng như mọi người, các nhà làm phim của Pixar cũng có gia đình của chính mình và khá nhiều tình tiết trong phim chính là những trải nghiệm về gia đình của chính họ. Đa phần nội dung phim thường đề cập những mặt tác động tiêu cực từ phía gia đình với nhân vật chính, nhưng đồng thời cũng nhấn mạnh tầm quan trọng của gia đình đối với họ: nơi họ được yêu thương, được che chở bảo vệ, từng thành viên trong gia đình đều đón nhận được tình cảm và quan tâm săn sóc lẫn nhau. Mục tiêu của Pixar không chỉ muốn tạo ra những bộ phim hay về mặt nội dung hay kỹ xảo, mà còn muốn khán giả xem xong phim sẽ mãi nhớ về nó, và con cháu họ sau này khi xem phim cũng sẽ yêu các nhân vật và câu chuyện của họ. Và điều quan trọng cuối cùng mà các nhà làm phim muốn truyền tải, đó chính là tình yêu chính là chìa khóa cho mỗi người chúng ta tìm thấy hạnh phúc thật sự trong cuộc sống này. Minh Phương dịch Nguồn: http://pixar-animation.weebly.com/love.html

bản sắc cá nhân phim hoạt hình Wall E Pixar

Phim hoạt hình của Pixar luôn mang đến những hình ảnh đẹp mắt và những đổi mới về công nghệ. Những điều trên đã trở thành tiêu chuẩn của hãng phim trong suốt những năm qua. Vậy điều gì làm nên sự khác biệt này của Pixar? Các bạn đang học vẽ và mong muốn trở thành nhà làm phim hoạt hình có thể rút ra được khá nhiều bài học bổ ích từ bí quyết làm nên thành công của Pixar.  >>> Có thể bạn muốn tìm hiểu: Khóa học làm phim hoạt hình 3D Danh phận chính là chìa khóa của mọi câu chuyện của Pixar. Nếu để ý, bạn có thể nhận thấy ở mỗi câu chuyện của Pixar, các nhân vật chính thường bị giằng co giữa lý tưởng cá nhân và yêu cầu của cộng đồng họ đang sinh sống. Họ sẽ phải chiến đâu bảo vệ giấc mơ, hoài bão hoặc lý tưởng của chính mình. Trong Toy Story 2  Trong phim, cuộc hành trình của Woody chính là thông điệp rõ ràng nhất của bộ phim về bản sắc cá nhân. Anh chàng đồ chơi có cuộc gặp gỡ với các nhân vật khác trong bộ sản phẩm đồ chơi gốc của mình, cô cao bồi Jessie, chú ngựa Bulleyes và Ông thợ mỏ. Gia đình đầu tiên mà đáng lẽ anh thuộc về. Trong phim, chúng ta thấy rất rõ ràng Woody phải lựa chọn giữa sự bất tử và tình yêu của mình. Một là anh sẽ được trưng bày trong viện bảo tàng cùng với gia đình “gốc” của mình, hoặc anh sẽ trở về với Andy, Buzz và các người bạn của anh và sống cuộc đời bình thường như những món đồ chơi khác, bị vứt bỏ khi người chủ của họ lớn lên. Đây là tình huống khó xử cho Woody khi một bên là nguồn gốc của mình còn bên kia là mục đích sống thật sự của anh. “Woody, cậu không phải sản phẩm của một bộ sưu tập, cậu là niềm vui của một đứa trẻ, Cậu là một món đồ chơi” – Buzz Lightyear Trong Finding Nemo Có một nhân vật khác của Pixar cũng mang tính cách nổi loạn chống lại tập thể chung, đó là chú cá nhỏ Nemo. Trong phim, Nemo chống lại lời nói của cha mình, bơi ra chiếc thuyền và chạm vào đáy thuyền. Điều này mang lại hậu quả khá nghiêm trọng trong phim.  Thực ra những tình huống thế này chưa bao giờ thật sự là một lựa chọn. Bạn không thể chỉ chọn làm theo cộng đồng mà quên hẳn đi bản sắc của mình và ngược lại. Do đó, trong phim của Pixar, các nhân vật luôn luôn chọn sống cùng cả hai hoặc đưa ra một thỏa hiệp khác nhằm dung hòa cả hai yếu tố trên. Đây cũng là thông điệp mà Pixar luôn hướng đến, bạn có thể là chính bạn nhưng đừng bao giờ quên mất mình là ai. Lời thoại sau đây của Remy – chú chuột đầu bếp. Trong phim chú chuột phải vất vả để tìm được bản sắc riêng của mình. Remy trò chuyện với đầu bếp Gusteau, nhân vật tưởng tượng của mình để tìm ra con đường đi đúng đắn cho cái tôi ham muốn trở thành đầu bếp của chú. Gusteau: Thôi xong rồi, chúng ta phải bỏ cuộc thôi Remy: Sao ông lại nói thế trong lúc này? Gusteau: Chúng ta bị nhốt trong lồng, bên trong một cái thùng xe và chờ trở thành những món ăn đông lạnh. Remy: Không, tôi mới là người bị nhốt trong lồng. còn ông.. ông tự do Gusteau: Tôi chỉ trông đang tự do vi cậu nghĩ rằng tôi tự do thôi. Tôi cũng chỉ như cậu Remy: Ôi xin ông đấy, tôi chán phải giả vờ lắm rồi. Tôi giả vờ là một con chuột với cha tôi. Tôi giả vờ là một con người với Linguini. Tôi giả vờ như ông tồn tại để tôi có người để trò chuyện. Ông chỉ nói những chuyện mà tôi đã biết rồi. Tôi biết tôi là ai. Sao ông phải nói cho tôi biết điều này? Sao tôi cứ phải giả vờ trong mọi chuyện? Gusteau: Nhưng cậu chưa bao giờ như vậy, Remy? Cậu chưa bao giờ giả vờ với ai cả. Những mâu thuẫn, xung đột thế này thường nhìn thấy ở đa số khán giả của Pixar… Đó là lý do những bộ phim của Pixar trở nên rất đặc biệt, chúng tôi mang lại những bộ phim và thông điệp hình ảnh có mối tương quan với rất nhiều người thuôc nhiều tầng lớp và lứa tuổi khác nhau. Hãy xem và cảm nhận từng câu chuyện, bạn sẽ tìm ra sự liên kết của bản thân mình với nhân vật và cách họ đấu tranh với những quyết định của mình như thế nào. Minh Phương dịch Nguồn: http://pixar-animation.weebly.com/identity.html >>> Tiếp theo: [Pixar Tips] Cách khai thác chủ đề tình yêu của Pixar

bạn đã ngồi vẽ đúng cách chưa 11

Chọn một bảng vẽ điện tử để bắt đầu học vẽ cũng có thể so sánh như việc chọn nhạc cụ cho nhạc sĩ. Việc chọn một bảng vẽ phù hợp về cử động học, phù hợp với kích cỡ bàn, tạo sự thoải mái là vấn đề sức khỏe hàng đầu. Một bàn phím và một con chuột rồi thêm một bảng vẽ Đặt 3 thứ lên bàn: Bảng vẽ, bàn phím và chuột thật ra gây hại cho cơ thể bạn, đặc biệt với các họa sĩ vẽ truyện tranh, hoạt hình, thiết kế chuyên nghiệp phải ngồi liền tù tì từ 4 – 8 tiếng trên bàn vẽ. Hướng dẫn dưới đây sẽ giúp bạn tìm được dáng ngồi phù hợp, bảo vệ lưng và tay trong thời gian làm việc dài. Cùng xem những tư thế ngồi vẽ dưới đây có mặt lợi và hại như thế nào đối với sức khỏe của chúng ta nhé. Nếu bạn có một bảng vẽ lớn: (Từ cỡ A4 trở lên) Khi có điều kiện, đa phần chúng ta đều chọn bảng vẽ lớn để thoải mái vẽ, vẽ được chính xác hơn. Tuy thế, một bảng vẽ lớn cũng chiếm nhiều diện tích, tạo sự bất tiện khi bạn phải đặt thêm bàn phím và chuột. Như hình dưới đây. Cánh tay vẽ của bạn sẽ gào thét khi phải với vẽ như thế này Ở hình dưới, do bảng vẽ lớn sẽ khiến tay phải với xa hơn cần thiết, vị trí con chuột cũng không thuận tiện, bạn chỉ có thể xài một trong hai cùng lúc. Tư thế này tạo sự tiện dụng cho tay trái trên bàn phím, nhưng hại tay phải dài lâu. Giải pháp: Hãy ưu tiên cho tay vẽ của bạn vị trí thoải mái nhất có thể Một giải pháp đơn giản là xếp bàn phím chéo sang bay trái, bãng vẽ ở giữa, chuột bên tay phải như hình trên. Trong lúc vẽ, bạn sẽ có sự thoải mái hoàn toàn. Lúc này, tay trái của bạn sẽ bao quát được khu vực phím Alt, Ctrl, Shift và Enter để dùng các câu lệnh tắt. Tuy nhiên, tư thế này kệch cỡm khi bạn chuyển qua đánh bàn phím, quay chéo người sẽ tổn hại đến xương sống. Với những bạn họa sĩ, thiết kế mà cần đánh nhiều chữ, thêm text thì tư thế này là tối kỵ Giải pháp: Dùng ghế xoay hoặc bàn lõm Với một không gian để xoay chuyển, bạn sẽ không phải với hoặc ngồi gượng gạo Một cách dùng thông minh khác là kê bàn phím trên bảng vẽ trong những lúc bạn cần thêm một đoạn text dài dòng, tuy thế, hãy đảm bảo là bàn phím của bạn có đế mềm để không làm hư hại, trầy xước mặt bảng vẽ nhé. Cẩn thận, coi trừng trầy mặt bảng vẽ nhé Vấn đề khác: Dùng với laptop Việc dùng bảng vẽ khổ lớn, đặc biệt với laptop là vô cùng giới hạn, trước sau gì cũng sẽ gây hại cho tay vẽ của bạn. Bảng vẽ nào lớn hơn bề mặt bàn phím của laptop đều có thể gây ra sự phiền toái này. Nếu bạn có một bảng vẽ nhỏ: (Từ cỡ A5 – A4) Bảng vẽ nhỏ gặp ít vấn đề hơn trong việc bày binh bố trận, tuy thế bảng vẽ nhỏ cũng có những vấn đề riêng. Bảng vẽ nhỏ có kích thước từ A4 đến A5. Nhỏ, vẽ sẽ khó chính xác hơn đặc biệt là với màn hình lớn. Một bảng vẽ cỡ A5 sẽ thoải mái sử dụng (sau một thời gian làm quen) cho màn hình độ phẩn giải từ 1280×1024 trở xuống. Các độ phân giải màn hình trên 1680×1050 và 1920x 1050 trở lên sẽ gây cảm giác vẽ khó khăn. Cách ngồi hợp lý: Tay vẽ của bạn được nghỉ ngơi nhiều trong khi tay bàn phím thì linh hoạt di chuyển Như hình trên, bạn có thể thấy thấy nhân vật đang ngồi chéo. Mục đích là để tay vẽ (tay phải) được tựa lên bàn, tạo sự thoải mái và chống mỏi cổ, bàn tay. Trong khi đó tay trái hoạt động ngón tay thì cần điểm tựa là cổ tay để ấn phím thoải mái. Lưu ý: nếu bạn tựa tay vẽ lên bàn, nên tựa cứng xương cùi trỏ hoặc cả cánh tay lên mặt bàn. Tuyệt đối không tựa vào phần thịt trên cùi trỏ, nơi có các dây thần kinh tay quan trọng. Tư thế thoải mái nhất là có bàn lõm giúp bạn dễ dàng đặt cả hai tay thoải mái Tuy thế, vấn đề với ngồi trên laptop cũng không thể giải quyết triệt để. Laptop vẫn là vấn đề nan giải Cách chữa cháy là: Đặt một phần bảng vẽ lên trên mặt laptop, bạn có thể đặt chếch sang bên phải như hình trên. Kết luận Không có cách ngồi hoàn hảo, ít nhiều gì cũng có sự bất tiện. Tuy thế, hy vọng bài viết này giúp các bạn lưu ý được những tổn hại do cách ngồi sai của bạn. >>> Có thể bạn muốn tìm hiểu: Khóa học làm phim hoạt hình 3D Theo Bookbuy.vn Nguồn: http://www.davidrevoy.com/article30/ergonomic-of-graphics-tablets

hãng phim hoạt hình Disney và bài học marketing

Benjamin Franklin từng có câu nói nổi tiếng: “Kể tôi nghe và tôi sẽ quên. Dạy tôi và tôi sẽ nhớ. Để tôi cùng tham gia và tôi sẽ học hỏi”. Hẳn là những lời này có thể được ứng dụng trong nhiều mặt của cuộc sống và trong kinh doanh. Với những người làm marketing, có thể nói những bộ phim hoạt hình của Disney là những tác phẩm mà chúng ta có thể “tham gia” và học hỏi rất nhiều. >>> Có thể bạn muốn tìm hiểu: Khóa học làm phim hoạt hình 3D Mọi người thích được vui và nuôi hy vọng Phim hoạt hình Disney là những câu chuyện tuyệt vời. Con người luôn ao ước những câu chuyện. Disney cũng xuất sắc trong việc tiếp thị những câu chuyện này. Khách hàng thường thích những quảng cáo có thể làm họ vui và họ sẽ đáp lại chúng. Những người khổng lồ về quảng cáo luôn biết rõ điều này và có những quảng cáo là câu chuyện đáng nhớ nhờ vào tính giải trí của chúng. Disney là một nhà giải trí. Họ bán những câu chuyện, những siêu anh hùng từ hành động đến bi kịch. Trong khi đó, chiến dịch marketing mà nhiều công ty triển khai lại khá là buồn chán. Có rất ít tính giải trí trong những quảng cáo mà chúng ta xem. Thậm chí còn không có sắc màu của cá tính trong đó. Quảng cáo truyền thống đã chán và các quảng cáo online hiện nay cũng không khá hơn. Và những thương hiệu biết làm người xem quảng cáo vui trở thành ngoại lệ. Những ký ức sống mãi Disney tuyệt vời vì các bộ phim của họ liên hệ đến bạn ở một góc độ cá nhân. Từng bộ phim đọng lại trong bạn với những nhân vật được ghi khắc mãi trong ký ức. Sau bao nhiêu năm Mickey Mouse vẫn còn là một biểu tượng, một minh chứng vĩ đại với những gì mà Disney đã làm với một nhân vật hoạt hình. Sự thật thì ý tưởng sử dụng các mascot thể thao được vay mượn trực tiếp từ Disney – từ sự liên quan ở góc độ cá nhân của các nhân vật Disney với khán giả. Ý tưởng mascot cũng rất hữu hiệu cho các nhà làm tiếp thị nếu được sử dụng tốt. Đồng lòng vì một mục tiêu chung là điều quan trọng Tại các công viên chủ đề của Disney, khách hàng là khách, công việc là “vai diễn”, nhân viên là “diễn viên” và mọi thứ họ làm đều cho thấy một phương pháp. Tại Disney Studios và Pixar, mọi người cùng làm việc cật lực để tạo nên những bộ phim làm say mê, chinh phục và “thôi miên” khán giả. Mọi người nói cùng một ngôn ngữ, mỗi người có một vai trò. Disney vẫn sử dụng phương pháp “top-down” (phân tích hay suy diễn) để mang lại cho đội ngũ sự tự do gần như không giới hạn. Họ cùng nhau mạo hiểm, họ đến với những ý tưởng mà đôi khi đi ngược dòng chảy vốn được chấp nhận. Tiếp thị cần hội nhập vào mọi chức năng – bộ phận khác của doanh nghiệp. Nhưng tại hầu hết doanh nghiệp, tiếp thị chỉ là một chức năng – bộ phận riêng lẻ. Phim Disney vui nhộn Trong niềm vui tồn tại giá trị. Phim Disney đưa bạn đến thế giới khác, cho bạn một “liều thuốc” phi thực giữa thời gian thực. Disney sử dụng từ thể loại hành động, bi kịch, cảm xúc, hoạt hình cho đến hiệu ứng âm thanh, kỹ thuật số và cả các phiên bản 3D để giữ cho người xem nhập cuộc. Đó là những câu chuyện hấp dẫn của các anh hùng và tên đểu giả, của cái tốt chống lại cái xấu và có khi là sự tự vấn sâu sắc. Các trailer, poster, sản phẩm có thương hiệu Disney và các công cụ marketing khác trước và sau khi công chiếu phim đều là các sự kiện mang tính hành động và kịch tính. Họ tung ra những tư liệu “behind-the-scene”, phỏng vấn đoàn làm phim… theo kiểu “chúng tôi đã làm điều đó như thế nào” trên kênh YouTube và các kênh truyền hình giải trí khác. Trong khi đó, nhiều doanh nghiệp làm marketing theo cách họ làm kế toán. Chuẩn mực một cách cứng nhắc. Không trái tim, không linh hồn. Không phải tất cả các ngành hàng đều có thể tự do mang lại “sự vui vẻ”, nhưng luôn có cách để phát triển các kế hoạch marketing tương tác cao – sử dụng cả hoạt động truyền thống và trực tuyến để làm cho marketing nổi bật. Không có gì có thể buộc một doanh nghiệp trông nhàm chán, ngoại trừ sự thiếu tưởng tượng. Disney ưu tiên sự tưởng tượng Thậm chí những ngành hàng khô chán nhất vẫn có thể tìm cách để nội dung marketing và sự xuất hiện trên mạng xã hội trở nên nổi bật hơn. Hãy viết như bạn nói! Hãy đặc biệt! Hãy để sự hài hước lên tiếng! Hãy kể câu chuyện của bạn đầy tính hình tượng! Nếu nói rằng “bản chất thương hiệu này vốn khô khan” thì đó là một lời “thoái thác”. Vì mọi thứ đều là một cơ hội. Mickey Mouse tai to có thể cũng đã nhàm chán. Nhưng cậu ấy không chán chút nào sau ngần ấy năm tháng. Đơn giản là Disney không biết từ “chán”. iPhone của Apple cũng thế. Thậm chí nhiều thập niên sau, chúng ta vẫn yêu Disney vì chúng ta yêu sự tưởng tượng. LONG HỒ (theo Entrepreneur)/DNSGCT – Báo Doanh Nhân Sài Gòn  Nguồn:http://www.doanhnhansaigon.vn/marketing-pr/disney-va-bai-hoc-marketing-vo-gia/1098784/

chức năng của công nghệ trong làm phim hoạt hình Pixar feature

Nếu có một công ty làm phim hoạt hình nào ứng dụng thành công tái hiện cảm xúc  trên khuôn mặt con người vào phim của họ thì đó chính là Pixar. >>> Có thể bạn muốn tìm hiểu: Khóa học làm phim hoạt hình 3D  Như đã đề cập khá nhiều ở những bài trước, công nghệ được ứng dụng khá nhiều trong các phim hoạt hình của Pixar, giúp họ có thể sáng tạo thoải mái với concept work, storyboard, cho việc thiết kế và chỉnh sửa nhân vật và quan trọng nhất là giai đoạn xuất phim (rendering) của mình. Nói một cách đáng tự hào, công nghệ chính là thế mạnh của Pixar. Từ những ngày đầu tiên hoạt động, Pixar đã thấy được tiềm năng mà công nghệ mang lại, góp phần không nhỏ cho các phim của Pixar. Từ các phim ngắn như Luxo Jr cho đến những phim điện ảnh chiếu rạp như Toy Story, các nhà làm phim luôn phải nhờ đến bộ vi xử lý mạnh mẽ của Renderman (phần mềm chuyển hóa từ các hình ảnh hai chiều, các dữ liệu về khối và ánh sáng thành các hình ảnh ba chiều trong không gian), giờ đây Renderman là phần mềm cơ bản nhất cho tất cả các công ty làm phim hoạt hình hiện nay. Quá trình phát triển công nghệ của Pixar  thể hiện rõ nét qua những tác phẩm của hãng. Cụ thể, bộ phim Monster, Inc (2001) đã giới thiệu cho thế giới công nghệ đổ bóng chi tiết tới từng lớp lông, lớp tóc của nhân vật. Hai năm sau, Finding Nemo đi đầu trong kỹ thuật “ánh sáng kỹ thuật số”, được sử dụng để tái hiện ánh sáng trong làn nước dưới đáy biển của phim. Phim The Incredibles và Ratatouille mang đến những nhân vật con người chân thật, sống động và bước tiến trong việc tái hiện đám đông và chất lỏng. Nhưng vào những năm gần đây, quy mô của những đột phá công nghệ của hãng đã dần thay đổi sang một hướng khác. Nếu như trước đây các phim của Pixar giới thiệu cho khán giả những Hiện Tượng Công Nghệ hoàn toàn mới – gần đây nhất là phim Up (2009), hãng đã giới thiệu bước tiến trong việc mô phỏng bóng bay và lông vũ và phim Brave (2012) lại mang đến một thuật toán khó hơn trong việc mô tả rừng rậm và cây cối. Thì trong phần hai Monster University chỉ tái thiết lại các chiếu sáng và bóng đổ trên cơ thể của những nhân vật. Tuy những tiến bộ này không quan trọng bằng những thành tựu trước đây của Pixar nhưng nó cho thấy Pixar vẫn không ngừng đổi mới và cải tiến cách thức họ sử dụng công nghệ và hoàn thiện hình ảnh động của mình. Qua gần hai thập kỷ phát triển, máy tính đã mở ra một hướng đi rộng lớn cho các nhà làm phim. Với rất nhiều các chương trình dựng mô hình và những bộ vi xử lý máy tính mạnh mẽ, giới hạn duy nhất dành cho họ là chính sức tưởng tượng của mình.  Hậu Trường – quá trình thực hiện phim Học Viện Quái Vật Các video sau ghi lại cuộc phỏng vấn với Scott Clark – giám sát hình ảnh của phim Học Viện Quái Vật, cung cấp cái nhìn gần hơn về quá trình thực hiện bộ phim và cách Pixar sử dụng công nghệ của họ. SỰ KHÁC BIỆT GIỮA CÁCH LÀM TRUYỀN THỐNG VÀ CÁCH LÀM PHIM HOẠT HÌNH MÁY TÍNH? Sự khác biệt đầu tiên là: phim hoạt hình truyền thống sử dụng các phương pháp không liên quan đến bất kỳ loại công cụ kỹ thuật  số nào trong khi phim hoạt hình máy tính sử dụng máy tính làm công cụ chủ yếu . Một cách khác, phim hoạt hình truyền thống sử dụng những vật liệu vật lý  như giấy, bút và các kỹ năng vật lý như vẽ tay, tô màu bằng màu nước, màu sáp… trong khi hoạt hình máy tính sử dụng các chất liệu ảo như thông số, mã lệnh thự hiện bên trong không gian kỹ thuật số. Các phim hoạt hình hai chiều thực hiện theo kiểu truyền thống được tạo ra bởi hàng trăm đến hàng ngàn bức vẽ tay, chỉ để chuyển những hình ảnh này lên các bảng nhựa một cách rõ nét và sạch sẽ nhất, sau đó chúng được tô màu (vẫn bằng tay), và chúng được sắp xếp theo thứ tự để quay trên một “khung nền” đã chuẩn bị sẵn. Do đó, kiểu làm truyền thống đòi hỏi một đội ngũ nhân viên khổng lồ bao gồm: họa sĩ thiết kế, họa sĩ làm sạch hình, họa sĩ tô màu, đạo diễn, họa sĩ vẽ nền (background) và đội ngũ quay phim, người viết kịch bản và họa sĩ vẽ storybroad…  đó là chưa kể đến số lượng thiết bị, thời gian thực hiện, các đội ngũ nhân viên liên quan của dự án. Một thể loại khác của làm phim hoạt hình truyền thống đó là Stop-motion. Video dưới đây cho ta thấy quá trình thực hiện phim hoạt hình hai chiều theo phong cách truyền thống, dựa vào các thông tin dưới đây các bạn có thể hình dung được hai thể loại hoạt hình này khác nhau như thế nào. Còn thể loại phim hoạt hình máy tính sử dụng những mô hình ảo được dựng trong không gian kỹ thuật số. Phim hoạt hình ba chiều có xu hướng kết hợp giữa phương pháp vẽ tay truyền thống và việc xử lý hình ảnh bằng các công cụ kỹ thuật điện tử. Cụ thể, sau một thời gian làm việc với các bản vẽ tay, bảng màu, giấy và bút, các hình ảnh sẽ được chuyển thành các thông

phim hoạt hình ba chiều Monster Inc

Pixar và những tác phẩm của hãng chính là minh chứng phù hợp nhất cho sự phát triển và thành công vượt trội của ngành công nghiệp phim hoạt hình kỹ thuật số. Không những thành công về mặt thương mại, các tác phẩm phim hoạt hình của Pixar còn được các nhà phê bình đánh giá rất cao về mặt nghệ thuật và nội dung. >>> Có thể bạn muốn tìm hiểu: Khóa học làm phim hoạt hình 3D Với Pixar, các animator (nhà làm phim hoạt hình bằng máy tính) chính là những nghệ sĩ thực thụ. Không giống như giấy và bút, một khi các nhà làm phim đã chọn kỹ thuật công nghệ làm công cụ của mình, thì không có gì có thể ngăn cản sự sáng tạo của họ nữa. Qua gần hai thập kỷ phát triển, máy tính đã mở ra một hướng đi rộng lớn cho các nhà làm phim. Với rất nhiều các chương trình dựng mô hình và những bộ vi xử lý máy tính mạnh mẽ, giới hạn duy nhất dành cho họ là chính sức tưởng tượng của mình. Phim hoạt hình máy tính chính là những tác phẩm nghệ do chính sự phát triển vượt trội của công nghệ tạo ra Hình trên là các các nhân vật phim Học viện Quái vật, được dựng hình trong không gian ba chiều (quy chiếu hệ tọa độ X,Y,Z), điều này cho phép các nhà làm phim hoạt hình có thể xoay chuyển và quan sát nhân vật dưới mọi góc cạnh khác nhau trong không gian kỹ thuật số – điều mà trước đây ta không thể làm với chỉ bút và giấy. Để cho ra đời những bộ phim hoạt hình chất lượng, các nhà làm phim của Pixar tuân theo một quy trình làm phim hoạt hình rất chi tiết và chặt chẽ. Nhờ đó, các nhân vật, bối cảnh và câu chuyện của bộ phim được tái hiện một cách sống động và cuốn hút, nội dung chặt chẽ từ đầu cho đến phút cuối cùng của phim. Phim hoạt hình ba chiều có xu hướng kết hợp giữa phương pháp vẽ tay truyền thống và việc xử lý hình ảnh bằng các công cụ kỹ thuật điện tử. Để làm được điều này, các animator phải chuyển hóa thông số và dữ liệu của các bản thiết kế nhân vật trên giấy trở thành các thông số sữ liệu, từ đó ta có được khung xương và hình hài nhân vật của phim. Ngoài ra, bằng việc di chuyển các điểm ảnh được lập trình sẵn trên cơ thể nhân vật, các nhà làm phim có thể di chuyển được nhân vật theo ý muốn. Trong khi các camera ảo trong máy tính sẽ chụp lại từng khoảnh khắc của chuyển động của nhân vật. TOY STORY 3 & BRAVE – Computer Generated Animation Hai đoạn video dưới đây cung cấp cái nhìn gần hơn về quá trình thực hiện phim hoạt hình Brave(công chúa tóc xù) và Toy story 3( câu chuyện đồ chơi phần 3), hai tác phẩm gần đây nhất của Pixar và cũng là bước tiến đánh dấu sự cải tiến vượt trội của công nghệ làm phim hoạt hình ba chiều của hãng. Hãy chú ý các nhà làm phim, họ tự thu hình chính mình và tự hóa thân vào  nhân vật họ muốn thể hiện, việc cảm nhận được cảm xúc của nhân vật là bước vô cùng quan trọng cho việc xây dựng tâm lý cho chúng. Từ đó, bạn có thể rút ra bài học cho mình trong việc học vẽ và cách làm phim hoạt hình.  Hai video sau ghi lại cách chúng tôi thực hiện Brave. Từ lúc làm storyboard đến layout – animatine – final simulation – lighting >>> Tiếp theo: [Pixar Tips] Chức năng của công nghệ trong làm phim hoạt hình  Minh Phương dịch Nguồn:http://pixar-animation.weebly.com/three-dimensional-computer-animation.htm

cách làm phim hoạt hình của Pixar 2

Để cho ra đời một bộ phim hoạt hình theo tiêu chuẩn của Pixar khá là phức tạp và tốn nhiều thời gian. Trung bình có thể kéo dài từ 4-5 năm để hoàn thành một bộ phim hoạt hình 3D. Đa phần thời gian đều dành cho công tác quan trọng nhất của việc làm phim: lên ý tưởng. >>> Có thể bạn muốn tìm hiểu: Khóa học làm phim hoạt hình 3D Pixar phát triển các ý tưởng của mình rất chặt chẽ, không quá vội vã. Các ý tưởng của bộ phim này không chỉ được khai thác triệt để cho những nhân vật hay câu chuyện của bộ phim đó mà ngoài ra, chúng còn có giá trị làm nền tảng để phát triển những dự án tiếp theo của Pixar. Ở giai đoạn này, để diễn đạt các ý tưởng của mình một cách hiệu quả và tối ưu nhất cho đội ngũ, các nhà làm phim của Pixar không sử dụng phương pháp tường thuật hay thuyết trình đơn thuần để trình bày ý tưởng của họ. Họ còn sử dụng kỹ năng vẽ, tô màu, hay thậm chí điêu khắc để trình bày ý tưởng của mình. “Ta làm hoạt hình không phải là vì sự kiêu hãnh của bản thân mỗi người. Ta làm hoạt hình là vì sự hạnh diện khi ta là một phần trong tập thể làm nên tác phẩm đó”– Michael Giacchina Quy trình dưới đây có thể mang đến một bài học bổ ích cho những người học vẽ và có ước mơ trở thành một nhà làm phim hoạt hình.  QUY TRÌNH LÀM PHIM HOẠT HÌNH CỦA PIXAR Lên ý tưởng (story idea) Thông thường, khi một trong những nhân viên của Pixar phát biểu ý tưởng của mình cho đội ngũ phát triển của phim. Thử thách lớn nhất luôn là phải là làm cách nào cho mọi người trong căn phòng ấy nhìn thấy được khả năng thành công của ý tưởng này. Text treatment Sau khi chọn được ý tưởng, đội ngũ sẽ xây dựng Text treatment – đây là một văn bản ngắn tóm gọn ý tưởng chung của toàn bộ câu chuyện. Văn bản này giúp các nhà làm phim sàng lọc ra các ý tưởng có thể trùng lặp với nhau. Thông thường các ý tưởng trùng lặp này không bị bỏ đi, mà chúng được phát triển mở rộng ra bởi những nghệ sĩ khác nhau tại Pixar. Việc này giúp cho Pixar có được những câu chuyện mang những nét độc đáo riêng khi họ khai thác trên một ý tưởng chung. Hoàn thành kịch bản (script) Kịch bản được hoàn thành sau khi đã có được ý tưởng và text treatment Storybroad Tiếp theo là Storybroad, đây giống như là phiên bản vẽ tay/phiên bản truyện tranh của bộ phim, có chức năng diễn tả các thước phim, hành động và hội thoại của nhân vật trong phim trên-mặt-giấy. Mỗi họa sĩ vẽ storyboard sẽ nhận được kịch bản và hệ thống các  biểu cảm của từng nhân vật trước khi bắt đầu vẽ cho một phân cảnh nào đó của bộ phim. Sử dụng những chỉ dẫn từ hai dữ liệu này, các họa sĩ sẽ bắt đầu phân công cho từng người trong nhóm, mỗi người sẽ nhận một nhiệm vụ cụ thể và thông báo trực tiếp với người điều hành dự án này – đạo diễn phim. Giọng nói cho nhân vật – Voice talent Đầu tiên, các bản thu âm nháp sẽ được thực hiện trước bởi các họa sĩ của Pixar và lồng ghép với các thước phim quay thử của phim (được gọi là Reel – đây là đoạn video trình chiếu các hình vẽ tay từ storyboard sau khi đã được lựa chọn và sắp xếp theo thứ tự). Sau khi các phân cảnh và các đoạn hội thoại đã tạm ổn định, các diễn viên lồng tiếng chuyên nghiệp bắt đầu thu âm cho nhân vật của mình. Các diễn viên lồng tiếng phải thu âm các câu thoại bằng nhiều cách đọc và diễn đạt khác nhau. Sau khi được sàng lọc, đoạn ghi âm tốt nhất sẽ được giữ lại và đưa vào phim. Trong một vài trường hợp, các bản ghi âm thử của nhân viên Pixar lại là lựa chọn phù hợp nhất cho nhân vật, khi đó các nhà làm phim sẽ sử dụng luôn bản ghi âm này. Reel Reel là các đoạn phim quay thử, trước khi quyết định có nên đưa vào phim chính thức hay không. Các đoạn Reel cho phép các nhà làm phim sàn lọc và xem lại toàn bộ storyboard một lần nữa. Đây là bước rất quan trọng khi làm phim hoạt hình, theo tiêu chuẩn của Pixar, một câu chuyện có thể thành công do có một người kể chuyện giỏi, thì chức năng của Reel cũng giống như vậy. Nó cho phép các nhà làm phim xác định được sự logic giữa các tình tiết, thời gian, không gian và cảm xúc mà các phân cảnh mang lại. Khán giả có thể hiểu được nội dung phim hay không là do khâu kiểm tra này. Và cũng từ đây các nhà làm phim sẽ hiệu chỉnh lại độ dài của từng phân cảnh, chỉnh sửa lại các yếu tố quan trọng, lược bỏ những cảnh không phục vụ cho ý tưởng chung của bộ phim… Xem và cảm nhận (bản màu) Dựa vào các text treatment, storyboard đã hoàn thiện; bộ phận nghệ thuật của Pixar sẽ thảo luận để thiết kế hình dáng phù hợp cho nhân vật, bối cảnh và màu sắc chủ đạo cho bộ phim. Dưới đây là một số bảng màu của phim Finding Nemo, Monter University: Model – Dựng hình cho nhân vật trong không gian 3 chiều. Pixar sử dụng các phần mềm độc quyền để tạo ra những mô

phim hoạt hình Up Pixar

Mục tiêu của Pixar là kết hợp những ý tưởng tài năng cùng với công nghệ độc đáo để tạo nên những bộ phim hoạt hình có cốt truyện ấm áp tình người và nhân vật đáng nhớ cho khán giả. Do đó, khái niệm Storyfirst (Câu chuyện là ưu tiên số một) là khẩu ngữ áp dụng cho toàn bộ phim của Pixar. >>> Có thể bạn muốn tìm hiểu: Khóa học làm phim hoạt hình 3D  “Bạn không thể xây dựng tốt một bộ phim khi chưa thật sự hiểu và cảm nhận được những nhân tố tạo nên nó. Đó là: câu chuyện và nhân vật của họ” Mục đích của Pixar là không những tạo nên những bộ phim đẹp về hình ảnh mà còn phải tạo được những nhân vật gần gũi, những cốt truyện tươi vui sinh động và sâu sắc. “Một bô phim hoạt hình thật sự thành công chỉ khi sau khi xem xong, nó vẫn còn đọng lại điều gì đó trong tâm trí khán giả khi họ bước ra khỏi rạp” Trong ngành công nghiệp phim hoạt hình từ trước đến nay, một bộ phim thật sự thành công chỉ khi ý nghĩa và thông điệp của nó được lưu truyền từ thế hệ này sang thế hệ khác. Cha mẹ của bạn sẽ kể lại cho bạn nghe về nó, hay chính bạn sẽ bật lại bộ phim này cho con cháu của mình xem. Đơn giản là vì nó mang lại một ý nghĩa nào đó trong cuộc sống của chính chúng ta. Công nghệ, không phải là mục đích trong cách kể chuyện của Pixar. Khác với các công ty làm phim hoạt hình khác, những người luôn muốn phô diễn kỹ thuật và công nghệ của mình qua từng thước phim. Mục đích của Pixar luôn hướng đến là tạo nên một câu chuyện trong đó tập trung rất nhiều những cuộc hành trình của những nhân vật khác nhau. Qua đó, khán giả sẽ cảm nhận được chính mình của hiện tại, tương lai hay quá khứ qua cuộc hành trình của từng nhân vật trong phim. Họat hình 3D, đối với Pixar đó là một sự pha trộn kỹ thuật mới vào chính những tác phẩm nghệ thuật, thứ  đã được hình thành từ rất lâu trước khi công nghệ trở nên quan trọng trong thế giới hiện tại. Nó là công cụ làm phong phú thêm cho chính nhân vật và câu chuyện của họ, và chỉ dừng lại ở chức năng làm “công cụ” thôi. CÂU CHUYỆN VÀ NHÂN VẬT LUÔN CÓ TRƯỚC: Ngày nay, ảnh hưởng của những bộ phim hoạt hình là rất đa dạng: chúng có thể mang lại những phút giây giải trí, thư giãn cho người xem; nêu lên một góc nhìn nào đó về một số vấn đề về văn hóa xã hội; phóng đại hoặc đơn giản hóa điều gì đó, hay đơn giản là chỉ ra một vài chi tiết nhỏ trong cuộc sống mà bình thường con người có thể bỏ qua… Điều này tạo nên một môi trường rộng lớn cho tất  các nhà làm phim có thể để khai thác câu chuyện và nhân vật của mình một cách triệt để nhất. Khác với trước đây, các loại hình nghệ thuật giờ đây có thể tự do khai thác những luận điểm về xã hội hay chính trị, miêu tả về thực trạng nhân loại và đưa ra hướng giải quyết một vấn đề khó khăn hay đơn giản là nêu lên những tình cảm khó nói trong cuộc sống mà ít khi ai trong chúng ta sẵn sàng thể hiện trong đời sống. Chính vì làm được điều này, Pixar đã tạo nên vẻ đẹp riêng cho mình. Vẻ đẹp thật sự của phim hoạt hình Pixar chính là cách họ xây dựng câu chuyện mà sẽ làm bạn suy nghĩ và nhớ về nói mãi mãi. Các bạn có thể tìm thấy ở những bộ phim trước đây của hãng luôn dựa trên những khung thời gian hay không gian siêu thực, hay một vài nhân vật được xây dựng dựa trên những chi tiết không có thật. Đó cũng là một trong những yếu tố độc đáo của Pixar, vì nhờ những điều này khán giả vừa trải nghiệm những điều vô cùng mới lạ nhưng lại vô cùng gần gũi khi xem phim. Tại Pixar, khi một bộ phim đã không đạt đủ các tiêu chuẩn của hãng về câu chuyện hoặc nhân vật, bộ phim đó sẽ được mang đi chỉnh sửa. Công đoạn này bao gồm việc cắt bỏ đi những đoạn phim/phân cảnh không phục vụ cho việc xây dựng nhân vật hay câu chuyện chính của nó. Cho dù phân cảnh đó có vô cùng bắt mắt với kỷ xảo và góc quay hoành tráng đi chăng nữa, chỉ cần nó không bổ trợ được cho câu chuyện chính – nó sẽ bị cắt. Ví dụ cụ thể, sau ba năm thực hiện Pixar đã hoàn thành xong phần hai cho bộ phim Toy Story 2. Vấn đề ở chỗ, bộ phim không đáp ứng được đủ các tiêu chuẩn đặt ra cho phim này của hãng. Và với chỉ 8 tháng để phim ra mắt công chúng, Pixar đã quyết định làm một chuyện không tưởng: làm lại hoàn toàn bộ phim – từ đầu đến cuối. Toy Story 2 đã được viết lại và dựng lại hoàn toàn chỉ trong vòng 8 tháng ít ỏi còn lại và trở thành một trong những phim được giới phê bình đánh giá cao nhất và dành nhiều lời khen tặng nhất từ trước đến thời điểm bấy giờ. Đây cũng là minh chứng rõ ràng cho nguyên tắc “story first” của Pixar và sự nghiêm túc trong việc bảo đảm chất lượng cho từng sản phẩm của họ. “Không có một loại công nghệ kỹ

thiết kế nhân vật hoạt hình của Pixar 2

Đối với Pixar, hay với tất cả những công ty lớn nhỏ khác của ngành công nghiệp hoạt hình, công đoạn thiết kế nhân vật vô cùng cần thiết và quan trọng. Vì đối với một bộ phim hoạt hình dành cho thiếu nhi thì “nhân vật”, chính là người cầm lái cho câu chuyện và là điều khán giả quan tâm theo dõi suốt bộ phim. Nhân vật chính là hơi thở, còn câu chuyện chính là linh hồn của bộ phim. >>> Có thể tìm hiểu thêm: Khóa học làm phim hoạt hình 3D  Tại xưởng hoạt hình Pixar, các nhân vật được hình thành từ rất sớm, các họa sĩ thiết kế phải làm việc cùng với đạo diễn khi mà kịch bản vẫn còn đang xây dựng. Các bản thiết kế và phác thảo nhân vật phải trải qua rất nhiều bước thay đổi, chỉnh sửa trước khi thật sự được phép bước vào bộ phim chính.  Cũng nhờ đó, đội ngũ của Pixar luôn tạo ra những nhân vật sống động và chân thật nhất. Điều gì khiến nhân vật của Pixar trở nên đặc biệt? Trong giai đoạn thiết kế, mối liên hệ giữa khán giả và nhân vật chính là mục tiêu được ưu tiên hàng đầu của đội ngũ chúng tôi. Nhân vật cần phải có “tính người” của riêng của chúng. Ngoài ra các tình tiết, diễn biến cần phải tập trung khai thác đặc điểm này để có thể làm nổi bật mối liên hệ với khán giả. Do đó, các họa sĩ của Pixar luôn cố gắng sàng lọc các chi tiết quan trọng làm nổi bật lên tính cách cho từng nhân vật của mình (hầu hết bằng ngoại hình của họ). Chúng tôi luôn phải cân nhắc xem điều gì cần giữ lại, điều gì cần lược bỏ, chi tiết nào cần đưa vào để thể hiện bối cảnh, chiều sâu nội tâm của nhân vật; và đặc biệt hơn là phải làm nổi bật lên cá tính riêng của nhân vật đó. Như lời phát biểu của Neil McFarland (một đạo diễn hình ảnh game ở studio  USTwo) “Khi bạn thiết kế nhân vật cho câu chuyện của mình, hãy nghĩ về ý nghĩa thật sự của hai từ Nhân Vật. Nhiệm vụ của bạn là phải thổi sự sống vào những hình ảnh đó, làm chúng chuyển động theo cách thức mà khán giả của bạn tin rằng họ sẽ thích gặp gỡ; trò chuyện với một người như vậ trong đời sống thật. Hãy cho họ (khán giả của bạn) có cơ hội để ngắm nhìn và tưởng tượng cách nhân vật của bạn sống , suy nghĩ và hoạt động trong chính thế giới của họ”  Các bước căn bản của quy trình thiết kế nhân vật? Các họa sĩ của Pixar sử dụng phương pháp vẽ tay truyền thống để tạo nên hình ảnh đầu tiên cho các bản thiết kế của mình. Thông thường, một họa sĩ phải tạo ra hàng trăm, thậm chí hàng ngàn bức phác thảo trước khi họ hài lòng với tạo hình của chúng. Các nhân vật mà bạn thấy trên phim là kết quả cuối cùng của toàn bộ đội ngũ phát triển của Pixar. Trải qua một quy trình sáng tạo chặt chẽ, các hình ảnh ấy đã được thông qua rất nhiều ý kiến từ nhiều họa sĩ, nhà làm phim, đạo diễn và biên kịch khác nhau, để tạo nên hình hài, tính cách và từng cử chỉ cho nhân vật đó.    Việc thiết kế Wall-E cực kỳ phức tạp, khi cậu chàng là một người máy với các bộ phận cơ khí trên cơ thể nhưng cũng phải đảm bảo tính “Con Người” cho chúng Đầu tiên, quá trình thiết kế cho một nhân vật bắt đầu với bảng mô tả (script pages) được viết bởi đạo diễn phim. Bảng mô tả này cho biết: nhân vật có thể sẽ trông như thế nào, tính cách ra sao… Các họa sĩ phải hoàn thành khoảng một trăm bản phác thảo cho nhân vật này theo cách họ hình dung ra anh/cô ta. Sau đó, vị đạo diễn sẽ xem xét từng bản phác thảo một, lựa chọn ra một số bức phác thảo ưng ý và gần với ý tưởng của ông nhất. Các họa sĩ sẽ dựa vào những bức hình này và một lần nữa thiết kế lại cho nhân vật. Quá trình này sẽ được lặp đi lặp lại cho đến khi nào đạo diễn chọn ra được bản thiết kế hoàn hảo nhất.  Ngoài ra tại Pixar,  thiết kế nhân vật được bắt đầu bằng bước phác thảo bằng bút chì. Một số trường hợp, họa sĩ thường tìm thấy ý tưởng về nhân vật rất rõ ràng đầy đủ, tuy nhiên nhiều khi họ chỉ hình dung được một vài khái niệm mơ hồ về tính cách nhân vật. Các họa sĩ của chúng tôi phải vẽ hàng ngàn bức phác họa và chỉnh sửa bề ngoài của chúng rất nhiều lần. Song song đó, các đại diện từ phía hãng phim sẽ quyết định rằng họ muốn nhân vật thể hiện tính hoạt hình (cartoony), tính biểu tượng (iconic) hay phản ánh tính thực tế (realistic) như thế nào. “Mặc dù có thể nhiều người không nhận ra nhưng mỗi nhân vật của chúng tôi khi xuất hiện đều thể hiện 1 chủ đề riêng của chúng. Chúng tôi chủ động để khán giả có thể nắm bắt được nhân vật ngay khi nhìn thấy chúng.” Sau khi các họa sĩ đã hoàn thành khâu thiết kế ngoại hình cho một nhân vật, đội ngũ làm phim hoạt hình (animators) sẽ bắt  tay vào công việc của họ: mang chúng lên màn ảnh, xây dựng cho nhân vật một cá tính riêng, một hệ thống chuyển động riêng. Có thể các bạn chưa biết, trong mỗi

xưởng phim hoạt hình Zoic Studios

5 cái tên cuối cùng xuất hiện trong top 50 xưởng phim hoạt hình hàng đầu thế giới. Sẽ là những hãng phim nào đây? Cùng xem nào!  >>> Có thể bạn muốn tìm hiểu: Khóa học làm phim hoạt hình 3D  46. Brand New School Trụ sở : New York, Mỹ Nổi tiếng với sự sáng tạo và tính chuyên nghiệp, Brand New School được xem là một trong những xưởng đồ họa tốt nhất trong việc thiết kế quảng cáo và xây dựng môi trường truyền thông mang tính tương tác cao. Không chỉ giúp các thương hiệu nổi tiếng như Starbucks, Target, Pepsi, Cartoon Network, IKEA, Coca-Cola và ngay cả Apple đến gần hơn với khách hàng của mình, họ còn giúp kênh National Geographic phủ sóng chương trình Brain Games làm mê mệt hàng triệu khán giả khắp nước Mỹ, để rồi nhận được đề cử cho giải Emmy một cách hoàn toàn xứng đáng. 47. Lucasfilm Animation Trụ sở : San Francisco, California Được sáng lập bởi đạo diễn huyền thoại George Lucas, tác phẩm đầu tay của xưởng không gì khác chính là loạt phim Star Wars – The Clone Wars (Chiến tranh giữa các vì sao – Cuộc chiến vô tính) khuynh đảo giải Emmy vào năm 2004. Bên cạnh Star War Clone War, loạt phim 3D CGI gần đây nhất của họ : Star Wars Rebels (Chiến tranh giữa các vì sao: Những kẻ nổi loạn) cũng phất lên như diều gặp gió ngay từ buổi ra mắt vào tháng 10/2014 và giành được vô số giải thưởng danh tiếng như giải Annie lần thứ 4 hay giải Critics’ Choice Television Award lần thứ 5 cho Phim hoạt hình Xuất sắc nhất. 48. Zoic Studios Trụ sở : Culver City, California Xưởng Zoic là một công ty kỹ xảo của Mỹ, chuyên thiết kế và xây dựng các hiệu ứng kỹ xảo cho game, phim quảng cáo, phim nhựa, phim truyền hình cùng các mảng truyền thông trực tuyến khác. Thành lập từ năm 2002, họ tham gia rất nhiều dự án phim quan trọng với mức kinh phí chóng mặt và gầy dựng danh tiếng vẻ vang từ đó. Các tác phẩm tiêu biểu của họ có thể kể ra là: Firefly (Tàu đom đóm), Mad Men (Gã điên), District 9 (Khu 9), The Day After Tomorrow (Ngày kinh hoàng), Fast & Furious (Quá nhanh, quá nguy hiểm), Once Upon a Time (Ngày xửa ngày xưa), Van Helsing (Khắc tinh của ma cà rồng) và Falling Skies (Bầu trời sụp đổ). 49. Studio 4°C Trụ sở : Tokyo, Nhật Bản Thành lập năm 1986 với một đội ngũ các họa sĩ mẫn cán đầy tài năng, xưởng phim hoạt hình Nhật Bản này là tác giả của rất nhiều tựa anime chiếu rạp và phim truyền hình dài hơi đủ loại cũng như rinh về cho mình số lượng giải thưởng cũng đáng kể chẳng kém. Trong số đó, thành công đáng tự hào nhất của họ chính là tựa anime siêu thực Tekkon Kinkreet (Bê tông cốt thép) sản xuất năm 2006, từ lúc mới công chiếu đã giật ngay giải Lancia Platinum Grand Prize cho hạng mục Phim hoạt hình xuất sắc nhất tại Liên hoan phim Future Film Festival ở Ý và sau là giải thưởng của Viện Hàn Lâm Nhật Bản vào năm 2008 cho hạng mục Phim hoạt hình hay nhất của năm. 50. Madhouse Trụ sở : Honcho, Nakano, Tokyo Thành lập cách đây đã hơn 4 thập kỷ, mãi từ năm 1972, Madhouse có thể coi là xưởng anime thuộc hàng kỳ cựu của Nhật, cao tay ấn trong cả mảng truyền hình lẫn phim nhựa chiếu rạp.  Tính đến thời điểm hiện tại, họ đã hoàn thành hơn 100 dự án lớn nhỏ cũng như là đối tác chiến lược của nhiều hãng phim và game nổi tiếng như Square Enix (OVA cho phim Last Order: Final Fantasy), Capcom (Devil May Cry: The Animated Series), Studio Ghibli, Disney, Marvel Entertainment và nhiều hãng truyền thông khác.  Cao Thụy Vy dịch Nguồn: http://www.gamedesigning.org/animation-companies/

xưởng phim hoạt hình Rhythm Hues Studios

Tiếp theo trong top 50 xưởng phim hoạt hình hàng đầu thế giới sẽ là những cái tên nào? Cùng xem các thứ hạng từ 41-45 nhé! >>> Có thể bạn muốn tìm hiểu: Khóa học làm phim hoạt hình 3D 41. Rise FX Trụ sở : Berlin, Đức Khởi đầu với vỏn vẹn 4 họa sĩ trong một căn phòng bé tí, Rise FX đã tự lực trỗi dậy và nay đã trở thành một hãng phim ưu tú với hơn 100 họa sĩ tài năng. Tuy phần lớn chỉ cung cấp dịch vụ cho các hãng phía Châu Âu, họ thỉnh thoảng cũng góp công không nhỏ trong một số dự án phim Mỹ, nổi bật là Iron Man 3 (Người Sắt phần 3), Guardians of the Galaxy (Vệ binh Ngân Hà) và Captain America: The Winter Soldier (Đội trưởng Mỹ: Chiến binh mùa đông). 42. DisneyToon Studios Trụ sở : Glendale, California Thành lập từ năm 1988, xưởng DisneyToon chủ yếu phụ trách phát triển các phim ra đĩa trực tiếp của Disney mặc dù bản thân cũng góp phần không nhỏ trong việc sản xuất phim chiếu rạp và truyền hình các loại. Tính đến nay, số lượng phim họ thực hiện đã vượt qua con số 47, tất thảy đều là các phần ăn theo của những tựa phim Disney bất hủ như Aladdin (Aladdin và Cây đèn thần), Goofy (Chàng ngố Goofy), Winnie the Pooh (Gấu Pooh), Mickey Mouse (Chú chuột Mickey), Tarzan (Cậu bé rừng xanh), 101 Dalmatians (101 con chó đốm), The Lion King (Vua sư tử), The Little Mermaid (Nàng tiên cá) v.v… 43. Rough Draft Studios Trụ sở: Glendale, California Xưởng hoạt hình của Mỹ này có một khởi đầu khá kỳ cục khi được thành lập vào năm 1991 ngay trong garage của hai anh em Gregg và Nikki nhà Vanzo – hai họa sĩ lừng danh vốn đang phụ trách chuỗi phim The Ren & Stimpy Show (Chó Ren và Mèo Stimpy) đương nổi như cồn lúc bấy giờ. Với 2 chi nhánh chính: một ở California, một ở Hàn Quốc, họ tạo dựng tên tuổi cho mình với những bộ phim đầy sáng tạo và ngẫu hứng như Futurama (Bữa tiệc trò chơi), The Simpsons Movie (Gia đình Simpsons), Star Wars Clone Wars (Chiến tranh giữa các vì sao: Cuộc chiến vô tính), Rocko’s Mordern Life (Cuộc sống sành điệu của Rocko) được khán giả đủ mọi lứa tuổi vô cùng yêu thích. 44. Rhythm & Hues Studios Trụ sở : Los Angeles, California Với tài năng thượng thừa bậc thầy về mặt hiệu ứng kỹ xảo, xưởng Rhythm & Hues đã chinh phục được hầu hết các chuyên gia khó tính để vinh quang mang lại cho mình 4 giải Oscar cho hạng mục Khoa học kỹ thuật cũng như giải Kỹ xảo xuất sắc nhất của Viện hàn lâm khó xơi này trong siêu phẩm Life of Pi (Cuộc đời của Pi) vào năm 2012. Bên cạnh Life of Pi, hãng đồ họa tài hoa này cũng đã từng đạt vô số giải Oscar cho biệt tài kỹ xảo của mình khi tham gia vào các bộ phim Babe (Chú heo Babe) năm 1995 và The Golden Compass (Chiếc la bàn vàng) năm 2008. 45. 9 Story Entertainment Trụ sở : Toronto, Ontario, Canada Nổi tiếng với những chương trình truyền hình nhắm đến trẻ em, 9 Story Entertainment chủ yếu được biết đến phần nhiều nhờ thực hiện Arthur – bộ phim truyền hình có thể nói là dài hơi nhất nhì của Mỹ, chỉ đứng sau có mỗi ông hoàng The Simpsons (Gia đình Simpsons) của Rough Draft Studios mà thôi. Tuy không được hâm mộ cuồng nhiệt như tựa phim gia đình da vàng kia, bộ phim cũng đã giành được nhiều giải thưởng tiếng tăm, trong đó kể đến tới 4 giải Daytime Emmy cho hạng mục Chương trình Trẻ em Xuất sắc nhất. >>> Tiếp theo: 50 xưởng phim hoạt hình hàng đầu thế giới (Phần 10)  Cao Thụy Vy dịch  Nguồn: http://www.gamedesigning.org/animation-companies

xưởng phim hoạt hình Fuzzy Door Productions

Thứ hạng từ 36-40 sẽ là những hãng phim xuất sắc hiện diện trong top 50 xưởng phim hoạt hình hàng đầu thế giới. Cùng xem có những hãng nào nhé! >>> Có thể bạn muốn tìm hiểu: Khóa học làm phim hoạt hình 3D 36. Disney Television Animation Trụ sở : Glendale, California So với các xưởng khác của cùng một tập đoàn, Disney Television Animation được xây dựng chủ yếu nhằm phụ trách các nội dung phục vụ cho những kênh hoạt hình chính thức của Disney. Ngay từ buổi đầu thành lập năm 1984, xưởng đã phát triển được vô số tựa phim truyền hình – có thể nói là ăn khách nhất của 2 thập kỷ 80 và 90, bao gồm: DuckTales (Vịt du ký), Darkwing Duck (Hiệp sĩ Vịt), Goof Troop (Hai chàng ngốc) và Timon & Pumba. Các chương trình do xưởng phụ trách trong giai đoạn hiện nay như Kim Possible (Nữ điệp viên thiếu niên), The Proud Family (Gia đình tôi yêu), Phineas and Ferb (Phineas và Ferb) cũng rất được khán giả xem đài yêu mến. 37. Production I.G Trụ sở : Kokubunji, Tokyo, Nhật Bản Xưởng hoạt hình Nhật Bản này là tác giả của rất nhiều bộ anime tuyệt đỉnh nổi tiếng khắp thế giới như Ghost in the Shell (Linh hồn của Máy), The Last Vampire (Quỷ hút máu Cuối cùng), Pokémon the Movie – Black (Pokémon: Victini Và Bạch Anh Hùng Reshiram), Pokémon the Movie – White (Pokémon: Victini Và Hắc Anh Hùng Zekrom), Guilty Crown (Vương miện tội lỗi) v.v… Tài năng và nhiệt huyết, họ được trao tặng giải Animage Anime Grand Prix vào năm 2013 cho những nỗ lực tuyệt vời trong việc chuyển thể phần 1 tác phẩm Kill Bill (Cô dâu báo thù) trứ danh của đạo diễn Quentin Tarantino. 38. Scanline VFX Trụ sở : Munich, Đức Scanline VFX là một xưởng phim chuyên về hiệu ứng của Đức với 3 chi nhánh đặt tại Munich, Vancouver và Los Angeles. Họ được ghi nhận phần lớn nhờ vào việc phát triển chương trình Flowline, một chương trình máy tính giúp xử lý mượt mà các hiệu ứng lửa và nước, vốn được áp dụng rộng rãi và điêu luyện trong các phim nổi tiếng họ tham gia như 300: Rise of an Empire (Năm 300 : Đế chế trỗi dậy), Iron Man 3 (Người Sắt phần 3), The Avengers (Biệt đội Siêu anh hùng), Man of Steel (Người đàn ông Thép), The Wolf of Wall Street (Sói già phố Wall) v.v… 39. Whiskytree Trụ sở : San Rafael, California Tuy có một lý lịch khá khiêm tốn nhưng xưởng phim của Mỹ này lại là một anh tài trong lĩnh vực hiệu ứng kỹ xảo cũng như góp mặt trong khá nhiều các dự án phim nhựa, game, phim quảng cáo và phim truyền hình của những năm vừa qua. Ít ai có thể ngờ rằng chính họ mới là chủ nhân của các bản phác thảo dùng trong các tựa bom tấn gần đây như Captain America: The Winter Soldier (Đội trưởng Mỹ: Chiến binh mùa đông), The Hunger Games: Catching Fire (Đấu trường sinh tử: Bắt lửa) và Elysium (Kỷ nguyên Elysium) cùng các game nhập vai trực tuyến đình đám như Rift và Defiance. 40. Fuzzy Door Productions Trụ sở : Los Angeles, California Còn được biết đến với cái tên “The Spotted Door”, xưởng được thành lập năm 1996 bởi cây hài người Mỹ Seth MacFarlane nhằm phát triển các bộ phim hoạt hình vui nhộn do anh chàng này chủ biên, bao gồm: Family Guy (Người đàn ông của gia đình), American Dad! (Những ông bố Mỹ) và The Cleveland Show (Bi hài nhà Cleveland). Ngoài phim truyền hình ra, trong những năm gần đây xưởng cũng bắt đầu tiến sân sang lĩnh vực phim nhựa với Ted, A Million Ways to Die in the West (Triệu kiểu chết miền Viễn Tây) cùng phần 2 của tựa phim bựa hài hước này. >>> Tiếp theo: 50 xưởng phim hoạt hình hàng đầu thế giới (Phần 9) Cao Thụy Vy dịch  Nguồn: http://www.gamedesigning.org/animation-companies/

xưởng phim hoạt hình Shade VFX

Tiếp theo trong top 50 xưởng phim hoạt hình hàng đầu thế giới là các hãng phim có thứ hạng từ 31- 35. Cùng xem nhé! >>> Có thể bạn muốn tìm hiểu: Khóa học làm phim hoạt hình 3D  31. Animal Logic Trụ sở : Sydney, Úc Thành lập năm 1991, danh tiếng của Animal Logic cũng nhanh chóng thăng hoa cùng với sự thành công của các siêu phẩm đình đám như Babe (Chú heo Babe), The Matrix (Ma trận) và and The Lord of the Rings: The Fellowship of the Ring (Chúa tể của những chiếc Nhẫn: Đoàn hộ Nhẫn). Xưởng cũng đã hỗ trợ sản xuất nhiều bộ phim thành công khác và giành được nhiều giải thưởng, trong đó có tới 5 giải chỉ riêng cho một mình The Lego Movie (Bộ phim Lego). Họ hiện có 2 chi nhánh chính: một ở Sydney và một ở Los Angeles. 32. Encore Hollywood Trụ sở : Hollywood, California Thành lập từ tận những năm 1985, xưởng Encore Hollywood là một trong những xưởng phim cốt cán của kinh đô điện ảnh này. Mặc dù ít được nhiều người biết đến, xưởng chính là tác giả của vô số các bộ phim nổi tiếng như The Flash (Người hùng Tia Chớp), Glee (Đội hát Trung học), Gotham (Thành phố tội lỗi), It’s Always Sunny in Philadelphia (Trời luôn Nắng ở Philadelphia), House of Cards (Sóng gió chính trường), NCIS (Cục điều tra Tội phạm Hải quân), CIS (Đội điều tra hiện trường)… được khán giả Mỹ hâm mộ cuồng nhiệt. 33. Shade VFX Trụ sở : Santa Monica, California Xưởng Shade VFX là một tổ hợp xưởng gồm 2 chi nhánh: một ở Los Angeles, một ở New York nhưng cùng nhau hỗ trợ thiết kế xây dựng các kỹ thuật đồ họa và kỹ xảo phức tạp như 4K VFX, môi trường thực tế ảo v.v… Họ liên kết với nhiều công ty điện ảnh hàng đầu để tạo ra các bộ phim với nhiều kỹ xảo ấn tượng như The Wolverine (Người Sói), Teenage Mutant Ninja Turtles (Ninja Rùa đột biến), The Amazing Spider-Man 2 (Người Nhện siêu đẳng phần 2) không những được công chúng yêu thích mà còn được nhiều giới chuyên môn đánh giá cao. 34. Aardman Animations Trụ sở : Bristol, Anh Xưởng phim có cái tên một không hai đến từ nước Anh này có thể coi là chuyên gia hàng đầu trong thể loại Stop Motion (hoạt hình tĩnh vật). Ngoài những dự án phim ngắn và phim truyền hình đa dạng, họ cũng phối hợp với các hãng phim lớn như DreamWorks Animation, Sony Pictures Animation, StudioCanal để sản xuất một số tựa phim nhựa nhất định. Đặc biệt, tất cả các bộ phim họ phát triển từ khoảng năm 2000 đến nay đều thu về những khoản doanh thu khổng lồ cũng như nhận được phản hồi tích cực từ khán giả thông qua trang đánh giá trực tuyến Rotten Tomatoes. 35. Sony Pictures Animation Trụ sở : Culver City, California Thành lập năm 2002, Sony Pictures Animation được xây dựng cốt để phối hợp với xưởng Sony Pictures Imageworks dự phần vào địa hạt hoạt hình vốn đang dần chiếm ưu thế lúc bấy giờ. Và họ đã không để các ông chủ tập đoàn Sony thất vọng khi mọi bộ phim họ thực hiện từ năm 2006 đến nay như Cloudy with a Chance of Meatballs (Cơn mưa thịt viên), Arthur Christmas (Giáng Sinh Phiêu lưu ký), The Pirates! Band of Misfits (Cướp biển đáng yêu) đều đạt thành công xuất sắc về mặt thương mại cũng như nhận được sự ủng hộ nhiệt liệt của khán giả với số điểm lần lượt: 87%, 92%, 86% – rất cao, trên trang đánh giá Rotten Tomatoes. Cao Thúy Vy dịch Nguồn: http://www.gamedesigning.org/animation-companies/

xưởng phim hoạt hình South Park studios

Thứ hạng từ 26 – 30 trong top 50 xưởng phim hoạt hình hàng đầu thế giới sẽ thuộc về những cái tên nào. Cùng xem nhé! >>> Có thể bạn muốn tìm hiểu thêm: Khóa học làm phim hoạt hình 3D 26. Rodeo FX Trụ sở : Montreal, Quebec, Canada Rodeo FX là một công ty hiệu ứng kỹ xảo đa quốc gia với vô số chi nhánh nằm vùng khắp các thành phố lớn như Quebec, Montreal và Los Angeles. Họ tập trung phát triển ở các mảng phim chiếu rạp, quảng cáo, phim truyền hình và giành được khá nhiều giải thưởng lớn như giải của Hiệp hội Kỹ xảo điện ảnh cho hạng mục Kỹ xảo Ấn tượng nhất. Các phim họ tham gia gần đây như Furious 7 (Quá nhanh, quá nguy hiểm phần 7), Cinderella (Lọ lem), Edge of Tomorrow (Cuộc chiến luân hồi) và The Hunger Games: Catching Fire (Đấu trường sinh tử: Bắt lửa) đều đạt không ít danh tiếng và thành công. 27. Digital Domain Trụ sở : Playa Vista, California Digital Domain là một xưởng phim có 2 trụ sở: một ở California, một ở Vancouver thuộc Bristish Columbia, Canada. Cả hai đều nổi tiếng trong giới điện ảnh về những hiệu ứng kỹ xảo đẹp mắt mà họ đã sản xuất cho vô số game, phim và chương trình quảng cáo. Tính đến nay hãng đã sản xuất hơn 100 bộ phim thuộc đủ các thể loại như Furious 7 (Quá nhanh, quá nguy hiểm phần 7), Maleficent (Tiên hắc ám), X-Men: Days of Future Past (Dị nhân: Ngày cũ của tương lai). Trong đó, nổi bật hơn hết là siêu phẩm Titanic, một mình xuất sắc ẵm hơn 5 giải của Viện Hàn lâm Hoa Kỳ. 28. Luma Pictures Trụ sở : Santa Monica, California Ngay từ thuở mới thành lập năm 2002, xưởng Luma đã thuộc hàng cao thủ trong việc xây dựng và mô phỏng các cảnh quan thiên nhiên với hệ sinh thái cực kỳ đa dạng. Với 2 chi nhánh chính, một nằm ở Santa Monica, một nằm ở Melbourne thuộc bang Victoria, Úc, hằng năm xưởng hoạt động với năng suất cao, cho ra đời từ 3-8 bộ phim với chi phí khổng lồ. Một số tác phẩm thành công gần đây của họ là Avengers: Age of Ultron (Biệt đội siêu anh hùng – Đế chế Ultron), Ant-Man (Người Kiến), Captain America: The Winter Soldier (Đội trưởng Mỹ: Chiến binh mùa đông) và Guardians of the Galaxy (Vệ binh Ngân Hà). 29. South Park Studios Trụ sở : Culver City, California Dĩ nhiên, ngay từ cái tên, xưởng đã cho ta biết họ chính là tác giả của South Park, một trong những bộ hoạt hình dài hơi và hay nhất mà thế giới từng được biết đến – Trey Parker và Matt Stone  Với hơn 260 tập phim xuyên suốt 19 đợt công chiếu, bộ phim nhận được vô số giải thưởng lớn như 1 giải Peabody, 5 giải Primetime Emmy cùng với hơn 10 lần được đề cử Emmy cho Chương trình Hoạt hình Ấn tượng nhất. 30. Rising Sun Pictures Trụ sở : Adelaide, Úc Thành lập từ năm 1995 nhưng trong vòng chưa đầy 20 năm, xưởng phim nước Úc này nhanh chóng đã dậy được vô số tiếng vang nhờ những đóng góp tích cực trong những cực phẩm bất hủ của 2 thập kỷ qua như The Lord of the Rings: The Return of the King (Chúa tể của những chiếc Nhẫn: Sự trở về của Nhà vua), Batman Begins (Người Dơi tái xuất), Superman Returns (Siêu nhân trở về), The Hunger Games (Đấu trường sinh tử), The Wolverine (Người Sói) cùng 3 kỳ của loạt phim Harry Potter nổi tiếng. >>> Tiếp theo: 50 xưởng phim hoạt hình hàng đầu thế giới (Phần 7) Cao Thụy Vy dịch  Nguồn: http://www.gamedesigning.org/animation-companies/

xưởng phim hoạt hình Pixomondo

Tiếp theo trong top 50 xưởng phim hoạt hình hàng đầu thế giới là các thứ hạng từ 21 – 25. Cùng xem có những hãng phim nào xuất hiện trong top nhé! 21. Illumination Mac Guff Trụ sở : Paris, Pháp Tuy chỉ mới thành lập năm 2011 thôi nhưng xưởng hoạt hình non trẻ của Pháp này lại chính là tác giả của Despicable Me (Kẻ cắp Mặt trăng), bộ phim dội hit làm điên đảo bao nhiêu trẻ em khắp thế giới với doanh thu khủng chỉ đứng sau Toy Story 3 (Câu chuyện đồ chơi phần 3) và Shrek Forever After (Gã chằn tinh: Cuộc phiêu lưu cuối cùng). Minions (Những tay thuộc hạ) – bộ phim gần đây nhất của hãng cũng thành công chẳng kém khi thu được lợi nhuận cao nhất năm 2015, trở thành bộ phim hoạt hình đầu tiên không phải của Disney cán mốc 1 tỷ đô – la toàn cầu. 22. Toon City Trụ sở : Manila, Philippines Thành lập năm 1993 với vỏn vẹn 10 thành viên, xưởng Toon City nay đã là một tập đoàn truyền thông lớn với hơn 1000 họa sĩ cốt cán. Thành công đến với họ chủ yếu do những nỗ lực hợp tác không ngừng nghỉ với các ông trùm của đế chế hoạt hình: Warner Bros, Universal, Nickelodeon, Walt Disney v.v… để tạo nên những tác phẩm hoạt hình hấp dẫn. Những tác phẩm đó bao gồm: Aladdin: The Animated Series (Những cuộc phiêu lưu của Aladdin), Hercules (Dũng sĩ Hecquyn), Kim Possible (Nữ điệp viên thiếu niên) và gần đây nhất là Gravity Falls (Thị trấn bí ẩn). 23. Pixomondo Trụ sở : Frankfurt, Đức Với vô số chi nhánh khắp thế giới: Los Angeles, Thượng Hải, Frankfurt, Munich, Bắc Kinh, Toronto, Stuttgart, Baton Rouge và đội ngũ gồm hơn 400 họa sĩ tài năng, xưởng phim đến từ nước Đức này tạo lập danh tiếng nhờ vào việc cung cấp các kỹ xảo ấn tượng cho hàng loạt các phim chiếu rạp, phim truyền hình và các phương tiện truyền thông khác. Các phim gần đây của họ như Furios 7 (Quá nhanh, quá nguy hiểm phần 7), The Hunger Games: Mockingjay 1 (Đấu trường sinh tử: Húng nhại phần 1), Star Trek Into Darkness (Du hành giữa các vì sao: Chìm trong bóng tối) và The Twilight Saga: Breaking Dawn 2 (Chạng vạng: Hừng đông phần 2) đều thu được doanh thu cao và phản hồi tốt từ phía khán giả. 24. Studio Pierrot Trụ sở : Mitaka, Tokyo, Nhật Bản Tập hợp bởi một đội ngũ các cựu họa sĩ tài năng đến từ nhiều xưởng anime danh tiếng khác nhau, Pierrot cho ra đời nhiều bộ anime kinh điển nổi tiếng như Yu Yu Hakusho (Hành trình u linh giới), Bleach (Sứ mạng Thần chết), Naruto, Saiyuki (Tây du ký), Tokyo Ghoul (Ngạ quỷ Tokyo) v.v… được thiếu niên toàn thế giới nhiệt liệt hâm mộ. Sự lao động hăng say giúp họ xứng đáng ẵm giải Animage Anime Grand Prix đến 2 lần cũng như được tin tưởng ủy nhiệm sáng tác nhiều tập cho bộ phim The Legend of Korra (Huyền thoại Korra) nổi tiếng của hãng Nickelodeon.  25. Hybride Technologies Trụ sở : Piedmont, Quebec Xưởng Hybride khởi đầu chỉ tập trung phát triển phần kỹ xảo cho các phim quảng cáo của các tập đoàn nổi tiếng như Volkswagen, Coca Cola hay CCM. Tuy nhiên, trong mấy năm gần đây, họ cũng chủ động tìm kiếm các hợp đồng điện ảnh lớn và tham gia xây dựng nhiều bộ phim hoạt hình 3D ấn tượng như Jurassic World (Thế giới khủng long), Teenage Mutant Ninja Turtles – 2004 (Ninja Rùa đột biến – bản năm 2004), các phần của phim The Hunger Games (Đấu trường sinh tử), Avatar (Thế thân) v.v… Năm 2008, họ được hãng game danh tiếng Ubisoft mua lại với cái giá hơn 10.000 USD.     >>> Tiếp theo: 50 xưởng phim hoạt hình hàng đầu thế giới (Phần 6) Cao Thụy Vy dịch  Nguồn: http://www.gamedesigning.org/animation-companies/

xưởng phim hoạt hình sony pictures imageworks

Những xưởng phim tiếp theo từ thứ hạng 16 – 20 trong top 50 xưởng phim hoạt hình hàng đầu thế giới sẽ là:  16. Method Studios Trụ sở : Los Angeles, California Xưởng Method có thể nói là một cao thủ nhà nghề trong việc xây dựng các kỹ xảo chất lượng cho hầu hết các bộ phim, game, chương trình quảng cáo và phim truyền hình. Thành công đến với họ phần lớn nhờ vào sự hợp tác với những xưởng phim nổi tiếng của Hollywood như Paramount hay 20th Century Fox để cùng tạo nên những tựa bom tấn xuất sắc như The Wolf of Wall Street (Sói già phố Wall), Iron Man 3 (Người sắt phần 3), Transformers: Age of Extinction (Người máy đại chiến: Kỷ nguyên Hủy Diệt), Guardians of the Galaxy (Vệ binh Ngân Hà) v.v… 17. OLM, Inc Trụ sở : Setagaya, Tokyo, Nhật Bản Dẫu đã đầu tư sản xuất khá nhiều bộ phim truyền hình dài hơi đủ loại, người ta nhớ đến OLM phần lớn do sự thành công của bộ anime chuyển thể tựa game huyền thoại của hãng Nintendo: Pokémon – vốn khởi chiếu từ năm 1997 nhưng hiện vẫn còn tiếp tục với con số lên đến hơn 900 tập. Tính đến nay, một mình xưởng phim này đã gồng hơn 20 tựa phim Pokémon khác nhau và gần đây còn kiêm thêm một tựa phim hấp dẫn mới cũng chuyển thể từ game của hãng điện tử nổi tiếng này: Yo-kai Watch (Đồng hồ Yêu quái).  18. Sony Pictures Imageworks Trụ sở : Vancouver, British Columbia, Canada Dù thành lập tận Canada xa xôi, công ty con của tập đoàn Sony Pictures lừng danh này vẫn giành được tiếng tăm đáng kể trong ngành điện ảnh nhờ cung cấp những mẫu đồ họa và kỹ xảo xuất sắc, thậm chí còn mang lại cho mình giải Oscars danh giá cho phim Spider-Men 2 . Hiện tại, tính sơ cũng đã có hơn 100 dự án qua tay họ, trong đó nổi cộm nhất chính là Watchmen (Người hùng báo thù), các phần sau của Men in Black (Đặc vụ Áo đen) và hai phần phim Spider-Men (Người Nhện) và The Amazing Spider-Man (Người Nhện siêu đẳng). 19.  Image Engine Trụ sở : Vancouver, British Columbia, Canada Xưởng Image Engine được thành lập từ năm 1995 và nổi tiếng với khả năng xây dựng các kỹ xảo điện ảnh cực kỳ mãn nhãn. Họ bắt đầu với một số phim nhựa trước khi nổi như cồn với dự án phim chiến tranh viễn tưởng Stargate SG-1 (Cổng trời phần 1). Một số phim gần đây của họ cũng dậy hit không kém: The Twilight Saga: Eclipse (Chạng vạng phần 3: Nhật thực), Rise of the Planet of the Apes (Sự nổi dậy của loài Khỉ), Elysium (Kỷ nguyên Elysium). Trong đó, sự cộng tác của họ với đạo diễn Peter Jackson cho phim District 9 (Khu 9) đã nâng danh tiếng họ lên sàn Oscar khi nhận được đề cử cho hạng mục Kỹ xảo xuất sắc nhất. 20. Nippon Animation Trụ sở : Koganei, Tokyo, Nhật Bản Cũng giống như Toei, xưởng Nippon Animation nổi lên chủ yếu dựa vào việc sản xuất hàng loạt anime chuyển thể ăn khách. Tuy vậy, điều làm công chúng thu hút sự chú ý đối với hãng phim này chính là nhờ sự kiện họ đã từng mời được đạo diễn Hayao Miyazaki thiên tài đầu quân. Nippon Animedia, một trong các chi nhánh con của họ cũng nổi tiếng chẳng kém khi hợp tác với hãng Takara chuyển thể anime cho các mặt hàng đồ chơi của hãng này như Beyblade (Con quay truyền thuyết), Crash B-Daman (Tay bắn bi cự phách), Zero Duel Masters (Nhà chơi bài vô địch) được trẻ em cực kỳ hâm mộ. >>> Tiếp theo: 50 Xưởng phim hoạt hình hàng đầu thế giới (Phần 5)  Cao Thụy Vy dịch  Nguồn: http://www.gamedesigning.org/animation-companies/

xưởng phim hoạt hình toei

Thứ hạng 11 – 15 trong top 50 xưởng phim hoạt hình hàng đầu thế giới sẽ là những cái tên nào đây?  11. Warner Bros Animation Trụ sở : Burbank, California Thành lập và phát triển ngay từ độ những năm 70, chính xưởng phim của ông trùm phim ảnh Warner Bros này mới là người đã đưa nền hoạt hình Mỹ đi đến đỉnh cao huy hoàng. Tuy cạnh tranh gay gắt với Disney, Warner Bros vẫn giữ được thế ưu việt riêng nhờ vào loạt phim Looney Tunes (Những người bạn Tinh nghịch) với dàn nhân vật Thỏ Bugs và Vịt Daffy được đông đảo công chúng yêu thích cũng như nhanh nhạy hoạt hình hóa những nhân vật siêu anh hùng như Người dơi hay Siêu nhân vốn đang làm mưa làm gió trên thị trường truyện tranh lúc bấy giờ Mặc dù tập trung phát triển chủ yếu ở mảng truyền hình, xưởng vẫn có một số phim chiếu rạp đáng chú ý như The Lego Movie (Bộ phim Lego), Space Jam (Đội bóng rổ vui nhộn), The Iron Giant (Người sắt khổng lồ). 12. Sunrise Trụ sở : Suginami, Tokyo, Nhật Bản Nếu tính luôn tầm tầm cả chục giải quán quân lẫn á quân thì có lẽ Sunrise chính là ông vua của Animage Anime Grand Prix khi chưa hề có bất kỳ hãng phim nào đọ lại được xưởng anime này trong việc chinh phục giải thưởng danh giá này cả. Các siêu phẩm Cowboy Bebop (Cao bồi nhạc Jazz) cũng như tất cả các tựa anime Gundam huyền thoại đều từ một lò Sunrise mà ra.  Ngoài cơ sở mẹ, Sunrise còn phát triển thêm 6 chi nhánh nhỏ khác, mới đây nhất là xưởng Bandai Namco Pictures thành lập năm 2015, tất cả đều do các cựu họa sĩ của hãng đứng đầu. 13. Moving Picture Company Trụ sở : London, Anh Xưởng MPC vốn dĩ là công ty con của tập đoàn Technicolor – một tập đoàn lớn của Pháp chuyên thiết kế hình động và xây dựng kỹ xảo điện ảnh cho phim và các phương tiện truyền thông khác. Sự thành công của các tựa phim bom tấn Fast and Furious 7, Guardians of the Galaxy, X-men: First Class và Terminator Genisys đã góp phần đưa tên tuổi của xưởng đến với giới điện ảnh nói riêng và công chúng nói chung. Xưởng hiện đang vươn ra phát triển khắp thế giới với vô số chi nhánh ở  tất cả các thành phố lớn : Mexico City, Vancouver, Los Angeles, Paris, New York, London, Ansterdam, Bagalore, Shanghai và Montreal. 14. Toei Animation Trụ sở : Tokyo, Nhật Bản Là một trong những xưởng top đầu Nhật Bản, Toei được khán giả khắp thế giới biết đến và yêu mến nhờ số lượng tác phẩm khổng lồ, chủ yếu chuyển thể từ các sản phẩm manga đình đám như Dragon Ball Z (Bảy viên ngọc rồng Z), One Piece (Đảo Hải tặc), Saint Seiya (Áo giáp vàng) và Sailor Moon (Thủy thủ mặt trăng). Trong đó, họ đặc biệt nổi tiếng với sự thành công của 2 tựa anime: Digimon (Quái thú ảo) và Yu-Gi-Oh (Vua trò chơi). Ngoài việc làm phim chuyển thể ra, họ cũng tham gia làm một số bộ phim dài và đoạn cắt cảnh cho game khác. 15. Double Negative Trụ sở : Fitzrovia, Anh Thành lập năm 1998 với vỏn vẹn 30 người, công ty hiệu ứng và kỹ xảo đến từ nước Anh này nay đã trở thành một tập đoàn lớn với hàng trăm nhân viên mẫn cán. Nhờ góp phần tạo nên những tựa phim hit lớn như Interstellar (Hố đen tử thần), Inception (Kẻ cắp giấc mơ), Sherlock Homes (Thám tử Sherlock Homes), Harry Potter and the Deathly Hallows – Part 2 (Harry Potter và Bảo bối tử thần –  phần 2), họ được trao tặng vô số giải thưởng từ Hiệp hội Kỹ xảo điện ảnh, giải Oscar và BAFTA. Họ cũng góp phần đáng kể trong sự thành công của bộ 3 phim Người dơi trứ danh của đạo diễn Christopher Nolan. >>> Tiếp theo: 50 xưởng phim hoạt hình hàng đầu thế giới (Phần 4)  Cao Thụy Vy dịch  Nguồn: http://www.gamedesigning.org/animation-companies/

xưởng phim hoạt hình Cartoon Network

Tiếp theo trong top 50 xưởng phim hoạt hình hàng đầu thế giới là những cái tên từ thứ hạng số 6 – 10. Cùng xem xưởng phim nào sẽ xuất hiện nhé!  6. Framestore Trụ sở : London, Anh Tuy thành lập đã lâu, mãi từ năm 1986 nhưng không ai không biết đến Framestore nhờ vào những đóng góp to lớn của xưởng phim kỳ cựu này vào phần lớn các phim đình đám bấy giờ, tiêu biểu có thể kể ra như: Guardians of the Galaxy (Vệ binh Ngân Hà), các loạt phim Harry Potter, Avengers : Age of Ultron (Biệt đội siêu anh hùng – Đế chế Ultron). Ngoài ra, việc tham gia xây dựng hàng loạt cảnh quay trong Avatar (Thế thân) nổi tiếng năm 2009 cũng đem lại không ít tiếng tăm cho xưởng. Vậy nên, chẳng có gì ngạc nhiên khi xưởng phim đến từ xứ sở sương mù này đã xứng đáng nhận được vô số giải Oscar lẫn BAFTA cho những thành tựu tuyệt vời của mình. 7. Cartoon Network Studios Trụ sở : Burbank, California Tuy sinh sau đẻ muộn (mãi đến 1994 mới thành lập) song điều đó chẳng ngăn cản Cartoon Network vươn lên trở thành một trong những xưởng hoạt hình nức tiếng thế giới. Từ những huyền thoại cũ đánh dấu tên tuổi của xưởng như Dexter’s Laboratory (Phòng thí nghiệm của Dexter), Johnny Bravo (Johnny Tóc vàng), The Powerpuff Girls (Bộ ba Siêu nữ) cho đến những cú hit gần đây như Adventure Time (Giờ phiêu lưu), Regular Show (Chương trình thường nhật), Clarence (Nhóc Clarence), Uncle Grandpa (Bác Grandpa), We Bare Bears (Chúng tôi đơn giản là Gấu), Steven Universe (Vũ trụ của Steven), có thể thấy vị thế dẫn đầu của Cartoon Network trong nền hoạt hình Mỹ là điều không ai có thể thể bàn cãi. Không những sản xuất ra những bộ phim nổi tiếng, Cartoon Network còn là nơi hội tụ những đạo diễn, họa sĩ tên tuổi của làng hoạt hình thế giới. Trong đó phải kể đến Madeline Sharafian, nữ họa sĩ trẻ tài năng trong dòng phim hoạt hình indie (thị trường các nhà làm phim hoạt hình tự do). Cùng với Cartoon Network, Madeline đã tạo ra series hoạt hình We Bare Bear nhận được sự đón nhận và ủng hộ của công chúng. 8. Blue Sky Studios Trụ sở : Greenwich, Connecticut Thành lập từ năm 1987 nhưng tài năng của xưởng Blue Sky không lọt khỏi mắt xanh của 20th Century Fox khi được ông trùm truyền thông này nhanh chóng thâu tóm vào ngay năm 1997, để rồi 5 năm sau đó (từ 2002 – 2014) hãng liên tiếp cho ra đời hàng loạt chuỗi phim bom tấn, khuynh đảo tất cả các phòng vé thế giới với doanh thu khổng lồ như: – Ice Age (Kỷ Băng Hà) – Rio (Vẹt đuôi dài) – Dr.Seuss’s Horton Hears a Who! (Voi và Những người bạn) 9. Weta Digital Trụ sở : Wellington, Tân Tây Lan Thành lập bởi đạo diễn huyền thoại Peter Jackson, ít người biết rằng xưởng phim đến từ Tân Tây Lan xa xôi này đã từng chinh phục 5 giải Oscar liên tiếp cho hạng mục Kỹ xảo xuất sắc nhất. Phần lớn các tuyệt phẩm kinh điển của thập kỷ trước bao gồm loạt phim Lord of the Rings (Chúa tể của những chiếc Nhẫn), The Hobbit (Chàng Hobbit), phim King Kong năm 2005 và Avatar (Thế thân) đều do bàn tay đồ họa tài ba của xưởng Weta làm ra cả đấy! 10. Nickelodeon Animation Studios Trụ sở : Burbank, California Thành lập năm 1990, xưởng phim của kênh thiếu nhi nổi tiếng Nickelodeon này đã có một khởi đầu cực kỳ phấn khởi khi cho ra mắt hàng loạt bộ phim ăn khách làm mê mệt hàng triệu trẻ em khắp nước Mỹ: Rugrats (Lũ nhóc Rugrat), Doug (Nhóc Doug), The Ren & Stimpy Show (Chó Ren và Mèo Stimpy). Tài năng và đầy nhiệt huyết, xưởng còn là tác giả của vô số các tựa phim nổi tiếng về phong cách và sức hút, có thể kể ra như: Hey Arnold! (Coi kìa Arnold!), Invader Zim (Giặc vũ trụ), The Adventures of Jimmy Neutron : Boy Genius (Cuộc phiêu lưu của cậu bé thiên tài Jimmy Neutron), Avatar : The Last Airbender (Tiết khí sư cuối cùng). Trong đó, SpongeBob SquarePants (Bọt biển và Quần vuông) của đạo diễn Stephen Hillenburg có lẽ là một minh chứng đáng tự hào nhất. >>> Tiếp theo: 50 xưởng phim hoạt hình hàng đầu thế giới (Phần 3) Cao Thụy Vi dịch Nguồn: http://www.gamedesigning.org/animation-companies/

top 50 xưởng phim hoạt hình hàng đầu thế giới

Ra đời và phát triển đã gần một thế kỷ nhưng dẫu dưới hình thức nào đi nữa: từ bút pháp vẽ tay truyền thống cho đến công nghệ CGI hiện đại, nghệ thuật làm phim hoạt hình vẫn luôn có một sức hút mạnh mẽ đối với công chúng, chinh phục và làm say đắm biết bao nhiêu thế hệ khán giả bằng những nhân vật, câu chuyện và thế giới tuyệt vời họ tạo ra. Thời hoàng kim của hoạt hình tiếp tục kéo dài khi các xưởng phim khắp thế giới vẫn luôn ráo riết tìm kiếm và đào tạo các họa sĩ tài năng để bổ sung vào đội ngũ của mình, sẵn sàng chinh phục các thử thách mới, tạo nên những tiếng vang mới. Sau đây là danh sách 50 Xưởng phim hoạt hình hàng đầu Thế giới nhằm giúp các bạn họa sĩ trẻ có thêm vốn kinh nghiệm, thông tin để định hướng và lựa chọn nơi làm việc phù hợp nhất với mình. Lưu ý : Trừ 10 hãng phim trong tốp đầu, thứ hạng của các hãng còn lại được đánh giá khá chủ quan nên có thể kém chính xác. Bạn đọc khi theo dõi vui lòng chú ý. Trong phần 1, chúng ta sẽ đến với 5 xưởng phim đầu tiên trong top 50 xưởng phim hoạt hình hàng đầu thế giới. 1. Pixar Trụ Sở : Emeryville, California Xưởng Pixar vốn dĩ được xây dựng và phát triển bởi chính ông chủ của trái táo khuyết – Steve Jobs, người đỡ đầu và định hướng sự phát triển của hãng, nhưng sau đó nhanh chóng được Walt Disney mua lại vào năm 2006 với hơn 7 tỷ USD. Sau khi gây dựng tiếng vang thành công với “Câu chuyện đồ chơi”, xưởng phim của Mỹ này liên tiếp gặt hái những thắng lợi lớn về doanh thu cũng như chinh phục được hầu hết giới phê bình khó tính với những tựa phim lưu lại tên tuổi của xưởng mãi mãi: – The Toy Story films (Câu chuyện đồ chơi) – WALL-E (Người máy biết yêu) – Brave (Công chúa tóc xù) – Ratatouille (Chú chuột đầu bếp) – Inside Out (Những mảnh ghép cảm xúc) 2. Walt Disney Animation Studios Trụ sở : Burbank, Carlifornia Walt Disney Animation Studios có thể nói là xưởng hoạt hình thành công nhất của Disney với tên tuổi gắn liền với tuyệt phẩm “Bạch Tuyết và Bảy chú lùn” (1937) lừng danh. Xưởng cũng là nơi ra đời của nhiều bộ phim bất hủ như “Vua sư tử” hay “Aladdin và Cây đèn thần”, góp phần đưa hoạt hình Disney lên hàng đỉnh cao của thế giới. Sau một thời kỳ khủng hoảng gần một thập kỷ, xưởng đang dần phục hồi lại phong độ với sự thành công vang dội của những bom tấn gần đây như : – Frozen (Nữ hoàng băng giá) – Wreck-It Ralph (Ráp – phờ đập phá) – Big Hero 6 (Biệt đội anh hùng Big Hero 6) 3. DreamWorks Animation Trụ sở: Glendale, California Không chỉ nổi danh về mặt thương mại với hàng loạt bộ phim xuất sắc, bán chạy khắp thế giới, xưởng DreamWorks còn được biết đến với rất nhiều giải thưởng danh giá khác: 22 giải Emmy, 3 giải Oscar, hàng chục giải Annie cùng rất nhiều đề cử BAFTA và Golden Globe khác. Một số tác phẩm thành công của họ có thể kể đến là: – Shrek (Gã chằn tinh tốt bụng) – How to Train Your Dragon (Bí kíp luyện rồng) – Madagascar (Cuộc phiêu lưu đến Madagascar) – Kung Fu Panda (Công phu gấu trúc) 4. Industrial Light & Magic   Trụ sở: San Francisco, California Nổi tiếng về mặt năng suất với hàng trăm dự án lớn nhỏ và số lượng bom tấn đếm không xuể, xưởng là hình mẫu tiên phong trong việc áp dụng các kỹ xảo đồ họa độc đáo vào điện ảnh, không chỉ đơn thuần như mô phỏng da giả, hóa trang lông tóc như thật mà thậm chí có thể xây dựng luôn cả nhân vật chỉ bằng kỹ xảo máy tính. Những tác phẩm trứ danh của họ có thể kể đến là: các phần phim Star Wars (Chiến tranh giữa các vì sao), Terminator (Kẻ hủy diệt) – trừ phần 1, Pirates of the Caribbean (Cướp biển vùng Ca-ri-bê), Avatar (Thế thân) và Jurassic World (Thế giới Khủng long). 5. Studio Ghibli Trụ sở: Koganei, Tokyo, Nhật Bản Nắm gần 8 bộ phim trong danh sách 15 phim anime hay nhất Nhật Bản, không còn nghi ngờ gì nữa, xưởng Ghibli có thể nói là một trong những xưởng hoạt hình xuất sắc nhất của quốc gia này. Nhắc đến Ghibli, người yêu hoạt hình sẽ nghĩ ngay đến Miyazaki Hayao, là đồng sáng lập Ghibli và là một đạo diễn hoạt hình xuất sắc không chỉ ở Nhật Bản mà còn cả thế giới. Spirited Away là bộ phim hoạt hình đã mang về cho ông và xưởng Ghibli giải thưởng Oscars danh giá ở hạng mục Phim hoạt hình hay nhất năm. Ngoài ra còn có một số phim hoạt hình đã để lại nhiều ấn tượng như: Howl’s moving Castle, Ponyo, Princess Mononoke, My Neighbour Totoro,…  Không chỉ đạt thành công rực rỡ với vô số giải thưởng lớn trong nước như 4 giải của Viện hàn lâm Nhật Bản cho Hoạt hình xuất sắc nhất và 1 giải Animage Anime Grand Prix, danh tiếng của xưởng còn vươn tầm thế giới với vô số đề cử Oscar và vinh dự nhận giải này vào năm 2003. >>> Tiếp theo: 50 xưởng phim hoạt hình hàng đầu thế giới (Phần 2) Cao Thụy Vy dịch Nguồn: http://www.gamedesigning.org/animation-companies

Nhân vật hoạt hình The Biggest Bird

Gần 30 năm thành lập, hãng phim nổi tiếng Pixar đã mang lại nhiều cảm xúc thông qua các sản phẩm phim hoạt hình của mình, đặc biệt là những bộ phim ngắn được chiếu mở màn cho mỗi bộ phim chính thức. Cũng như nhân vật mới nhất của hãng, ngọn núi lửa Lava si tình, Pixar dành tất cả tình yêu thương cho mỗi bộ phim ngắn của mình, chính vì thế, những bộ phim này thường tạo được ấn tượng sâu đậm trong lòng người xem, không thua kém gì những bộ phim chính thức. Sẽ khó có ai quên được hình ảnh cánh cò không ngại khó khăn để vận chuyển những bé động vật nguy hiểm trong “Partly Cloudy”, hay nhân vật người ngoài hành tinh trẻ tuổi và hài hước cố gắng hết sức mình để hoàn thành bài thi bắt cóc con người trong “Lifted”. Có thể những nhân vật này chỉ xuất hiện trên màn ảnh vỏn vẹn vài phút, nhưng cảm xúc theo sau từng thước phim chắc chắn sẽ ghi dấu trong trí tưởng tượng của người xem. Và với nhân vật đáng yêu Lava, ta sẽ cùng điểm lại những nhân vật hoạt hình đáng nhớ nhất trong các bộ phim ngắn của Pixar và đã quá quen thuộc với người hâm mộ hãng phim nổi tiếng này. 1. Lava (Lava) Lava chỉ muốn được chìm đắm trong tình yêu với một ai đó. Ngày qua ngày, rồi năm lại qua năm, ngọn núi lửa đặc biệt này luôn hát bài tình ca của mình để mong tìm thấy người mình yêu. Với kết thúc có hậu, bộ phim lại gây dấu ấn với khán giả nhờ vào khuôn mặt khát khao và ngọt ngào của mình. 2. The Blue Umbrella (The Blue Umbrella) “The Blue Umbrella” được chiếu mở màn cho “Monster University” và mang lại nhiều cảm xúc cho người xem hơn cả bộ phim chính. Với nhân vật chính là một chiếc ô xanh tội nghiệp gặp nhiều chuyện xui xẻo trên đường đi từ bị xe đụng, lật ô hay bị bỏ mặt trên đường cao tốc, cho đến khi người chủ tìm thấy chú và gặp lại quý cô ô đỏ. “The Blue Umbrella” tuy ngắn nhưng năm phút trong phim là khoảng thời gian hồi hộp, dữ dội nhất đối với khán giả, để cuối cùng mang lại cảm giác nhẹ nhỏm và hài lòng với kết thúc có hậu. 3. Young Alien (Lifted) Với nhân vật chính là một người ngoài hành tinh trẻ tuổi phải thực hiện bài kiểm tra bắt cóc con người, “Lifted”, bộ phim ngắn được chiếu mở màn cho “Ratatouille”, đã mang lại cảm giác thư thái và hài hước cho người xem. 4. Stock và Storm Cloud (Partly Cloudy) Cũng giống với bộ phim chính thức “Up”, “Partly Cloudy” đã mang khán giả đến với một thế giới mới trên bầu trời rộng lớn. Nhân vật chính của phim là một chú mây bão luôn lạc quan, yêu đời được giao trách nhiệm phải tạo ra tất cả những em bé của các loài động vật nguy hiểm như cá sấu, nhím và lươn điện. Và người bạn đồng hành cùng chú mây này là một con cò tận tâm luôn chịu đựng mọi gian khổ để hoàn thành nhiện vụ của mình. Cả hai đã tạo nên một bộ đôi đáng yêu và tốt bụng, mang lại nhiều thước phim hài hước nhẹ nhàng đến với khán giả. 5. Geri (Geri’s Games) So với không khí tươi vui trong “A Bug’s Life”, thì bộ phim mở màn “Geri’s Games” lại mang một bầu không khí trầm lắng khi nhân vật chính, Gari, chơi cờ một mình trong công viên. Bóng dáng cô đơn, lặng lẽ trong khu công viên không một bóng người của Geri thật sự khiến người xem cảm thương cho số phận một con người. 6. The Bunny (Presto) Tất cả những chú thỏ đều yêu củ cà rốt của mình. Vì những tham vọng của bản thân mà Presto ngốc nghếch đã bỏ đói chú thỏ, người bạn đồng hành của mình, và lấy cà rốt ra để dụ dỗ chú hợp tác với mình. Để rồi cuối cùng Presto bị chú thỏ tìm cách trả thù, tạo ra những tình huống hài hước. 7. The Kid (One Man Band) Với cốt truyện quen thuộc về hai nhạc công đường phố tìm mọi cách giành giựt nhau một đồng xu của cô bé trong làng, thì hình ảnh cô gái nhỏ bé trong phim hiện lên đáng yêu, mong muốn được thưởng thức một buổi biểu diễn đầy say mê và cuối cùng là đánh bại hai người nhạc công bằng chính những nhạc cụ quen thuộc của họ, mang lại nhiều tiếng cười cho người xem. 8. The Family (La Luna) Với hình ảnh rực rỡ, long lanh từ bầu trời buổi đêm trên cao với sao và trăng, “La Luna”, bộ phim mở màn cho “Brave” nhanh chóng hút hồn người xem và mang lại nhiều cảm xúc. Mặc dù nhân vật chính trong phim là gia đình hành nghề dọn dẹp Mặt Trăng có nét độc đáo của riêng mình, nhưng chính những hình ảnh lấp lánh của tự nhiên đã gây nhiều ấn tượng với người xem. 9. The Biggest Bird (For The Birds) Bắt nạt không bao giờ được đánh giá cao, và chú chim to lớn trong “For The Birds” đã dạy những người bạn bé nhỏ của mình một bài học khá nặng. Có thể chúng chỉ mất một vài lông vũ, những tiếng cười khàn của chú đã mang lại những giây phút sảng khoái và hả dạ cho người xem. 10. The Dancing Sheep (Boundin) Cả bộ phim là chuyến hành trình của một chú cừu con đi tìm bộ lông mềm mại của mình, từ những bước nhảy ngẫu hứng bỗng

phim hoạt hình Meet The Robinsons

5 bộ phim cuối cùng trong top 20 phim hoạt hình bị đánh giá thấp nhưng đáng xem từ thứ hạng 16 đến 20. Cùng xem nào!  16. Hercules Ngày phát hành: 27/6/1997 Đánh giá IMDB: 7.2/10 Diễn viên: Tate Donovan, Susan Egan, James Woods, Danny DeVito “Hecules” có thể là bộ phim của Disney bị đánh giá thấp nhất từng được trình chiếu tại các rạp. Lấy bối cảnh theo thần thoại Hy Lạp cùng những nhân vật quen thuộc, “Hercules” hội tụ đủ mọi yếu tố làm nên một bộ phim thành công: một mối tình lãng mạn, anh hùng với năng lực bí ẩn, các vị thần cổ đại cùng những bản nhạc phim tuyệt vời. Nếu so với hai phiên bản cùng tên ra mắt vào năm 2014, “Hercules” của năm 1997 xứng đáng nhận được nhiều sự quan tâm hơn từ giới phê bình. 17. The Iron Giant Ngày phát hành: 6/8/1999 Đánh giá IMDB: 8.0/10 Diễn viên: Harry Connick Jr., Vin Diesel, Eli Marienthal, Jennifer Aniston “The Iron Giant” được đánh giá cao vào những ngày gần đây, nhưng vào thời điểm nó được phát hành vào năm 1999 lại không được đón nhận nồng nhiệt, chỉ đạt được 25 triệu USD so với ngân sách 48 triệu USD. Bộ phim chủ yếu tập trung đến đối tượng là những thanh thiếu niên trẻ tuổi, nhưng ngay đến độ tuổi trưởng thành cũng bị ảnh hưởng đến mức độ nào đó. “The Iron Giant” lấy chủ đề về sức mạnh và sự đấu tranh giữa chính quyền và người dân, và bộ phim là một kiệt tác mà đạo diễn Brad Bird từng sản xuất. 18. The Black Cauldron Ngày phát hành: 24/7/1985 Đánh giá IMDB: 6.4/10 Diễn viên: Grant Bardsley, Freddie Jones, Susan Sheridan “The Black Cauldron” là bộ phim hoạt hình vẽ tay và áp dụng những kỷ thuật mới thời bấy giờ nhưng lại bị đánh giá thấp, chỉ đạt 21 triệu USD doanh thu phòng vé và không được chào đón rộng rãi. Bộ phim là một kiệt tác kỹ thuật tại thời điểm đó, và thiếu mất sự quyến rũ quen thuộc trong các bộ phim của Disney. Và nếu bạn yêu thích hãng phim nổi tiếng này, thì đây chắc chắn là một bộ phim đáng xem, mặc cho lượng đánh giá quá thấp của giới phê bình. 19. Meet The Robinsons Ngày phát hành: 30/3/2007 Đánh giá IMDB: 6.9/10 Diễn viên: Angela Bassett, Daniel Hansen, Jordan Fry, Tom Selleck Không có dàn diễn viên nổi tiếng, nhưng “Meet The Robinsons” vẫn tạo được nhiều ấn tượng đến người xem. Mặc dù khoảng khắc hài hước nhất đã được tiết lộ trong phim – hình ảnh chú khủng long bạo chúa xuất hiện và phát biểu: “Tôi có một cái đầu nhỏ và đôi bàn tay to.” – thì bộ phim vẫn mang những hình ảnh vui tươi và dí dỏm. Với cốt truyện ý nghĩa về tình cảm gia đình, bạn bè với mong mỏi nhận được sự yêu thương của những đứa trẻ, “Meet The Robinsons” mang lại nhiều tiếng cười cho người xem với đồ họa tuyệt vời, được chăm chút tỉ mỉ đến từng chi tiết. 20. A Goofy Movie Ngày phát hành: 4/7/1995 Đánh giá IMDB: 6.8/10 Diễn viên: Bill Farmer, Jason Marsden, Jim Cummings “A Goofy Movie” kể về cuộc sống của Max sau bộ phim “Goof Troop”, và mặc dù không được khán giả đón nhận, đây vẫn là một bộ phim hài hước đáng xem. “A Goofy Movie” được lồng ghép những bản nhạc hay, sâu sắc và những bài hát của Max cùng màn trình diễn của cậu thật tuyệt vời… với những đứa trẻ 6 đến 10 tuổi. “A Goofy Movie” là một câu chyện gần gũi về người cha cảm thấy lạc lối và không thể thấu hiểu với những điều được cho là hay, là tuyệt nhất trong mắt đứa con trai thiếu niên của mình. Dù cho chủ đề này đã quá quen thuộc nhưng bộ phim vẫn lồng ghép những hình ảnh về tình cha con đáng nhớ và mang đến cho người xem một cảm xúc khó quên. Yến Nhi dịch Nguồn Nerdmuch.com  >>> Tìm hiểu thêm: 25 bộ phim hoạt hình hay nhất thế kỷ 21 (Phần 1) 

Phim hoạt hình Open Season

Dưới đây là 5 bộ phim tiếp theo trong top 20 phim hoạt hình bị đánh giá thấp nhưng đáng xem từ thứ hạng 11 đến 15. Cùng xem có những bộ phim nào nhé!  11. Bee Movie Ngày phát hành: 2/11/2007 Đánh giá IMDB: 6.2/10 Diễn viên: Jerry Seinfeld, Renee Zellweger, Matthew Broderick, Chris Rock, John Goodman Jerry Seinfeld là người đàn ông hài hước thứ hai thế giới, vì thế khi ông được thông báo sẽ lồng tiếng cho bộ phim hoạt hình “Bee Movie” đã gây nhiều sự chú ý với khán giả. “Bee Movie” là một bộ phim hài hước kể về chú ong quyết định kiện con người vì ăn mật ong. Ý tưởng hoàn toàn độc đáo, cùng những hình ảnh dí dỏm xung quanh các nhân vật nhỏ bé đã tạo nên một câu chuyện thu hút. 12. Brother Bear Ngày phát hành: 1/11/2003 Đánh giá IMDB: 6.7/10 Diễn viên: Joaquin Phoenix, Jeremy Suarez, Rick Moranis “Brother Bear” có rất nhiều khoảng khắc tuyệt đẹp với cốt truyện độc đáo mà chúng ta chưa từng được xem trước đó. Câu chuyện tập trung vào Kenai, một chàng trai trẻ ghét loài gấu nhưng lại bị biến thành gấu sau cái chết của anh trai. “Brother Bear” nhắn gửi đến người xem một bài học ý nghĩa về sự thấu hiệu và cảm thông khi một người bị đặt vào hoàn cảnh của một ai đó và nhận thức những quan điểm mới. Và trong khi bạn có thể tưởng tượng được kết thúc của phim, thì “Brother Bear” là một bộ phim bị đánh giá thấp nhưng lại rất đáng xem. 13. Open Season Ngày phát hành: 29/9/2006 Đánh giá IMDB: 6.2/10 Diễn viên: Ashton Kutcher, Martin Lawrence, Debra Messing Có thể nói “Open Season” là một trong những bộ phim hài hước nhất từng được phát hành, nhưng lí do khiến “Open Season” không thể đạt được thành công như mong đợi bởi vì trước đó đã có rất nhiều bộ phim lấy đề tài về những người bạn lông lá, khiến khán giả cảm thấy không còn gì mới lạ nữa. Mặc dù vậy, đây vẫn là một bộ phim ý nghĩa về tình bạn, tình yêu thương xen lẫn với những tình tiết gây cười ngay từ những giây phút đầu phim. 14. Planet 51 Ngày phát hành: 20/11/2009 Đánh giá IMDB: 6.1/10 Diễn viên: Dwayne Johnson, Seann William Scott, Jessica Biel, Justin Long, John Cleese “Planet 51” không nhận được nhiều sự đón nhận mặc cho độ nổi tiếng của dàn diễn viên lồng tiếng, thậm chí còn không đạt đủ lượng doanh thu phòng vé mong muốn. Với cốt truyện về người ngoài hành tinh, “Planet 51” mang lại cảm giác về những bộ phim khoa học viễn tượng của năm 1950, và miêu tả những hình ảnh thú vị về xã hội của người ngoài hành tinh, tạo nên một bộ phim hài hước với những ý tưởng sáng tạo về một thế giới mới. 15. The Rugrats Movie Ngày phát hành: 20/11/1998 Đánh giá IMDB: 5.8/10 Diễn viên: Elizabeth Daily, Christine Cavanaugh, Kath Soucie Là phiên bản màn ảnh rộng của bộ phim truyền hình “The Rugrats” kể về chuyến phiêu lưu của những đứa trẻ chỉ vừa mới biết đi và không có cha mẹ bên cạnh, “The Rugrats Movie” tập trung vào Tommy cùng những người bạn của mình cố gắng trả em trai vừa mới sinh về bệnh viện. Cũng giống như bản truyền hình, bộ phim vẫn giữ nguyên phong cách và tính hài của mình. 5.8 là một mức đánh giá thấp đối với phim, nhưng nếu xét toàn diện về hình thức lẫn nội dung thì “The Rugrats Movie” xứng đáng được điểm 7.5 hoặc 8.0 trên thang điểm 10. Yến Nhi dịch Nguồn: Nerdmuch.com >>> Tiếp theo: Top 20 phim hoạt hình bị đánh giá thấp nhưng đáng xem (Phần 4)

Phim hoạt hình Treasure Planet

Tiếp theo 5 bộ phim trong top 20 phim hoạt hình bị đánh giá thấp nhưng đáng xem, chúng ta sẽ tiếp tục với các bộ phim ở vị trí từ số 6 đến số 10 nhé!  6. Monsters vs Aliens Ngày phát hành: 27/3/2009 Đánh giá IMDB: 6.6/10 Diễn viên: Reese Witherspoon, Rainn Wilson, Stephen Colbert Từ khi mới ra mắt, “Monsters vs Aliens” đã không được hãng DreamWorls Animations chú ý đến, doanh thu thu lại cũng không cao so với số vốn đã bỏ ra. Nhưng bộ phim lại hoàn toàn hài hước và giàu trí tưởng tượng. Tuyến nhân vật khá kì lạ và đặc biệt, và nếu được xem dưới định dạng 3D, bộ phim chắc chắn còn hay hơn phiên bản gốc của nó. Cùng lấy đề tài về quái vật, sẽ có nhiều người nghĩ rằng “Monsters vs Aliens” do DreamWork sản xuất để cạnh tranh với “Monsters Inc.” của Pixar. Nhưng dù thế nào thì đây cũng là một bộ phim rất đáng xem. 7. Treasure Planet Ngày phát hành: 27/11/2002 Đánh giá IMDB: 7.0/10 Diễn viên: Joseph Gordon-Levitt, Emma Thompson, Martin Short Không ai biết tại sao “Treasure Planet” chỉ được đánh giá 7.0 trên IMDB và chỉ đạt doanh thu 38 triệu USD so với ngân sách 140 triệu USD. Nhưng “Treasure Planet” là một bộ phim hoạt hình tuyệt vời. Có thể nói “Treasure Planet” không phải là bộ phim bị đánh giá thấp nhất mọi thời đại, nhưng nó chắc chắn là một trong những bộ phim yêu thích của người đam mê những chuyến phiêu lưu kì bí cùng câu chuyện độc đáo về khoa học viễn tưởng. 8. Over The Hedge Ngày phát hành: 19/5/2006 Đánh giá IMDB: 6.8/10 Diễn viên: Bruce Willis, Garry Shandling, Steve Carell “Over the Hedge” là một trong số những bộ phim hoạt hình bị đánh giá thấp những lại đạt doanh thu phòng vé cao, thu về 155 triệu USD so với ngân sách 80 triệu USD. Tuyến nhân vật chính của bộ phim rất đáng yêu bao gồm chú sóc điên cuồng Hammy do Steve Carell lồng tiếng, cha con nhà chồn hôi, và chú gấu dữ tợn. Có thể những nhân vật của Bruce Willis trong gây được nhiều ấn tượng nhưng nếu bỏ qua những yếu tố đó, bộ phim là một chuyến phiêu lưu lý thú với gia đình đặc biệt này. 9. Shark Tale Ngày phát hành: 1/10/2004 Đánh giá IMDB: 6.0/10 Diễn viên: Will Smith, Robert De Niro, Renee Zellweger, Jack Black, Martin Scorsese “Shark Tale” có sự góp mặt của rất nhiều ngôi sao nổi tiếng, với Will Smith lồng tiếng cho nhân vật chính của phim. Bộ phim cũng thu được lượng doanh thu phòng vé vừa đủ, nhưng lại không được giới phê bình đón nhận. Với cốt truyện xoay quanh những loài cá có trách nhiệm trong cái chết của một tên cướp, “Shark Tale” có vẻ không gây được nhiều ấn tượng và đôi khi có những tình tiết gượng gạo, nhưng bộ phim vẫn ẩn chứa nhiều bài học ý nghĩa trong từng thước phim. 10. Antz Ngày phát hành: 2/10/1998 Đánh giá IMDB: 6.6/10 Diễn viên: Woody Allen, Sharon Stone, Gene Hackman Mặc dù “Antz” ra mắt hơn một tháng trước khi “A Bug’s Life” được phát hành, bộ phim vẫn bị xem là cái bóng của “A Bug’s Life”. Có nhiều ý kiến cho rằng nguyên nhân dẫn đến thất bại của phim là do những con kiến ở trong “Antz” không đẹp bằng những con kiến trong “A Bug’s Life”. Nếu bỏ qua những khuyết điểm về mặt thẩm mỹ, “Antz” thật sự là một bộ phim ý nghĩa dành cho những người yêu thích phim hoạt hình. Yến Nhi dịch Nguồn: Nerdmuch.com >>> Tiếp theo: Top 20 phim hoạt hình bị đánh giá thấp nhưng đáng xem (P3) 

Phim hoạt hình Atlantis: The Lost Empire

Có rất nhiều bộ phim hoạt hình khi mới ra mắt đã bị đánh giá thấp và không nhận được nhiều mối quan tâm, chú ý từ khán giả. Đôi khi phim hoạt hình sẽ chìm lắng hoặc thành công nhanh chóng tùy vào nội dung và hình thức, cũng như thị hiếu của người xem. Nhưng có rất nhiều bộ phim bị mắc kẹt ở giữa, không được quần chúng quan tâm và phải bơi trong bể phim hoạt hình nổi bật khác của các hãng phim nổi tiếng Disney và Pixar. Dưới đây là 5 trong số top 20 phim hoạt hình bị đánh giá thấp nhưng lại rất đáng xem:  1. Space Jam Ngày phát hành: 15/11/1996 Đánh giá IMDB: 6.2/10 Diễn viên: Michael Jordan, Wayne Knight, Theresa Randle Chắc hẳn sẽ có nhiều người ngạc nhiên khi “Space Jam” lại lọt vào danh sách này. Bộ phim phản ánh chân thực hình ảnh của thế giới vào những năm 90. Và bằng cách nào đó, mặc cho độ nổi tiếng và những kí ức quý giá về bộ phim, “Space Jam” chỉ được đánh giá thấp ở mức 6.2 trên thang điểm 10. Có thể “Space Jam” không tạo được nhiều ấn tượng lắm trong thời điểm hiện nay, nhưng nếu chúng ta quay trở lại 20 năm trước, bộ phim thực sự tạo được nhiều tiếng tăm vang dội. Không chỉ có sự góp mặt của vận động viên nổi tiếng nhất thời bấy giờ, mà còn là điểm khởi đầu cho những bài hát hay nhất mọi thời đại. Và hẳn sẽ không ai quên được giai điệu nhẹ nhàng quen thuộc “I believe I can fly” đã gắn bó với tuổi thơ của phần lớn các khán giả. 2. Mulan Ngày phát hành: 19/6/1998 Đánh giá IMDB: 7.5/10 Diễn viên: Ming-Na Wen, Eddie Murphy, BD Wong, James Hong Mặc dù được chiếu lại nhiều lần trên kênh truyền hình Disney, “Mulan” lại không nhận được nhiều sự yêu thích mà nó nên có.Tuy được đánh giá 7.5 trên 10, nhưng bộ phim chưa bao giờ nằm trong top những bộ phim yêu thích của mọi người hay được nhắc đến trong những buổi thảo luận chuyên đề. Nhưng “Mulan” thực sự rất đặc biệt, có mối liên hệ trực diện đến xã hội hiện đại ngày nay, đó là về sự bình đẳng và phá bỏ những định kiến ngày xưa. Ngoài ra bộ phim còn được lồng ghép một bộ sưu tập nhạc phim tuyệt vời. 3. Pocahontas Ngày phát hành: 23/6/1995 Đánh giá IMDB: 6.6/10 Diễn viên: Mel Gibson, Linda Hunt, Christian Bale Đáng ngạc nhiên là “Pocahontas” không đạt được nhiều thành công như mong đợi mặc cho sự góp mặt của dàn sao lồng tiếng nổi tiếng, những khung cảnh tuyệt đẹp và những bài hát được sáng tác mang nội dung sâu sắc. Tuy giành được nhiều giải thưởng danh giá, thu được doanh thu phòng vé cao, nhưng “Pocahontas” vẫn không được đánh giá là một trong những bộ phim xuất sắc nhất của Disney. Nhưng dù thế nào, nếu xét về nội dung, hình ảnh và những bài học ý nghĩa được lồng ghép trong từng thước phim, thì “Pocahontas” xứng đáng nằm trong top 10 những bộ phim hay nhất của Disney. 4. Lilo & Stitch Ngày phát hành: 21/6/2002 Đánh giá IMDB: 7.1/10 Diễn viên: Daveigh Chase, Chris Sanders, Tia Carrere “Lilo & Stitch” xứng đáng được nhắc tới trong danh sách này, bởi vì đây là bộ phim hoạt hình lấy chủ đề về khoa học viễn tưởng hiếm hoi nhưng không nhận được nhiều sự quan tâm từ khán giả. Nếu không phải vì sự ám ảnh kì lạ của Lilo với Elvis Presley, chắc hẳn bộ phim sẽ được đón nhận nồng nhiệt hơn. Sự tương tác giữa Lilo và chị gái tạo ra nhiều điều thú vị khác mà chưa từng xuất hiện trong bất cứ bộ phim nào của Disney. 5. Atlantis: The Lost Empire Ngày phát hành: 15/6/2001 Đánh giá IMDB: 6.8/10 Diễn viên: Michael J. Fox, Leonard Nimoy, James Garner “Atlantis: The Lost Empire” là một câu chuyện hấp dẫn về một nền văn mình đã mất, đưa người xem đến với một hành trình đầy cam go nhưng lý thú cùng với các nhân vật độc đáo. Mặc dù doanh thu phòng vé không thành công như mong đợi, nhưng bộ phim sẽ mang lại cảm giác hào hứng cho những khán giả ưa thích khám phá, dấn thân vào những chuyến du ngoạn đầy pha hành động và những điều kì bí. Yến Nhi dịch Nguồn: Nerdmuch.com >>> Tiếp theo: Top 20 phim hoạt hình bị đánh giá thấp nhưng đáng xem (Phần 2)

tạo hình và phối cảnh

Bạn là một họa sĩ vẽ truyện tranh hay một nhà làm phim hoạt hình? Bạn muốn kể một câu chuyện bằng những khuôn hình, bức vẽ nhưng không biết cách để sắp xếp những ý muốn thể hiện như thế nào? Hoặc bạn là một họa sĩ Digital Painting muốn tìm cách sắp xếp các nét vẽ thành một bức tranh ý nghĩa có bố cục rõ ràng? “Framed Ink – Tạo hình và bố cục dành cho họa sĩ kể chuyện” sẽ giúp bạn thực hiện được điều đó. Khi đọc cuốn sách này có nghĩa là bạn đang bước vào một khoa học cao cấp về nghệ thuật kể chuyện bằng thị giác. Bạn sẽ tìm ra được cách thu hút người nghe, người xem vào câu chuyện của mình. Khi vẽ storyboard hay dàn chuyện bằng hình ảnh đó là lúc chúng ta thực hành một bài tập kể chuyện, khác với trình diễn một tiết mục cho một show diễn nào đó. Nếu hình vẽ không được thực hiện để diễn tả một mục đích, ý nghĩa nó sẽ đẩy người xem ra khỏi diễn tiến câu chuyện, làm cho người xem bối rối vì họ đang nhìn vào những nét bút trên giấy, chứ không phải đang trải nghiệm khi theo dõi một câu chuyện và các nhân vật bên trong đó. Không nên để khán giả mắc kẹt vào một khuôn hình nào đó bởi bức vẽ trong khuôn hình rất đẹp nhưng lại không có ý đồ gì phục vụ cho câu chuyện Trong cuốn sách này chúng ta sẽ nói về ngôn ngữ của nghệ thuật và cách sắp xếp bố cục trên khuôn hình và mục đích của từng khuôn hình. Khi nắm rõ các lý thuyết này, câu chuyện hình ảnh mà bạn kể sẽ được gắn kết, liên tục và có tính nhất quán. Điều này làm cho câu chuyện trở nên hấp dẫn và thu hút người xem hơn. Bắt đầu đọc, bắt đầu vẽ và bắt đầu con đường sáng tạo của bạn. THÔNG TIN CHUNG: Framed Ink – Tạo hình và bố cục dành cho họa sĩ kể chuyện Danh mục Tài liệu học tập, lưu hành nội bộ tại Viện Truyện tranh và Hoạt hình Tác giả: Marcos Mateu Mestre Biên dịch: Th.s – Họa sĩ Lê Thắng Số trang: 160 Nội dung: Chương 1: Cái nhìn chung về nghệ thuật dẫn dắt Chương 2: Vẽ và bố cục trên một khuôn hình đơn (phần cơ bản) Chương 3: Bố cục khuôn hình có mục đích Chương 4: Bố cục tạo ra sự liên tục Chương 5: Truyện tranh dài kỳ Phần 1: Nhân vật Phần 2: Khung truyện và trang truyện Một vài suy nghĩ sau cùng >>> Tìm hiểu thêm: [Sách] Dạy vẽ phối cảnh truyện tranh, hoạt hình 

Mỗi một nghề nghiệp đều có bí quyết riêng để thành công. Và 51 bài tập thực hành dưới đây sẽ là “phép màu” dành cho họa sĩ hoạt hình mới vừa bước chân vào nghề. Một số bài tập tương tự được Viện Truyện tranh và Hoạt hình áp dụng giảng dạy ở bộ môn Moving Sketch. Học viên được học bộ môn Moving Sketch sau khi tích lũy đầy đủ các kỹ năng về Vẽ cơ bản, phối cảnh, nguyên lý thị giác, góc quay camera, biểu cảm nhân vật… Nếu bạn yêu thích nghề họa sĩ Hoạt hình, hãy tìm hiểu thông tin tuyển sinh năm 2016 của Viện tại đây. Để download bộ 51 Bài tập thực hành này, bạn vui lòng nhập thông tin theo form bên dưới. Hệ thống sẽ tự động chuyển link download về email cho bạn. Chúc bạn thành công, Quỳnh Như (sưu tầm)

Viện truyện tranh và hoạt hình khai giảng khóa 3

Bạn đừng nói rằng “Tôi không thể” nếu như chưa thử qua. Bạn cũng đừng bảo “Tôi không dám” nếu bạn không muốn thực hiện nó. Bạn hãy thử một lần sống đúng với những gì bạn muốn, làm tất cả mọi thứ để sống với đam mê của mình. Và bạn ơi, nếu làm được như vậy, bạn là một người hạnh phúc.   Buổi lễ khai giảng đặc biệt dành riêng cho khóa 3 Sáng 21/4, Viện Truyện tranh và Hoạt hình (Comic Media Academy – CMA) đã chào đón các bạn học viên khóa 3 với buổi khai giảng đặc biệt mang tên “Lễ Nhập Viện”. Một câu chuyện mới bắt đầu với những học viên khóa 3 của Viện Truyện tranh và Hoạt hình. Thạc sĩ Lê Thắng chia sẻ về phương pháp học tập tại CMA Đã qua 3 đợt tuyển sinh nhưng với mỗi đợt, Viện Truyện tranh và Hoạt hình đều có cảm giác hào hứng và hồi hộp mỗi khi được chào đón các bạn đến Viện, trở thành người bạn đồng hành trên bước đường thực hiện ước mơ của bạn.  Giới thiệu bản thân  Các bạn tân học viên khóa 3 đều có những câu chuyện riêng về bản thân. Có bạn gác lại chuyện học ở trường đại học để đến với ước mơ của mình. Có bạn quyết định chọn học làm phim hoạt hình tại CMA sau khi trải qua khóa học ở một trung tâm khác tại TPHCM. Một số bạn khác tạm gác công việc hiện tại để theo đuổi lý tưởng. Và đặc biệt hơn cả, có những bạn đến từ những mảnh đất xa xôi trên khắp đất nước như Phú Yên, Đà Nẵng, Cao Bằng,… để hội tụ tại TPHCM và mang niềm tin đặt tại Viện Truyện tranh và Hoạt hình. Cùng nhau tham gia trò chơi  Bạn nghĩ chúng tôi chỉ biết học vẽ? Chúng tôi còn có thể làm nhiều thứ hơn  Hòa nhập cùng các bạn khóa trước Mỗi học viên đều có xuất phát điểm khác nhau nhưng họ đều có chung mục tiêu và ước mơ đó chính là được sống với đam mê của bản thân. Khoảng cách địa lý không cản được bước chân đến thành công của những họa sĩ trẻ đầy tiềm năng. Đam mê không thể “chết” ở một nơi làm việc, học tập không phù hợp với bản thân. Tất cả những câu chuyện của các bạn khóa 3 đều có thể gom chung trong một từ ĐAM MÊ. Có đam mê các bạn mới dám từ bỏ những công việc đang làm hàng ngày để đến với ước mơ cháy bỏng của mình. Có đam mê các bạn mới mạnh mẽ đến với Viện Truyện tranh và Hoạt hình dù có xa xôi, cách trở. Với đam mê đó, Viện Truyện tranh và Hoạt hình tin rằng bạn đã sẵn sàng đương đầu với mọi khó khăn trên con đường thực hiện ước mơ. Có trải qua gian khổ, người ta mới có thể gặt hái những “quả ngọt” mà mình đã gieo trồng từng ngày qua. CMA không chỉ đơn giản là trường học. Chúng tôi còn là một gia đình  Đến với ngày Khai giảng, các bạn tân học viên khóa 3 chỉ mang đến “đam mê”, “niềm tin” mà các bạn dành cho nghề, dành cho Viện Truyện tranh và Hoạt hình. Nhưng đối với Viện, chúng tôi chỉ cần bạn vẫn còn vẹn nguyên đam mê và niềm tin trên con đường đầy chông gai phía trước. Chỉ cần bạn đam mê, tin tưởng, Viện sẽ cùng bạn thực hiện ước mơ của bản thân. Chào mừng khóa 3 gia nhập Viện Truyện tranh và Hoạt hình! Chào mừng học viên khóa 3 gia nhập đại gia đình CMA  Hiền Đặng  

Trong không khí reo vui chào đón những ngày lễ lớn của đất nước: Giỗ Quốc Tổ Hùng Vương, Kỷ niệm ngày Giải phóng miền Nam thống nhất đất nước, Viện Truyện tranh và Hoạt hình hân hoan chào đón các tân học viên đến dự Lễ khai giảng khóa 3, chương trình đào tạo dài hạn ngành Họa sĩ vẽ truyện tranh và Họa sĩ hoạt hình hệ Kỹ thuật viên và Trung cấp chuyên nghiệp. [spacer] Thời gian: 9:00 – 11:30 ngày thứ 5, 21/04/2016 Địa điểm: Cơ sở 1 – Viện Truyện tranh và Hoạt hình, 98 Ngô Tất Tố, P.19, Q. Bình Thạnh, TP. HCM [spacer] Đến với Lễ khai giảng lần này, các bạn tân học viên sẽ được giới thiệu về chương trình học tập chi tiết, phương pháp học tập và rèn luyện chuyên sâu tại Viện. Bên cạnh đó, buổi lễ còn là cơ hội để các bạn học viên và tân học viên làm quen, kết nối  với nhau để học tập và sáng tác sau này. Trong năm 2016, Viện Truyện tranh và Hoạt hình tuyển sinh 400 chỉ tiêu các ngành Họa sĩ vẽ truyện tranh, Họa sĩ hoạt hình, Chuyên viên thiết kế game, Chuyên viên thiết kế đồ họa. Tiêu chí tuyển sinh Miễn thi đầu vào, học viên chỉ cần tốt nghiệp THPT. Tìm hiểu thêm tại đây.   Comic Media Academy Viện Truyện tranh và Hoạt hình

CMAVN Brad Bird

Đằng sau những chiến thắng của phim hoạt hình Pixar ở Lễ trao giải Oscars hàng năm là công sức của những “phù thủy” tài ba và sáng tạo, đội ngũ làm phim hoạt hình của hãng. Cùng tìm hiểu xem họ là ai. Andrew Stanton – Pixar giống như một phim trường không có giáo viên. Mọi người ở đây thực sự muốn bạn chấp nhận mọi rủi ro để thành công – Nhà làm phim từng đoạt giải Oscarss Andrew Stanton đã lớn lên ở Rockport, Massachusetts. Ông được đào tạo và nghiên cứu về nhân vật hoạt hình tại Viện California của Nghệ thuật ở Los Angeles. Sau khi tốt nghiệp, Stanton bắt đầu làm việc như một nhà văn trên truyền hình với loạt Mighty Mouse, the New Adventures (1987). Năm 1990, ông có phim hoạt hình thứ hai trong sự nghiệp và trở thành nhân viên thứ chín của Pixar Animation Studios. Stanton đã đến để giúp thiết lập Pixar trở thành một trong những hãng phim hoạt hình hàng đầu thế giới. Ông là nhà thiết kế và biên kịch của Toy Story (1995) và được đề cử cho giải Oscars. Ông tiếp tục là đạo diễn và biên kịch cho A Bug’s Life (1998), Finding Nemo (2003) và WALL-E (2008). Đặc biệt, với Finding Nemo và Wall-E, ông đã nhận được giải Oscars cho Phim hoạt hình hay nhất. Ra mắt vào 30/5/2003 với kinh phí 94 triệu USD và doanh thu 864,625,978 USD, Stanton đã cùng các cộng sự của mình tạo ra Finding Nemo thu hút sự quan tâm cùng sự đón nhận tích cực của công chúng và chuyên gia. Tại lễ trao giải Oscars, Finding Nemo đã nhận được danh hiệu Phim hoạt hình hay nhất năm. Mặc dù trước khi xuất xưởng, ông cho biết phim chỉ nhắm đến một đối tượng nhất định. Qua đó có thể thấy, tuy chủ đề, mô típ hành trình tìm kiếm đã quá cũ, nhưng chính ý nghĩa về tình phụ tử mà phim truyền tải đã đưa Finding Nemo chạm đến trái tim người xem. Wall-E có kinh phí 180 triệu USD, được thực hiện dựa theo ý tưởng của đạo diễn Andrew Stanton về một Trái Đất đang chết dần trong biển rác; nhân loại đã từng sinh sống trên hành tinh xinh đẹp này phải rời bỏ nó. Khởi chiếu tại Mỹ và Canada vào 27/6/2008, Wall-E đã mang lại doanh thu toàn cầu là 502.690.709 USD cùng với đó là danh hiệu Phim hoạt hình hay nhất tại lễ trao giải Oscars. Ngoài ra, Wall-E còn tạo ra một bất ngờ lớn khi góp mặt trong danh sách đề cử hạng mục Phim hay nhất tại Oscars. Với đề cử này, chủ tịch Viện Hàn lâm Dick Cook đã phát biểu “Nếu không làm điều này, tôi không tin rằng chúng ta đã cho bộ phim đúng giá trị nó đáng có”. Brad Bird Ra đời vào 24/9/1957 ở Kalispell, Montana, Mỹ với tên đầy đủ là Phillip Bradley Bird, ông được biết đến với vai trò đạo diễn và biên kịch cho bộ phim The Simpsons (1989), The Incredibles (2004) và Ratatouille (2007). Trong chuyến tham quan đến Walt Disney Studios năm 11 tuổi, Bird đã nói rằng vào một ngày nào đó ông ấy sẽ trở thành một phần của đội ngũ làm phim hoạt hình ở đây. Và ngay sau đó, ông bắt đầu sản xuất một phim hoạt hình ngắn với thời lượng 15 phút. Sau 2 năm, Bird đã hoàn thành xong bộ phim của mình và gây ấn tượng với công ty sản xuất phim hoạt hình. Ở tuổi 14, khi vừa mới học trung học, Bird đã nhận được sự tư vấn của Milt Kahl, một trong những huyền thoại của Disney. Bird gọi lại cho nhà phê bình Milt Kahl để trình bày ý tưởng của mình. Kahl đã chỉ ra những điểm còn thiếu sót trong ý tưởng để Bird có thể tiến bộ hơn. Ông đã nhận được học bổng của Disney để tham gia Viện Nghệ thuật California, nơi mà ông đã gặp và trở thành bạn bè với nhà làm phim hoạt hình tương lai, John Lasseter – giám đốc điều hành Pixar sau này. Năm 2000, ông quay lại hợp tác với John Lasseter ở Pixar, nơi ông sẽ phát triển những bộ phim hoạt hình tiếp theo của mình đó là The Incredibles (2004) và Ratatouille (2007). Cả hai bộ phim đều mang về doanh thu cao nhất cho Pixar và mang đến cho Bird 2 giải Oscars ở hạng mục Phim hoạt hình hay nhất và một đề cử ở hạng mục Kịch bản gốc xuất sắc nhất. Ban đầu, The Incredibles được đầu tư sản xuất như một phim hoạt hình truyền thống dưới tên của hãng Warner Bros. Tuy nhiên, sau khi hãng này đóng cửa bộ phận làm phim hoạt hình, Brad Bird – đạo diễn của bộ phim đã đem kịch bản đến Pixar và tiếp tục dự án này với John Lasseter – giám đốc sáng tạo của Pixar. Dưới tài năng của Brad Bird và sự trợ giúp của Pixar, vào 5/11/2004, The Incredibles đã ra mắt với kinh phí sản xuất là 92 triệu USD. Sau khi gây ra một cơn sốt trong giới hoạt hình, The Incredibles đã thu về số tiền phòng vé là 631 442 092 USD. Tại lễ trao giải Oscars năm 2004, The Incredibles đã giành giải Phim hoạt hình hay nhất và Biên tập âm thanh xuất sắc nhất cho Michael Silvers – Randy Thom Sau The Incredibles, Brad Bird bắt tay vào sản xuất Ratatouile, một bộ phim về chú chuột có đam mê về nghề bếp. Hình ảnh trong phim được vẽ bằng máy tính do Pixar sản xuất. Phát hành vào 29/6/2007 với kinh phí 150 triệu USD, Ratatouile đã nhanh chóng thu về một lượng

Hoi thao hoat hinh 3D

Một ngành nghề còn khá mới trong giới trẻ hiện nay. Một ngành nghề mang đến cho bạn sự tươi trẻ và sáng tạo. Thu nhập hấp dẫn, môi trường năng động. Đó chính là nghề họa sĩ hoạt hình 3D. Bạn có biết những nhân vật hoạt hình đã được hình thành như thế nào? Tiêu chí nào để trở thành nhân viên một công ty sản xuất phim hoạt hình ở Việt Nam? Phải bắt đầu từ đâu để thành công với nghề? Tham gia Hội thảo hoạt hình 3D: Ngành của tương lai – Nghề của giới trẻ, bạn sẽ được giải đáp tất cả thắc mắc và chắc chắn với quyết định tương lai của bản thân.   THÔNG TIN CHƯƠNG TRÌNH: Hội thảo hoạt hình 3D: Ngành của tương lai – Nghề của giới trẻ Tổ chức: Viện Truyện tranh và Hoạt hình Đồng tổ chức: Colory Animation Studio Thời gian: 9:00 ngày 26/3/2016 Địa điểm: Hội trường lầu 7 – Trường Trung cấp chuyên nghiệp Tôn Đức Thắng, 98 Ngô Tất Tố, P.19, Q. Bình Thạnh, TPHCM. [spacer] Hội thảo sẽ cung cấp cho người tham gia những kiến thức tổng quát về Hoạt hình 3D, thực trạng tuyển dụng và đào tạo nghề ở Việt Nam, quy trình làm hoạt hình 3D, cách thiết kế và biểu cảm nhân vật, phương pháp học & chương trình học chuyên sâu tại Viện Truyện tranh và Hoạt hình… Bên cạnh đó, hội thảo còn giới thiệu về những dự án mới của Colory Animation Studio – một trong những công ty sản xuất hoạt hình 3D lớn mạnh ở thị trường hoạt hình Việt Nam. Qua đó tìm hiểu về câu chuyện đam mê và ý chí thực hiện ước mơ của những người sáng lập Colory Animation Studio. Chia sẻ của những người trong ngành về thuận lợi và khó khăn trong quá trình làm việc thực tế của nghề làm phim hoạt hình 3D ở Việt Nam và thế giới. Gặp gỡ và giao lưu với những công ty chuyên sản xuất và đầu tư vào lĩnh vực này. Ngoài ra, hội thảo còn có những chia sẻ về tầm quan trọng của việc học chuyên sâu tại Viện Truyện tranh và Hoạt hình, thực tập tại các doanh nghiệp, công ty sản xuất phim hoạt hình. [spacer] Hội thảo có sự tham gia chia sẻ của những người có kinh nghiệm trong nghề: [spacer] ĐỐI TƯỢNG THAM GIA: – Các bạn trẻ yêu thích làm phim hoạt hình 3D; – Học viên, sinh viên các trường Mỹ thuật; – Học sinh các trường Trung học phổ thông tại TPHCM muốn tìm hiểu về ngành nghề; – Học viên Viện Truyện tranh và Hoạt hình; – Các bạn có nguyện vọng đăng ký học chuyên sâu nghề Họa sĩ hoạt hình 3D tại Viện Truyện tranh và Hoạt hình; [spacer] Quà tặng dành cho người tham gia: – 1 bảng vẽ Wacom Intuos Pro, trị giá 8.690.000đ/cái; – 10 Bảng vẽ Wacom Intuos CTL 480K, trị giá 1.600.000đ/cái; – 20 Phiếu ưu đãi 1.000.000đ khi ghi danh đăng ký ngành Họa sĩ Hoạt hình 3D/ Họa sĩ Truyện tranh ngay tại Hội thảo; (Áp dụng sau khi học viên hoàn tất thủ tục đăng ký lớp dài hạn hệ KTV) – 1 Học bổng toàn phần lớp Kịch bản, trị giá 5.400.000đ/học bổng; – 5 học bổng bán phần lớp kịch bản, trị giá 2.700.000đ/học bổng; [spacer] ĐĂNG KÝ THAM DỰ [spacer] Đang tải… [spacer] Comic Media Academy Viện Truyện tranh và Hoạt hình CS 1: Phòng tuyển sinh, 98 Ngô Tất Tố, P.19, Bình Thạnh, TPHCM (cô Tường Vy) CS 2: 147 Pasteur, P.6, Q.3, TPHCM (thầy Hải Đăng) (Góc ngã tư Điện Biên Phủ – Pasteur) Hotline: (08) 3514 4365 – 090.273.8806 Email: daotao@cmavn.org – Website: www.cmavn.org Fanpage: www.facebook.com/cmavn.org

Ronnie del Carmen va Peter Docter

Inside out của hãng phim Pixar đã giành được danh hiệu Phim hoạt hình hay nhất tại lễ trao giải Oscar lần thứ 88, năm 2016. Vậy đứng sau thành công của Inside out là những ai? Họ đã làm như thế nào để đưa Inside out chạm vào cảm xúc của người xem? Trở lại sau hai năm vắng bóng, Pixar không làm người hâm mộ thất vọng khi có sự đầu tư kỹ càng từ hình ảnh đến kịch bản để cho ra đời Inside out vào mùa hè 2015. Bộ phim thành công khi đã chạm tới tận cùng cảm xúc của người xem, cho họ lắng đọng với những khoảng thời gian ký ức của bản thân. Bên cạnh đó, ngay khi vừa xuất xưởng, Inside out đã thu về 91 triệu USD và trở thành phim hoạt hình ăn khách nhất mọi thời đại của hãng Pixar, cao hơn doanh thu của The Incredibles, Finding Nemo và Up. Mới đây nhất, tại lễ trao giải Oscar lần thứ 88, năm 2016, Inside out đã đánh bật các ứng viên nặng ký khác như Anomalisa, Boy & the World, When Marnie was there, Shaun the Sheep Movie. Không những vậy, Inside out còn được đề cử ở hạng mục Kịch bản gốc hay nhất. [spacer] Một bản nhạc về ký ức của giai đoạn trưởng thành Inside out là bộ phim kể về cô bé Riley 11 tuổi chuyển nhà từ Minnesota đến San Francisco. Rời xa ngôi nhà thân quen và những người bạn thuở nhỏ để tới một nơi xa lạ, điều này đã ảnh hưởng đến tâm lý và cảm xúc của cô bé. Như tất cả mọi người, giai đoạn trưởng thành của Riley chịu sự chi phối của năm cảm xúc đặc trưng: Vui vẻ (Joy), Buồn bã (Sadness), Chảnh chọe (Disgust), Giận dữ (Anger), Sợ hãi (Fear). >>> Xem thêm: Inside Out và 8 bài học cảm xúc Inside out như một bản nhạc về sự trưởng thành, về những niềm vui, nỗi buồn đã từng xảy ra trong quá khứ. Những ký ức dù vui hay buồn cũng sẽ bị chìm sâu trong quên lãng và biến mất như chưa từng xuất hiện. Tuy nhiên cũng có những kỷ niệm luôn bên cạnh chúng ta như những người bạn. Giai đoạn trưởng thành luôn phải đối đầu với những trải nghiệm khó khăn, gian khổ và có cả nước mắt. Nhưng chỉ cần sống với cảm xúc thật của bản thân thì chúng ta mới có những ký ức tuyệt đẹp và trong sáng nhất. Đằng sau thành công của Inside out là sự cố gắng không ngừng nghỉ của đội ngũ làm phim, đặc biệt là những họa sĩ, đạo diễn. Trong đó, chúng ta phải nhắc đến tài năng và sự hợp tác hoàn hảo của họa sĩ Ronnie del Carmen và đạo diễn Pete Docter. [spacer] Người “nhào nặn” một Inside out giàu cảm xúc [spacer] Pete Docter – đạo diễn tài ba của hãng phim hoạt hình Pixar. [spacer] Pete Docter là một đạo diễn, họa sĩ hoạt hình, biên kịch, nhà sản xuất và diễn viên lồng tiếng người Mỹ. Là một người tài năng khi là nhân tố quan trọng trong quá trình sáng tạo ra những tác phẩm xuất sắc của Pixar như Monster Inc., Up… Ông là một trong 3 biên kịch chính đằng sau ý tưởng của Toy Story, và phần nào xây dựng nhân vật Buzz Lightyear dựa trên chính mình. Ông từng nhận được 6 đề cử Oscar với một chiến thắng trong hạng mục Phim hoạt hình hay nhất dành cho Up. Trước khi gia nhập Pixar, ông từng tạo ra 3 bộ phim hoạt hình không sử dụng công nghệ máy tính là Next Door, Palm Spring và Winter. Ông tự học hoạt hình, tự làm flip book và các đoạn hoạt hình ngắn bằng một máy quay phim gia đình. Khi tạo hình cho nhân vật, ông thường đặt một tấm gương trên bàn và nhìn vào đó để tạo ra khuôn mặt cho các nhân vật của mình. [spacer] Người cộng sự hoàn hảo của Pete Docter [spacer] Họa sĩ Ronnie del Carmen – đồng đạo diễn Inside out Ronnie del Carmen là một họa sĩ người Philippines. Tuy tốt nghiệp ngành quảng cáo nhưng chính đam mê làm phim đã thôi thúc ông chuyển hướng. Năm 2000, ông gia nhập Pixar sau khi kết thúc làm việc cho hãng Warner Bros với loạt phim hoạt hình Batman. Trở thành thành viên của Pixar, ông nắm giữ vị trí giám sát câu chuyện cho tác phẩm Finding Nemo và góp mặt trong những dự án phim hoạt hình lớn của hãng như Ratatouille, Wall-E, Brave… Năm 2009, với vị trí giám sát câu chuyện và nghệ sĩ vẽ storyboard cho phim Up cùng đạo diễn Pete Docter, mở đầu cho sự hợp tác hoàn hảo của cả hai. Thành công của Up đã thôi thúc cả hai tiếp tục hợp tác với câu chuyện mà các nhân vật chính là những cảm xúc bên trong tâm trí mỗi người. Inside out ra đời từ ý tưởng đó và được triển khai trong 5 năm. Nói về quá trình làm việc với Pete Docter, ông cho biết “Thực sự là làm một bộ phim trong 05 năm rất vất vả, với bất kỳ dự án phim nào cũng vậy. Tôi rất may mắn vì Pete Docter biết cách phối hợp ăn ý. Làm việc với anh ấy rất vui. Có nhiều thử thách mà chúng tôi phải đối mặt khi làm việc cùng nhau như việc chọn các nhân vật chính, triển khai ý tưởng câu chuyện. Mỗi cá nhân đều có sự khác biệt riêng nhưng may mắn là tôi và Pete có rất nhiều điểm chung. Bộ phim là một hành trình tuyệt vời của chúng tôi” (Theo Vnexpress.net) >>> Tìm hiểu thêm: Lớp Học

Oscar 2016

Lễ trao giải Oscar lần thứ 88, năm 2016 đã diễn ra vào tối 28/2 (giờ địa phương) tại Nhà hát Dolby ở Los Angeles (Mỹ), quy tụ những ngôi sao lớn của làng điện ảnh thế giới như Leonardo DiCaprio, Brie Larson, Whoopi Goldberg… Điểm nhấn nổi bật của Oscar 88 chính là phần chiến thắng xúc động của Leonardo DiCaprio với vai diễn Hugh Glass trong The Revenant. Sau nhiều lần “lỡ hẹn” với tượng vàng do gặp phải những đối thủ nặng ký, trong lần thứ 88 của giải Oscar, Leo đã có thể chạm tay đến giải thưởng Nam diễn viên chính xuất sắc – một trong những giải thưởng danh giá của Oscar. Vai diễn này thực sự là một thử thách đối với tài tử điển trai và đoàn làm phim khi họ phải quay phim trong những hoàn cảnh, địa hình khó khăn. Cùng với tượng vàng của Leo, đoàn làm phim The Revenant cũng đã dành thêm hai giải thưởng danh giá khác là Đạo diễn xuất sắc nhất và Quay phim xuất sắc nhất. Có thể nói, The Revenant đã có một chiến thắng lớn tại Oscar 2016. Giải Nữ diễn viên chính xuất sắc nhất thuộc về Brie Larson với vai diễn trong bộ phim Room. Tuy có nhiều thành công với các vai diễn trước đó nhưng với vai diễn cô gái trẻ bị bắt cóc và hãm hiếp trong Room, Brie Larson mới thực sự tỏa sáng. Sau khi nhận giải thưởng, người đẹp sẽ tiếp tục trở lại Việt Nam để cùng đoàn làm phim Kong quay những phân cảnh tiếp theo ở Ninh Bình. Giải thưởng Bộ phim hay nhất được Oscar 2016 gọi tên chính là Spotlight. Dựa trên sự kiện có thật, bộ phim là câu chuyện chân thật về cuộc đấu tranh của nhóm nhà báo Mỹ nhằm vạch trần vụ bê bối tình dục trong hệ thống nhà thờ Mỹ làm chấn động thế giới vào đầu thế kỷ 21. Với những thước phim giản dị nhưng lay động lòng người, những người làm phim như muốn nhắn gửi đến những nhà báo về tinh thần tìm kiếm, phơi bày sự thật còn ẩn giấu trong bóng tối ra ánh sáng. Trước đêm diễn ra Oscar, Spotlight đã được xem là một đối thủ nặng ký cho giải thưởng Bộ phim hay nhất. Về mảng phim hoạt hình, Inside Out với những thành công trong năm qua đã đánh bật những ứng viên còn lại để giành danh hiệu Phim hoạt hình hay nhất, trở thành tác phẩm thứ tám của Pixar được vinh danh Oscar ở hạng mục này. Inside out của Pixar là bộ phim hoạt hình gây sốt mùa phim hè 2015, với doanh thu ra mắt cao nhất mọi thời đại của hãng. Bên cạnh đó, bộ phim với những nhân vật về cảm xúc trong tâm trí con người đã trở thành một trào lưu trong giới trẻ. Với những thành tích đáng nể, Inside out quả thật không có đối thủ trong lễ trao giải Oscar 2016. Ngoài ra, các giải thưởng khác như Nam, nữ diễn viên phụ xuất sắc nhất, Biên kịch xuất sắc nhất, Ca khúc trong phim xuất sắc nhất, Nhạc phim xuất sắc nhất,… cũng được trao cho những tên tuổi xứng đáng với những gì đã đóng góp cho điện ảnh thế giới năm qua. Oscar là lễ trao giải dành cho lĩnh vực điện ảnh do Viện Hàn lâm Khoa học và Nghệ thuật Điện ảnh Hoa Kỳ tổ chức thường niên. Lễ trao giải này đã vinh danh rất nhiều diễn viên, đạo diễn, ekip làm phim,… xuất sắc và có nhiều cống hiến cho điện ảnh thế giới trong năm. [spacer] DANH SÁCH CÁC GIẢI THƯỞNG OSCAR LẦN THỨ 88, NĂM 2016: [spacer] Phim hay nhất “The Revenant” “Spotlight” “Room” “Mad Max: Fury Road” “The Big Short” “Brooklyn” “Bridge of Spies” “The Martian” Nam diễn viên chính xuất sắc Leonardo DiCaprio, “The Revenant” Michael Fassbender, “Steve Jobs” Eddie Redmayne, “The Danish Girl” Bryan Cranston, “Trumbo” Matt Damon, “The Martian” Nữ diễn viên chính xuất sắc Brie Larson, “Room” Saoirse Ronan, “Brooklyn” Cate Blanchett, “Carol” Charlotte Rampling, “45 Years” Jennifer Lawrence, “Joy” Nam diễn viên phụ xuất sắc Sylvester Stallone, “Creed” Tom Hardy, “The Revenant” Mark Rylance, “Bridge of Spies” Christian Bale, “The Big Short” Mark Ruffalo, “Spotlight” Nữ diễn viên phụ xuất sắc Alicia Vikander, “The Danish Girl” Kate Winslet, “Steve Jobs” Rooney Mara, “Carol” Jennifer Jason Leigh, “The Hateful Eight” Rachel McAdams, “Spotlight” Đạo diễn xuất sắc nhất George Miller, “Mad Max: Fury Road” Alejandro G. Inarritu, “The Revenant” Adam McKay, “The Big Short” Lenny Abrahamson, “Room” Tom McCarthy, “Spotlight” Kịch bản chuyển thể hay nhất “The Big Short” “Brooklyn” “Carol” “Room” “The Martian” Kịch bản gốc hay nhất “Spotlight” “Ex Machina” “Bridge of Spies” “Straight Outta Compton” “Inside Out” Phim hoạt hình hay nhất “Inside Out” “Anomalisa” “Boy & the World” “When Marnie Was There” “Shaun the Sheep Movie” Phim tài liệu dài hay nhất “Amy” “Cartel Land” “The Look of Silence” “What Happened, Miss Simone?” “Winter on Fire: Ukraine’s Fight for Freedom” Phim nói tiếng nước ngoài hay nhất “Son of Saul” (Hungary) “Theeb” (Jordan) “Embrace of the Serpent” (Colombia) “Mustang” (Pháp) “A War” (Đan Mạch) Quay phim đẹp nhất “The Revenant” “The Hateful Eight” “Carol” “Mad Max: Fury Road” “Sicario” Bài hát trong phim hay nhất “Til It Happens to You” – The Hunting Ground “Earned It” – Fifty Shades of Grey “Writing’s on the Wall” – Spectre “Simple Song #3” – Youth “Manta Ray” – Racing Extinction Phim tài liệu ngắn hay nhất “Body Team 12” “Chau, Beyond the Lines” “Claude Lanzmann: Spectres of the Shoah” “A Girl in the River: The Price of Forgiveness” “Last Day of Freedom” Dựng phim hay nhất “The Revenant” “Mad Max: Fury Road” “The Big Short” “Spotlight” “Star Wars: The Force Awakens” Dựng âm thanh xuất

10 lợi ích khi học tại Viện Truyện tranh và Hoạt hình

[spacer] + Menu (click thu gọn) 1. Khai phóng trí tuệ – tự do sáng tạo 2. Miễn thi năng khiếu 3. Đào tạo theo nhu cầu doanh nghiệp 4. Tổng thời lượng học tập dài gấp đôi chương trình Đại học 5. Phương pháp giảng dạy, giáo trình độc quyền & duy nhất 6. Tự tay làm ra tác phẩm, phát hành toàn quốc ngay trong quá trình học 7. Nhiều chương trình kết nối quốc tế 8. Thực hành trên bảng vẽ điện tử 9. Học bổng & các chính sách học phí 10. Việc làm ngay trên ghế giảng đường & sau khi tốt nghiệp [spacer] 1. Khai phóng trí tuệ – tự do sáng tạo: – Với vai trò là đơn vị tiên phong nghiên cứu, đào tạo nguồn nhân lực chất lượng cao tại Việt Nam, Viện Truyện tranh và Hoạt hình (Comic Media Academy – CMA) xây dựng chương trình học đa dạng theo từng lộ trình cụ thể để học viên có thể phát huy tốt nhất trí tuệ, năng lực sáng tạo với nhiều phong cách khác nhau. [spacer] 2. Miễn thi năng khiếu: Khác biệt hẳn với nhiều trường, trung tâm đào tạo đang hoạt động, Viện Truyện tranh và Hoạt hình quan niệm năng khiếu chỉ chiếm 1% thành công, 99% còn lại nằm ở quá trình rèn luyện chăm chỉ của học viên. Chính vì vậy, học viên đăng ký học tại Viện sẽ không phải thi năng khiếu đầu vào. >>> Tìm hiểu thêm: Chỉ tiêu tuyển sinh 2018 [spacer] 3. Đào tạo theo nhu cầu doanh nghiệp: Chương trình đào tạo của Viện được thực hiện dựa theo nhu cầu nhân lực thực tế của các doanh nghiệp đang hoạt động trong ngành công nghiệp sáng tạo tại Việt Nam. Theo nhu cầu nhân lực đó, Viện thường xuyên tổ chức các buổi gặp gỡ, họp chuyên môn giữa giảng viên và đại diện doanh nghiệp để cải tiến chương trình, phương pháp giảng dạy sao cho phù hợp nhất. Hiện tại, học viên theo học tại Viện với thời lượng 40 – 48 giờ/tuần và áp lực bài tập như các họa sĩ thực thụ đang làm việc bên ngoài. Những trải nghiệm thực tế ngay trên giảng đường sẽ giúp học viên không phải bở ngỡ khi làm việc chính thức. [spacer] 4. Tổng thời lượng học tập dài gấp đôi chương trình Đại học: Đặc thù đào tạo dựa theo nhu cầu doanh nghiệp, thời lượng học tập tại Viện là một thử thách đối với bất kỳ học viên yêu thích các ngành nghề này. Cụ thể, thời lượng dành cho các bộ môn tại Viện từ 5300 – 6400 tiết học liên tục chưa kể thời gian tự học và thực hiện các bài tập về nhà. Đặc biệt, đối với một số bộ môn quan trọng đặc biệt với nghề như Basic Sketch, Human Anatomy, Human Drawing, Animal Drawing, Phối cảnh, Khoa học màu sắc… tùy theo mức độ tiếp thu kiến thức của học viên, Viện sẽ có phương pháp điều chỉnh, tăng thêm thời gian học để học viên có đủ thời gian “thẩm thấu”. Học viên sẽ không phải đóng thêm bất kỳ khoản phí nào cho thời gian học tập bổ sung này. [spacer] 5. Phương pháp giảng dạy, giáo trình độc quyền & duy nhất: Phương pháp giảng dạy thực tế theo nhu cầu doanh nghiệp, không hàn lâm, nặng tính nghiên cứu như môi trường đại học. Giáo trình tại Viện được chuyển giao kinh nghiệm và nâng cấp liên tục từ các doanh nghiệp, trường đối tác như: Phan Thị, Osaka Sogo College, Nippon Design…Bên cạnh đó, đội ngũ giảng viên tại Viện ngoài thời gian giảng dạy sẽ tập trung vào việc biên soạn giáo trình chuyên ngành với gần 150 đầu sách tham khảo từ căn bản đến chuyên sâu. [spacer] [spacer] [spacer] 6. Tự tay làm ra tác phẩm, phát hành toàn quốc ngay trong quá trình học: Sở hữu những tác phẩm, sản phẩm thực tế được công chúng đón nhận luôn là thách thức với các trường Đại học. Ngược lại, việc sáng tạo tác phẩm và xuất bản ngay trong quá trình học tập là tiêu chí hàng đầu của học viên tại Viện. Song hành cùng với quá trình học tập, Viện hỗ trợ học viên trong việc phát triển ý tưởng, hình thành kịch bản và tiến đến việc xuất bản một tác phẩm hoàn chỉnh. Học viên được hỗ trợ hoàn toàn miễn phí và không phải lo lắng các vấn đề khác như: Truyền thông, in ấn, phát hành… [spacer] 7. Nhiều chương trình kết nối quốc tế: Viện Truyện tranh và Hoạt hình khuyến khích học viên gửi tác phẩm tham dự các cuộc thi quốc tế để cọ xát và học tập kinh nghiệm từ các đồng nghiệp nước ngoài. Bên cạnh các cuộc thi quốc tế, Viện thường xuyên tổ chức các buổi giao lưu, gặp gỡ các trường, chuyên gia nước ngoài để tạo điều kiện du học, việc làm đa dạng cho học viên. [spacer] 8. Thực hành trên bảng vẽ điện tử & Phòng học chuyên dụng: Sau 02 – 03 học kỳ rèn luyện các kỹ năng học vẽ tay, học viên sẽ được thực hành và làm việc trên hệ thống bảng vẽ điện tử với cấu hình mạnh mẽ nhất hiện tại. Việc học trên bảng vẽ điện tử sẽ giúp học viên gia tăng năng suất lao động khi làm việc chính thức tại các doanh nghiệp. Theo một nghiên cứu của Phan Thị – đối tác giảng dạy ngành truyện tranh tại Viện, “làm việc trên bảng vẽ điện tử giúp tăng năng suất lên đến 20 lần so với vẽ tay thông thường”. [spacer] [spacer] PHÒNG HỌC CHUYÊN DỤNG CHO HỌA SĨ: [spacer] 9. Học bổng & Các chính sách học phí:

Liên hoan hoạt hình quốc tế Fest Anča 2016 (The International Animation Festival Fest Anča 2016), là một trong những liên hoan phim hoạt hình danh tiếng được tổ chức thường niên tại Slovakia với mục đích đóng góp vào sự phát triển, và quảng bá ngành công nghiệp hoạt hình thế giới. Năm nay, liên hoan phim Fest Anča 2016 vẫn sẽ được diễn ra tại thành phố Zillina, Slovakia. [spacer] Bạn quan tâm đến các cuộc thi hoạt hình quốc tế? Hãy thử xem qua cuộc thi Pictoplasma 2016 [spacer] Hạng mục trao giải Giải Phim hoạt hình ngắn xuất sắc  – Anča Award. Giải Phim hoạt hình ngắn xuất sắc của học sinh/sinh viên – Anča Student Award. Giải video âm nhạc theo phong cách phim hoạt hình xuất sắc – Anča Music Video Award. Giải phim hoạt hình xuất sắc dành cho thiếu nhi – Anča Kids’ Award. Ngoài những giải thưởng trên, còn có hai hạng mục giải thưởng khác: Giải phim hoạt hình xuất sắc của Slovakia – Anča Slovak Award. Do Quỹ văn học Slovakia tài trợ và trao thưởng. Giải đơn vị sản xuất phim hoạt hình xuất sắc Slovak  – Anča D Award. Được trao bởi Film Europe Media Company.[spacer] Thời gian tổ chức: Liên hoan phim hoạt hình quốc tế Fest Anča 2016 sẽ được diễn ra từ ngày 29/06 đến ngày 03/07. Thời hạn nhận tác phẩm dự thi từ ngày 08/03 đến hết 15/03. Miễn phí tham dự cho tất cả các tác phẩm. Các phim được làm với ngôn ngữ sở tại cần kèm theo bản phụ đề tiếng Anh. Kết quả về các tác phẩm được dự thi liên hoan phim sẽ được báo về trước ngày 15/05/2016.[spacer] Cách thức tham dự Các tác phẩm tham dự liên hoan phim phải được đi kèm với hồ sơ bao gồm: Mẫu đăng ký hoàn thành đầy đủ. Tóm tắt về bộ phim (dưới dạng văn bản điện tử). Lời thoại bằng ngôn ngữ gốc và bản phụ đề tiếng Anh (dưới dạng văn bản  điện tử). Hình ảnh,CV của giám đốc sản xuất và những người tham gia phim (dưới dạng văn bản điện tử). Phim được lưu vào đĩa DVD và được cung cấp trước ngày 15/03/2016 ( theo thời gian in trên chuyển phát nhanh, bưu điện) hoặc nộp trực tiếp tại địa chỉ: Anca / Fest Anca Stefanikova 16 811 04 Bratislava Slovakia Bạn có thể tìm hiểu thêm về liên hoan phim tại đây (http://festanca.sk/2016/en/fest-anca-regulations/) [spacer] Bạn muốn nâng cao trình độ, rèn dũa tài năng để có kết quả như mong đợi khi tham dự các cuộc thi quốc tế? Đăng ký theo học các lớp chuyên nghiệp dạy làm truyện tranh, hoạt hình do CMA tổ chức! [spacer] HỖ TRỢ TỪ VIỆN TRUYỆN TRANH VÀ HOẠT HÌNH   Các bạn có mong muốn gửi tác phẩm dự thi tham dự các cuộc thi hoạt hình quốc tế có thể liên hệ đại diện Phòng Quan hệ Quốc tế CMA qua hộp thư dang.ho@cmavn.org để được hướng dẫn và hỗ trợ trực tiếp.  

Đạo diễn Makoto Shinkai

Makoto Shinkai là một đạo diễn phim hoạt hình vô cùng xuất chúng. Sinh ngày 9.3.1973 tại Nagano, Nhật Bản. Niềm đam mê và cảm hứng của ông xuất phát từ những tác phẩm văn học khi còn ngồi ghế nhà trường. Không giống đa số các đạo diễn phim hoạt hình khác, Makoto Shinkai khởi nghiệp từ nghề thiết kế đồ họa, làm việc cho hãng sản xuất trò chơi điện tử trong 5 năm. Bước ngoặt đầu tiên trong cuộc đời của ông, có lẽ là sự xuất hiện của She and her cat – bộ phim hoạt hình đầu tiên của Makoto Shinkai, bộ phim trắng đen có thời lượng khoảng 5 phút, đã giúp Makoto Shinkai thắng một số giải phim ngắn. Sự nhiệt thành ủng hộ từ phía công chúng khi ấy đã trở thành động lực cho Makoto chuyển hẳn sang nghề đạo diễn phim hoạt hình. Vào khoảng tháng 6 năm 2000, Makoto Shinkai cùng nhóm làm việc thực hiện bộ phim thứ hai. Bảy tháng làm cật lực, Voices of a distant star đã làm cộng đồng hâm mộ anime phải nhớ đến cái tên Makoto Shinkai. Ngày 20/11/2004, The place promised in our early days – bô phim dài 90 phút đã giúp Makoto Shinkai nhận được nhiều giải thưởng danh giá. Sau ba năm, siêu phẩm 5 Centimeters per second được ra mắt. Cho đến nay, bộ phim câu chuyện về tỉnh yêu lãng mạn của hai nhân vật vẫn được nhắc đến như một “tượng đài” trong cộng đồng người hâm mộ. Đạo diễn Makoto Shinkai và người hâm mộ.[spacer] She and her cat ( Nàng và con mèo của nàng), 1999 She and her cat – bộ phim hoạt hình đen trắng đã giúp Makoto Shinkai thắng giải DoGA CG Animation tổ chức vào năm 2000. Vào một ngày đầu xuân, cô chủ mới tìm thấy Chobi. Trong suốt thời gian ở cùng cô chủ, Chobi cứ như đắm chìm trong tình yêu thương của cô. Đến mùa hè, cô chủ giới thiệu cho Chobi cô mèo cái đáng yêu xinh đẹp Mimi. Sau một khoảng thời gian, Chobi và cô chủ nhận ra rằng, họ chỉ cần nhau mà không cần thêm ai khác. Ở cuối phim, hai nhân vật đã cùng nhau đồng nhanh, “thế giới này, chúng tôi thích nó”. Makoto Shinkai cho biết, khung cảnh trong bộ phim She and her cat được vẽ lại với cảm hứng chính từ nơi ông đang sống vào thời điểm đấy. Những căn hộ kiểu Nhật nhỏ bé, xung quanh là cây cột điện xi măng, lằng nhằng dây chéo, góc phố tĩnh lặng… xuất hiện rất chân thật trong bộ phim. [spacer] Voices of a distant star ( Tiếng gọi từ vì sao xa), 2002 Lấy bối cảnh năm 2046, khi con người dần bị đe dọa bởi nạn diệt chủng từ người ngoài hành tinh. Một hạm đội chuyên tiềm kiếm và tiêu diệt các sinh vật vũ trụ đã được thành lập. Mikako – thành viên trẻ nhất của hạm đội ngày đêm nhớ mong chàng trai cô yêu – Noboru Terao vẫn đang ở lại trái đất. Sợi dây liên kết duy nhất của họ là những tin nhắn đường dài. Có khoảng thời gian, dường như khoảng cách giữa hai con tim đã như khoảng cách giữa hai người xa như khoảng cách từ vũ trụ với trái đất. Trailer phim Voices of a distant star –  Makoto Shinkai.[spacer] The place promised in our early days ( Bên kia đám mây, nơi ta hẹn ước), 2004 Năm 1974, nước Nhật bị phân chia hai miền Nam Bắc. Mỗi miền đều bị đế quốc khác xâm chiếm. Ở miền Nam nước Nhật, Union – chính phủ lâm thời – đã cho xây dựng một ngọn tháp chọc trời ở Hokkaido. Hiroki, Takuya, Sayuri là ba người bạn nhỏ sống gần biên giới miền Bắc tìm được xác máy bay rơi. Cả ba đã hứa với nhau rằng, một ngày nào đó cả ba sẽ cùng bay đến ngọn tháp ở đầu kia đất nước. Ba năm sau, ba người bạn đều có cuộc sống riêng. Sayuri đột nhiên mất tích chỉ để lại bức thư nhắc nhớ về lời hứa năm xưa. Trailer của phim The place promised in our early days – đạo diễn Makoto Shinkai.[spacer] 5 Centimeters per second (Năm centi-mét một giây), 2007 “5 Centimeters per second” là câu chuyện buồn giữa đôi tình nhân Takaki và Akari. Tình yêu nồng thắm, lời hứa dưới tán hoa đào…là những gì họ trao cho nhau 13 năm trước. Tình yêu non nót, mỏng manh luôn âm ỉ nhưng lại chẳng dám nói thành lời. Bộ phim chính là một bài học về tình yêu chân thành cho những người trẻ như chúng ta. Trailer của phim 5 Centimeters per second – đạo diễn Makoto Shinkai.[spacer] Journey to Agartha  (Phiêu lưu đến xứ Agartha), 2011 Những lúc cảm thấy cô đơn, Asuna thường mở radio lên nghe – món quà cuối cùng cô có từ cha, trước khi ông mất. Ngày nọ, Asuna bị tấn công bởi một con quái vật, Shun – một chàng trai bí ẩn đã cứu cô thoát chết. Shun nói rằng, đất nước Agartha là quê hương của anh. Khi Asuna về, đột nhiên Shun tự tử. Cô bé Asuna lên đường tìm đến Agartha, với hy vọng tìm kiếm Shun. Chuyến du hành này đã mang đến nhiều điệu lạ lẫm cho cô bé Asuna. Makoto nói về phim này: “Tôi xây dựng Agartha dựa trên các nền văn hóa cổ của thế giới, bao gồm cả văn hóa Ấn độ cũng như Trung Đông…Tôi xem rất nhiều các hiện vật cổ, và chúng là nguồn càm hứng lớn cho kịch bản của tôi”. Trailer phim Journey to Agartha  – đạo diễn Makoto Shinkai.[spacer] Garden of Words ( Khu vườn của chữ), 2013 “Chúng ta đã gặp nhau, để

Liên hoan phim Quốc tế Perth 2016

Liên hoan phim quốc tế Perth được tổ chức hằng năm nhằm tìm kiếm và phát hiện các tài năng mới trong lĩnh vực điện ảnh và phim hoạt hình. Ban tổ chức cuộc thi rất hào hứng trong việc tìm hiểu và tôn vinh các tác phẩm độc đáo và mang đậm dấu ấn riêng của các nhà làm phim từ chuyên nghiệp đến nghiệp dư trên toàn thế giới. Liên hoan phim đón nhận tất cả các phong cách, thể loại, các dòng phim ngắn hoặc dài, dành cho mọi lứa tuổi. Chỉ cần có ý tưởng hay và chất lượng tốt, các tác giả từ khắp nơi trên thế giới có thể tự tin gửi tác phẩm dự thi. [spacer] Bạn quan tâm đến các cuộc thi hoạt hình quốc tế? Hãy thử xem qua cuộc thi Pictoplasma 2016 [spacer] Liên hoan phim quốc tế Perth 2016 dự kiến tổ chức từ ngày 7 – 17/7 tại thành phố Perth, Úc. Các tác phẩm dự thi sẽ được phân thành các hạng mục chính: Phim truyện, phim tài liệu, phim ngắn, phim hoạt hình, các tác phẩm thử nghiệm phong cách mới… Ban tổ chức không đưa ra nhiều luật lệ phức tạp, chỉ yêu cầu 3 điều đơn giản: Các tác phẩm dự thi được gửi về ban tổ chức trước ngày 15/4/2016. Các tác phẩm và toàn bộ nội dung phải là sản phẩm của chính thí sinh dự thi. Ban tổ chức không chấp nhận bất cứ trường hợp nào có rắc rối khiếu nại về bản quyền. Mỗi tác phẩm dự thi đều đi kèm lệ phí tham dự là 40 AUD (29.33 USD). Các tác phẩm dự thi có thể được gửi qua đường link trực tiếp trên website ban tổ chức, qua chương trình WithoutABox hoặc gửi qua bưu điện đính kèm mẫu đơn tham dự.[spacer] Giải thưởng Các tác phẩm chiến thắng sẽ được công chiếu tại liên hoan phim và tổ chức buổi giai lưu, thảo luận giữa tác giả với các chuyên gia, nhà phê bình phim và đông đảo khán giả. Ngoài ra các tác giả còn cơ hội được hợp tác với các nhà làm phim, các đơn vị truyền thông hàng đầu nước Úc. [spacer] Bạn muốn nâng cao trình độ, rèn dũa tài năng để có kết quả như mong đợi khi tham dự các cuộc thi quốc tế? Đăng ký theo học các lớp chuyên nghiệp dạy làm truyện tranh, hoạt hình do CMA tổ chức! [spacer] HỖ TRỢ TỪ VIỆN TRUYỆN TRANH VÀ HOẠT HÌNH   Các bạn có mong muốn gửi tác phẩm dự thi tham dự các cuộc thi hoạt hình quốc tế có thể liên hệ đại diện Phòng Quan hệ Quốc tế CMA qua hộp thư dang.ho@cmavn.org hoặc Skype: ComicMediaAcademy.info để được hướng dẫn và hỗ trợ trực tiếp.  

Festival hoạt hình quốc tế Pictoplasma 2016

Festival hoạt hình quốc tế Pictoplasma 2016 hứa hẹn sẽ biến Berlin thành điểm hẹn thú vị và đa dạng bậc nhất thế giới dành cho các nhà làm phim hoạt hình quốc tế. Đây cũng sẽ là nơi trình làng bộ mặt mới của ngành phim hoạt hình với các trào lưu thịnh hành trong từng lĩnh vực cụ thể như tạo hình nhân vật, minh họa ý tưởng, hoạt họa, thiết kế đồ họa… Các nhà làm phim hoạt hình, nhà sản xuất và các fan gạo cội sẽ cùng họp mặt và thưởng thức các tác phẩm xuất sắc của các họa sĩ được dựng lên màn ảnh rộng cùng với các chương trình đằng sau hậu trường kể lại toàn bộ quá trình sáng tác, thực hiện cho đến lúc công chiếu cho toàn thể khán giả. Festival chào đón các tác phẩm hoạt hình, tiểu thuyết hoạt hoạ (kể chuyện bằng hoạt hình), Hoạt hình ca nhạc (video ca nhạc bằng hoạt hình), đồ họa chuyển động (motion graphics) của các tác giả đến từ khắp nơi trên thế giới. [spacer] Bạn quan tâm đến các cuộc thi hoạt hình quốc tế? Hãy thử xem qua cuộc thi Anifilm 2016 [spacer] Các tác phẩm tham dự Festival hoạt hình quốc tế Pictoplasma 2016 sẽ có cơ hội được chọn đưa lên màn ảnh rộng tại lễ công chiếu Characters in Motion của Festival. Characters in Motion là buổi giới thiệu về toàn cảnh ngành phim hoạt hình quốc tế, các phim ngắn, phim đồ họa chuyển động và các tác phẩm thử nghiệm , đề cao phong cách, cách xây dựng, tạo hình nhân vật, cách dẫn truyện độc đáo mới lạ. Hạn chót gửi các tác phẩm tham dự là ngày 1/2/2016. Buổi công chiếu Characters In Motion thuộc Festival Pictoplasma Berlin’s 2016 diễn ra từ ngày 28 đến ngày 30 tháng 4 năm 2016.[spacer] Thể lệ tham dự Các tác phẩm tham dự gửi đường link download về ban tổ chức dưới định dạng 1080p Full HD Quicktime .mov file (định dạng Pro Res hoặc H264/mp4 cũng được chấp nhận). Mỗi tác phẩm tham dự cần đính kèm mẫu đơn tham dự đã hoàn chỉnh. Nếu gửi tác phẩm trực tiếp qua sever, vui lòng gửi file tối đa 2GB đến địa chỉ http://pictoplasma.wetransfer.com hoặc hộp thư input@pictoplasma.com. Miễn phí tham dự cho toàn bộ các tác phẩm. [spacer] Bạn muốn nâng cao trình độ, rèn dũa tài năng để có kết quả như mong đợi khi tham dự các cuộc thi quốc tế? Đăng ký theo học các lớp chuyên nghiệp dạy làm truyện tranh, hoạt hình do CMA tổ chức! [spacer] HỖ TRỢ TỪ VIỆN TRUYỆN TRANH VÀ HOẠT HÌNH   Các bạn có mong muốn gửi tác phẩm dự thi tham dự các cuộc thi hoạt hình quốc tế có thể liên hệ đại diện Phòng Quan hệ Quốc tế CMA qua hộp thư dang.ho@cmavn.org hoặc Skype: ComicMediaAcademy.info để được hướng dẫn và hỗ trợ trực tiếp.  

Le Petit Prince - Poster

Le Petit Prince – tác phẩm kinh điển của văn học lãng mạn Pháp nay được chuyển thể thành ấn phẩm hoạt hình điện ảnh – dự kiến ra mắt khán giả Việt ngày 8/1 tới đây. Bạn sẽ làm gì nếu tuổi thơ của bạn đã được cha mẹ lên lịch sẵn đến từng phút từng giây để rồi một ngày nó bạn khám phá ra rằng có quá nhiều thứ viễn vông, mơ hồ và trẻ con nhưng là những thứ mà tuổi thơ của bạn đáng ra cần phải có? [spacer] Trong phiên bản hoạt hình của cuốn tiểu thuyết thiếu nhi danh tiếng Le Petit Prince, câu chuyện không còn nằm ở góc nhìn của Ngài Phi Công mà thay vào đó là câu chuyện về Cô bé không tên. Cũng như biết bao bạn nhỏ đồng trang lứa – cô bé là sản phẩm của sự kì vọng lớn lao từ cha mẹ. Cuộc sống của em, tuổi thơ của em đã được mẹ lên lịch toàn bộ, chi li đến từng giờ từng phút với niềm mong mỏi không gì hơn là cho con mình thi vào được một ngôi trường danh tiếng, có con đường học vấn sáng lạn, hướng đến tương lai thành đạt. Có thể nói cô bé đã được “lập trình” để trở thành một “công dân hoàn hảo” cho xã hội. Đó là một ý định tốt, một mong muốn chính đáng của bất kỳ bậc phụ huynh nào trên đời. Nhưng đổi lại, cái giá phải trả là gì? Một tuổi thơ không nhiều những mơ mộng viễn vông, không có giây phút nào phí hoài với những suy nghĩ trẻ con phi thực tế…, một tuổi thơ không có bóng dáng của những người bạn tưởng tượng. Liệu đó có phải là mất mát? Đó có phải là cái giá hợp lý? Quan trọng hơn, đó liệu có phải là lựa chọn của em nếu như em có quyền được chọn, có quyền tự quyết định tuổi thơ của mình? Grandir c’est pas tellement ça le problème, le problème c’est d’oublier! Trưởng thành không phải là vấn đề, vấn đề là ta đã quên mất tuổi thơ! Những phân đoạn nói về Hoàng tử bé trong phim đều sử dụng công nghệ Hoạt hình tĩnh vật – Stop-motion Một bộ phim hoạt hình thiếu nhi với những câu hỏi không dễ giải đáp dành cho người lớn, những bậc làm cha mẹ đang phân vân giữa việc hoạch định sẵn một con đường dẫn đến tương lai tươi sáng cho con hay để con mình được tận hưởng những ngày tháng tuổi thơ đầy thơ mộng và ngập tràn tiếng cười?[spacer] Được đạo diễn bởi Mark Osborne, một trong những đạo diễn hạng A của Hollywood. Thêm vào đó là sự tham gia lồng tiếng của dàn diễn viên danh tiếng Jeff Bridges, Rachel McAdams, James Franco, Marion Cotillard, Benicio Del Toro và Mackenzie Foy, phiên bản hoạt hình hứa hẹn sẽ không làm thất vọng hàng trăm triệu fan trên toàn thế giới của tiểu thuyết Le Petit Prince. Đối với người chưa từng đọc qua tiểu thuyết, khi xem phim chắc chắn cũng sẽ cảm thấy yêu thích câu chuyện kinh điển của văn học lãng mạn Pháp. Những nhà sản xuất rất biết cách lấy lòng giới mộ điệu khi ấn định ngày ra mắt chính thức của phim là tại liên hoan phim Cannes lần thứ 68 diễn ra tại Pháp tháng 5/2015 vừa qua. Phim sẽ được công chiếu tại Việt Nam ngày 8/1/2016, bạn đừng nên bỏ lỡ tác phẩm có một không hai này. Tìm hiểu về khóa học làm phim hoạt hình chuyên nghiệp.[spacer] Trailer Le Petit Prince:

10 anime ra mắt năm 2015 bạn không nên bỏ qua Shigatsu wa Kimi no Uso

Cùng xem những phim còn lại trong danh sách 10 anime ra mắt năm 2015 bạn không nên bỏ qua nhé.[spacer] 6. Overlord Một bộ anime mà nhân vật chính thật sự bị lạc vào thế giới game. Overlord là câu chuyện về nhân vật chính Momonga đăng nhập vào thế giới ảo trực tuyến và bỗng nhiên…không thể thoát ra được, với tất cả các NPC (non-player character) xung quanh trở thành các thế lực sống thật sự với nhân cách và suy nghĩ riêng. Tuy vậy không giống như trong Sword Art Online hoặc Log Horizon, Momonga không phải là chàng trai hào hoa lãng tử mà là một bộ xương khô với ma pháp kinh người, bạn đồng hành của “chàng” là loài quỷ dữ và quái vật. Hẳn là bạn cũng muốn đổi gió bằng việc xem anime về một chúa tể bóng tối chiếm lĩnh toàn thế giới chứ? [spacer] 7. Rokka no Yuusha 6 người hùng được số phận lựa chọn để cứu lấy thế giới khỏi tay Quỷ Chúa, thế nhưng lại có đến 7 người xuất hiện! Phải chăng có 1 giả mạo ở đây? Rokka no Yuusha có cốt truyện khá phức tạp với nhịp độ chậm, bạn sẽ phải hơi kiên nhẫn khi xem từng tập. Bí ẩn ai là người giả mạo với mục đích là gì đang chờ đợi bạn giải đáp sau khi xem anime này. [spacer] 8. Kekkai Sensen Kekkai Sensen là loại anime mà bạn hoặc là rất thích hoặc là rất ghét. Lấy bối cảnh là thành phố New York trong một thế giới tưởng tượng khi một lỗ hổng trong xuyên không gian đã tạo nên sự di dân của những sinh vật kỳ lạ của một thế giới khác đến sống cùng với con người ở thành phố này. Kekkai Sensen có cách dẫn truyện khá đặc biệt và kén khán giả. Nhưng nếu bạn cảm thấy thích, đây sẽ là anime thú vị và độc đáo nhất bạn từng xem. [spacer] 9. Ushio to Tora 1 câu chuyện hay, 1 tình cảm đẹp giữa những người anh em không chung huyết thông và sự hài hước là những điểm nhấn khiến anime này nổi bật trong số hàng loạt các anime ra mắt trong năm. Câu chuyện phiêu lưu phi thực tế thú vị của một chàng trai và người bạn…quái vật. Phim hứa hẹn sẽ đẹp lại cảm giác vừa đáng sợ vừa đáng yêu. Một anime hay cho những fan yêu thích kiểu anime cổ điển. [spacer] 10. Shigatsu wa Kimi no Uso Đây không hẳn là một bộ phim mà là một anime nhạc kịch thì đúng hơn. Không quá hoành tráng với những vụ nổ ấn tượng, phép thuật ảo diệu như những anime khác nhưng Shigatsu wa Kimi no Uso chắc chắn là một anime hay mà bạn có thể giới thiệu cho bạn bè cùng xem. [spacer] Bonus Fate/Stay night Unlimited Blade Works Nửa đầu của anime này ra mắt vào năm 2014 cho nên nó thật sự không phải là anime được ra mắt năm 2015. Tuy nhiên series này thực sự đáng được nhắc đến. Hình ảnh, cách dẫn truyện, những cao trào và khoảng lặng trong hành trình của Shirou và Rin qua cuộc thánh chiến… tất cả các yếu tố kết hợp với nhau tạo nên một anime không thể bỏ qua. Khác với bộ phim người đóng ra mắt năm 2010, phiên bản anime này đi sâu hơn vào câu chuyện, thu hút người xem hơn hẳn. Một anime rất thú vị mà bạn chắc chắn là nên xem. Xem lại phần 1 của 10 anime ra mắt năm 2015 bạn không nên bỏ qua. [spacer] Tìm hiểu khóa học làm phim hoạt hình chuyên nghiệp.

10 anime ra mắt năm 2015 bạn không nên bỏ qua feature

10 anime ra mắt năm 2015 bạn không nên bỏ qua tham khảo từ Yahoo! News Năm 2015 có rất nhiều anime hay ra mắt khán giả. Cái tên nào khiến cho bạn cảm thấy phấn khích nhất? Sau đây là 10 anime hay có thể bạn chưa biết nhưng chắc chắn bạn nên xem qua 1. One Punch Man Anh chàng đầu trọc phi thường Saitama với khả năng giải quyết mọi trận chiến chỉ bằng một cú đấm. Mặc dù kịch bản nghe có vẻ tầm thường, nhưng thực sự One Punch Man lại cực kì ăn khách bởi sự hài hước thú vị. Sẽ rất khó để giải thích tại sao anime này hay với những người chưa từng biết đến truyện nhưng nếu bạn chịu xem thử, bạn sẽ không cảm thấy thất vọng. [spacer] 2. Noragami Aragoto Season 2 của anime Noragami xoay quanh nữ thần chiến tranh Bishamon và “shinki” – thứ vũ khí linh hồn của các thần. Noragami Aragoto cũng khai thác mối quan hệ giữa Bishamon và Yato – nhân vật chính, theo những hướng mà phần trước chưa đề cập. Với nét vẽ đẹp, cách dẫn truyện hấp dẫn, Noragami Aragoto chắc chắn là 1 anime đáng xem, đặc biệt với các bạn đã thích season 1. [spacer] 3. Gate: Jieitai Kanochi nite, Kaku Tatakaeri Chuyện gì xảy ra nếu ta pha trộn một chút thần thoại, cổ tích vào thế giới hiện đại trong một anime? Sự hấp dẫn của Gate chính là câu trả lời. Câu chuyện đi từ nỗ lực chống trả của lực lượng Phòng vệ Quốc gia Nhật bản đối với cuộc tấn công từ thế giới thần thoại đến sứ mệnh khám phá và chinh phục của lực lượng này ở một thế giới khác lạ. Câu chuyện của phim cũng có pha chút châm biếm nền chính trị hiện đại của thế giới. Đây thực sự là một anime không thể bỏ qua. [spacer] 4. Arslan Senki Một bản anh hùng ca đích thực, Arslan Senki kể về câu chuyện của vị hoàng tử đánh mất xứ sở của mình và nỗ lực để dành lại nó. Những điểm tương đồng giữa thế giới trong anime và ngoài đời rất dễ nhận thấy, và chúng đều có nhắc khéo về chính trị và tôn giáo, những chủ đề nóng mà mọi người thường tranh luận. Hơn thế nữa, Arslan Senki cũng đem lại cái nhìn sâu sắc về tính cách và động cơ của các nhân vật, để ta thấy rằng thế giới không chỉ có trắng và đen. Mặc dù motif câu chuyện không mới nhưng các cá tính các nhân vật chính là điểm khiến Arslan Senki trở thành một anime đáng xem. [spacer] 5. DanMachi Anime này kể về câu chuyện anh chàng Bell Cranel du hành đến một nơi được gọi là “Ngục tối” (Dungeon), Ben phải chiến đấu và vượt qua nhiều gian nan thử thách để đến được với nữ thần Hestia. Cũng tương tự như các anime xây dựng quanh thế giới game Sword Art Online hoặc Log Horizon, Bell có thể lên cấp và sử dụng các kỹ năng, kiếm được vàng và điểm kinh nghiệm khi tiêu diệt quái vật trên hành trình của mình. Tuy vậy không giống như những anime nói trên, Ben không hề bị mắc kẹt trong thế giới game, đó chính là một thực tại ảo mà Ben đắm mình trong đó. Sử dụng những hình tượng thần thoại trong nhiều văn hóa khác nhau trên thế giới, DanMachi có đủ sức hấp dẫn để làm hài lòng hầu hết các fan anime thần thoại. [spacer] Xem phần 2 của bài viết 10 anime ra mắt năm 2015 bạn không nên bỏ qua. [spacer] Tìm hiểu khóa học làm phim hoạt hình chuyên nghiệp.

Top 20 phần mềm chuyên dụng dành cho các họa sĩ và nhà thiết kế chuyên nghiệp Unity Pro 4

Trong phần cuối này, hãy cùng tìm hiểu 5 phần mềm dẫn đầu trong Top 20 phần mềm chuyên dụng cho các họa sĩ và nhà thiết kế.[spacer] 5. Premium Pro CC Theo quan điểm của tôi Premium Pro là một trong số những “quái vật” phần mềm có thể khiến PC của bạn chạy hết được công suất bộ vi xử lý. Nếu bạn muốn trở thành biên tập viên video, có rất nhiều chương trình cho bạn lựa chọn. Thế nhưng để nêu ra sự lựa chọn tốt nhất, khi mà bạn chấp nhận giá cả không phải là vấn đề, khó có thể đưa ra sự lựa chọn nào tốt hơn Premium Pro. Cùng với chương trình “chị em” Adobe After Effects CC, chúng hợp thành một bộ đôi hoàn hảo bậc nhất trong việc biên tập video mà tôi từng biết.[spacer] 4. Unity Pro 4 Thập kỉ vừa qua chứng kiến một sự thay đổi lớn khi ngành công nghiệp game đã từng bước hạ bệ điện ảnh trong mảng doanh thu. Gần đây, ngành game còn tiêp tục mở rộng với tốc độ chóng mặt với việc các thế hệ smartphone và tablet đã sinh ra phân khúc thị trường màu mỡ mới. Từ những game đơn giản nhất chạy trên iOS hay Android cho đến những game với đồ họa 3D và kỹ xảo phức tạp trên PS3, Xbox 360 hoặc Wii, chương trình Unity đều nhúng tay vào quá trình sản xuất của từng phân khúc nhỏ của thị trường game. Đó là chưa kể Unity đã một tay tạo nên thị trường game tự làm (indie game), nơi mà người ta dễ dàng tiếp cận và tốn ít thời gian hơn rất nhiều so với việc học lấy tấm bằng chính quy ở các trường dạy ngành này. Không còn là một game engine nhỏ lẻ mang tính thú vị thông thường, Unity hiện đã trở thành kẻ thống trị ngành công nghiệp với những tính năng độc nhất khiến nó trở thành phần mềm các nhà phát triển game đều phải thành thạo. Không cần biết bạn là ai, làm việc ở công ty lớn hay nhỏ nào trong ngành, một khi bạn đã tham gia ngành công nghiệp game thì sớm hay muộn bạn cũng phải đụng đến Unity.[spacer] 3. Mari 2.0v2 Mari là chương trình vẽ đồ họa 3D đã được sử dụng trong phim Avatar và vô số các phim khác trong kỷ nguyên VFX mới bắt đầu gần đây. Dẫn lời từ Art Director của Weta Digittal: “Mari được tối ưu theo hướng dễ sử dụng cho người dùng, điều này giúp các họa sĩ có nhiều thời gian vẽ hơn và ít phải gặp các rắc rối về kỹ thuật hơn” Khi ngành công nghiệp đồ họa đi đến ngưỡng 1080p và mỗi chi tiết nhỏ nhặt nhất đều được soi xét kỹ và không có lỗi nào dễ dàng bỏ qua, không có gì ngạc nhiên khi các studio hàng đầu ưa chuộng những phần mềm cho phép họa sĩ làm được nhiều hơn là là những lựa chọn có sẵn ít ỏi trước đó, cụ thể là phá vỡ giới hạn đa giác có thể dựng trong vật thể. Mari nổi lên như một ứng viên lý tưởng đáp ứng được những đòi hỏi cao này. Khi một chương trình được sử dụng thường xuyên trong những dự án lớn nhất ngành điện ảnh, sẽ không hề quá để nói nó chính là một trong những chương trình đồ họa tốt nhất bạn có thể mua được.[spacer] 2. 3ds Max Hãy chỉ cho tôi một điều mà 3ds Max không làm được trong ngành đồ họa 3D, tôi sẽ nêu tên cho bạn một chương trình cực kỳ có giá rất đắt mà chỉ có thể làm được điều bạn nói mà không làm được gì khác, và nếu bạn đợi thêm vài năm, Autodesk có lẽ sẽ mua luôn công ty làm ra chương trình đó. Đây không phải là vấn đề độc quyền mà là sự phát triển cực mạnh của Autodesk cũng như chương trình con cưng 3ds Max của hãng này. Thông thường khi phần cứng máy tính phát triển, các phần mềm mới có tài nguyên để phát triển theo. Tuy nhiên trong gần 2 thập kỷ qua, 3ds Max lại là phần mềm tiên phong trong việc thách thức các giới hạn phần cứng của bất kỳ máy tính mạnh nhất nào con người từng làm ra. Khi bạn có một chương trình đồ họa thách thức ngược lại những phần cứng xịn nhất trong nền công nghiệp, bạn biết rằng đó là chương trình bạn cần phải biết và thành thạo trong suốt sự nghiệp làm đồ họa 3D của bạn.[spacer] 1. Photoshop CS6 Đúng vậy đấy, tôi chọn Photoshop CS6 không phải Photoshop Active Cloud. Ra đời vào cuối thập niên 80 của thế kỷ trước, Adobe Photoshop hiện đã là cây đại thụ và thậm chí có tuổi còn lớn hơn phần lớn những người đang dùng nó hằng ngày. Và trong khi chúng ta bận lớn lên và tốn nhiều thời gian lẩn quẩn quẩn với những hướng đi vô định trong đời, Photoshop đã dành 1 phần tư thế kỷ để đi lên. Chương trình này đã phát triển và tự hoàn thiện mình để trở thành câu trả lời cho toàn bộ các vấn đề có thể phát sinh về đồ họa. Cho đến thời điểm này, có thể nói tất cả những nhà thiết kế/họa sĩ đều phải biết sử dụng Photoshop. Thế nhưng xin hãy nhớ rằng các bài viết liệt kê danh sách, bao gồm cả bài này chỉ mang tính chất tham khảo, thể hiện kinh nghiệm của cá nhân tôi. Đừng để nó áp đặt sự lựa chọn của bạn trong sự nghiệp. Cụ thể như Photoshop là cần thiết nhưng sử dụng phiên bản nào là

LHP Việt Nam lần thứ 19 - các phim hoạt hình ấn tượng - Khu đầm có cánh

LHP Việt Nam lần thứ 19 – Mời các bạn cùng thưởng thức các phim hoạt hình ấn tượng đã được công chiếu tại sự kiện này.[spacer] Bay Bộ phim hoạt hình có thời lượng 2 phút 35 giây là câu chuyện kể về ước mơ muốn bay cao của cô gái nhỏ, dù có thất bại thì nụ cười vui vẻ, ngây thơ vẫn hiện trên đôi môi. [spacer]  Bố của gà con Bố của gà con là bộ phim của tác giả Phạm Ngọc Tuấn, cũng với bộ phim này Hãng phim Hoạt hình Việt Nam đã đoạt giải Nhất cuộc thi làm phim hoạt hình online Việt Nam – Hàn Quốc. Câu chuyện cảm động kể về “người cha bất đắc dĩ” là chú chó hung dữ, khó tính. Dù lúc nào cũng truy đuổi vợ chồng gà, nhưng khi đối mặt với tiếng gọi “bố! bố! bố ơi! con đói, con đói” của chú gà con thì mắt chú chó ánh lên nét dịu dàng. Cao trào của câu chuyện là khi cặp vợ chồng gà đòi lại được con của mình. [spacer] Bay về phía bầu trời Lớn lên cùng các anh chị gà khác, nhưng Gà út luôn khao khát mãnh liệt về bầu trời. Các anh chị luôn chế giễu giấc mơ ấy viễn vong. Cho đến khi chú Gà nhiếp bị đàn đại bàng cắp đi thì mọi người mới biết rằng, chú Gà út lại là thuộc giống loài Đại bàng vốn hung hăng. [spacer] Bột phép màu Câu chuyện xảy ra trong một khu vườn nhỏ. Gà Trống phải dậy sớm để đánh thức mọi người dậy, vì vậy nó ghen tị với Chó – người không cần dậy sớm. Mâu thuẫn lên cao khi Chó – Gà quyết định đổi vị trí cho nhau. Thế là khu dân cư được một phen “chó bay gà sủa”. [spacer]  Cái ổ gà Con đường quốc lộ – tuyến giao thông duy nhất bỗng xuất hiện một cái ổ gà. Các con vật và xe cộ qua lại đều thờ ơ, vô ý thức nên chẳng mấy chốc nó đã lớn thành cái ổ voi và tiếp tục lớn thêm. Cao trào của chuyện thì khi mưa xuống cái ổ voi thành cái ao, không ai đi qua lại được thì có những kẻ bắt đầu kiếm kế kinh doanh thuyền qua sông. Bộ phim mang lại nhiều ý nghĩa cho người xem. [spacer] Cậu bé Cờ Lau Cậu bé Cờ Lau – tác phẩm của đạo diễn Phùng Văn Hà, tái hiện cuộc đời và các giai thoại về Đinh Bộ Lĩnh. Ngay từ khi mới ra mắt, Cậu bé Cờ Lau đã thu hút được sự quan tâm của công chúng. Nội dung hấp dẫn, cách dẫn dắt gần gũi, lồng ghép dưới những chi tiết lịch sử hào hùng là những yếu tố kỳ ảo. Có những cảnh quay bộ phim cứ như một khúc ca dao ngọt ngào mẹ thường hay kể, nhưng cũng có lúc gay cấn, hồi hợp như một thước phim hành động thứ thiệt.    Bên cạnh kỹ xảo 3D đẹp mắt, cách xây dựng cảnh quay cùng thẩm mỹ nghệ thuật chắc chắn sẽ làm hài lòng khán giả xem phim. Âm thanh, tiếng động ở từng tình huống cụ thể được đầu tư công phu, tạo hiệu ứng cảnh quay đến mức tối đa.    Xem bài viết đặc biệt về phim. [spacer] Chẫu chàng, Chẫu chuột. Chẫu chàng âm mưu vượt qua Ếch Xanh và Nhái bén trong cuộc thi Hội khỏe ao làng bằng trò gian dối. Khi đoạt được giải, Chẫu càng lấn sâu vào con đường sai trái. Chẫu mở lớp dạy bồi dưỡng, nhờ đồng bọn làm các chiêu trò quảng cáo, đánh bóng tên tuổi. Sau hàng loạt những hành động lừa gạt, Chẫu phải trả giá cho những gì mình gây ra. [spacer] Chuyện của Đốm Chuyện của Đốm cũng là câu chuyện thường nhật của các em nhỏ, những tình huống gần gũi, thiết thực được thể hiện bằng hình ảnh 3D ngộ nghĩnh, qua đó giúp các em nhận ra những thói xấu quen thuộc không đáng có của bản thân, từ đó rèn luyện và sửa đổi. Chuyện của Đốm có tính giáo dục cao, là bộ phim hoạt hình tuyệt vời dành cho các em nhỏ trong thời gian vừa qua. [spacer] Đeo lục lạc cho mèo Chuột và Mèo là hai loài vật nằm trong quy luật đối đầu của tạo hóa. Chuyện chúng xem nhau là kẻ thù là chuyện đương nhiên, cái độc đáo của phim là diễn tả mối xung đột theo một góc độ khác. Nghệ thuật tạo hình của bộ phim tương đối lạ, bắt mắt và mang tính nghệ thuật cao. Những cảnh phim diễn tả nỗi đau đớn, phẫn nộ của chú chuột đầu đàng khi bị mèo làm cho bị thương chèn vào những tiếng kêu vang của bầy chuột khi bị mèo tấn công, sẽ làm bạn có những giây phút hồi hộp đến run rầy. Mâu thuẫn  giữa hai loài động vật trở nên đáng sợ hơn rất nhiều ở khúc cao trào của bộ phim, những âm mưu ngày càng lớn khiến hai bên ngày càng lún sâu vào cuộc chiến.   [spacer] Đuôi của thằn lằn Trong một lần vui đùa, Thằn lằn chẳng may bị tai nạn đứt đuôi. Xấu hổ vì chiếc đuôi cụt lủn khiến các bạn chê cười, thằn lằn nghĩ ra cách làm một chiếc đuôi giả để thay thế. Không ngờ, chiếc đuôi giả được mọi người khen ngợi. Sau đó các bạn học theo thằn lằn làm đuôi giả, chiếc đuôi thật bây giờ bị phủ định và chê cười. Chúng tìm cách giấu chiếc đuôi thật đi, thậm chí có ý định dứt bỏ. Cho đến khi bị chim cắt truy đuổi, chú thằn lằn mới nhận ra mình có thể đã chết

Cậu bé Cờ lau – Hình ảnh trong phim

Kể từ ngày ra mắt, bộ phim hoạt hình 3D Cậu bé Cờ Lau đã giành được nhiều giải thưởng danh giá, gần đây nhất là giải thưởng “Bông sen vàng” tại lễ bế mạc của Liên hoan phim Việt Nam lần thứ 19 vừa diễn ra ngày 5/12.  Chỉ dựa vào cái tên Cậu Bé Cờ Lau chúng ta cũng đã biết được nội dung bộ phim đang nhắc đến vị anh hùng Đinh Bộ Lĩnh. Ồng là người có công đánh dẹp loạn 12 sứ quân, thống nhất giang sơn và trở thành hoàng đế đầu tiên của Việt Nam sau 1000 năm Bắc thuộc. Bộ phim hoạt hình 3D tái hiện những ghi chép về cuộc đời, tính cách trong suốt những năm tháng ấu thơ của Đinh Bộ Lĩnh. Những giai thoại về Vạn Thắng Vương được lưu truyền nay lại được nhắc nhớ một cách sinh động, trực quan hơn. Tạo hình nhân vật cậu bé Lĩnh nghịch ngơm, thông minh và bộc lộ tư chất từ nhỏ, một gương mặt ngộ nghĩnh đáng yêu với tóc để chỏm sẽ trở nên gần gũi với khán giả nhí. Bên cạnh đó các em nhỏ cũng sẽ được chu du miền núi non hùng vĩ, nhưng yêm ả thanh bình của vùng quê Ninh Bình, các trò chơi dân gian và cuộc sống giản đơn nơi thôn dã.     Thể loại phim dã sử là một trong những thể loại rất khó thể hiện trên màn ảnh, bởi nó phải cân bằng giữa ghi chép chính xác về lịch sử vừa phải mang đến cho người xem không gian sáng tạo. Hơn thế nữa, đặc trưng về lứa tuổi của khán giả đặt ra nhiều thử thách cho ê-kíp làm phim. Không thể không công nhận bộ phim là lời minh chứng cho sự trưởng thành của phim hoạt hình điện ảnh Việt Nam. Lồng ghép các yếu tố văn hóa thuần Việt xuyên suốt bộ phim như các bài đồng dao, các làng điệu dân ca, tiếng trống đặc trưng của các trò chơi dân gian…là điều mà không phải ê-kip làm phim Việt nào cũng có thể thành công. Những tính cách đặc trưng của người Việt như hiếu học, yêu nước, trượng nghĩa sẽ thể hiện qua nhân vật cậu bé Lĩnh sẽ góp phần giáo dục và bồi dưỡng tâm hồn trẻ.   Bên cạnh đó, sự xuất hiện các yếu tố kỳ bí, thần thoại là yếu tố thu hút sự quan tâm của khán giả nhỏ tuổi. Thành công của bộ phim là minh chứng cho sự phát triển khởi sắc của phim hoạt hình Việt. Như Quỳnh Xem bài viết tổng hợp các phim hoạt hình hay tại LHP Việt Nam lần thứ 19 Mời các bạn cùng thưởng thức bộ phim:

20 phần mềm chuyên dụng dành cho các họa sĩ và nhà thiết kế chuyên nghiệp Maya

Trong phần 3 này, hãy cùng tìm hiểu 5 phần mềm ở vị trí 10 đến 6 trong Top 20 phần mềm chuyên dụng cho các họa sĩ và nhà thiết kế.[spacer] 10. ZBrush ZBrush đã tạo được tiếng vang lớn trong ngành đồ họa 3D những năm 2000. Tầm nhìn chiến lược của hãng Pixologic cho ra kết quả là một chương trình đồ họa đáp ứng được đầy đủ những yêu cầu phức tạp của một ngành đang phát triển với tốc độ chóng mặt. Chỉ trong thời gian ngắn, ta đã thấy ZBrush được sử dụng rộng rãi ngay cả trong quá trình sản xuất các bộ phim bom tấn, bao gồm quy trình VFX cho các phim The Lord of the Rings. Quay lại thời điểm mà giới hạn của các hình đa giác vẫn còn là trở ngại lớn trong ngành thiết kế đồ họa, ZBrush đã sớm từ bỏ khái niệm “làm mẫu sẵn” trong việc dựng các tượng vật thể và hướng đến nhiều cách khác nhau giúp người dùng tự mình dựng các hình thể phức tạp. Và trong lúc các chương trình khác mở rộng chạy theo nhu cầu ngày càng phức tạp và đa dạng của các họa sĩ, Zbrush vẫn trung thành với hướng đi tập trung vào xây dựng đồ họa 3D chất lượng cao mà không quan tâm đến hoạt họa và các yêu cầu nhỏ lẻ khác. Đó cũng chính là lý do mà chương trình này giữ vững vị thế là bước đệm quan trọng cho các họa sĩ dựng hình mẫu 3D mà họ muốn để áp dụng vào dự án chứ không phải ngược lại.[spacer] 9. Cinema 4D Prime Đây là chương trình do hãng Maxon phát triển, với chức năng dựng mẫu 3D, dựng chuyển động hoạt hình và kết xuất đồ họa (rendering). Cinema 4D xây dựng đầy đủ các tính năng để cạnh tranh ngang hàng với những chương trình cùng loại thuộc hàng đỉnh trong ngành công nghiệp 3D. Trong các phim gần đây mà bạn xem, bạn sẽ không chỉ thấy ứng dụng của Cinema 4D trong phim mà còn trong cả các trailer được tung ra để hút khán giả trước đó nữa. Một trong các thế mạnh của chương trình là khả năng đọc được các file nhập từ nhiều chương trình khác (ví dụ như Element 3D). Vì tính năng này mà một người dùng thành thạo Cinema 4D sẽ không bao giờ bị giới hạn ở một mảng nào về VFX khi thực hiện dự án; họ hoàn toàn tự do khám phá mọi con đường sáng tạo có thể để làm nên tác phẩm ưng ý nhất. Lời khuyên của tôi dành cho bạn rất đơn giản: Nếu bạn muốn dựng bất kì đoạn phim nào có hình ảnh chuyển động, bạn nên tìm hiểu và học cách sử dụng thành thạo Cinema 4D.[spacer] 8. Maya Chương trình này ban đầu được làm ra để tập trung vào làm hoạt hình 3D, tuy vậy sau nhiều năm cạnh tranh với 3ds Max, Maya đã mở rộng tính năng không ngừng, đặc biệt là sau khi được Autodesk mua lại năm 2005. Trong một thập kỷ qua, chương trình này đã là một trong những lá cờ đầu về những tính năng mới áp dụng trong ngành và hầu như mỗi năm chúng ta đều thấy các bộ phim đoạt nhiều giải thưởng lớn nhỏ khác nhau có sử dụng Maya trong quá trình sản xuất. Nếu bạn có mong muốn trở thành họa sĩ hoạt hình 3D hàng đầu, bạn sẵn sàng học tất cả mọi thức về modeling, skinning, rigging, cloth (tạo hình trang phục), fur (tạo hình lông vũ của các loài vật trong phim hoạt hình), fluids (tạo hình chất lỏng), physics (hiệu ứng vật lý)… thì chắc chắn bạn cần phải biết đến Maya, đây cũng là một trong những phần mềm được dạy trong khóa học làm phim hoạt hình 3D tại Comic Media Academy.[spacer] 7. Toon Boom Studio Bạn nào muốn trở thành họa sĩ hoạt hình 2D chuyên nghiệp? Một con đường dễ dàng dành cho bạn là hãy tìm hiểu phần mềm nào những người chuyên nghiệp thường dùng, học hỏi và rèn luyện sử dụng chương trình đó cho thật thành thạo đến mức trở thành chuyên gia, vậy là bạn sẽ thành công. Vậy vấn đề còn lại chỉ là nên chọn phần mềm nào để học. Đối với mảng hoạt hình 2D, Toon Boom Studio chính là phần mềm nổi tiếng nhất. Đã có hàng trăm phim hoạt hình và các chương trình truyền hình ứng dụng hoạt hình 2D danh tiếng áp dụng Toon Boom Studio trong quá trình thực hiện. Và bạn cũng đừng nghĩ là hoạt hình 2D đã chết, mỗi năm lại có thêm vô số những cái tên gia nhập danh sách những phim hoặc chương trình truyền hình, chương trình kỹ thuật số ứng dụng hoạt hình 2D và nhu cầu tuyển dụng họa sĩ hoạt hình 2D giỏi, thành thạo các phần mềm như Toon Boom Studio chưa bao giờ ít đi. Vậy bạn còn chờ đợi gì nữa?[spacer] 6. Illustrator CC Nếu có 1 phần mềm nào có thể đi đến sát vị thế độc quyền trong ngành đồ họa thì đó chính là Adobe Illustrator. Toàn bộ “nền kinh tế” thiết kế đồ họa đều tồn tại dựa trên các đoạn mã của chương trình cho phép các họa sĩ tạo ra các vector đồ họa như ý muốn của các khách hàng. Và thật sự nó quá tốt đến nỗi hầu như không có sự lựa chọn thay thế nào khác một khi bạn đã làm trong ngành này. Một điểm cần lưu ý là hiện nay Adobe đã chuyển sang hình thức thu phí hàng tháng và tính phí các bản nâng cấp thay gì trả tiền mua bản quyền 1

Top 20 phần mềm chuyên dụng dành cho các họa sĩ và nhà thiết kế chuyên nghiệp Painter X3

Tiếp theo phần 1, hãy cùng tìm hiểu 5 phần mềm kế tiếp trong Top 20 phần mềm chuyên dụng cho các họa sĩ và nhà thiết kế.[spacer] 15. FlipBook 6.86 Khi bạn click vào link trên, ngay lập tức bạn sẽ nghĩ hẳn là tôi đã lú lẫn rồi, một trang trông như từ thời đồ đá thế này thì làm sao có thể có sản phẩm bắt kịp với sự phát triển công nghiệp mỹ thuật hiện đại? Xin đừng để giao diện cũ kỹ của website DigiCel đánh lừa bạn. Những nhà quản trị ở đó là những người thật sự tin rằng nếu thứ gì đang hoạt động rất tốt thi không việc gì phải sửa nó cả. Trong khi các phần mềm thì liên tục cập nhật đến từng phân đoạn nhỏ trong giao diện, FlipBook trông vẫn không khác gì so với chính nó hơn 1 thập kỷ trước. Nếu bạn là người hoạt động trong lĩnh vực phim hoạt hình 2D, bạn sẽ tự hạn chế rất nhiều khả năng thăng tiến của chính mình nếu bạn không tìm hiểu về FlipBook.[spacer] 14. Paint Tool SAI Vài năm trước, khi được hỏi đánh giá của bản thân tôi về Paint SAI, tôi thường bảo với bạn bè trong ngành là chương trình này lạc hậu và sẽ nhanh chóng bị lãng quên. Cuối cùng hóa ra tôi đã sai lầm. Vậy đâu là điểm đặc biệt của Paint Tool SAI? Trong 1 biển ngợp trời những chương trình vẽ có vô số các phân đoạn giao diện và lựa chọn cọ vẽ, SAI có còn nhiều hơn và các lựa chọn tốt hơn so với các đối thủ. Các project của một họa sĩ hay một nhà thiết kế thường phải khác nhau rất nhiều để tranh trùng lặp ý tưởng, vậy nên sự đa dạng và linh hoạt là vô cùng cần thiết, về mảng này, Paint Tool SAI chính là con tắc kè hoa về các nét cọ. Paint Tool SAI cũng là một trong những phần mềm chuyên dùng cho các lớp học vẽ ở Comic Media Academy.[spacer] 13. FL Studio 12 Lần cuối cùng bạn xem một bộ phim hay chương trình TV mà không có âm thanh là khi nào? Các nhạc sĩ, chuyên gia âm thanh cũng đóng vai trò quan trọng không kém các nghệ sĩ hình ảnh trong ngành công nghiệp giải trí và FL Studio 12 chính là công cụ hỗ trợ đắc lực cho họ. Ban đầu được biết đến với cái tên Fruity Loops, phần mềm này khởi điểm không hơn gì 1 chương trình MIDI thông thường, sau một loạt cập nhật thay đổi lớn, nó dần trở thành một chương trình đủ sức cạnh tranh với các tên tuổi đầu ngành. Điểm hay nhất của FL Studio là gì? Trong khi những nhà phát hành chương trình khác như Adobe thu tiền người dùng gần như không bao giờ dứt, bạn luôn phải trả phí khi nào bạn còn sử dụng các phần mềm của họ trong suốt sự nghiệp của mình. Trong khi đó FL Studio cho phép bạn nâng cấp miễn phí suốt đời. Đúng vậy, những người dùng FL Studio 10 có thể nâng cấp lên các phiên bản đầy đủ FL Studio 11 ,12… hoàn toàn miễn phí. FL Studio không những là một chương trình nên tìm hiểu và sử dụng, nó còn là một trong những chương trình ít tốn kém nhất mà bạn có thể sử dụng trong suốt sự nghiệp của mình.[spacer] 12. Flash Professional CC Phần mềm này trước đây được sở hữu bởi Macromedia ở thời điểm nó vừa bắt đầu trở nên cực kỳ thông dụng ngay từ những ngày đầu của kỷ nguyên Internet, đó cũng chính là lý do mà Adobe rất nóng lòng mua lại Macromedia. Trong khi hoạt hình 3D tiếp tục thống trị hàng loạt phân khúc thị trường, Flash vẫn tìm cho mình những con đường phát triển riêng, dù đó là những đoạn hoạt họa Youtube có sức lan tỏa nhanh hay những mẫu quảng cáo đơn giản. Các họa sĩ/nhà thiết kế có kinh nghiệm làm việc bằng Flash vẫn được trọng dụng và được tìm kiếm mỏi mòn ở khắp nơi. Vẫn chưa hề muộn để tìm kiếm thành công bằng cách học hỏi và nắm vững về Flash.[spacer] 11. Painter X3 Cách tốt nhất để miêu tả các chương trình vẽ của Corel là để người ta tự mình khám phá chúng. Các chương trình này quá dễ để các họa sĩ vẽ kỹ thuật số làm quen và nắm vững giao diện cùng các menu và bắt đầu thực hiện tác phẩm. Khi dùng Corel’s Painter, bạn có cảm giác như đang vẽ với cọ và bảng màu thật ngoài đời vậy! Dường như không có một đoạn mã hay thuật toán nào có thể tạo ra từng nét vẽ chân thật đến như thế, vậy mà Corel’s Painter có thể làm được Chương trình này cung cấp mọi thứ để họa sĩ này có thể tạo ra các tác phẩm với style riêng của mình, không lẫn lộn với một ai khác. Nếu bạn cần chọn ra 2 phần mềm vẽ để sử dụng trong danh sách này, hãy đảm bảo cho Corel’s Painter có 1 suất trong đó.[spacer] Đọc Phần 3 bài viết Top 20 phần mềm chuyên dụng dành cho các họa sĩ và nhà thiết kế chuyên nghiệp tại đây.

Top 20 phần mềm chuyên dụng dành cho các họa sĩ và nhà thiết kế chuyên nghiệp phần 1

Bài viết gốc của tác giả Tom Fronczak Tôi (Tom Fronczak) đã nghiên cứu và chuyên viết đánh giá về các ngành đồ họa cho game, phim ảnh và kỹ thuật trong 7 năm. Với bằng cử nhân đồ họa 3D ứng dụng trong game và thiết kế, tôi đã thấy tường tận, nghiên cứu và trải nghiệm mọi khía cạnh của đồ họa 2D và 3D trong ngành hoạt hình và game. Qua nhiều năm, tôi rút ra được một nhận xét là không có một phần mềm chuyên dụng nào có thể thay thế được tài năng cá nhân người họa sĩ/thiết kế. Tuy vậy trong một thế giới số mà mỗi cá nhân phải làm hết sức mình để vươn đến đẳng cấp cao nhất, việc sử dụng bất kì lợi thế nhỏ nào về công nghệ và thử nghiệm các phần mềm chuyên dụng và kỹ thuật dựng hình mới nhất cũng không thể xem nhẹ. Sau đây là bảng xếp hạng Top 20 phần mềm chuyên dụng mà các họa sĩ nên xem xét làm quen và luyện tập sử dụng thành thạo để có thể trở thành những người giỏi nhất trong ngành.[spacer] 20. Poser Pro Về cơ bản, chương trình Poser được làm ra để giải quyết vấn đề sau: “Tôi có mọi nguồn tài nguyên để làm hoạt hình nhưng tôi không thể làm được chuyển động!” Hơn thế nữa, nếu bạn có ý định làm hoạt hình 3D, bạn biết rằng các bước từ 1 đến 99 bao gồm các công đoạn cực kì phức tạp và khó nhằn bao gồm dựng hình nhân vật 3D, dự cảnh, đạo cụ, họa tiết nền, ánh sáng và hàng lô lốc những vấn đề khác trước khi nói đến việc làm chuyển động! Poser Pro sẽ cung cấp cho bạn mọi tài nguyên 3D bạn cần và phần còn lại tùy thuộc vào bạn. Mặc dù chương trình này có thể không quá phổ biến trong ngành công nghiệp hoạt hình, bạn vẫn sẽ thấy chương trình này vô cùng hữu ích, đặc biệt với những người mới chập chững vào nghề, đang cố xác định xem hoạt hình 3D có phải là ngành phù hợp nhưng không muốn mất hàng nghìn dollar cho các khóa học và mất hàng trăm giờ xem các video hướng dẫn mới có thể xác định có muốn theo đuổi con đường học làm phim hoạt hình 3D chuyên nghiệp.[spacer] 19. GoAnimate Phần mềm chạy trên nền Web này là một chương trình dạng giúp bạn tự làm phim hoạt hình với hơn 5 triệu người dùng. Bản thân tôi nghĩ hơn 1 nửa số này sẽ chẳng tự nhận mình là họa sĩ vì chương trình này quá dễ để thao tác.Chỉ việc đăng ký và bạn sẽ được tiếp cận hàng ngàn thiết kế mẫu nhân vật, phông nền, bản thu âm, chức năng khớp lời nói nhân vật và các đạo cụ hoạt hình. Nhiều người dùng GoAnimate trờ nên nổi tiếng trong cộng đồng đến mức họ có thể kiếm được thu nhập khá bằng việc bán những đạo cụ và hình mẫu cho cộng đồng cùng sử dụng. Với GoAnimate bạn có thể dễ dàng làm hoạt hình đăng Youtube, Vine (phim hài 6s) hoặc clip quảng cáo, clip hoạt hình có nội dung tùy ý để thu hút tương tác trên Internet. Bản thân GoAnimate cũng hy vọng những người dùng bình thường – không chỉ các “họa sĩ/nhà thiết kế” – ở khắp mọi nơi có thể tận hưởng niềm vui làm phim hoạt hình của riêng mình.[spacer] 18. SketchBook Pro Đúng vậy đấy! Autodesk giờ đây không chỉ thống trị ngành công nghiệp 3D mà thôi, với các phiên bản SketchBook Pro thường xuyên ra mắt, hãng đã nhanh chóng chiếm được cảm tình của các họa sĩ/nhà thiết kế 2D và các hình thức vẽ kỹ thuật số khác.Thật sự thì cũng cần phải đến vài phiên bản nâng cấp nữa SketchBook Pro mới leo lên những vị trí đầu bảng xếp hạng các chương trình cùng loại, tuy vậy nó vẫn đang đi đúng hướng. Những gì không thể sánh bằng số lượng, chương trình này bù lại bằng tốc độ. Thật vậy, SketchBook Pro là 1 trong số ít những phần mềm hiểu rõ rằng người họa sĩ tài năng sẽ không cần đến 50 nét cọ khác nhau và một lô lốc những menu rối rắm để vẽ, hơn thế nữa điều tối quan trọng đối với concept art là họa sĩ phải bắt tay vào vẽ càng nhanh càng tốt. Với thế mạnh là bộ cọ setup đơn giản, công cụ vẽ nét ổn định tuyệt vời và trình hướng dẫn tạo dáng cực kỳ hữu ích, bạn sẽ thấy bất ngờ với những gì làm được chỉ với chút thời gian ít ỏi. Bạn tha hồ vẽ đủ thứ trên màn hình mà không một lần bị khựng lại. Bạn có thể phóng to, thu nhỏ, xoay màn hình tùy ý trong lúc vẽ mà không hề có chút khó khăn nào. Trong tương lai, nếu SketchBook Pro có thể giữ được thế mạnh về tốc độ và sự mượt mà đồng thời thêm được nhiều công cụ và tùy chỉnh trước, chắc chắn nó sẽ là một trong những phần mềm số một trong ngành.[spacer] 17. Mudbox Cùng với sự nở rộ của công nghiệp ứng dụng 3D trong thập kỷ trước, các công ty phần mềm cũng phải thích ứng với những đòi hỏi dồn dập, mới mẻ từ các studio dựng hình 3D. Tiêu biểu là việc giới hạn số góc hình lưới sử dụng trong làm hoạt hình dần bị loại bỏ khi công nghệ máy tính dần loại bỏ các hạn chế hiện tại trong kết xuất đồ họa. Phần mềm Mudbox của hãng Weta Digital được dùng trong quá trình sản xuất loạt phim 3 phần Lord

The Good Dinosaur Chú Khủng Long Tốt Bụng

Có những lời yêu thương cần được gởi trao – có những khoảnh khắc đoàn tụ thật nồng ấm – có những tình bạn chân phương đến lạ kì. The Good Dinosaur – Chú khủng long tốt bụng là một bộ phim hoạt hình 3D mang màu sắc truyền thống về ý tưởng, ngập tràn màu sắc để thu hút con trẻ và đủ đầy xúc cảm làm vừa lòng người lớn. Vẫn là mô típ câu chuyện cũ của Disney Pixar với nhóm đối tượng khán giả chính là gia đình, với tuyến nhân vật chính tuân theo phương thức tự cải thiện giống như bản thân công ty từng trải qua: với sự giúp đỡ của bạn bè hoặc gia đình, một nhân vật mạo hiểm tiến vào thế giới thực và học cách trân trọng bạn bè và gia đình. Tuy nhiên, cái cách mà Pixar triển khai ý tưởng của mình ở bộ phim The Good Dinosaur đã một lần nữa không làm khán giả phải thất vọng. Bộ phim hoạt hình 3D The Good Dinosaur dẫn dắt người xem qua một cuộc hành trình trở về quá khứ mang tên là Giả sử. Giả sử như năm đó khối thiên thạch kia không rơi trúng vào trái đất, không gây ra cơn Đại hồng thủy,  để rồi loài khủng long và con người cùng tồn tại trên một hành tinh. Giả sử như khủng long là loài thống trị thế giới, có ngôn ngữ, có nhận thức, vậy cuộc sống trên hành tinh này sẽ ra sao? Giả sử như giữa chú khủng long Apatosaurus mang tên là Arlo và một chú bé loài người xuất hiện một tình bạn chưa từng có. Bằng sự tư duy sáng tạo của mình, đạo diễn Peter Sohn cùng các cộng sự đã khéo léo xây dựng lên một thế giới quan rực rỡ sắc màu dưới góc nhìn của chú khủng long thiếu niên Arlo – thuộc loài Apatosaurus – loài khủng long ăn cỏ. Nhân vật Arlo được nhân cách hóa như một người con út trong gia đình, yếu đuối về mặt thể chất, và có bản tính sợ sệt. Gia đình Arlo là một gia đình kiểu mẫu gồm có năm thành viên Poppa, Momma, anh Buck và chị Libby. Họ sống yên bình trong thế giới của mình cho đến khi biến cố xảy ra, cha của Arlo – Poppa qua đời trong một trận lũ quét. Mọi chuyện chưa dừng lại ở đó, khi các nhà sáng tạo từ Disney – Pixar một lần nữa đưa câu chuyện đến một “điểm xoáy” khác. Arlo lạc mẹ trong một tai nạn bất ngờ, dòng sông cuốn Arlo trôi dạt đến nơi mà dường như cậu chưa bao giờ đặt chân đến, cảnh vật xung quanh mênh mông bao la, cỏ cây, muôn thú đều thật lạ lẫm và cái cảm giác của một cậu bé lần đầu xa gia đình với những hành động bỡ ngỡ đến mức độ ngờ nghệch làm cho khán giả cảm thấy dễ thương nhưng sao mà chạnh lòng đến lạ. Cũng từ đây hành trình tìm đường về nhà của chú khủng long Arlo được bắt đầu. Trong hành trình đó, Spot – một cậu bé người thượng cổ xuất hiện như một người bạn đồng hành cùng Arlo. Hai đứa trẻ thuộc hai giống loài khác nhau, xét về mặt lịch sử học có thể cho rằng chúng thuộc những chủng tộc “không đội trời chung”  với nhau, thế nhưng, Arlo –  chú khủng long và Spot – một cậu bé loài người lại có thể trở thành bạn của nhau. Và dù cho cả hai không cùng nói chung một thứ ngôn ngữ và không thể giao tiếp được với nhau, giữa họ thực sự có rất nhiều điểm chung. Nhờ đó mà Arlo bắt đầu biết quan tâm tới người bạn của mình nhiều hơn, biết gạt nỗi sợ hãi sang một bên, và quan trọng nhất là cậu đã nhận ra khả năng của mình. Chính điều đó đã giúp cho cậu cảm thấy thêm tự tin khi phải đương đầu với các chướng ngại vật trên đường về nhà và khẳng định được chính bản thân mình. Một sự kết hợp lạ kì làm cho khán giả thích thú cùng với cách tạo hình nhân vật đáng yêu và tuyến câu chuyện liền mạch khiến cho khán giả phải thốt lên ”Awww! Dễ thương”. Một khoảnh khắc tuyệt với khác chạm đến cảm xúc của người xem là phân đoạn Arlo quây quần bên đống lửa cùng với những người bạn mới quen, Arlo được một người bạn đề nghị trao đổi Spot lấy chiếc kèn Harmonica thú vị, Arlo đã trả lời “Spot là bạn và một người bạn thì không thể trao đổi được”. Một cách trả lời bộc phát nhưng chẳng hề toan tính như một cái chạm nhẹ đến trái tim của những người trưởng thành, có chăng trong chúng ta vẫn tồn tại những sự tính toán thiệt hơn với bạn bè mình? Trong The Good Dinosaur, các nhà làm phim hoạt hình đã lựa chọn kể lại câu chuyện theo một cách mới mà trong đó, các đoạn hội thoại được giảm thiểu tới mức tối đa. Thay vì đó, âm nhạc sẽ là phương tiện dẫn dắt người xem trên chặng đường mà các nhân vật sẽ đi qua. Để tạo ra các giai điệu trong phim, cùng với những nhạc cụ thông thường, bộ đôi nhạc sỹ Mychael Danna và Jeff Danna sử dụng một số nhạc cụ cổ của Colombia, bouzouki – một loại đàn được sử dụng ở Hy Lạp với hình dáng giống như cây đàn măng-đô-lin, đàn Jumbush của Thổ Nhĩ Kỳ, đàn Saz của Iran và một loại nhạc cụ được gọi là Harpoleck của người dân Bắc Âu. Xem Trailer #1 bộ phim hoạt hình 3D The Good Dinosaur: [spacer]

Festival Hoạt hình quốc tế AniFilm 2016 (AniFilm International Festival of Animated Films 2016) được tổ chức tại Třeboň, Cộng hòa Czech là điểm hẹn hấp dẫn cho các nhà làm phim hoạt hình trên toàn thế giới đang muốn tìm kiếm cơ hội khẳng định mình. Festival AniFilm lần thứ 7 hân hạnh chào đón các tác phẩm hoạt hình không giới hạn thể loại, được thực hiện trong năm 2015. [spacer] CƠ CẤU GIẢI THƯỞNG [spacer] Festival AniFilm năm nay mở rộng cơ cấu giải thưởng dành cho các tác phẩm xuất sắc lên đến 6 hạng mục: – Giải thưởng phim hoạt hình xuất sắc nhất với 2 hạng mục Phim thiếu nhi: 1.000 Euro. Phim dành cho người trưởng thành: 1.000 Euro. [spacer] – Giải thưởng phim hoạt hình ngắn xuất sắc nhất: 1.000 Euro. – Giải thưởng phim hoạt hình của các bạn học sinh – sinh viên: 1.000 Euro. – Giải thưởng video ca nhạc theo phong cách hoạt hình xuất sắc nhất: 500 Euro. – Giải thưởng đột phá dành cho các tác phẩm độc đáo theo các phong cách sáng tạo: 500 Euro. * Lưu ý: Mỗi tác phẩm chỉ được tham dự 1 hạng mục. [spacer] Bên cạnh cuộc thi, Festival còn có các chương trình Animation Workshop, Seminar trao đổi kinh nghiệm giữa các nhà làm phim hoạt hình quốc tế, lễ công chiếu các tác phẩm gửi về… [spacer] Bạn quan tâm đến các cuộc thi hoạt hình quốc tế? Hãy thử xem qua cuộc thi Annecy 2016 [spacer] THỜI GIAN TỔ CHỨC [spacer] – Festival Hoạt hình quốc tế AniFilm 2016 sẽ chính thức diễn ra trong thời gian 3 – 8/5/2016 – Các tác phẩm dự thi phải được gửi về trước ngày 15/1/2016. – Miễn phí tham dự cho tất cả các tác phẩm. – Các phim phải được làm với ngôn ngữ sở tại kèm theo bản phụ đề tiếng Anh. [spacer] ĐỊNH DẠNG TÁC PHẨM GỬI VỀ: – Ưu tiên định dạng DCP – M-PEG 4, H264 và các định dạng HD khác đều được chấp nhận – Cuộn phim 35mm. Tác phẩm tham dự được gửi qua đường dẫn của các chương trình chia sẻ file như Úschovna.cz, WeTransfer, MyAirbridge… đến địa chỉ shipping@anifilm.cz [spacer] Mọi thắc mắc xin liên hệ qua hộp thư program@anifilm.cz Các tác phẩm gửi trực tiếp qua đĩa DVD xin gửi về địa chỉ Anifilm, Valdštejnskénáměstí 2, 118 00, Praha 1, Czech Republic. [spacer] Bạn muốn nâng cao trình độ, rèn dũa tài năng để có kết quả như mong đợi khi tham dự các cuộc thi quốc tế? Đăng ký theo học các lớp chuyên nghiệp dạy làm truyện tranh, hoạt hình do CMA tổ chức! [spacer] HỖ TRỢ TỪ VIỆN TRUYỆN TRANH VÀ HOẠT HÌNH   Các bạn có mong muốn gửi tác phẩm dự thi tham dự các cuộc thi hoạt hình quốc tế có thể liên hệ đại diện Phòng Quan hệ Quốc tế CMA qua hộp thư dang.ho@cmavn.org hoặc Skype: ComicMediaAcademy.info để được hướng dẫn và hỗ trợ trực tiếp.    

Những nàng công chúa, những chàng hoàng tử cùng các vị hoàng thân đến từ thế giới thần tiên trong các bộ phim hoạt hình Disney đã làm mê mẩn biết bao thế hệ trẻ em (và cả người lớn) trên toàn thế giới. Bạn có biết rằng để thổi hồn sự sống vào một nhân vật hoạt hình trên màn ảnh rộng đòi hỏi sự tận tụy, cống hiến và sức sáng tạo của hàng trăm người trong một đội ngũ làm phim hoạt hình? Từ Concept art đến các Khung hình hoàn chỉnh, chúng ta hãy cùng xem và hình dung phần nào quá trình các nhà làm phim hoạt hình đã biến cảm hứng thành hiện thực ra sao nhé. [spacer] Công chúa Elsa trong Frozen [spacer] [spacer] Nàng Belle và Quái Vật trong Beauty and the Beast – Người Đẹp và Quái Vật [spacer] [spacer] Vua Thủy tề trong The Little Mermaid – Nàng tiên cá [spacer] [spacer] Chú nai Bambi trong Bambi [spacer] [spacer] Nàng Lọ Lem – Cinderella trong Cinderella – Cô bé Lọ Lem [spacer] [spacer] Simba và Mufasa trong The Lion King – Vua sư tử [spacer] [spacer] Hoàng tử Phillip và công chúa Aurora trong Công chúa ngủ trong rừng [spacer] [spacer] Vua khỉ Louie trong The Jungle Book – Câu chuyện rừng xanh [spacer] [spacer] Tiana và Hoàng tử Naveen trong The Princess and the Frog [spacer] [spacer] Công chúa Rapunzel trong Tangled [spacer] [spacer] Vanellope von Schweetz trong Wreck-it Ralph [spacer] [spacer] Như Hoàng dịch (disney.com) Link gốc: http://blogs.disney.com/oh-my-disney/2015/11/05/disney-royals-from-concept-art-to-final-frame/

học viên ngành vẽ truyện tranh khóa 2

Các bạn lớp Kỹ thuật viên và Trung cấp chuyên nghiệp khóa 2 của Viện Truyện tranh và Hoạt hình đã trải qua một tuần học với khá nhiều điều mới lạ và thú vị. Cùng tìm hiểu xem một tuần học của các bạn ấy như thế nào nhé! Theo bạn Nguyễn Thị Hoài Thương, lớp Kỹ thuật viên khóa 2, ngành học [tippy title=”vẽ truyện tranh”][/tippy] “Ban đầu, khi học môn Basic Sketch, mình cảm thấy không thích. Mình không biết môn học này có tác dụng gì, giúp ích như thế nào cho nghề nghiệp sau này. Nhưng sau khi làm quen và học những bài đầu tiên, những suy nghĩ ban đầu của mình đã thay đổi. Mình thấy môn Basic Sketch khá thú vị. Tuy chỉ là những nét vẽ nhỏ, đơn giản nhưng chắc chắn nó sẽ giúp ích không ít cho những bài vẽ sau này của mình. Ngoài ra, các thầy cô và anh chị khóa 1 rất thân thiện. Những cá tính của mọi người được tự do thể hiện mà không bị kìm nén. Mình cảm thấy rất thích!” Bạn Phạm Quỳnh Như Ngọc, lớp Trung cấp chuyên nghiệp 12+2 chia sẻ “Những ngày đầu mình thấy khá tự ti khi không vẽ đẹp như mọi người. Nhưng càng về sau, được mọi người ủng hộ, động viên, mình đã tư tin hơn và không thấy áp lực nữa. Học ở Viện mình được tự do sáng tạo, phát huy ý tưởng. Đồng thời, các thầy rất vui tính và giảng dạy tận tình. Đặc biệt, mình thích học giờ của [tippy title=”thầy Duy Anh”]Cuộc đời Nhiếp ảnh gia Duy Anh luôn gắn liền với những khung ảnh[/tippy], môn Kỹ thuật chụp ảnh. Lắng nghe những kinh nghiệm của thầy trong quá trình tác nghiệp để có những tấm hình đẹp, điều này làm mình và cả lớp rất hào hứng”. Một tuần học đã trôi qua với những giờ học thú vị, hấp dẫn và những kỷ niệm quý báu giữa các bạn học viên. Không khí lớp học không còn ngại ngùng như những ngày đầu. Thay vào đó là những bài học hay xen lẫn với những tiếng cười giữa thầy và trò. Chắc hẳn, các bạn học viên khóa 2 đã dần quen với môi trường học tập của Viện. Chúc các bạn sẽ luôn cố gắng học tập và rèn luyện để đạt được những ước mơ của mình nhé. Một vài hình ảnh lớp học trong tuần vừa qua: Toàn cảnh lớp học Giảng viên tận tình hướng dẫn học viên   Các bạn học viên tập trung cao độ với bài tập của mình Giúp đỡ nhau trong học tập Thu Hiền thực hiện

The Simpsons là một trong những biểu tượng dễ nhận ra nhất đối với người Mỹ. Tuy đây chỉ là hoạt hình một bộ phim hoạt hình, nhưng để hiểu sâu những điều khôi hài trong chương trình đòi hỏi người xem phải có kiến thức về lịch sử, khoa học, văn học, triết học,…v.v. Vì thế, chương trình chẳng những được sự yêu thích của trẻ em mà còn được giới trí thức tán thưởng. Chương trình đã được nhiều nhà phê bình đề cao từ lúc ban đầu và một số tác giả đã viết sách nghiên cứu so sánh chương trình này với nhiều tư tưởng triết học. Nhiều câu nói từ The Simpsons đã được lặp lại nhiều lần và trở thành quen thuộc (từ D’oh được Homer thường thốt lên đã trở thành một từ chính thức trong từ điển tiếng Anh Oxford). Trong số phát hành năm 1998 viết về các thành tích trong các môn nghệ thuật và giải trí trong thế kỷ 20, tuần báo Time đã gọi The Simpsons là chương trình truyền hình hay nhất trong thế kỷ. Đồng thời trong số báo đó, Bart Simpson cũng được đưa vào danh sách 100 nhân vật có ảnh hưởng nhiều nhất. Nó là nhân vật giả tưởng duy nhất trong danh sách này. Hôm nay, chúng mình sẽ cùng các bạn học vẽ nhân vật “huyền thoại” Bart Simpson chỉ với 8 bước siêu nhanh. Chúng ta cùng bắt đầu nhé! Bước 1: Phác thảo một hình chữ nhật cho phần đầu và một hình chữ nhật nhỏ hơn phần cổ. Thêm một vài đường định vị mắt, mũi, trên gương mặt. Bước 2: Ở phía trên phần đầu, vẽ gai hoặc zigzags cho tóc mái tóc đặc trưng của  Bart. Các gai nên trộn vào trán, không có chân tóc rõ rệt. Vẽ mắt bằng hai hình tròn hơi chồng vào nhau, thêm mũi bằng hình ovan và thêm tai. Bước 3: Phác họa hai vòng tròn chồng lên nhau cho phần thân của Bart. Bước 4: Vẽ hai hình bầu dục kết nối với nhay cho cánh tay và khuỷu tay, một vòng tròn cho tay và hình bầu dục nhỏ hơn cho các ngón tay. >>> Bạn đang tìm lớp dạy vẽ manga ? Bước 5: Đối với hai chân đều phác họa bằng hình chữ nhật. Thêm một nửa hình bầu dục với cho bàn chân. Bước 6: Phác thảo thêm T-shirt, quần short và giày cho Bart, mọi thứ đều ở dạng đơn giản nhất. Bước 7: Vẽ miệng của Bart bằng một đường ngang dài kéo từ cạnh của mặt vào trong. Đừng quên xóa những nét thừa nhé! Bước 8: Tô màu cho Bart thôi nào! Vậy là chúng ta đã có được cậu bé Bart “huyền thoại” trong The Simpsons rồi đó. Chúc các bạn thành công nhé! Quà tặng mùa hè dành cho các bạn ở TPHCM: Viện Truyện tranh và Hoạt hình chân thành cảm ơn sự ủng hộ, quan tâm của bạn đến các lớp học vẽ do Viện tổ chức. Viện trân trọng gửi đến bạn quà tặng đặc biệt khi đăng ký Lớp học vẽ truyện tranh Manga/Comics căn bản, chương trình được thiết kế đặc biệt dành cho các bạn từ 9 – 14 tuổi. [spacer] Quà tặng: Phiếu giảm giá 500.000đ Lớp học vẽ truyện tranh manga/comics căn bản Thời lượng học: 3 tháng Lịch học: 9:00 – 11:00 và 14:00 – 16:00 ngày thứ 7 – Chủ nhật hàng tuần (Khi đăng ký bạn chọn một trong hai giờ học này nhé) Địa điểm học: 147 Pasteur, P.6, Q.3, TPHCM Thời gian áp dụng: Từ 18/07 – 31/07/2016 Hotline liên hệ: 090.273.8806 [spacer] Để phát triển tình yêu và đam mê vẽ truyện tranh, các bạn có thể tham khảo các lớp học vẽ truyện tranh của Comic Media Academy nhé! Trinh Trần

Chuyện gì sẽ xảy ra nếu thiên thạch đã xóa sạch khủng long chưa bao giờ rơi trúng Trái Đất? Đó là câu hỏi mà Pixar đã đặt ra trong bộ phim mới nhất của mình, “A Good Dinosaur”, sẽ được ra mắt vào cuối năm nay. Phim sẽ do Peter Sohn (Parly Cloudy) đạo diễn, và trong buổi Liên hoan phim hoạt hình quốc tế Annecy, ông đã giới thiệu đến với mọi người những hình ảnh đầu tiên của phim. Với nội dung quay ngược về quá khứ, khi thiên thạch không hề rơi trúng Trái Đất và các loài khủng long vẫn sinh sống và phát triển không ngừng. Arlo the Apatosaurus – nhân vật chính của phim – đến từ một gia đình khủng long ăn cỏ. Arlo đang để tang cha mình khi cậu bị cuốn trôi trong dòng nước lũ và bất tỉnh. Khi tỉnh lại, cậu không thể xác định mình đang ở đâu. Arlo nhất định phải tìm đường quay trở về nhà khi cậu chưa bao giờ rời khỏi gia đình mình và không hề biết thế giới bên ngoài như thế nào. Tuy nhiên trên chuyến hành trình này, cậu gặp gỡ và kết bạn với một câu bé đặc biệt tên Spot. Như những hình ảnh được tiết lộ ban đầu, Pixar đã thúc đẩy những thách thức của mình với một môi trường mới, đầy kinh ngạc và kì diệu cho bộ phim. Đạo diễn Peter Sohn cho biết đoàn làm phim đã nỗ lực hết sức mình để có thể tạo ra một thế giới quy mô trong phim – khủng long rất to lớn, nhưng thế giới còn khổng hồ, bao la hơn. Khán giả đã có dịp được theo dõi một đoạn video ngắn nơi Arlo đứng trên đỉnh núi cao và nhìn xuống một dãy trùng điệp của núi cao và những cánh rừng bạt ngàn, mang lại một cảm giác hùng vĩ và rộng lớn. Những hiệu ứng đồ họa và kỹ xảo hình ảnh ấn tượng đã được các nhà làm phim chú trọng trong từng thước phim, phản ánh một hình ảnh thực tế về thế giới khủng long trong phim. Mời các bạn cùng xem trailer “The Good Dinosaur” >>> Có thể bạn quan tâm đến Lớp học làm phim hoạt hình 3D Ngoài “The Good Dinosaur”, Pixar cũng ra mắt một bộ phim ngắn mới với tên gọi là “Sanjay’s Super Team” do Sanjay Patel đạo diễn. Theo ông, ý tưởng để sáng tạo nên bộ phim là chuyến hành trình lâu dài của ông trong công cuộc hài hòa nền giáo dục phương Tây cùng lịch sử và những nét văn hóa Hindu. Ông đã viết nhiều cuốn sách lẫn truyện tranh về văn hóa Hindu trong nhiều năm trong lúc làm việc tại Pixar với những bộ phim thuần hóa phương Tây. Khi có cơ hội để đạo diễn một bộ phim ngắn, ông không chắc mình nên làm những gì. Vì thế ông đã hỏi cha mình, và nhận ra đây là thời cơ để ông có thể thực hiện những gì mình mong muốn suốt những năm qua. Câu chuyện được lấy ý tưởng khi Patel viếng thăm Ấn Độ và ghé đến một ngôi đền Hindu cổ đại. Tất cả những du khách ghé đến đền đều cởi bỏ giầy của mình để vào đền, và một người đàn ông ngồi trên bậc thềm có nhiệm vụ canh giữ những đôi giầy của du khách. Patel cho biết đó là một cảnh tượng rất hài hước – họ đang có mặt tại một trong những ngôi đền Hindu cổ và quý giá nhất, nhưng người đàn ông kia lại chán nản, không quan tâm đến việc mình đang ở đâu. Ông cũng nói rằng điều này giống như sự giáo dục mà cha mẹ ông đã áp dụng với ông. Ngày xưa, cha ông cũng làm việc tại một ngôi đền và nếu ông muốn tìm hiểu về tất cả những lịch sử và nền văn hóa của đền thì chỉ cần tìm đến cha ông. Nhưng khi là một cậu bé, ông chỉ muốn sống bình thường như những đứa trẻ khác. Chỉ đến tuổi trưởng thành ông mới thật sự quan tâm đến những vấn đề về di sản văn hóa của cha mình. “Sanjay’s Super Team” lấy bối cảnh tại một phòng khách. Nếu một bên là nơi để thờ phụng, với một ngôi đền Hindu ở bên phải, thì bên trái lại là chiếc Tivi hiện đại. Cậu bé Sanjay phải rời bỏ những nhân vật siêu anh hùng trong bộ phim hoạt hình yêu thích của mình để cầu nguyện tại ngôi đền cùng cha. Cậu bé chán nản và chẳng thể ngồi yên, muốn lấy lại món đồ chơi của mình mà vô ý dập tắt một bấc đèn tại ngôi đền nhỏ. Sanjay bị cuốn vào ngôi đền và từ đây xuất hiện một con quỷ và những vị thần ở trong đền, với sự giúp đỡ của Sanjay, phải tìm mọi cách để chống lại tên quỷ này. Bộ phim ngắn là một câu chuyện ý nghĩa về đứa con trai học cách tôn trọng lời truyền dạy của cha mình. Trong khi bộ phim phản ánh những tác động của nền văn hóa phương Tây đến cuộc sống của Sanjay, thì hình ảnh hai cha con nhìn vào mắt nhau ở những phút cuối phim thật sự cảm động và tinh khiết khi hai con người tưởng chừng khác biệt lại gắn kết với nhau theo cách đặc biệt nhất. Bộ phim ngắn tiếp theo mà Pixar giới thiệu tại Annecy năm nay chính là “Lava”. Bộ phim là một vở nhạc kịch ngắn được công chiếu cùng lúc với “Inside Out”, kể về một ngọn núi lửa hát tình khúc cô đơn bên tiếng đàn ukulele, mong muốn tìm thấy tình yêu của đời

Có khi nào bạn tự hỏi chuyện gì sẽ xảy ra khi thú cưng của bạn ở nhà một mình không? Chúng sẽ làm gì, phá phách, nghịch ngợm để rồi bị vướn vào một rắc rối nào đó mà chẳng ai chú ý đến? Hay chúng sẽ ngoan ngoãn chờ đợi bạn trở về sau một ngày làm việc mệt mỏi như chú chó trong trailer mới được phát hành của bộ phim hoạt hình 3D hài hước “The Secret Life of Pets”? Bộ phim mới nhất của hãng phim Universal Pictures và Illumination Entertainment, sau sự thành công vượt trội của loạt phim “Despicable Me” và “The Minions”, sẽ mang đến một hình ảnh đáng yêu và vui nhộn để trả lời cho câu hỏi trên. Trailer đầu tiên của “The Secret Life of Pets” giới thiệu đến khán giả một loạt những thú cưng xuất hiện trong phim, đa dạng chủng loại từ chó, mèo, chim, thỏ, cá cùng sinh sống tại một khu chung cư, và những biểu hiện hài hước cũng như bản tính độc đáo của chúng khi chủ vắng nhà. Theo trang IMDb, bộ phim diễn ra tại một khu chung cư ở Manhattan. Cuộc sống thú cưng của Max hoàn toàn bị đảo lộn khi chủ của chú mang về nhà một chú chó lai nhếch nhác tên Duke. Cả hai phải dẹp bỏ những mâu thuẫn của mình khi phát hiện ra một chú thỏ trắng đáng yêu tên là Snowball đang bí mật xây dựng một đội quân gồm những thú cưng đã bị bỏ rơi với tâm địa trả thù những thú cưng khác đang sống hạnh phúc và chủ của chúng. “The Secret Life of Pets” là bộ phim hoạt hình 3D hài hước, do Illumination Entertainment sản xuất. Phim được đạo diễn bởi Chris Renaud (nổi tiếng với hai phần “Despicable Me”), đồng đạo diễn bởi Yarrow Cheney, kịch bản được viết bởi Brian Lynch, Cinco Paul và Ken Daurio, với sự tham gia của những siêu sao phim hài Louis C.K, Eric Stonestreet và Kevin Hart.  >>> Có thể bạn quan tâm: Khóa học làm phim hoạt hình 2D “The Secret Life of Pets” dự kiến ra mắt khán giả vào dịp hè 2016, bắt đầu từ ngày 7/8. Yến Nhi dịch (Blastingnew.com) Comic Media Academy Trường học vẽ truyện tranh, học làm phim hoạt hình và thiết kế game tại TPHCM

Trong mỗi chúng ta có bao nhiêu cảm xúc thật sự tồn tại? Và những kí ức quý báu có thể biến mất vĩnh viễn hay không? Mới đây, trang The Hollywood Reporter đã thống kê những bài học quý giá được gửi gắm qua bộ phim hoạt hình đang gây sốt và thành công nhất mà Pixar vừa ra mắt gần đây – “Inside Out”. “Inside Out” đã chính thức trở thành bộ phim thành công nhất của hãng phim nổi tiếng Pixar, và cũng là một trong những bộ phim hoạt hình có tính giáo dục cao được giới chuyên môn đánh giá và nhận xét. Bộ phim xoay quanh cuộc sống trong trí óc của cô bé Riley 11 tuổi khi cô bé chuyển nhà đến một thành phố mới cùng với cha mẹ, và cùng với những cảm xúc của mình: Joy (Amy Poehler lồng tiếng), Sadness (Phyllis Smith), Fear (Bill Hader), Anger (Lewis Black) và Disgust (Mindy Kaling). Trong suốt quá trình làm phim, biên kịch và đạo diễn Pete Docter đã tham khảo ý kiến của các nhà tâm lý học nổi tiếng Paul Ekman, người tiên phong cho các công trình nghiên cứu về cảm xúc của con người, và Dacher Keltner, đồng giám đốc của Trung tâm Khoa học Greater Good và giáo sư tâm lý học của trường Đại học California, Berkeley. Chính điều này đã tạo nên một bộ phim cảm động, chạm đến trái tim của từng khán giả. Và nhờ sự phân tích của các chuyên gia hàng đầu của các ngành khác nhau, The Hollywood Reporter đã có thể đưa ra những bài học thực tiễn được lồng ghép trong từng thước phim, liên quan đến cảm xúc, ký ức và tâm trí con người. Con người không chỉ tồn tại 5 cảm xúc cơ bản. Mặc dù bộ phim chỉ có 5 tuyến nhân vật đặc trưng cho từng cảm xúc, nhưng theo nghiên cứu của nhà tâm lý học Paul Ekman, nếu phân tích theo biểu cảm cảm gương mặt sẽ dễ dàng nhận thấy cảm xúc thứ sáu, đó là sự ngạc nhiên. Nhưng trong những nghiên cứu gần đây lại cho rằng chỉ có 4 cảm xúc cơ bản bất kể văn hóa và ngôn ngữ của từng nước. Nhà tâm lý học và nhà văn chuyên viết sách cho thiếu nhi Frank Sileo cho biết: “Theo những đề tài nghiên cứu này, thì giận dữ (anger) và khó chịu (disgust) có nhiều điểm tương đồng với nhau, cũng như sợ hãi (fear) và ngạc nhiên (surprise). Các nhà nghiên cứu đã kết luận rằng sự khác biệt giữa giận dữ và khó chịu, cũng như giữa ngạc nhiên và sợ hãi là do tác động của xã hội, chứ không dựa vào mặt sinh học.” Và những cảm xúc phức tạp khác nhau không chỉ là sự kết hợp của những cảm xúc cơ bản. Gail Heyman, giáo sư tâm lý học tại trường đại học California, San Diego, chuyên gia nghiên cứu sự phát triển của trẻ em về nhận thức xã hội, cũng chỉ ra rằng: “Ví dụ, để có thể xấu hổ, tội lỗi hay tủi thẹn, bạn cần phải có những kỹ năng nhận thức nhất định, bao gồm một giác quan của bản thân mà người khác có thể nhận biết và đánh giá.” Khả năng xác định và quản lí cảm xúc được gọi là trí tuệ cảm xúc (Emotional Intelligence – EQ). Theo lời của chuyên gia về sự phát triển của trẻ Denise Daniels, “Vào khoảng 2 tuổi, trẻ em bắt đầu phát triển một vài từ vựng để mô tả cảm nhận của mình, vì vậy việc cha mẹ dạy cho con cái những kỹ năng trí tuệ cảm xúc rất quan trọng, để con có những công cụ cần thiết để điều khiển những cảm xúc thăng trầm trong cuộc sống.” >>> Có thể bạn quan tâm: Khóa học làm phim hoạt hình 2D Với mỗi người khác nhau sẽ có một cảm xúc khác nhau đóng vai trò trung tâm. Trong “Inside Out”, các nhà làm phim đặt Joy (niềm vui) đại diện cho Riley, nhưng theo các chuyên gia, tính khí bẩm sinh của con người không phải lúc nào cũng lạc quan, vui tươi. Và khi “trung tâm điều khiển”, được mô tả trong phim là một loạt những đòn bẩy và phím nút để các cảm xúc có thể điều chỉnh hành vi của con người, không được quan tâm đến sẽ khiến họ cảm thấy thờ ơ, như cô bé Riley trong phim khi phải di chuyển đến một thành phố xa lạ. Nhưng theo nhà tâm lý học Emily Roberts, “Thờ ơ không phải là một cảm xúc, và nó bắt nguồn từ sự trầm cảm hay cảm giác mệt mỏi, không thể kiếm soát tình huống của một người. Không ai có thể duy trì trạng thái thờ ơ lâu dài. Nhìn bề ngoài có thể họ tỏ ra như thế, nhưng thật chất họ đang có một cuộc chiến nội tâm về nhiều điều khác nhau trong cuộc sống.” Tại sao những cảm xúc bên trong đều hỗn loạn? Trong khi Joy (niềm vui) và Sadness (nỗi buồn) bị lạc trong mê cung của trí óc, thì Fear (sợ hãi), Anger (giận dữ) và Disgust (khó chịu) lại rơi vào hoảng loạn, như mô tả những việc có thể xảy ra khi con người trải qua những ký ức đau thương. “Có những ký ức cần nhiều thời gian để nhận biết những cảm xúc hỗn hợp khác nhau,  xử lý và lưu trữ vào bộ nhớ.” Nhà trị liệu tâm lý Fran Walfish cho biết, “Đôi khi, chúng ta phải trải qua những cảm xúc khác nhau cho đến khi chúng ta xác định đó là ký ức hạnh phúc hay nỗi sợ hãi.” Có những ký ức không phải lúc nào cũng

Bạn đã bao giờ từng thử hình dung chàng béo Baymax vào vai nàng tiên cá Ariel hay chú bé người gỗ Pinocchio hay chưa? 1. Công chúa tóc dài Rapunzel với chiếc bụng to cùng khuôn mặt tròn trịa. 2. “Thần đèn” Baymax với biệt tài chăm sóc sức khỏe. 3. Khi Baymax “học đòi” làm siêu nhân như Go Go Tamago. 4. Kẻ phá bĩnh nổi tiếng Wreck-it Ralph. 5. Nữ hoàng băng giá Elsa. 6. Cô bé Boo và Baymax cùng giả trang để tham gia Công ty Quái vật (Monster,Inc.) 7. Vịt Donald với “cặp đùi” trắng bóc. 8. Siêu anh hùng vũ trụ Buzz Lightyear của Câu chuyện đồ chơi (Toy Story). 9. Bạn có nhận ra những chú Alien ngộ nghĩnh hay theo chân Buzz trong những chuyến phiêu lưu đồ chơi không? 10. Nàng tiên cá Ariel với ngoại hình vô cùng sexy. 11. Baymax hóa trang thành Mad Hatter của Alice ở xứ sở thần tiên. 12. Minnie – cô người yêu xinh đẹp và điệu đà của chú chuột Mickey. 13. Công chúa Bạch Tuyết đúng là… trắng như tuyết. 14. Bà tiên hắc ám trong Maleficent. 15. Chú bé người gỗ Pinocchio này hoàn toàn… không có mũi. 16. Quái vật siêu quậy Stitch đang chờ cô chủ nhỏ Lilo. Nguồn: DeviantArt/Imgur Theo Kenh14.vn Comic Media Academy – Trường dạy vẽ truyện tranh tại TPHCM 

phòng máy Viện Truyện tranh và Hoạt hình 4

Bảng vẽ điện tử ra đời đã trở thành trợ thủ đắc lực cho các họa sĩ, nhà thiết kế hoạt động ở lĩnh vực vẽ, thiết kế đồ họa, thiết kế game. Bảng vẽ điện tử cho phép người dùng thao tác trực tiếp lên sản phẩm thông qua bút cảm ứng và màn hình, từ đó chuẩn hóa mọi đường nét và hình ảnh theo đúng ý tưởng đặt ra. Việc vẽ với bảng vẽ điện tử dễ dàng như khi dùng bút vẽ trên giấy, thậm chí dễ dàng và tiện lợi hơn rất nhiều bởi không còn phải bận tâm đến những dụng cụ lỉnh kỉnh hay màu vẽ. Độ rộng, mảnh, đậm, nhạt của nét vẽ phụ thuộc vào lực đè bút tương tự như với cọ vẽ bình thường. Bạn vẽ đến đâu, các nét vẽ sẽ hiện ra đến đó trên chính cửa sổ phần mềm đang vẽ. Bạn có thể xoay, phóng to hình vẽ để chỉnh sửa sao cho bức vẽ hoàng chỉnh nhất. Bảng vẽ và bút vẽ có đầy đủ chức năng để thể hoạt động trong mọi chương trình của máy như cửa sổ Word, Power Point, Photoshop. Những chi tiết chưa hài lòng của bức vẽ cũng có thể chỉnh sửa lại mà không cần bôi tẩy hay vẽ lại từ đầu. Bảng vẽ điện tử ứng dụng tại Viện Truyện tranh và Hoạt hình có đến hơn 2000 thang cảm ứng lực trong một đầu bút chưa đến 2mm. Ngoài ra, phần mềm chạy trên bảng vẽ có nhiều phương pháp vẽ và nét bút, chính vì thế người dùng có thể tùy biến theo mục đích sử dụng của mình. Cùng với các phần mềm như Photoshop, Corel Painter, ArtRage… chắc chắn hệ thống phòng học ứng dụng bảng vẽ điện tử của Viện sẽ cho giúp bạn thực hiện các ý tưởng của mình nhanh hơn. Việc đưa bảng vẽ điện tử vào phục vụ việc học vẽ truyện tranh tại Viện Truyện tranh và Hoạt hình Việt Nam cho thấy một bước đột phá về công nghệ, từ đó chuyên nghiệp hóa hoạt động đào tạo nghề họa sĩ vẽ truyện tranh, hoạt hình tại Việt Nam nói chung. Đây cũng là bước tiếp cận công nghệ làm truyện tranh hiện đại nhất hiện nay. Tốc độ công việc khi sử dụng bảng vẽ điện tử giúp người họa sĩ gia tăng năng suất lên đến 20 lần so với vẽ tay thông thường, đáp ứng được áp lực thời gian làm truyện tranh chuyên nghiệp, hoàn thành sản phẩm nhanh chóng, đúng tiến độ xuất bản. Phòng máy ứng dụng bảng vẽ điện tử tại Viện Truyện tranh và Hoạt hình Viện Truyện tranh và Hoạt hình Việt Nam (Comic Media Academy – CMA) luôn ưu tiên tạo ra một môi trường học tiên tiến nhất, chuyên nghiệp nhất, tạo điều kiện tối đa để mỗi học viên phát huy được hết ý tưởng và sức sáng tạo. Comic Media Academy Viện Truyện tranh và Hoạt hình Việt Nam

Comic Media Academy – Viện Truyên tranh và Hoạt hình Việt Nam ra đời với sứ mệnh nghiên cứu, đào tạo nguồn nhân lực nhằm phát triển nền công nghiệp truyện tranh, phim hoạt hình và giải trí thuật số Việt Nam. Tập hợp trí tuệ của các chuyên gia hàng đầu về Truyện Tranh – hoạt hình 3D, hoạt hình 2D, hoạt hình tĩnh vật đất sét – Giải trí kỹ thuật số trong và ngoài nước, Viện Truyện tranh và Phim hoạt hình Việt Nam đã xây dựng nên một phương cách đào tạo đặc biệt, đi sát với thực tiễn và phát huy tối đa tiềm lực sáng tạo của học viên. Tiên phong đưa bộ môn Sáng tác vào giảng dạy Viện TT & PHHVN là nơi đầu tiên đưa bộ môn Sáng tác vào giảng dạy, tập trung phát triển tư duy sáng tạo của học viên tại Việt Nam. Từng nét vẽ phải đi ra từ cốt truyện và sự cảm thụ tâm lý nhân vật. Trong mỗi tình huống, bạn phải luôn đặt ra câu hỏi: Nếu là người này tôi sẽ hành động như thế nào?, Ăn mặc ra sao?, Cử chỉ thế nào?,…Sau đó, bạn mới bắt tay vào việc vẽ. Thần Đồng Đất Việt Hoàng Sa- Trường Sa Đó mới chính là nét vẽ từ trái tim, chân thực và thuyết phục độc giả nhất. Để làm được điều này, người làm truyện tranh và phim hoạt hình phải được đào tạo một kiến thức nền tảng đúng đắn và vững chắc, từ đó phát triển sự sáng tạo từ nội dung cho đến hình thức thể hiện. Đưa thực tiễn vào giảng dạy Giáo trình tại Viện Truyện tranh và Phim hoạt hình Việt Nam được biên soạn riêng, đúc kết từ các tài liệu nghiên cứu của các nước tiên tiến như Mỹ, Nhật,.. và từ kinh nghiệm sản xuất truyện tranh thực tế của công ty truyện tranh hàng đầu Việt Nam – Phan Thị – nổi tiếng với các bộ truyên tranh như Thần Đồng Đất Việt, Truyện Tranh Danh Tác, Học Sinh Chân Kinh,…. Giáo trình học tại CMA Chương trình giảng dạy độc đáo với các bộ môn chuyên sâu từ cách tạo hình cho đến xoáy sâu phân tích tâm lý nhân vật. Đặc biệt là bộ môn Tiếng Nhật và Tiếng Anh chuyên ngành, giúp học viên có thể tự tin giao lưu quốc tế, chủ động học hỏi từ tài liệu nước ngoài. Đổi mới phương pháp tiếp cận kiến thức cho học viên Phương pháp giảng dạy “trực quan sinh động” bằng các dụng cụ, mô hình đặc biệt giúp cho học viên nắm bắt bài học một cách chắc chắn và nhanh chóng. Bên cạnh đó, Viện còn là đơn vị tiên phong đầu tư hệ thống bảng vẽ Wacom Cintiq cho việc thực hành, nhằm giúp học viên làm quen và không bỡ ngỡ với công nghệ sản xuất truyện tranh, phim hoạt hình và thiết kế game chuyên nghiệp trên thế giới hiện nay. “Người mẫu nhựa” và “Người mẫu gỗ” – các khớp tay chân xoay chuyển linh hoạt, mô phỏng tư thế trong chuyển động của cơ thể người, giúp học viên định hình được tư thế của nhân vật truyện tranh, phim hoạt hình và game dễ dàng hơn. Học viện được thực hành trên bảng vẽ Wacom Cintiq – công cụ hỗ trợ đắc lực cho các họa sĩ truyện tranh, hoạt hình và thiết kế game chuyên nghiệp trên thế giới. Song song đó, người học sẽ được tiếp cận môi trường làm việc thực tế, thông qua chương trình thực tập tại các công ty sản xuất truyện tranh, phim hoạt hình và game hàng đầu trong nước như: công ty Phan Thị, Công ty Arena Việt Nam, Công ty Gia công Phim hoạt hình Armada TMT,…. Tạo động lực, điều kiện tối đa cho học viên học tập và rèn luyện Viện Truyện tranh và phim Hoạt hình Việt Nam ưu tiên tập trung vào chất lượng đào tạo, tạo động lực cũng như điều kiện tối đa cho học viên học tập và rèn luyện. Trong thời gian học tại trường, học viên có tác phẩm đạt chất lượng sẽ được viện hỗ trợ xuất bản. Sau khóa học, ngoài giới thiệu việc làm cho học viên, Viện còn tạo cơ hội cho các bạn được du học tại các trường danh tiếng trên thế giới có chuyên ngành học vẽ truyện tranh, phim hoat hình và thiết kế game như: trường Cao Đằng Yokohama, trường Đai học Kyoto Seika,… Trường đại học Kyoto Seika Với một môi trường đào tạo bài bản, đi sát với thực tiễn nghề nghiệp trong nước và thế giới, chúng ta hoàn toàn có cơ sở để tin rằng rồi đây, ngành truyện tranh, phim hoạt hình và thiết kế game Việt Nam sẽ có một đội ngũ nhân lực vững vàng trong kiến thức, mạnh dạn trong tư duy để tạo ra những sản phẩm có chất lượng vượt trội từ nội dung cốt lõi đến hình thức thể hiện. Comic Media Academy Viện Truyện tranh và Hoạt hình

Khi nhu cầu học vẽ truyện tranh, manga, làm phim hoạt hình, thiết kế game ngày càng tăng cao nhưng chưa có nhiều trung tâm dạy học chất lượng, thì chắc chắn bạn sẽ phân vân khi lựa chọn cho mình một môi trường học đáp ứng đủ mọi yêu cầu. Vậy đâu sẽ là môi trường học thích hợp cho bạn? Có rất nhiều lý do để bạn chọn học tại Viện Truyện tranh và Hoạt hình thay vì những nơi khác: 1. Bằng cấp chính quy – có giá trị toàn quốc Khác với những trường dạy vẽ truyện tranh hiện có ở Việt Nam, bằng cấp của các bạn khi theo học tại Viện sẽ có giá trị toàn quốc. Bằng do Viện Truyện tranh và Hoạt hình liên kết cùng Đại học Tôn Đức Thắng cấp. Bạn hoàn toàn có thể sử dụng bằng cấp này để làm việc và du học. 2. Đội ngũ giảng viên giàu kinh nghiệm Viện Truyện tranh và Hoạt hình tự hào với đội ngũ giảng viên giỏi, đẳng cấp đang trực tiếp giảng dạy các chuyên ngành về mỹ thuật, đồ họa, truyện tranh, kịch bản,… tại các trường Đại học trong và ngoài nước. Họ là những họa sĩ truyện tranh, nhà biên kịch, đạo diễn… với nhiều năm kinh nghiệm trong nghề. 3. Cơ sở vật chất hiện đại Hệ thống cơ sở vật chất hiện đại, áp dụng mô hình phòng học tương tác trực tiếp trên bảng vẽ Wacom Cintiq để tạo sự hứng khởi và phát huy được tính sáng tạo của thầy và trò. Vào thời điểm hiện tại, Viện Truyện tranh và Hoạt hình là đơn vị tiên phong và duy nhất tại Việt Nam áp dụng mô hình phòng học đang được thế giới ứng dụng. 4. Giáo trình tiêu chuẩn hàng đầu Viện thường xuyên cập nhật giáo trình học vẽ mới nhất từ các đối tác giảng dạy tại Mỹ và Nhật Bản – 2 quốc gia có nền công nghiệp truyện tranh mạnh nhất thế giới. Bên cạnh đó, Viện còn hợp tác với công ty truyện tranh hàng đầu Việt Nam là Phan Thị để học viên học tập kiến thức, quy trình và kinh nghiệm sản xuất truyện tranh hơn 10 năm tại Việt Nam. 5. Mức đầu tư phù hợp Viện Truyện tranh và Hoạt hình không xem chi phí học viên bỏ ra là học phí mà đó là chi phí đầu tư nghề nghiệp tương lai của học viên. Chi phí đầu tư này không cao và hoàn toàn hợp lý để học viên tạo dựng sự nghiệp ngay trên giảng đường của Viện. Để chi phí đầu tư nghề nghiệp này được sử dụng tốt nhất có thể, Viện thường xuyên tổ chức tư vấn và kiểm tra năng lực đầu vào để định hướng nghề nghiệp trước khi chọn học tại Viện. 6. Lớp học đa dạng Viện Truyện tranh và Hoạt hình có rất nhiều ngành đào tạo khác nhau cho bạn lựa chọn. Ngoài học vẽ truyện tranh, bạn có thể chọn học làm hoạt hình 3D, 2D; hoạt hình tĩnh vật – đất sét; thiết kế game. Ngoài ra, thời gian học ở Viện rất linh động và thường xuyên mở lớp mới để bạn sắp xếp thời gian để học. 7. Chất lượng là tiêu chí đánh giá Tại Viện Truyện tranh và Hoạt hình, chúng tôi tin rằng cách tốt nhất để học vẽ truyện tranh, học làm phim hoạt hình, học thiết kế game là phải thuần thục kỹ năng vẽ. Điều đó có nghĩa, không chỉ lên lớp nghe giảng, nhìn giảng viên thao tác mà chính mỗi học viên sẽ được trực tiếp thực hành ngay tại buổi học và được giảng viên trực tiếp chỉ dẫn. Số lượng học viên trong lớp từ 20 – 25 bạn để đảm bảo sự tiếp thu của học viên một cách tốt nhất. 8. Phù hợp với nhiều lứa tuổi khác nhau Cho dù bạn là ai, học sinh, sinh viên, người trong nghề hay một họa sĩ, một biên kịch đang muốn hoàn chỉnh hoặc bổ sung thêm kiến thức cho ngành nghề bạn yêu thích, bạn hoàn toàn có thể tìm đến Viện Truyện tranh và Hoạt hình. Chúng tôi có nhiều sự lựa chọn phù hợp để cùng bạn bước đến tương lai. Các khóa học dài hạn và ngắn hạn tại Viện gồm: [spacer] [dropcap]1.[/dropcap] Khóa học vẽ truyện tranh chuyên nghiệp Hình thức: Đào tạo tập trung, chính quy Hệ đào tạo: Trung cấp chuyên nghiệp hoặc Kỹ thuật viên Thời lượng: 2,5 năm, 8 học kỳ Thời gian học: 5 ngày/tuần, 2 buổi/ngày Ngày khai giảng gần nhất: 05/09/2016   [dropcap]2.[/dropcap] Khóa học làm phim hoạt hình chuyên nghiệp Hình thức: Đào tạo tập trung, chính quy Hệ đào tạo: Kỹ thuật viên Chuyên ngành: Hoạt hình 2D, hoạt hình 3D, hoạt hình tĩnh vật Thời lượng: 3 năm, 10 học kỳ Thời gian học: 5 ngày/tuần, 2 buổi/ngày Ngày khai giảng gần nhất: 05/09/2016  [spacer] [dropcap]3.[/dropcap] Khóa học chuyên viên thiết kế game đỉnh cao Hình thức: Đào tạo tập trung, chính quy Hệ đào tạo: Kỹ thuật viên Thời lượng: 2 năm, 6 học kỳ Thời gian học: 5 ngày/tuần, 2 buổi/ngày Ngày khai giảng gần nhất: 05/09/2016 [spacer] [dropcap]4.[/dropcap] Khóa học vẽ truyện tranh ngắn hạn Hình thức: Học ngắn hạn, cấp tốc. Tập trung rèn luyện kỹ năng vẽ tay & sáng tạo kịch bản. Thời lượng: 9 tháng / khóa Thời gian học: 3 buổi/tuần (Sáng – Chiều hoặc Tối) Ngày khai giảng gần nhất: 01/08/2016   [dropcap]5.[/dropcap] Lớp học vẽ Manga/Comics căn bản Hình thức: Học ngắn hạn. Nuôi dưỡng và phát triển năng khiếu Thời lượng: 3 tháng / khóa Thời gian học: 2 buổi/tuần (Sáng hoặc Chiều Thứ 7 – Chủ nhật) Phù hợp với học viên từ 9 – 14 tuổi. Ngày khai

Đối với ngành truyện tranh, phim hoạt hình và thiết kế game, người học có ba mối quan tâm lớn nhất đó là cơ hội việc làm, chất lượng đào tạo và học phí. Cơ hội việc làm – đất rộng người thưa Theo Tổng cục Dân số và Kế hoạch hóa gia đình, Việt Nam có dân số hơn 90 triệu – đứng thứ ba tại Đông Nam Á, “Cơ cấu dân số vàng” với tỷ lệ thanh-thiếu niên 10-24 tuổi chiếm gần 40% dân số, cao nhất từ trước đến nay. Nhu cầu đọc truyện tranh, xem phim hoạt hình và giải trí kỹ thuật số ở nhóm tuổi này không phải là con số nhỏ. Tuy nhiên, phát triển ngành truyện tranh ở Việt Nam là rất khó, vì chi phí đầu tư cao nhưng giá bán lại thấp và số lượng in ít, chỉ 5.000 – 6.000 bản cho một kỳ in. Số đầu truyện không nhiều, lượng phim hoạt hình, hoạt hình 3D lại càng hiếm. Một mặt, do sự cạnh tranh của các sản phẩm có nguồn gốc nước ngoài, nhưng cốt lõi là do chúng ta khan hiếm nguồn nhân lực chất lượng. Nguồn nhân lực trong nước không đủ để đáp ứng cả hai mặt là vẽ truyện tranh và nhất là khâu tư duy sáng tác kịch bản vì chưa được chú trọng đào tạo bài bản. Nếu nguồn nhân lực làm truyện tranh – phim hoạt hình và thiết kế game tại Việt Nam được đầu tư đào tạo đúng cách thì thị trường trong nước sẽ là của người Việt. Vì chỉ có người Việt Nam mới hiểu sâu sắc nhất văn hóa, tinh thần người Việt để cho ra những tác phẩm gần gũi và dễ dàng thành công nhất. Tiếp sau, việc nhượng quyền nhân vật truyện tranh, phim hoạt hình và Game sẽ mang lại nguồn thu không nhỏ về lâu dài cho tác giả, như cách mà Disney đã làm và thành công suốt nhiều thập kỉ qua. Chương trình đào tạo tại Viện Truyện tranh và Hoạt hình (Comic Media Academy – CMA) Các ngành học Truyện tranh – Phim hoạt hình và Thiết kế game có tính đặc thù riêng, đòi hỏi sự kết hợp nhuần nhuyễn giữa ý tưởng sáng tạo, tư duy logic của con người và công nghệ hiện đại. Điều kiện cần là ý tưởng nhưng phải tư duy đúng hướng và làm đúng cách mới tạo ra được tác phẩm có giá trị. Viện Truyện tranh và Hoạt hình ra đời chính vì lẽ đó. Viện hoạch định con đường đúng đắn nhất để học viên phát triển sức sáng tạo mà không vướng phải bất cứ trở ngại nào, cả về kiến thức, kỹ năng và công nghệ – đó chính là định hướng cho chất lượng đào tạo tại CMA. CMA có ưu thế là tập trung vào đào tạo kỹ năng làm nghề. Chương trình học bài bản, toàn diện, bao trùm hầu hết các nhóm nghề thiết kế phục vụ mục đích thương mại, truyền thông và giải trí kỹ thuật số, đặc biệt nhấn mạnh vào Truyện tranh, hoạt hình 3D, 2D, tĩnh vật đất sét và Thiết kế game. Môi trường học kết nối thường xuyên với thị trường việc làm thông qua bộ phận Hỗ trợ việc làm và sự hợp tác chặt chẽ với các nhà tuyển dụng. Học viên sẽ được cọ xát thực tế, làm việc ngay khi còn ngồi trên ghế giảng đường nhờ vào chính sách hỗ trợ xuất bản, phát triển sản phẩm và mua lại các tác phẩm đạt chất lượng trong suốt quá trình học và thực tập của CMA. Để làm ra sản phẩm chất lượng, học viên sẽ được đào tạo bài bản bởi các giảng viên là các chuyên gia giàu kinh nghiệm trong ngành từ kỹ năng vẽ, tư duy mỹ thuật, đặc biệt là tư duy logic, sáng tác kịch bản – đây là bộ môn chưa nơi nào đào tạo chuyên sâu tại Việt Nam. Đồng thời, học viên còn được thực hành thường xuyên trên các thiết bị công nghệ đồ họa hiện đại nhất mà CMA là đơn vị tiên phong đầu tư phục vụ giảng dạy, học tập tại Việt Nam: bảng vẽ Wacom Cintiq. Vì đặc thù của ngành vẽ truyện tranh, Phim hoạt hình và Thiết kế game là làm theo ê-kip, quy trình chuyên môn hóa mới có thể cho ra sản phẩm chất lượng với thời gian nhanh nhất. Sinh viên được hướng dẫn làm việc theo nhóm, phân chia công việc, hướng dẫn tự nghiên cứu, tự quản lý thời gian làm việc, kết hợp với cơ sở vật chất và trang thiết bị học tập trong nhà trường được cập nhật liên tục. CMA đảm bảo cho học viên có đủ cả kiến thức, kỹ năng cứng và kỹ năng mềm để phát triển nghề nghiệp trong tương lai. Bên cạnh đó, CMA còn tạo điều kiện cho học viên được giao lưu quốc tế dưới nhiều hình thức. Đặc biệt là cơ hội du học tại các trường Đại học, cao đẳng cùng chuyên ngành ở Nhật, Mỹ, Thái Lan,… Để đảm bảo chất lượng phải đầu tư đúng và đủ Ngành vẽ truyện tranh, phim hoạt hình và thiết kế game tại Việt Nam thực sự là mảnh đất rất màu mỡ, các bạn trẻ có đam mê và được đào tạo bài bản hoàn toàn có thể làm giàu bằng chính tài năng của mình. Để làm được điều này, chúng ta không những phải đầu tư đúng mà còn phải đủ. Tuy nhiên, việc cân bằng giữa chi phí đào tạo và chất lượng đào tạo thực sự rất gian nan. CMA đã cố gắng tạo ra sự cân bằng tốt nhất có thể để tài năng Việt có cơ hội được học tập rèn

KHÓA HỌC LÀM PHIM HOẠT HÌNH 3D CHUYÊN NGHIỆP Chương trình đào tạo chuyên sâu và mang tính hệ thống cao, học viên được đào tạo từ căn bản đến khi thành nghề. Đầu tư, hỗ trợ học viên phát triển dự án & bảo đảm việc làm sau khi tốt nghiệp. KHAI GIẢNG: – [lichkhaigiangktv] ĐĂNG KÝ HỌC Download Hồ sơ [row] [span6] Khóa học làm phim hoạt hình 3D chuyên nghiệp (3D Animation Artist) của Viện Truyện tranh và Hoạt hình (Comic Media Academy – CMA) là chương trình được biên soạn đặc biệt dành cho các bạn có đam mê được làm việc trong lĩnh vực sáng tạo phim hoạt hình 3D chuyên nghiệp. Trong quá trình học tập, học viên sẽ được đào tạo các kỹ năng và kiến thức về mỹ thuật, tạo hình nhân vật, môi trường, bối cảnh. Bên cạnh đó, học viên còn được rèn luyện các kỹ năng sử dụng phần mềm 3D chuyên dụng, tạo hình nhân vật hoạt hình và thực hiện các hiệu ứng, kỹ xảo, âm nhạc, diễn xuất… trong quy trình sản xuất phim hoạt hình 3D. [spacer] AI NÊN THAM GIA KHÓA HỌC LÀM PHIM HOẠT HÌNH 3D CHUYÊN NGHIỆP ? – Các bạn yêu thích làm phim hoạt hình 3D, có mong muốn được tự tay làm ra những thước phim chất lượng và làm việc trong môi trường studio hoạt hình 3D chuyên nghiệp; – Sinh viên các trường mỹ thuật, đồ họa; – Họa sĩ, designer, animator tại các Studio, công ty hoạt hình, game. * Yêu cầu chung: Tốt nghiệp THPT hoặc tương đương; [/span6] [span6] ĐĂNG KÝ TRỰC TUYẾN (Giảm thêm 200.000đ) [/span6] [/row] [spacer] THÔNG TIN KHÓA HỌC KHÓA HỌC LÀM PHIM HOẠT HÌNH 3D CHUYÊN NGHIỆP Bằng phương pháp đào tạo chuyên nghiệp từ căn bản đến chuyên sâu, chúng tôi tin bạn sẽ thành công với thiết kế chương trình sau đây [row] [span3] 10 Học kỳ [/span3] [span3] 6700+ Tiết học [/span3] [span3] 150+ Giáo trình [/span3] [span3] 25+ Giảng viên [/span3] [/row] [spacer] [row] [span7] KHÓA HỌC LÀM PHIM HOẠT HÌNH 3D CHUYÊN NGHIỆP KHAI GIẢNG: – [lichkhaigiangktv] – Thời lượng: 10 Học kỳ (04 tháng/kỳ) – Lịch học: 8:00 – 17:00 từ Thứ 2 -> Thứ 6 – Học phí trung bình: 14 – 18 triệu đồng/kỳ Ưu đãi: – Đăng kí và hoàn tất học phí học kỳ 1 trước 31/03/2018, nhận ngay Bảng vẽ Wacom Intuos CTL (trị giá 1.600.000đ). – Giảm thêm 5% học phí HK1 khi đăng ký học theo nhóm 2, 3 người. [/span7] [span5] Đăng ký họcDownload Hồ sơ [/span5] [/row] [row] [span12] CHƯƠNG TRÌNH HỌC CHI TIẾT [span3] HỌC KỲ 1 Nhập môn biên kịch chuyên nghiệp – Trang bị kiến thức cơ bản & kỹ năng cần thiết cho người viết kịch bản – Lý luận văn học – Nắm vững kỹ năng viết tin – tường thuật & am hiểu ngôn ngữ hình ảnh. – Am hiểu nghệ thuật học/mỹ học – Sáng tác 01 Thời lượng: 460 tiết [/span3] [span1][/span1] [span3] HỌC KỲ 2 Khuynh hướng sáng tác – Nắm vững các thể loại kịch bản báo chí, truyền thông, sân khấu. – Sáng tác các thể loại kịch bản báo chí, truyền thông, sân khấu – Kỹ năng viết kịch bản tin – phóng sự, bình luận – Cảm thụ phim – Sáng tác 02 Thời lượng: 420 tiết [/span3] [span1][/span1] [span3] HỌC KỲ 3 Phương pháp chuyển thể văn học sang điện ảnh – Đặc trưng của các loại KB điện ảnh – Kỹ năng cảm thụ để chuyển thể tác phẩm văn học sang các thể loại kịch bản – Xây dựng hệ thống tình tiết thông qua một cốt truyện phong phú. – Xây dựng dự án, hoạch định kịch bản – Sáng tác 03 Thời lượng: 360 tiết [/span3] [/span12] [span12] [span3] HỌC KỲ 4 Thủ pháp biên kịch – Tạo dựng toàn bộ câu chuyện trên phim: lựa chọn bối cảnh, nhân vật sẽ xuất hiện, cá tính, ngôn ngữ v.v – Biên kịch – người làm phim trên giấy – Hiểu rõ giá trị kịch bản và nắm vững kỹ thuật biên kịch – Sketchnotes – Phương pháp ghi chép bằng hình ảnh – Sáng tác 04 Thời lượng: 600 tiết [/span3] [span1][/span1] [span3] HỌC KỲ 5 Biên kịch trong thời đại số – Am tường các công đoạn làm phim/sáng tác truyện – Trình bày kịch bản theo phương pháp Hollywood – Cách chuyển tải ý đồ/tư tưởng/thông điệp tác phẩm – Lý luận phê bình điện ảnh – Sáng tác 05 Thời lượng: 450 tiết [/span3] [span1][/span1] [span3] HỌC KỲ 6 Kinh doanh kịch bản – Cách giới thiệu/trình bày kịch bản với nhà sản xuất/nhà đầu tư – Làm thế nào để kinh doanh kịch bản thành công – Am hiểu luật bảo về bản quyền tác phẩm – Sáng tác 06 Thời lượng: 540 tiết [/span3] [/span12] [span12] [span3] HỌC KỲ 4 Thủ pháp biên kịch – Tạo dựng toàn bộ câu chuyện trên phim: lựa chọn bối cảnh, nhân vật sẽ xu