Manga đi theo phong cách tối giản so với những loại truyện tranh khác, nhưng thực chất nó không tối giản như chúng ta tưởng. Từng nét vẽ đều được họa sĩ cân nhắc, chọn lọc cẩn thận – không bao giờ sử dụng 10 nét vẽ để miêu tả khi chỉ cần 1 nét vẽ đơn giản là đủ. Nguyên tắc đi vào trọng tâm xuyên suốt toàn bộ quá trình sáng tác manga. Mỗi khung hình là một sự lựa chọn kỹ lưỡng về kích thước, độ zoom, góc nhìn, vị trí khung thoại, kiểu background. Mỗi trang truyện nói chung đóng vai trò kiểm soát trải nghiệm của người đọc, nhất là nhịp độ. Hãy đọc 15 mẹo dưới đây để giúp bạn sáng tác comic strip đúng chất Nhật Bản. 01. Gia tăng nhịp độ Khi sáng tác comic strip theo phong cách manga, bạn cần ghi nhớ manga có nhịp độ nhanh hơn, mật độ khung hình thưa hơn so với những loại truyện tranh khác. Câu chuyện trải dài trên nhiều trang hơn với mỗi trang chứa ít khung hình hơn. Lưu ý có sự khác biệt giữa mỗi loại manga. Ví dụ, Seinen manga (dành cho độc giả nam 18 – 30 tuổi) có mật độ khung hình dày hơn so với Shoujo manga (dành cho độc giả nữ tuổi teen). Tuy nhiên, nguyên tắc chung vẫn là tối đa 3 khung thoại cho mỗi khung hình, trung bình 5 khung hình cho mỗi trang, và khoảng 5 trang cho mỗi cảnh. 02. Cân nhắc hướng đọc Độc giả Nhật Bản quen đọc manga theo chiều dọc từ trên xuống dưới, từ phải sang trái. Vì vậy, đối với manga được phát hành tại Nhật Bản, bạn nên đọc từ trên xuống dưới, từ phải sang trái. Manga thường vẫn giữ nguyên hướng đọc trên khi nó được dịch sang tiếng Anh. Tuy nhiên, nếu bạn sáng tác bằng tiếng Anh ngay từ đầu, thì không nhất thiết tuân thủ hướng đọc này. Bạn tùy nghi quyết định hướng đọc, rồi gắn bó với nó. 03. Tạo nhóm khung hình Trong hầu hết manga, khung hình có hình dạng, kích thước thay đổi theo từng trang truyện. Vì khung hình không được đánh số hoặc vẽ mũi tên chỉ hướng đọc, bạn cần tạo nhóm khung hình để buộc độc giả phải đọc nhóm khung hình này trước khi qua nhóm khung hình kia. Phân cách các nhóm khung hình bằng cách tăng khoảng trống giữa chúng (đường phân khung). Sau đó, bảo đảm đường phân khung trong nhóm khung hình này không thẳng hàng với đường phân khung trong nhóm khung hình kia. 04. Khám phá bố cục trừu tượng Manga không tuân theo bố cục khung hình chữ nhật truyền thống. Nó thường áp dụng bố cục khung hình động với hình dạng không đều, trình bày theo đường chéo thay vì theo hàng tiếp nối nhau, trải dài suốt chiều dài hoặc chiều rộng của trang truyện. Hoa văn thỉnh thoảng được sử dụng làm đường viền khung hình. Nhân vật đôi khi thoát ra khỏi khung hình. Khung hình thậm chí có thể rõ dần, mờ dần như một phần của câu chuyện. Cái khó là bảo đảm trình tự khung hình rõ ràng bất kể áp dụng bố cục nào. Hãy cố gắng đọc một vài manga để khám phá thêm nhiều bố cục mới lạ, đáng thử. 05. Phản ánh nhiều góc nhìn khác nhau Manga nổi tiếng với phong cách điện ảnh. Mỗi khung hình được ví như một bộ phim hành động, nơi camera chuyển từ quay cận cảnh đôi mắt sang quay góc nghiêng cuộc đối thoại giữa hai người, quay từ trên xuống các nhân vật, rồi quay từ dưới lên khi gót giày gõ lên sàn nhà. Cố gắng phản ánh nhiều góc nhìn và độ zoom khác nhau trong câu chuyện. 06. Làm sống động Manga là hình thức kể chuyện sống động. Trong cảnh đánh nhau, nhân vật trông như thể đang chuyển động, thậm chí bay ra khỏi trang truyện. Trong truyện tranh siêu anh hùng, nhân vật và điểm tác động được khắc họa hoàn toàn bằng mực; còn trong manga, tứ chi nhân vật được làm mờ bằng chuyển động, background biến thành đường chuyển động, nhấn mạnh hướng chuyển động và điểm tác động. Hầu hết được thực hiện bằng mực, nhưng cũng có thể bằng screentone. 07. Background ăn nhập với bầu không khí Giữa manga và các loại truyện tranh khác có một điểm khác biệt lớn, đó là sử dụng background trừu tượng ăn nhập với bầu không khí và cảm xúc của nhân vật. Một khi cảnh truyện đã có cảnh mở màn, background có thể là đăng-ten và những cánh hoa ám chỉ mối tình lãng mạn vừa chớm nở; ngọn lửa nếu nhân vật nổi cơn thịnh nộ; bóng đen và nút thắt ám chỉ sự xáo trộn nội tâm; hoặc bánh quy và bánh ngọt khi nhân vật dễ thương khó cưỡng! Background loại này đặc biệt phổ biến trong Shoujo và Josei manga (dành cho độc giả nữ). 08. Đừng dựa vào “đuôi” khung thoại Theo truyền thống, người Nhật Bản đọc từ trên xuống dưới, rồi từ phải sang trái. Vì vậy, manga có khung thoại dài hẹp hơn so với truyện tranh phương Tây. Không gian khung thoại rộng rãi, thừa chỗ cho viết lời thoại. “Đuôi” khung thoại tuy là nét đặc trưng của manga, dùng để chỉ người nói, nhưng rất nhỏ hoặc không tồn tại. Thay vì dựa vào “đuôi” khung thoại, đặt khung thoại gần đầu người nói. Hãy lựa chọn góc nhìn một cách khôn ngoan. 09. Sáng tạo với khung thoại Khung thoại trong manga đa dạng hơn những loại truyện tranh khác. Chúng thường được vẽ tay và có hình dạng khá lạ mắt. Khung thoại nối liền với

Trên thế giới có nhiều loại truyện tranh khác nhau, từ comic strip, tiểu thuyết đồ họa cho đến truyện tranh online. Mỗi loại truyện tranh không chỉ khác nhau về độ dài, phong cách vẽ, mà còn cả bố cục và cách phân khung. Truyện tranh phương Tây thường có khoảng trắng giữa các khung (gutter); trong khi đó, truyện tranh Nhật Bản (manga) có bố cục khác hẳn, mỗi trang truyện được phân thành một hay nhiều khung, không có khoảng trắng ở giữa. Khung truyện có nhiều hình dạng khác nhau, chứ không nhất thiết là hình vuông hay chữ nhật. Khung truyện hình tròn hay hình sao có khả năng truyền tải cảm xúc/thông tin đến độc giả. Khung truyện hình gợn sóng thường được dùng để để tả cảnh trong trí tưởng tượng, trong mơ hay trong ký ức, và nó không phải là một phần của câu chuyện ở hiện tại. Kích thước khung truyện cho phép làm thay đổi nhịp độ của câu chuyện. Khung dài, nhiều khoảng trống tạo cảm giác thời gian trôi chậm lại. Nhiều khung nhỏ đặt cạnh nhau khiến độc giả có cảm tưởng câu chuyện đang diễn ra dồn dập. Tưởng tượng bạn là người quay phim khi vẽ nội dung trong khung. Nội dung trong khung phụ thuộc vào góc quay camera. Góc quay thấp (quay từ dưới lên) thường được áp dụng để tạo vẻ cao lớn, đầy quyền uy cho nhân vật. Góc quay cao (quay từ trên xuống) khiến nhân vật trở nên nhỏ bé, yếu đuối, dễ bị tổn thương. Đối với truyện tranh thiên về cảnh đối thoại dài dòng giữa các nhân vật, khung truyện về cơ bản chỉ là những hình vẽ đầu người. Trong comic strip, cảnh nhân vật trò chuyện cũng tương tự như vậy. Bạn nên di chuyển camera nhiều hơn khi vẽ cảnh đối thoại dài trong truyện tranh. Cảnh hai nhân vật trò chuyện với nhau sẽ trở nên sinh động hơn nhờ được quay từ nhiều góc độ khác nhau: cận mặt, toàn thân, từ trên xuống, từ dưới lên,… Tính rõ ràng, dễ hiểu luôn là yếu tố quan trọng bất kể bạn sáng tác truyện tranh loại nào. Diễn biến trong từng khung truyện nên đi theo trình tự hợp lý, không gây nhầm lẫn cho độc giả. Bạn tuy muốn thay đổi góc quay camera, nhưng không muốn khiến khán giả hoang mang, thắc mắc nhân vật nào đang nói, anh ta được nhìn qua con mắt của ai. Quy tắc 180 độ (180-degree rule) thường được áp dụng trong điện ảnh và truyện tranh. Nó vạch ra ranh giới mà camera không thể vượt qua. Nhờ đó, độc giả không bị mất dấu nhân vật khi camera di chuyển từ bên này sang bên kia. Nhân vật phía bên trái khung truyện sẽ vẫn luôn ở phía bên trái khung truyện cho dù camera đặt trước mặt hay sau lưng anh ta. Quy tắc trên tuy mang tính bắt buộc, nhưng không có nghĩa là không thể bị phá vỡ. Vì vậy, bạn chỉ nên xem nó là công cụ hỗ trợ hơn là quy tắc bắt buộc phải tuân theo. *Nguồn: design.tutsplus  *Biên dịch: V.Toàn – Comic Media Academy

Họa sĩ Leon Lee là một nhân tài trong ngành công nghiệp giải trí, chuyên thiết kế background phim hoạt hình. Những tác phẩm tuyệt đẹp của anh được đăng tải trên nhiều website như Society of Illustrators LA.  Nếu muốn biết thêm về Leon Lee, bạn có thể viếng thăm trang portfolio cá nhân  hoặc đọc qua những bài viết mới nhất của anh trên Instagram.  Trong bài phỏng vấn dưới đây, Leon có những chia sẻ thẳng thắn về chuyến hành trình nghệ thuật đưa anh đến với ngành công nghiệp giải trí, đồng thời đưa ra lời khuyên hữu ích cho những ai muốn dấn thân vào lĩnh vực sáng tạo. Anh nhận ra sáng tạo nghệ thuật là nghề nghiệp mình muốn chọn tại thời điểm nào trong đời? Nguyên nhân nào đưa anh đến lựa chọn này? Tôi sinh ra ở Kuala Lumpur, Malaysia – một thành phố đa văn hóa, đa sắc tộc như Lost Angeles. Tôi chủ yếu lớn lên ở Malaysia, nhưng học tiểu học khoảng ba năm tại Houston, Texas. Khoảng thời gian này, tôi lần đầu biết đến các lớp học nghệ thuật ở trường. Tuy nhiên, lúc ấy, tôi chỉ xem nghệ thuật là thú tiêu khiển mỗi khi buồn chán mà thôi. Sau khi tốt nghiệp trung học, tôi theo học chuyên ngành kỹ thuật. Tôi bắt đầu sợ chương trình học sau một năm rưỡi tham gia. Tôi chợt phát hiện mình chỉ hứng thú với những dự án nhóm, đòi hỏi phải thiết kế cái gì đó. Tôi nghỉ học để dành thời gian cho bản thân. Trong thời gian nghỉ ngơi ngắn ngủi, tôi được mẹ đưa đến Học viện thiết kế truyền thông One (One Academy of Communication Design) – một trong những trường thiết kế và nghệ thuật hàng đầu tại Malaysia. Tôi xem qua chương trình học, cùng một số tác phẩm ra đời từ ngôi trường này. Không cần phải nói, tôi bị thuyết phục và ghi danh ngay lập tức. Tuy nhiên, tại thời điểm đó, tôi vẫn chưa chắc chắn 100% rằng sáng tạo nghệ thuật có phải là nghề nghiệp mình muốn theo đuổi hay không. Một năm rưỡi sau, khi theo học tại trường Cao đẳng nghệ thuật thiết kế (ArtCenter College of Design) ở Pasadena, tôi mới thật sự bắt đầu xem xét nghiêm túc chuyện này. Tôi chọn theo nghiệp sáng tạo nghệ thuật kể từ lúc nghiệm ra rằng thiết kế thực chất là một quá trình tư duy sáng tạo, cộng đồng họa sĩ đều là những người thân thiện, và trong lĩnh vực sáng tạo, mọi ngã đường đều rộng mở. Nền tảng văn hóa ảnh ảnh hưởng như thế nào đến tác phẩm khi anh là người Malaysia lớn lên trong môi trường đa văn hóa? Lớn lên ở Malaysia, tôi coi việc sống trong môi trường đa văn hóa là chuyện đương nhiên. Đến khi qua Mỹ học nghệ thuật, tôi mới bắt đầu nhận thức về sự đa dạng văn hóa nơi quê nhà. Giống như Los Angeles, Kuala Lumpur là nơi hội tụ của nhiều nền văn hóa, nhiều sắc tộc, chủ yếu là người Hoa, người Malay, người Ấn độ, cùng một số người nhập cư khác. Tôi bị vây quanh bởi nhiều nền văn hóa, nhiều tôn giáo, nhiều phong cách nghệ thuật, ẩm thực khác nhau. Tôi cảm thấy rất may mắn vì đã lớn lên trong môi trường giúp tôi giao tiếp cởi mở với người mới, dạy tôi cách nhìn nhận, đánh giá các nền văn hóa trên thế giới. Qua đi sâu tìm hiểu bản sắc của từng nền văn hóa, tôi đã có ý thức hơn về những chi tiết tinh tế khi thiết kế cái gì đó cụ thể. Nền tảng văn hóa không chỉ ảnh hưởng đến phong cách, mà còn cả lối tư duy, nghiên cứu của tôi khi sáng tác tác phẩm mới. Xin anh cho biết về trình độ học vấn của mình? Anh gặp phải những khó khăn gì trong quá trình nghiên cứu nghệ thuật? Tôi có thời gian học chuyên ngành kỹ thuật trước khi quyết định theo đuổi con đường nghệ thuật. Tôi bắt đầu học nghệ thuật tại Học viện thiết kế truyền thông One ở Selangor, Malaysia. Trong hơn một năm rưỡi học tập tại đây, tôi đã lĩnh hội được nhiều kỹ năng vẽ truyền thống, chẳng hạn như vẽ màu nước, vẽ mẫu tự do (figure drawing), vẽ chân dung, vẽ phong cảnh,… Không lâu sau, tôi theo học chuyên ngành minh họa tại trường Cao đẳng nghệ thuật thiết kế (ArtCenter College of Design) ở Pasadena. Thời gian học tại ArtCenter là một trải nghiệm thú vị, nhưng không kém phần gian nan, thử thách đối với tôi. Những khó khăn mà tôi gặp phải chủ yếu là khối lượng công việc, yêu cầu về chất lượng, và thiếu thời gian dành cho hoạt động khác ngoài công việc. Theo anh, họa sĩ chuyên nghiệp có cần bằng cấp hay không? Chúng ta có thể tự học qua các website dạy học online được không?  Tôi thiết nghĩ trong thời đại hiện nay họa sĩ chuyên nghiệp không cần bằng cấp mới xin được việc làm. Lý do là các studio không nhìn vào bằng cấp khi tuyển dụng. Vấn đề là bạn đưa gì vào portfolio của mình. Các studio tuyển chọn nhân tài dựa trên tiêu chí chất lượng công việc, trình độ kỹ năng, khả năng giải quyết vấn đề, và ý tưởng sáng tạo của ứng viên. Ngày nay có nhiều website dạy học online uy tín mà bất cứ ai cũng có thể tiếp cận dễ dàng như Schoolism, New Masters Academy, Gumroad,… Tất cả website kể trên cung cấp các khóa học tương tự như ở trường, nhưng với học phí mềm hơn rất nhiều. Giữa tự học với học ở trường có

Truyện tranh ngày nay không còn là lãnh địa riêng của tạp chí và nhà sách. Internet sở hữu lượng người dùng đông đảo trên toàn cầu. Nắm bắt tiềm năng to lớn này, hầu hết họa sĩ bắt đầu chuyển sang phát hành truyện tranh trên mạng xã hội, website truyện tranh online, và thậm chí cả website cá nhân. Bài viết dưới đây điểm mặt một số website lý tưởng cho bạn săn lùng truyện tranh mới cực chất, thuộc đủ mọi phong cách và thể loại khác nhau, từ hài hước, biếm họa, tả thực đến triết lý, xoay quanh chủ đề gia đình, hoặc lập dị. Bất kể bạn thích đắm mình vào những câu chuyện dài, phức tạp, hay chỉ đơn thuần đọc truyện xả stress, các website đều đáp ứng nhu cầu giải trí của bạn. Reddit /r/comics Truy cập tại đây Reddit dường như bao trùm mọi chuyên mục nghệ thuật, nên tất nhiên sẽ có chuyên mục truyện tranh, và nó được xem là “mỏ vàng” của các tín đồ truyện tranh. Với hơn 1 triệu người đăng ký, Reddit là nơi quy tụ nhiều truyện tranh nổi tiếng lẫn mới ra mắt, ít ai biết đến, cùng vô số bài bình luận đi kèm. Nếu chịu khó tìm kiếm những gì mới nhất, hot nhất trên trang chủ, bạn sẽ tìm thấy nhiều điều bổ ích, thú vị. Chọn “Top” và “All time” nếu muốn xem bài viết hot nhất tuần/tháng/năm qua. Do Raddit khuyến khích họa sĩ đăng tải tác phẩm mới, bạn sẽ thấy nội dung được cập nhật thường xuyên với tốc độ chóng mặt. Nếu bạn đam mê sáng tác truyện tranh, đây cũng là nơi lý tưởng để bạn đăng chúng. Như bao website khác, bạn nhớ đọc kỹ nội quy diễn đàn trước khi gia nhập cộng đồng Reddit và đăng bài. Tapas Truy cập tại đây Tapas dành cho những ai muốn tìm nơi thích hợp để đăng truyện tranh online, tăng lượng độc giả, và biến tác phẩm thành nguồn thu nhập. Tapas thiên về tiểu thuyết hình ảnh và manga với cốt truyện dài, tình tiết phức tạp, phong phú, đa dạng về thể loại, phong cách. Ngoài ra, Tapas còn cung cấp diễn đàn cho họa sĩ và độc giả thảo luận chủ đề liên quan đến nghệ thuật. Thông tin tác giả, tiểu thuyết hình ảnh, và truyện tranh được sắp xếp theo mức độ yêu thích, thứ tự thời gian, hoặc thể loại cho bạn tiện theo dõi. Nếu bạn thích thưởng thức câu chuyện dài với hình ảnh ấn tượng, mãn nhãn hơn là comic strip, thì đây là website dành cho bạn. Webtoon Truy cập tại đây  Webtoon cho phép họa sĩ đăng tải và chia sẻ tác phẩm miễn phí. Nó thậm chí còn hợp tác với Patreon để giúp họa sĩ kiếm thêm thu nhập. Tại đây, bạn dễ dàng tìm thấy truyện tranh mới ra lò nóng hổi với vô vàn phong cách và thể loại khác nhau. Webtoon cũng có mobile app, tạo điều kiện thuận tiện cho bạn đọc truyện mọi lúc mọi nơi mà không tiêu tốn quá nhiều data. Bạn thậm chí có thể download truyện tranh để đọc offline nếu muốn. Nếu không biết bắt đầu từ đâu, bạn hãy khởi đầu từ truyện tranh đứng top trên trang chủ. ComicFury Truy cập tại đây ComicFury không đơn thuần là website truyện tranh online, mà nó còn là một cộng đồng cho phép họa sĩ chia sẻ tác phẩm, và tiếp thu ý kiến phê bình đóng góp thông qua diễn đàn. Website được thiết kế đơn giản, giúp bạn dễ dàng tìm thấy tác phẩm mới thuộc nhiều phong cách, thể loại khác nhau. Bạn thậm chí có thể tìm kiếm “ngẫu nhiên” để khám phá những tác phẩm cực chất, ít ai biết đến. Truyện tranh được sắp xếp theo mức độ yêu thích, điểm đánh giá, hoặc thứ tự thời gian. Diễn đàn có nhiều bài bình luận cực hay và đáng đọc về chủ đề nghệ thuật; tuy nhiên, theo phép lịch sự xã giao cơ bản, bạn nhớ đọc kỹ nội quy diễn đàn trước khi đăng bài. Comic Rocket Truy cập tại đây  Comic Rocket được tạo ra để giúp fan theo dõi truyện tranh đã đọc. Nó là công cụ cho phép người dùng đánh dấu (bookmark) và lập chỉ mục (index) truyện tranh yêu thích ở một chỗ để dễ dàng truy cập sau này. Trên thực tế, Comic Rocket không lưu trữ truyện tranh như một số website khác. Thay vào đó, nó đưa độc giả đến thẳng website của họa sĩ. Họa sĩ sẽ hưởng lợi vì lưu lượng truy cập đến website của mình tăng lên. Khá tuyệt phải không nào? Bạn có thể giúp đỡ họa sĩ mà không cần mất nhiều công sức bằng hành động đánh dấu tác phẩm của họ trên Comic Rocket. Comic Rocket áp dụng mô hình crowdsourcing để người dùng có thể đăng tải thông tin về truyện tranh mới ra mắt trên website khác. Bạn có thể sử dụng Comic Rocket để tìm kiếm và theo dõi những truyện tranh yêu thích mới ra lò. Comic Rocket đưa ra gợi ý dựa trên truyện tranh bạn đã lưu. Smack Jeeves Truy cập tại đây  Với tên gọi khá ngộ nghĩnh, Smach Jeeves là website lý tưởng để săn lùng truyện tranh thuộc mọi phong cách và thể loại khác nhau, tìm kiếm những gợi ý mới nếu bạn chưa biết mình muốn tìm gì. Bạn có thể tìm theo độ dài của truyện tranh, hashtag, ngày cập nhật mới nhất, hoặc ngẫu nhiên nếu muốn khám phá nội dung mới chưa từng xem qua trước đây. Độc giả có thể quyên góp, tài trợ cho họa sĩ thông qua Patreon (nền tảng gây quỹ cộng đồng được tích hợp sẵn trên

Vào mùa Giáng sinh này năm sau, khán giả sẽ có cơ hội chiêm ngưỡng sớm hơn bốn tháng bộ đôi mèo Tom và chuột Jerry đáng yêu tỏa sáng trong phiên bản live-action hybrid (kết hợp giữa người đóng với hoạt hình) khi Warner Bros. công bố thay đổi lịch phát hành phim sang ngày 23/12/2020, thay vì tháng 4/2021 như dự kiến ban đầu. Phim được Warner Bros. sản xuất bằng công nghệ CGI, Tom Story làm đạo diễn, quy tụ dàn diễn viên gồm Chloe Grace Moretz, Michael Pena, Ken Jeong, Rob Delaney, Jordan Bolger và Pallavi Sharda. Câu chuyện xoay quanh mèo Tom và chuột Jerry bị tống cổ ra khỏi nhà, dọn đến ở trong một khách sạn sang trọng tại New York, nơi cô nhân viên nóng tính Kayla (Chloe Grace Moretz) đứng trước nguy cơ mất việc nếu không tống khứ được kẻ quấy rối Jerry ra khỏi khách sạn trước giờ diễn ra đám cưới. Kayla phải làm sao đây? Thuê nhạc công chơi đàn piano Tom làm việc này? Tom and Jerry của William Hanna và Joseph Barbera ra đời vào năm 1940 dưới dạng series phim hoạt hình ngắn, tập trung vào khai thác cuộc chiến không hồi kết giữa mèo nhà Tom với chuột Jerry. Bảy phim hoạt hình ngắn do MGM phát hành đoạt giải thưởng Oscar từ năm 1943 đến 1953. Cặp đôi nhân vật hoạt hình thấm sâu vào tiềm thức khán giả đại chúng suốt nhiều thập kỷ qua, lần đầu tiên có phim riêng Tom and Jerry: the Movie vào năm 1993. Theo được biết, Warner Bros cũng dời lịch phát hành phim The Witches sang ngày 9/10/2020. Phim thuộc thể loại phiêu lưu, giả tưởng với sự tham gia của diễn viên Anne Hathaway, Stanley Tucci, Octavia Spencer, và Chris Rock. *Nguồn: hollywoodreporter  *Biên dịch: V.Toàn – Comic Media Academy

Chuyện quá khứ ảnh hưởng trực tiếp đến niềm tin, con người và cuộc sống hiện tại của nhân vật chính. Nó đa phần gắn liền với ký ức đau buồn, sợ hãi, nên thường để lại vết thương khó lành cả về thể chất lẫn tinh thần cho nhân vật chính. Vết thương quá khứ cản trở nhân vật chính thỏa mãn ước mơ hoặc theo đuổi mục tiêu ở hiện tại. Theo thời gian, quá khứ đen tối có thể trôi vào quên lãng, nhưng nhân vật chính vẫn cảm thấy lòng nặng trĩu mỗi khi nhớ lại. Câu chuyện chỉ kết thúc khi nhân vật chính tỉnh ngộ và quyết tâm đoạn tuyệt với quá khứ đen tối. Mỗi nhân vật chính đều có những vốn quý mà bản thân và những người xung quanh đều không hề hay biết; cuối cùng, phải đợi đến khi giũ bỏ quá khứ đen tối, nhân vật chính mới nhận ra, khai thác và phát huy nó. Đau thương có thể ập xuống nhân vật chính bất cứ lúc nào. Nó khiến nhân vật chính rơi vào khủng hoảng, không còn biết mình là ai. Nó trở thành bóng ma đeo bám nhân vật chính, cội nguồn của mọi nhận thức lệch lạc về cuộc sống. Chừng nào chưa giải phóng mình ra khỏi ngục tù quá khứ để hướng tới tương lai tươi sáng hơn, nhân vật chính sẽ vẫn sống khép mình trong đau khổ, dằn vặt khôn nguôi. Do nhân vật chính chôn chặt quá khứ đen tối trong lòng, nên thường đến gần cuối câu chuyện, chuyện quá khứ của nhân vật chính mới được tiết lộ. Nhân vật chính thường tha thứ cho bản thân và tìm thấy sự thanh thản trong tâm hồn sau khi giũ bỏ quá khứ đen tối. Để “lột xác” trở thành con người mới trong phần cuối câu chuyện, trước tiên nhân vật chính cần nhìn lại bản thân và tìm kiếm sự bình yên trong tâm hồn. 4 bí kíp tiết lộ quá khứ đau thương của nhân vật 1. Lấy khoảnh khắc đau thương, mất mát làm điểm xuất phát để bắt đầu câu chuyện. 2. Bắt đầu câu chuyện tại thời điểm đau thương, mất mát, rồi nhảy đến thời điểm hiện tại. 3. Bắt đầu câu chuyện ở thời điểm hiện tại, phản ánh chuyện quá khứ dưới dạng hồi tưởng. 4. Bắt đầu câu chuyện ở thời điểm hiện tại, phản ánh chuyện quá khứ qua hành vi và những lựa chọn của nhân vật chính. Nhân vật không hoàn hảo Chuyện quá khứ giúp hé lộ sự thật nhân vật chính không phải là con người hoàn hảo; nhờ vậy, nhân vật chính sẽ trở nên chân thật, gần gũi, dễ nhận được sự đồng cảm hơn từ phía khán giả. Khán giả một khi động lòng trắc ẩn với nhân vật chính, họ sẽ vui buồn cùng nhân vật đó trong suốt câu chuyện. Tiết lộ quá khứ đen tối của nhân vật chính là cách làm cho khán giả đồng cảm với nhân vật đó. Vết thương quá khứ Vết thương quá khứ không ngừng rỉ máu, hành hạ nhân vật chính từng ngày, khiến anh ta có những hành vi và thói quen tiêu cực, dẫn tới thất bại triền miên. Những hành vi và thói quen tiêu cực được phản ánh dưới nhiều mức độ khác nhau trong phần đầu câu chuyện. Trong phần giữa câu chuyện, vết thương ngày càng trở nặng, đẩy nhân vật vào khủng hoảng tồi tệ. Cơn khủng hoảng kéo dài đến hết phần giữa câu chuyện, và nhân vật chính tìm ra căn nguyên. Trong suốt phần cuối câu chuyện, nhân vật chính dấn thân vào hành trình tìm lại chính mình. Cuộc sống cải thiện khi nhân vật chính bắt đầu khai thác và phát huy vốn quý của mình. Lúc nhân vật chính nhận được phần thưởng vô giá cũng là lúc câu chuyện kết thúc. Sự chuyển biến Nhân vật chính thể hiện lòng quyết tâm theo đuổi mục tiêu thông qua hành động, và chỉ vấp phải sự ngăn cản của nhân vật phản diện mà thôi. Đây được coi là bằng chứng cho thấy nhân vật chính đã tìm ra chân lý cuộc đời, sự thật bị che giấu bấy lâu nay, giải pháp khắc phục khó khăn, chân tướng nhân vật phản diện hoặc kẻ hãm hại mình,… Nhân vật chính không còn nghe theo người khác, hoặc chấp nhận hiện thực qua lăng kính của quá khứ đen tối. Quá trình hàn gắn vết thương quá khứ tuy diễn ra âm thầm trong suốt câu chuyện, nhưng khán giả vẫn thấy rõ qua sự chuyển biến của nhân vật chính. Ngoài những phần thưởng đạt được ở điểm cao trào, nhân vật chính còn nghiệm ra rằng bản thân sự hiện hữu của mình trên cõi đời này là phần thưởng vô giá nhất. *Nguồn: scriptmag  *Biên dịch: V.Toàn – Comic Media Academy

Gregor Czaykowski là tác giả của Loading Artist, một trong những webcomic hài hước hay nhất hiện nay.   Trong bài phỏng vấn ngắn dưới đây, anh chia sẻ nhiều điều bổ ích về quy trình sáng tác, cách thiết kế truyện tranh, và hoàn cảnh ra đời của Loading Artist. Nếu là fan của webcomic hoặc tranh vẽ hài hước nói chung, hẳn bạn sẽ muốn xem qua bài phỏng vấn này. Muốn khám phá những tác phẩm mới nhất của Gregor Czaykowski, bạn có thể truy cập vào website Loading Artist, hoặc ấn nút theo dõi anh trên Instagram và Twitter.  Lần đầu tiên anh cầm bút vẽ là khi nào? Cơ duyên nào đưa anh đến với truyện tranh? Tôi biết vẽ từ rất sớm, từ lúc học được cách ghi nhớ. Tôi đến với truyện tranh do mê đọc The Far Side, Calvin & Hobbes, và Garfield. Anh được đào tạo bài bản chuyên ngành mỹ thuật hay tự học 100%? Tôi không học vẽ ở trường lớp nào cả (mặc dù có thời gian tôi chuyên vẽ 3D và dự định sau này sẽ trở thành họa sĩ game 3D). Tôi thiết nghĩ được đào tạo bài bản bao giờ cũng tốt hơn tự học, nhưng đó không phải là con đường duy nhất. Trên Internet có hàng ngàn video hướng dẫn miễn phí. Loading Artist ra đời như thế nào? Tôi muốn phấn đấu trở thành họa sĩ giỏi, và sẽ phấn đấu hơn nữa nếu có áp lực của người nhìn thấy sự tiến bộ của tôi. Vì vậy, tôi quyết định tạo blog, và lấy nó làm nơi đăng tác phẩm nghệ thuật mới nhất. Tôi đặt tên blog là Loading Artist, do tôi là họa sĩ đang tiến bộ. Tuy nhiên, chẳng bao lâu sau, tôi tạo website, và như anh/chị biết đấy, tôi tập tành sáng tác truyện tranh trên đó. Anh có thường ngồi nghĩ ý tưởng cho truyện tranh mới hay không? Trong sáng tác truyện tranh, tìm kiếm ý tưởng là khâu khiến tôi chật vật nhất. Vì lý do nghĩ chậm, tôi cố gắng ngồi xuống động não trước ít nhất mấy ngày, mỗi lần mấy tiếng, nhưng thường đến ngày cuối tôi mới nảy ra ý tưởng. Mỗi lần động não, tôi thường ra quán ngồi với tách cà phê và sketchbook bên cạnh. Còn không thì tôi mang theo điện thoại bên mình để khi có ý tưởng lóe lên trong đầu, tôi liền ghi lại ngay. Quy trình sáng tác hiện nay của anh có thay đổi nào lớn so với lần thực hiện truyện tranh đầu tay Loading Artist hay không? Thay đổi nhiều lắm. Thay đổi lớn nhất là chuyển từ Adobe Photoshop sang Clip Studio Paint. Tôi yêu công việc hiện tại. Vẽ line art giờ dễ dàng hơn rất nhiều nhờ tôi áp dụng kỹ thuật mới vào quy trình sáng tác. Cụ thể, việc áp dụng lớp Vector cho line art đã làm thay đổi cuộc chơi khi nó cho phép tôi xử lý đường nét dễ dàng, và thậm chí thực hiện những tác vụ như xóa nhanh chi tiết ngoài ý muốn. Đây là điều mọi người hay thắc mắc khi xem stream của tôi. Tôi nghĩ mình nên làm video hướng dẫn. Ngoài truyện tranh, anh còn vẽ gì khác hay không? Ngoài truyện tranh, tôi còn vẽ biểu tượng cảm xúc, wallpaper cho game, và stream trên Twitch, nhưng không nhiều lắm. Anh thích webcomic nào nhất? Tôi thích webcomic Extra Ordinary Comics, vì vẽ đẹp, mang đậm chất siêu thực, và tác giả cũng là bạn thân của tôi. Và Safely Endangered  (hài hước, ấn tượng). Theo tôi, một webcomic hay là một webcomic cô đọng, súc tích. Ngoài ra, tôi cũng đánh giá cao webcomic vượt ra khỏi khuôn khổ hai nhân vật há miệng nhìn nhau. Cuối cùng, anh có lời khuyên nào dành cho họa sĩ giàu nhiệt huyết hay không? Khởi đầu, đặt nhiều câu hỏi liên quan đến phong cách, cách sáng tác truyện tranh. Tác phẩm đầu tay chắc chắn sẽ rất tệ, nhưng không sao. Hãy cứ tiếp tục. Đừng luyến tiếc tác phẩm đầu tay. Nhận thức rằng bạn đang học hỏi và tiến bộ.  *Nguồn: conceptartempire  *Biên dịch: V.Toàn – Comic Media Academy

Đây là bài viết tiếp theo của Phần 1 và cũng là bài viết cuối cùng của loạt bài “30 mẹo hay thiết kế nhân vật.” Các bạn có thể xem “30 mẹo hay thiết kế nhân vật – Phần 1” tại đây.   1. Cân nhắc tất cả các góc nhìn Tùy theo ý đồ thiết kế, bạn cần cân nhắc diện mạo nhân vật dưới mọi góc nhìn. Ví dụ, nhân vật bụng phệ tẻ nhạt có thể khoác diện mạo hoàn toàn mới nếu nhìn từ góc nghiêng. Học viên tham gia khóa học thiết kế nhân vật cấp tốc thường được yêu cầu phác thảo nhân vật bằng kỹ thuật vẽ bắt dáng. Nhân vật không chỉ cần ổn thỏa về mọi mặt, mà còn phải đẹp mắt dưới mọi góc nhìn nếu bạn dự tính biến thành nhân vật truyện tranh. Luke Pearson gặp phải một loạt vấn đề trong quá trình tạo nhân vật Hilda: Phải vẽ Hilda như thế nào để mái tóc không “nuốt chửng” hình bóng cô ấy nếu nhìn từ phía sau? Chiếc mũi của cô sẽ trông ra sao khi nhìn từ trên xuống?… Mọi vấn đề về thiết kế cuối cùng rồi sẽ có cách giải quyết. 2. Tạo mô hình 3D Bạn cần cân nhắc chiều cao, cân nặng, và hình dạng vật lý nếu nhân vật sẽ hiện diện trong thế giới 3D. Bạn cần thực hiện thêm bước tạo mô hình 3D. Alexander nói, “Thông qua chuyển đổi nhân vật sang mô hình 3D, bạn có thể học hỏi được nhiều điều bổ ích dù bản thân không phải là họa sĩ 3D.” 3. Chọn màu cẩn thận Màu sắc giúp nói lên tính cách nhân vật. Nhân vật tâm địa độc ác, nham hiểm thường được diễn tả bằng gam màu sẫm như đen, xám,… Gam màu nhạt như trắng, hồng, xanh dương, và vàng phản ánh sự trong sáng, thuần khiết. Màu đỏ, vàng, và xanh dương cho thấy nhân vật truyện tranh mang phẩm chất anh hùng. Pernille Ørum giải thích, “Muốn chọn màu hiệu quả, bạn cần nắm vững nguyên tắc cơ bản về màu sắc. Tập làm quen với khái niệm màu sơ cấp (primary color), màu thứ cấp (secondary), màu cấp 3 (tertiary color), màu đơn sắc (monochromatic color), và màu bổ túc (complementary color). Bí quyết tạo bảng màu hiệu quả là lựa chọn hai màu bổ túc, rồi làm việc với chúng trong lược đồ màu đơn sắc.” “Bạn cần tạo sự cân đối hài hòa giữa tính động của màu bổ túc (tạo sự sống động) và tính tĩnh của màu đơn sắc (khơi dậy cảm giác về sự tĩnh lặng, thanh bình). Ngoài ra, bạn cũng có thể thử nghiệm lược đồ màu cấp 3, thêm màu thứ 3 như tím, cam, và xanh lục, rồi làm việc với phiên bản đơn sắc của những màu này. Muốn làm tốt việc này, bạn cần có kỹ năng và kế hoạch cụ thể. Hãy khởi đầu đơn giản nếu bạn chưa am hiểu nhiều về màu sắc. 4. Đừng quên mái tóc Pernille Ørum chia sẻ, “Cách đây mấy năm, tôi đi từ chán ghét sang yêu thích công việc vẽ mái tóc. Trước kia, tôi quen miêu tả mái tóc đến từng chi tiết, và thấy công việc này thật nhàm chán làm sao. Còn bây giờ, tôi xem xét nó trên bình diện rộng, coi nó như lá cờ trong gió, biểu thị và nhấn mạnh chuyển động của nhân vật hoặc cảnh vật xung quanh.” “Dựng hình, phân chia, và xác định đường diềm mái tóc. Mỗi nét vẽ phải giúp định rõ khối lượng, hình dạng, và chiều xõa tóc.” 5. Thêm phụ kiện Phụ kiện và trang phục có thể giúp nhấn mạnh tính cách và lai lịch nhân vật. Ví dụ, trang phục rách rưới, bẩn thỉu dành cho nhân vật nghèo khó, bần hàn; quần áo đắt tiền, trang sức đeo đầy người dành cho nhân vật giàu sang, phú quý. Phụ kiện cũng có thể là hiện thân cho tính cách nhân vật, chẳng hạn như con vẹt đậu trên vai gã cướp biển, con giòi bò trong hộp sọ ma cà rồng.  6. Tập trung vào biểu cảm trên khuôn mặt Biểu cảm khuôn mặt là chìa khóa của tính cách nhân vật. Nhân vật biểu hiện những cung bậc cảm xúc qua nét mặt, và việc miêu tả chúng sẽ góp phần làm rõ hơn về nhân vật. Tùy theo tính cách nhân vật, cảm xúc có thể bị kìm nén, gượng gạo hoặc bùng nổ dữ dội. Pernille Ørum nói, “Hãy tập trung vào biểu cảm một khi bạn nắm vững nguyên tắc vẽ khuôn mặt. Sử dụng gương soi để “đọc vị” những thay đổi tinh tế trên khuôn mặt của bạn. Biểu hiện cảm xúc qua cử chỉ nhíu mày, nhướng mày,… Tránh vẽ khuôn mặt đối xứng. Vẽ miệng lệch sang một bên cho thêm phần sinh động. Tạo sắc thái riêng cho nhân vật bằng cách vẽ cái đầu nghiêng nghiêng. Tác phẩm của Tex Avery là ví dụ tiêu biểu về cường điệu cảm xúc nhân vật: cặp mắt của Wild Wolf thường nhảy ra ngoài mỗi khi bị kích động. Chú chó Droopy với vẻ mặt tỉnh bơ là ví dụ điển hình về cách truyền tải cảm xúc thông qua cử chỉ, hành động. 7. Đặt ra mục tiêu cho nhân vật Mục tiêu muốn đạt được là yếu tố sâu xa tác động đến tính cách nhân vật. Mục tiêu – làm giàu, có bạn gái, hoặc giải đáp bí ẩn – giúp tạo cú huých kịch tích cho câu chuyện và chuyến hành trình của nhân vật. Nhân vật không hoàn hảo hoặc đầy thiếu sót thường là yếu tố tạo nên sức hấp dẫn. 8. Xây dựng backstory Bạn cần xây dựng backstory nếu dự định

Thiết kế nhân vật không phải là chuyện dễ dàng. Nó đòi hỏi bạn phải có tư duy sáng tạo phong phú khi muốn tự tay thiết kế nhân vật từ đầu tới cuối. Nhiều nhân vật quen thuộc trong truyện tranh, phim hoạt hình, và quảng cáo nhìn tưởng đơn giản, nhưng chúng ta có ngờ rằng để vẽ được như vậy, họa sĩ cứng tay nghề phải mất bao nhiêu công sức hay không? Nhân vật luôn được thiết kế dựa trên tiêu chí “càng đơn giản càng tốt.” Xuất hiện lần đầu tiên trong phim hoạt hình của những năm 1920, chú chuột Mickey nổi tiếng được vẽ bàn tay ba ngón để giúp tiết kiệm thời gian sản xuất. Homer Simpson được thiết kế đơn giản nhưng cực chất. Trong quá trình thiết kế nhân vật, bên cạnh việc đi nét sạch đẹp, dễ hiểu, bạn cũng cần cân nhắc nhiều thứ khác nữa, chẳng hạn như chỗ nào cần cường điệu, chỗ nào cần giản lược, chỗ nào cần thêm background và chiều sâu, chỗ nào cần tạo nét cá tính riêng,… Cách thiết kế nhân vật cũng là vấn đề đáng xem xét. Bạn cần bảo đảm mẫu thiết kế nhân vật đẹp mắt (hoặc chí ít phải ổn thỏa) dưới mọi góc nhìn nếu dự định sử dụng chúng trong truyện tranh và phim hoạt hình. Tất nhiên, nói thì dễ, làm mới khó, và đây là minh chứng về chuột Mickey xấu “khủng khiếp” dưới góc nhìn từ trên xuống: Trong bài viết dưới đây, các họa sĩ hàng đầu trên thế giới sẽ chia sẻ những mẹo hay giúp bạn thiết kế nhân vật độc đáo, đáng nhớ. 1. Đừng làm mất cái hồn Nhiều họa sĩ mở đầu dự án bằng bước vẽ phác thảo nhân vật, và hầu hết đều nhất trí rằng đây thường là bước tạo cái hồn cho nhân vật. Vì vậy, khi làm việc với mẫu thiết kế nhân vật, bạn nhớ đừng đánh mất nó. Laurie Rowan chia sẻ, “Tôi gắn bó với phong cách vẽ độc đáo của mình, do bản năng thích thử sức và sửa sai. Tôi không thích cảm giác tạo ra nhân vật; tôi thích cảm giác đối mặt với nhân vạt.” Pernille Ørum nói, “Bạn đừng vội đi sâu chi tiết khi vừa bắt tay vào thiết kế nhân vật. Xác định bạn đang cố gắng truyền tải cái gì. Sau đó, phác thảo sơ bộ chuyển động đầy sức sống. Bản phác thảo sẽ mất đi phần nào sức sống ngay khi bạn bắt đầu vẽ chi tiết; do đó, bạn cần tạo càng nhiều sức sống càng tốt ngay từ bước phác thảo. Chuyển động là tất cả, nhưng để sau mới thêm vào là bất khả thi; vì vậy, hãy bảo đảm nó hiện diện trong bản phác thảo sơ bộ.” 2. Tránh xa tài liệu tham khảo Bạn tuy cần lấy cảm hứng từ đâu đó, nhưng mục tiêu vẫn là hướng đến tính độc đáo, mới lạ. Robert Wallace khuyên khi làm việc, bạn không nên để tài liệu tham khảo ngay trước mặt. Anh nói, “Nếu bạn nhìn thấy cái gì đó nhưng không cố khắc sâu nó vào tâm trí, thì cuối cùng bạn sẽ cho ra đời tác phẩm mới, thay vì mô phỏng những gì bạn đã thấy.” Trong đoạn phim quảng cáo trên cho một cửa hàng bách hóa tại Hong Kong, các nhân vật được Wallace thiết kế lạ mắt, không đụng hàng. 3. Nghiên cứu nhân vật khác Cố gắng giải mã tại sao mẫu thiết kế nhân vật này đẹp mắt, đạt chất lượng, còn mẫu thiết kế kia lại không. Tài liệu nghiên cứu không thiếu, nó hiện diện khắp mọi nơi: mục quảng cáo trên TV, hộp ngũ cốc, bảng hiệu cửa hàng, sticker dán trên trái cây, phim hoạt hình trên điện thoại di động,… Nghiên cứu mẫu thiết kế nhân vật. Bạn thích chúng ở điểm nào? Yếu tố nào góp phần tạo nên thành công của chúng? Pernille Ørum khuyên, “Bạn cần tìm cảm hứng khi làm việc với nhân vật. Bạn có thể làm điều này thông qua nghiên cứu. Bộ não của bạn là thư viện hình ảnh, và bạn có thể lấp đầy nó. Hãy để ý những người xung quanh bạn, nhìn cách họ đi đứng, giao tiếp, ăn mặc, rồi áp dụng vào thiết kế của bạn. 4… và còn gì nữa Ngoài mẫu thiết kế nhân vật ra, bạn cũng cần tìm cảm hứng từ nơi khác nữa. Rowan cười, “Tôi rất thích nghi thức tán tỉnh của loài chim trong mùa kết đôi. Những điệu vũ kỳ lạ của chúng truyền cảm hứng cho hành vi khác người của nhân vật.” Anh nói tiếp, “Tôi thường muốn đánh thức cảm xúc khi bắt đầu dự án.” Họa sĩ khởi đầu tiến trình thiết kế nhân vật bằng việc tự quay video để lấy tư liệu tham khảo, rồi dựa vào đấy để tạo cử chỉ, chuyển động cho nhân vật. Nguồn cảm hứng về màu sắc và kết cấu cũng đến từ trang phục dân gian, đồ gốm sứ,…  5. Đừng đi chệch khỏi ý tưởng ban đầu Chúng ta dễ bị tác động một cách vô thức bởi những mẫu thiết kế nhân vật yêu thích. Cornelia Geppert, CEO của studio phát triển game độc lập Jo-Mei, là fan bự của video game The Last Guardian với nhân vật được thiết kế độc đáo, mãn nhãn. Mẫu thiết kế nhân vật game Sea of Solitude ngày càng có nhiều nét tương đồng với The Last Guardian đến mức một thành viên trong ê-kíp phải lên tiếng cảnh báo. Cô nhìn lại artwork ban đầu, nhớ lại cảm xúc lúc tạo ra chúng. Nhờ đó, dự án được đưa trở lại đúng “quỹ đạo.” 6. Cường điệu  Cường điệu là thành phần quan

Đây là bài viết tiếp theo của Phần 1 và cũng là bài viết cuối cùng của loạt bài “Những bảng vẽ đáng mua cho họa sĩ hoạt hình.” Các bạn có thể xem “Những bảng vẽ đáng mua cho họa sĩ hoạt hình – Phần 1” tại đây. Bảng vẽ màn hình 19” Ugee Ugee là thương hiệu bảng vẽ cỡ nhỏ được nhiều người đánh giá cao. Tuy nhiên, bảng vẽ màn hình 19” mới là chọn lựa phù hợp cho họa sĩ hoạt hình. Mặc dù chất lượng không bằng Wacom, song Ugee vẫn được xem là bảng vẽ giá rẻ tốt nhất hiện nay với màn hình LCD có độ phân giải cao lên đến 1440 x 900. Thông số sản phẩm: Chiều rộng: 20” Chiều cao: 18,7” Độ dày: 7” Trọng lượng: 20 lbs (9 kg) Điểm khác biệt dễ nhận ra ở bảng vẽ màn hình cỡ lớn là chúng cồng kềnh, nặng nề, thích hợp cho sử dụng tại nhà hơn là mang theo bên mình. Bảng vẽ màn hình Ugee là sự lựa chọn tối ưu nếu bạn thuộc tuýp người thích làm việc ở nhà. Màn hình rộng đến 20” là quá đủ cho bạn làm hoạt hình. Giá đỡ đi kèm cho bạn đặt bảng vẽ nghiêng đến 75o. Bảng vẽ sử dụng nguồn điện từ ổ cắm, nhưng do chủ yếu để trên bàn làm việc, nên không thành vấn đề. Bút vẽ khá nặng, sử dụng pin sạc. Do đó, bạn nhớ sạc pin sau vài tuần sử dụng (có thể 1 – 2 tháng nếu ít sử dụng). Bút vẽ sử dụng pin tuy bất tiện, nhưng chẳng đáng là bao so với những lợi ích bạn nhận được khi mua bảng vẽ giá rẻ này. Khi mua bảng vẽ 19” và bút vẽ, bạn sẽ được tặng kèm 08 ngòi bút, hộp đựng bút, tấm bảo vệ màn hình, bộ dụng cụ vệ sinh màn hình, và găng tay họa sĩ. Ugee đã vượt lên trước trong cuộc chạy đua sản xuất bảng vẽ giá rẻ tốt nhất cho họa sĩ vẽ kỹ thuật số. Bảng vẽ Ugee thậm chí cũng thích hợp cho họa sĩ muốn vẽ concept trên màn hình lớn hơn, họa sĩ mới vào nghề chưa sử dụng bảng vẽ lần nào. Bảng vẽ Ugee sở dĩ đáng đồng tiền bát gạo là vì nó hỗ trợ đắc lực mọi hình thức vẽ kỹ thuật số, sở hữu màn hình HD tạo cảm giác giống như vẽ trên giấy, giá đỡ cho phép nghiêng bảng vẽ theo ý muốn, và bạn còn được tặng đủ thứ (găng tay họa sĩ, bộ dụng cụ vệ sinh,…) khi mua nữa chứ! Wacom Intuos Pro Bảng vẽ màn hình là chọn lựa tối ưu cho họa sĩ hoạt hình, nhưng nếu không thích sử dụng, bạn có thể chọn mua bảng vẽ điện tử đơn giản. Và Wacom Intuos Pro – cả cỡ lớn lẫn cỡ trung – là một trong những ứng viên sáng giá nhất. Không có khác biệt lớn giữa hai kích cỡ, nhưng tốt nhất nên chọn cỡ lớn, bởi nó thích hợp cho họa sĩ lần đầu bước chân vào lĩnh vực vẽ kỹ thuật số. Thông số sản phẩm (cỡ lớn): Chiều rộng: 17” Chiều cao: 11,2” Độ dày: 0,3” Trọng lượng: 2 lbs (0,9 kg) Bảng vẽ đáng tin cậy, siêu mỏng, siêu nhẹ, chiều rộng chỉ khoảng 17”, nhưng bề mặt vẽ thật sự đã chiếm hơn 12”. Chọn lựa lý tưởng cho mang theo bên mình, tích hợp sẵn bút Wacom Pro, có tính năng truyền dữ liệu qua Bluetooth. Bút vẽ cũng sử dụng Bluetooth để kết nối với bảng vẽ, nên mọi nhất cử nhất động của bạn đều được ghi nhận chính xác. Cả hai model cỡ trung và cỡ lớn đều tích hợp 08 phím tắt và 01 nút xoay. Bạn có thể tùy chỉnh từng phím tắt theo ý riêng để giúp kiểm soát công việc tốt hơn. Gần đây, Wacom ra mắt bản cập nhật cho dòng sản phẩm Intuos; do đó, bảng vẽ bạn mua sẽ được tích hợp công nghệ hiện đại nhất hiện nay, cộng với bề mặt vẽ mượt mà và giao diện mới. Tất nhiên, Intuos Pro không thể nào sánh bằng bảng vẽ màn hình, nhưng nếu bạn yêu thích bảng vẽ điện tử truyền thống, thì Intuos Pro đáng cho bạn cân nhắc, lựa chọn, vì nó cung cấp mọi thứ bạn cần. Huion Giano WH1409 Huion Giano có chiều rộng lớn hơn Intuos Pro, nhưng giá rẻ hơn. Đây chắc chắn là bảng vẽ điện tử đáng mua nhất cho túi tiền eo hẹp. Nó sử dụng pin, nên có thể hoạt động tối đa 5 – 7 tiếng mà không cần cắm điện, thuận tiện khi bạn làm việc trên giường, hoặc ra ngoài. Thông số sản phẩm (cỡ lớn): Chiều rộng: 20,5” Chiều cao: 11,1” Độ dày: 2” Trọng lượng: 5 lbs (2,25 kg) Vùng vẽ rộng đến 14”, cho không gian làm việc thoải mái. Kết cấu bề mặt bảng vẽ mượt mà, tạo cảm giác như vẽ trên giấy. Tuy nhiên, ấn tượng nhất là tính năng không dây. Bạn có thể sạc pin, rồi vẽ nhiều giờ liền mà không cần kết nối với nguồn điện. Bút vẽ Huion cũng sử dụng pin với thời gian giữa hai lần sạc có thể lên tới 02 tháng. Giano tích hợp thẻ nhớ MicroSD 8GB, cho phép bạn lưu artwork vào bảng vẽ và mang đi bất cứ đâu. Nó giống như bảng vẽ điện tử, ổ cứng, và mouse không dây trong một. Về mức giá, Giano không có đối thủ trong phân khúc bảng vẽ điện tử không dây, đáng lọt vào tầm ngắm của họa sĩ có nhu cầu về bảng vẽ giá rẻ, nhưng cho trải nghiệm không thua kém gì bảng vẽ cao cấp.

Họa sĩ hoạt hình, bất kể 2D hay 3D, cần sử dụng bảng vẽ cho công việc như vẽ storyboard, phác thảo nhân vật, thiết kế background, diễn hoạt,… Bảng vẽ không được sản xuất như nhau, một số tỏ ra thích hợp cho làm phim hoạt hình hơn số khác. Bảng vẽ Artisul D13 là chọn lựa hàng đầu cho họa sĩ hoạt hình, nhờ thiết kế nhỏ gọn, tính năng đơn giản, giá thành phù hợp với túi tiền, được xem là đối thủ đáng gờm với Cintiq. Tuy nhiên, đây không phải là chọn lựa duy nhất, vì trên thực tế, ngoài thị trường còn có hàng chục thương hiệu bảng vẽ khác có tính năng tương tự cho bạn tha hồ lựa chọn. Bạn nên chọn mua bảng vẽ màn hình, do hầu hết phim hoạt hình đặt nặng yếu tố hình ảnh. Bạn không cần bảng vẽ màn hình 22” nếu nhu cầu chỉ dừng lại ở diễn hoạt chu kỳ bước đi hoặc vẽ storyboard. Bài viết sau sẽ điểm mặt những bảng vẽ lý tưởng nhất cho họa sĩ hoạt hình chuyên nghiệp lẫn không chuyên, trình bày những ưu nhược điểm của chúng, và cuối cùng là hướng dẫn cách đưa chúng vào dây chuyền sản xuất. Những điều cần lưu ý khi mua bảng vẽ Bạn nên mua bảng vẽ phù hợp với nhu cầu sử dụng. Điều này có nghĩa không có bảng vẽ “tối ưu,” mà chỉ có chọn lựa này tối ưu hơn chọn lựa kia. Bạn có kinh nghiệm vẽ kỹ thuật số hay không? Đây có phải là lần đầu bạn đi mua bảng vẽ? Bạn từng làm phim hoạt hình 2D theo phương pháp truyền thống hay chưa? Hay mới lần đầu? Bảng vẽ dành cho họa sĩ hoạt hình phải có tốc độ phản hồi nhanh và dễ xử lý. Một số họa sĩ thích bảng vẽ nhỏ gọn, dễ mang theo bên mình mọi lúc mọi nơi; trong khi số khác chuộng bảng vẽ cỡ lớn, thích hợp cho sử dụng tại nhà. Không có câu trả lời đúng hay sai. Câu trả lời mỗi người mỗi khác tùy theo nhu cầu của họ. Giá tiền là một trong những yếu tố cần cân nhắc kỹ lưỡng. Nó có thể ảnh hưởng rất lớn đến quyết định của bạn, vì bảng vẽ chất lượng thường có mức giá không hề rẻ chút nào. Bạn lựa chọn bảng vẽ phù hợp dựa trên trả lời câu hỏi sau: Bạn có kinh nghiệm sử dụng bảng vẽ hay chưa? Bạn có ngân sách dồi dào hay eo hẹp? Bạn thích bảng vẽ nhỏ gọn hay cỡ lớn? Trình độ vẽ của bạn hiện đã tới đâu? Bạn có biết bảng vẽ màn hình hay không? Bảng vẽ màn hình là gì? Và tại sao nó là chọn lựa tối ưu cho họa sĩ hoạt hình? Muốn biết câu trả lời, bạn hãy đọc phần sau:  Bảng vẽ điện tử và bảng vẽ màn hình Nếu đã từng làm phim hoạt hình, chắc hẳn bạn không xa lạ gì với bảng vẽ điện tử. Tuy nhiên, giữa bảng vẽ điện tử và bảng vẽ màn hình có một sự khác biệt. Bảng vẽ màn hình (display tablet) giống như một màn hình mini hiển thị hình ảnh trên bề mặt bảng vẽ. Bạn vẽ trực tiếp trên bề mặt bảng vẽ, nhìn vào bảng vẽ, chứ không phải màn hình máy tính. Bảng vẽ điện tử (graphics tablet) không có màn hình, chỉ có vùng vẽ nằm trên tấm bảng màu đen. Nó không hiển thị hình ảnh. Với bảng vẽ này, bạn cần nhìn vào màn hình máy tính trong quá trình làm việc. Họa sĩ hoạt hình cần nhất là độ chính xác để đi nét, điều chỉnh khung hình, và diễn hoạt một cách nhanh chóng, chuẩn xác. Đây là lý do tại sao bảng vẽ màn hình là chọn lựa tối ưu. Nếu bạn đơn thuần vẽ như một thú vui, thì bảng vẽ điện tử đơn giản cũng đủ đáp ứng nhu cầu. Nhưng nếu bạn là họa sĩ làm việc lâu dài trong lĩnh vực hoạt hình kỹ thuật số, bạn nên cân nhắc chuyển sang sử dụng bảng vẽ màn hình đi là vừa, vì nó có chất lượng tốt hơn, và dễ sử dụng hơn hẳn. Hầu hết bảng vẽ màn hình cỡ nhỏ có mức giá rất phải chăng, nhưng độ bền lại rất cao, thậm chí đến cả chục năm. Bảng vẽ được xem là tối ưu cho họa sĩ hoạt hình khi nó sở hữu ba đặc điểm sau: Độ sáng màn hình Tích hợp phím tắt Nhỏ gọn, dễ mang theo Mỗi người có sở thích khác nhau, và những đặc điểm kể trên có thể không đúng ý bạn. Dẫu vậy, bạn vẫn nên cân nhắc kỹ mọi chọn lựa trước khi mua.  Artisul D13 Bảng vẽ màn hình tinh thể lỏng 13,3” Artisul D13 là chọn lựa hàng đầu cho họa sĩ hoạt hình nhờ thiết kế siêu mỏng chỉ 0,5”, tích hợp 07 phím tắt và bút vẽ không dùng pin – loại bút vẽ hiện đại nhất hiện nay. Thông số sản phẩm: Chiều rộng: 15,3” Chiều cao: 10” Độ dày: 0,5” Trọng lượng: 10 lbs (4,5 kg) Bảng vẽ lấy nguồn từ cổng USB thông qua cáp USB cắm vào laptop hoặc PC. Do chỉ cần 01 cáp USB duy nhất để cấp nguồn và truyền dữ liệu, bạn sẽ đỡ phải nối dây rườm rà. Tuyệt vời quá phải không nào! Đi kèm với bút vẽ không dùng pin là hộp đựng nhỏ gọn, thuận tiện cho mang theo bên mình mọi lúc mọi nơi. Màn hình full HD 1080p, không quá nhiệt khi sử dụng. Thời hạn bảo hành 01 năm. Nếu trong thời hạn bảo hành có bất kỳ sự cố gì liên quan đến phần

Những năm gần đây, Disney đi theo khuynh hướng chuyển thể phim hoạt hình kinh điển thành phiên bản live-action, và gặt hái thành công ngoài sức tưởng tượng về doanh thu phòng vé khi cả hai phim live-action Aladdin và The Lion King (Vua sư tử) đều vượt mốc 1 tỷ USD doanh thu trên phạm vi toàn cầu. Thành công trên tạo động lực thúc đẩy Disney remake thêm nhiều phim hoạt hình nổi tiếng một thời, trong đó có Snow White and the Seven Dwarfs (Bạch tuyết và bảy chú lùn). Một nguồn tin cho hay, Disney đã bắt đầu casting diễn viên cho vai hoàng tử, công chúa, hoàng hậu độc ác/bà lão, và bảy chú lùn trong phiên bản live-action sắp tới. Bộ phim thuộc thể loại ca nhạc, dự kiến khởi quay vào tháng 3/2020 tại Vancouver, Canada. Đạo diễn Marc Webb (Amazing Spider-Man) sẽ chỉ đạo dự án. Kịch bản do nhà biên kịch Erin Cressida Wilson (The Girl on the Train) chấp bút. Bộ đôi nhạc sĩ tài ba từng đoạt giải Oscar Benj Pasek và Justin Paul (Aladdin) sẽ đảm nhận phần nhạc phim. Cuối cùng, nhà sản xuất Marc Platt (Mary Poppins Return, La La Land) cũng góp mặt trong dự án này. Phát hành tại Mỹ vào năm 1938, Snow White and the Seven Dwarfs là phim hoạt hình đầu tiên được Disney áp dụng công nghệ Technicolor. Câu chuyện lấy cảm hứng từ truyện cổ Grimm, kể về công chúa Bạch Tuyết trong sáng, xinh đẹp, bị mẹ kế là mụ hoàng hậu độc ác ráp tâm hãm hại vì ghen tị với nhan sắc của nàng. Sau khi phát hiện Bạch Tuyết vẫn còn sống và nương náu trong túp lều của bảy chú lùn tốt bụng, mụ hoàng hậu bèn cải trang thành bà lão, mang quả táo độc đến cho nàng. Vừa cắn xong miếng táo, Bạch Tuyết rơi vào giấc ngủ vĩnh hằng, không thể tỉnh dậy trừ khi được hóa giải bằng nụ hôn của hoàng tử. Phim live-action Snow White and the Huntsman (Bạch Tuyết và gã thợ săn) ra mắt vào năm 2012 tuy cũng lấy cảm hứng từ truyện cổ Grimm, song nó không hề liên quan đến phiên bản Walt Disney. Những tưởng Snow White and the Seven Dwarfs thất bại thảm hại về mặt doanh thu, nào ngờ nó đã công phá phòng vé và trở thành bộ phim có doanh thu cao nhất mọi thời đại của Disney. Sự thành công ngoài mong đợi của bộ phim đã mở ra tương lai tươi sáng cho phim hoạt hình trên màn ảnh rộng, giúp Walt Disney khẳng định tên tuổi của mình và trở thành hãng phim hoạt hình lớn nhất hiện nay. Hiện phim chưa có thông tin cụ thể về dàn diễn viên được tuyển chọn và ngày ra rạp chính thức.  *Nguồn: thedisinsider  *Biên dịch: V.Toàn – Comic Media Academy

Cuộc thi được Fumetto tổ chức thường niên tại lễ hội truyện tranh quốc tế ở Lucerne, Thụy Sĩ, để mang đến cho họa sĩ truyện tranh cơ hội so tài trên quy mô toàn cầu, đưa tác phẩm đến với công chúng quốc tế, và chia sẻ quan điểm với người khác. Đây là một trong những cuộc thi lớn nhất hiện nay tại Châu Âu. Chủ đề cuộc thi năm 2020: All is networked! (Tất cả đều được kết nối!) Chúng ta kết nối với người khác, khí hậu kết nối với toàn cầu, thiết bị sưởi ấm trong nhà kết nối với điện thoại di động. Cách chúng ta kết nối – bất kể tự nguyện hay khó tránh khỏi – hiện tại vẫn là vấn đề cá nhân. Tuy nhiên, trong tương lai, khi sự kết nối ngày càng nhiều, nó sẽ như thế nào? Nó sẽ đem lại lợi ích gì? Nó sẽ đưa chúng ta đến đâu? Thuận lợi hay rủi ro? Chúng ta giải quyết nó ra sao trong tương lai? Điều kiện và thể lệ dự thi Cuộc thi dành cho mọi đối tượng trên toàn cầu thuộc ba nhóm tuổi sau: -18 tuổi trở lên -13 – 17 tuổi -12 tuổi trở xuống Lệ phí dự thi: không Hạn chót tiếp nhận tác phẩm dự thi: 4/1/2020 (căn cứ theo ngày trên dấu bưu điện) Đăng ký dự thi với tư cách cá nhân tại đây, rồi chờ nhận mã số thí sinh (user ID) qua e-mail. Thí sinh cần đính kèm mã số này với tác phẩm dự thi. Tác phẩm dự thi là MỘT truyện tranh hoàn chỉnh trên giấy A4 hoặc A3, dài tối đa 04 trang. Trên mặt sau mỗi trang, ghi tên, địa chỉ, số điện thoại, mã số thí sinh, ngày sinh, và số trang. Bỏ tác phẩm dự thi trong phong bì cứng, không cuộn lại, rồi gởi đến địa chỉ sau: Fumetto Wettbewerb, Rössligasse 12, 6004 Lucerne, Switzerland Lưu ý chỉ nhận tác phẩm dự thi qua đường bưu điện, không chấp nhận tác phẩm dự thi gởi bằng e-mail. Ban giám khảo gồm các họa sĩ, giảng viên đại học, nhà xuất bản truyện tranh, nhà báo, và nhân vật nổi tiếng trong lĩnh vực nghệ thuật. Thí sinh sẽ được xác nhận tham dự cuộc thi vào cuối tháng 1/2020. Tác phẩm dự thi sẽ được hoàn trả vào cuối tháng 8/2020. Bưu phí để nhận lại tác phẩm dự thi: Đối với thí sinh Thụy Sĩ: tem thư hoặc số tiền tương đương giá trị tem thư. Đối với thí sinh nước ngoài: 15 Euro. Nếu thí sinh không trả, hoặc không trả đủ bưu phí, tác phẩm dự thi sẽ được giữ lại 01 năm, không hoàn trả. Đăng ký tại đây trong trường hợp thí sinh là tập thể học sinh được nhà trường cử đi dự thi. Đính kèm danh sách học sinh dự thi và thông tin về nhà trường, lớp học, giáo viên, e-mail, và số điện thoại. Triển lãm 40 – 50 tác phẩm dự thi sẽ được ban giám khảo đề cử trưng bày tại cuộc triển lãm trong suốt thời gian diễn ra lễ hội truyện tranh quốc tế Fumetto. Những tác phẩm không được đề cử sẽ được lưu vào hồ sơ. Giải thưởng Fumetto sẽ trao 03 giải thưởng cho từng nhóm tuổi, và 01 giải thưởng cho kịch bản (scenario) xuất sắc nhất, bất kể thí sinh thuộc nhóm tuổi nào. Khách tham dự lễ hội có thể bình chọn tác phẩm cho giải thưởng Peoples Choice (tác phẩm được nhiều người bình chọn nhất). Trách nhiệm pháp lý Fumetto sẽ không chịu bất kỳ trách nhiệm nào đối với những hư hỏng hoặc thất lạc liên quan đến việc gởi tác phẩm dự thi. Fumetto được quyền sử dụng một phần hoặc toàn bộ tác phẩm dự thi để đưa tin, quảng cáo, xuất bản, hoặc triển lãm lưu động. Trừ khi thí sinh có yêu cầu, Fumetto được quyền tiết lộ địa chỉ của tác giả truyện tranh. *Nguồn: fumetto  *Biên dịch: V.Toàn – Comic Media Academy

Nghề vẽ concept là một trong những nghề sáng tạo cao “hot” nhất hiện nay, thích hợp cho những ai đam mê thiết kế concept cho phim ảnh, video game,… Ngành công nghiệp giải trí kỹ thuật số và video game luôn có nhu cầu tuyển dụng họa sĩ vẽ concept, do yêu cầu về chất lượng sản phẩm ngày càng tăng. Do đó, bất chấp sự cạnh tranh, họa sĩ vẽ concept có nhiều cơ hội nghề nghiệp hơn so với 20 năm về trước. Bài viết dưới đây đưa ra một số gợi ý cực hữu ích cho những họa sĩ muốn dấn thân vào nghề vẽ concept, dựng hình 3D, làm hoạt hình, phát triển hình ảnh,… nhưng không biết làm thế nào để đạt được. Đây không phải là chuyến hành trình dễ càng, nhưng thành quả mà nó mang lại cực kỳ xứng đáng với công sức bỏ ra. Xin đừng từ bỏ ước mơ nếu bạn có niềm đam mê nghệ thuật thật sự. Khi nào là quá muộn? Một trong những câu hỏi phổ biến nhất khi bắt đầu theo đuổi con đường nghệ thuật là câu hỏi liên quan đến tuổi tác. “Tôi năm nay đã XX tuổi và không biết vẽ, tôi khởi nghiệp ở độ tuổi này liệu có quá muộn hay không?” Câu hỏi trên được đem ra mổ xẻ trong nhiều diễn đàn và bài viết. Và câu trả lời “Không bao giờ là quá muộn” nhận được sự đồng tình của nhiều người nhất. Hầu hết người đặt câu hỏi là người muốn lập kế hoạch cho cuộc chơi dài hơi. Giả sử một người bắt đầu học vẽ 6 tiếng/ngày ở tuổi 35, thì phải đến năm 38 – 40 tuổi, anh ta mới có thể đạt trình độ vẽ thuần thục. Tuy nhiên, anh ta sẽ không có kinh nghiệm, và sẽ chọn đầu quân cho công ty chấp nhận tuyển họa sĩ ngoài 30 tuổi. Một người dùng có tên dpaint trên diễn đàn ConceptArt.org đưa ra câu trả lời sâu sắc. Anh là người viết bài uy tín cho trang web này với hơn 20 năm kinh nghiệm trong nghề. Anh cho rằng tuổi tác cao không phải là rào cản ngăn trở bạn trở thành họa sĩ vẽ concept. Càng lớn, cuộc sống của chúng ta càng trở nên phức tạp. Hôn nhân và con cái trở thành ưu tiên hàng đầu. Bạn ngày càng có ít thời gian dành cho thực hành. Đây là lý do tại sao người trong độ tuổi 20 gặp nhiều thuận lợi hơn trên con đường khởi nghiệp. Tuy nhiên, chỉ vì tuổi tác chống lại bạn không có nghĩa khởi nghiệp là điều xa vời. Chỉ cần kiên trì thực hành và làm việc hết sức mình, bạn sẽ tiến bộ rất nhanh. Đừng quên các công ty tuyển người, chứ không tuyển họa sĩ. Ngoài kỹ năng chuyên môn ra, tính cách, hành vi, và khả năng kết nối với đồng nghiệp cũng là yếu tố tối cần thiết, đóng góp vào sự thành công của bạn trên con đường khởi nghiệp. Nếu thuộc tuýp người quảng giao và có kỹ năng chuyên môn cần thiết, bạn sẽ dễ dàng tìm được chỗ đứng trong nghề dù tuổi đã ngoài 30 – 40. Bất lợi lớn nhất của nghề họa sĩ là thu nhập không cao lắm. Công việc dẫu hấp dẫn, thú vị, nhưng nó không phải là con đường làm giàu. Bạn sẽ yêu thích công việc nếu có niềm đam mê cháy bỏng với nghệ thuật. Tuy nhiên, đừng kỳ vọng mức lương khủng khi dấn thân vào nghề này. Kiếm mức lương trăm triệu tuy khả thi, nhưng nó đòi hỏi bạn phải làm việc cật lực. Bạn tự hỏi nghề này có đáng để thử sức hay không, và chỉ có bạn mới trả lời được câu hỏi khi nào quá muộn để theo đuổi nó. Nên nhớ tuổi tác không nói trước điều gì, mà nó phụ thuộc vào tư duy và lối sống của bạn. Nếu bạn dành toàn tâm toàn ý cho nghệ thuật, thì sau vài năm, bạn có thể làm portfolio ấn tượng và tìm được công việc mơ ước như vẽ concept/thiết kế giải trí. Thực hành như thế nào? Bạn cần học trước những nguyên tắc cơ bản nếu bắt đầu từ con số 0. Lời khuyên này dù được lặp đi lặp lại đến mức nhàm chán, nhưng nó không bao giờ là thừa tại thời điểm này. Khi lần đầu tiên bước chân vào nghề họa sĩ, bạn thật sự cần học những nguyên tắc cơ bản như hình thể, giá trị, ánh sáng, phối cảnh,… Cách học thiết thực nhất là vẽ từ cuộc sống. Nguyên tắc cơ bản vẫn như nhau bất kể bạn thực hành kỹ năng vẽ gì, từ vẽ ký họa cho đến vẽ tranh. Để vẽ từ cuộc sống, bạn cần quan sát sự vật dưới góc nhìn của họa sĩ. Nghệ thuật bao gồm hai thành phần: nhìn và tái hiện. Thực hành kỹ năng quan sát, đo lường, nắm bắt chuyển động của bàn tay,… Cách thực hành mau tiến bộ nhất là vẽ mẫu tự do. Concept art là nghệ thuật diễn họa theo phong cách tả thực, nhưng nó cũng cho bạn cơ hội đưa trí tưởng tượng đi xa, vượt ra khỏi giới hạn của thực tại. Mục tiêu của bạn là tìm cách pha trộn hài hòa hai loại hình nghệ thuật với nhau để tạo hình ảnh hư cấu như thật. Từ chỗ vẽ được sự vật hiện diện trước mặt, bạn sẽ chuyển sang học vẽ sự vật tưởng tượng trong đầu. Thực hành kỹ năng vẽ theo trí tưởng tượng bất cứ thứ gì bạn muốn, chẳng hạn như nhân vật, xe cộ, cảnh quan,… Một khi đã nắm vững những nguyên tắc cơ bản,

Hoạ sĩ Webtoon đang là một nghề mới thu hút sự quan tâm của nhiều bạn trẻ yêu thích vẽ truyện tranh. Vậy điều gì giúp bạn trở thành một hoạ sĩ Webtoon chuyên nghiệp và giàu có? 1. Kĩ năng vẽ trên máy Webtoon là hình thức truyện tranh đọc trên các thiết bị di động và được đăng tải trên các nền tảng quốc tế với những quy chuẩn về kích thước và độ phân giải cụ thể. Để đảm bảo các điều kiện này, hoạ sĩ Webtoon thường thực hiện sáng tác hoàn toàn trên máy tính. Các phần mềm phổ biến chuyên dụng để vẽ Webtoon là Photoshop, Clip Paint Studio,…Để trở thành hoạ sĩ Webtoon chuyên nghiệp, ngoài khả năng vẽ, bạn cần trang bị cho mình kĩ thuật sử dụng các phần mềm cơ bản này. 2. Kĩ năng sử dụng màu sắc Khác với truyện tranh in giấy truyền thống, truyện tranh Webtoon hầu như đều được tô màu, màu sắc là một trong những yếu tố tác động vào tâm lý quan trọng, góp phần dẫn dắt câu chuyện một cách hiệu quả. Một hoạ sĩ nắm rõ các nguyên lý về màu sắc không chỉ tạo nên một tác phẩm đẹp mắt mà còn dễ dàng tạo nên một câu chuyện mang nhiều cảm xúc. 3. Thành thục các nguyên tắc bố cục Với cách phân khung theo chiều dọc để dễ dàng đọc trên các thiết bị di động, hoạ sĩ Webtoon có toàn quyền trong việc kiểm soát việc đọc của người xem qua phương pháp đặt để bố cục khung. Thành thục các nguyên tắc về bố cục giúp hoạ sĩ Webtoon tạo nên một câu chuyện đẹp về hiệu ứng thị giác và thú vị về cách dẫn dắt câu chuyện thông qua hình ảnh. 4. Sức bền chạy Deadline Deadline luôn là cụm từ gây ám ảnh với giới hoạ sĩ, nhưng đối với hoạ sĩ Webtoon, áp lực đó còn kinh khủng hơn gấp nhiều lần. Tốc độ Internet tỉ lệ thuận với tốc độ đọc truyện tranh Webtoon, và để giữ chân được độc giả của mình, hoạ sĩ cần phải xuất bản sản phẩm thường xuyên, liên tục. Thông thường ở Hàn Quốc, trong vòng một tuần, hoạ sĩ Webtoon chuyên nghiệp phải hoàn thành hơn 800 khung truyện – một số lượng vô cùng khủng khiếp!!! 5. Kĩ năng Teamwork Như đã nói ở trên, khối lượng công việc hoạ sĩ Webtoon cần phải hoàn thành trong một tuần là vô cùng nặng nề. Vì vậy, để đảm bảo đúng kì hạn deadline, hoạ sĩ cần tạo cho mình một team và phân chia công việc một cách có hệ thống. Ở những nền công nghiệp Webtoon lớn, các hoạ sĩ webtoon không bao giờ làm việc một mình. Hãy nhớ rằng “muốn đi xa, chúng ta phải đi cùng nhau”. 6. Tinh kiên trì Thông thường, hoạ sĩ Webtoon chỉ thực sự có thu nhập ổn định khi truyện thu hút được một lượng theo dõi nhất định trên các nền tảng Webtoon phổ biến. Thời gian chờ đợi có thể lên đến hàng tháng hoặc hàng năm trời. Do đó, hoạ sĩ Webtoon phải thật kiên trì, kiên định và không ngừng sáng tác. Thành quả có thể sẽ đến hơi muộn, nhưng ngọt ngào. 7. Biết lắng nghe Bằng việc đăng tải trên các thiết bị di động, truyện tranh Webtoon sẽ dễ dàng nhận được những phản hồi nhanh chóng của đọc giả hơn so với truyện tranh in giấy truyền thống. Hoạ sĩ sẽ phải chấp nhận có những lời khen – chê, ghi nhận và điều chỉnh những chapter mới của mình để phù hợp với thị hiếu của phần đông độc giả. Lạc An.

Là người mới bước vào nghề biên kịch, bạn rất dễ mắc phải sai lầm khiến sự nghiệp của mình tiêu tùng từ trong trứng nước. Dưới đây là 5 điều biên kịch cần tránh trên con đường chạm ngõ điện ảnh của mình. 1. Biên kịch chỉ cần viết hay mà không cần nói hay Đây quả là một sai lầm chết người. Quả là để trở thành một biên kịch, bạn phải thành thục các kĩ năng viết từ tóm tắt kịch bản, mô tả hình ảnh đến thoại. Tuy nhiên, nếu chỉ giỏi viết thì không đủ. Một trong những kĩ năng không thể thiếu của biên kịch đó chính là pitching – trình bày ý tưởng với Nhà Sản Xuất. Thông thường biên kịch chỉ có khoảng từ 5 đến 10 phút để trình bày và thuyết phục Nhà Sản Xuất mua ý tưởng của mình, vì vậy kĩ năng nói ngắn gọn, rõ ràng, súc tích là điều cần thiết mà một biên kịch cần trau dồi ngay từ khi mới bước vào nghề. 2. Chỉ cần xem phim ở nhà mà không cần ra rạp Biên kịch cần xem phim nhiều, nhưng chỉ ở nhà xem phim thì không đủ. Đồng ý rằng trên mạng Internet có hầu như đầy đủ các phim đã chiếu ngoài rạp, tuy nhiên việc ra rạp xem phim sẽ cho biên kịch nhiều thứ không thể ngờ tới trong công việc của mình. Biên kịch sẽ biết được đây có phải là một bộ phim ăn khách hay không thông qua quan sát thái độ của khán giả sau khi ra khỏi rạp. Ngoài ra, bằng việc quan sát khán giả, bạn hoàn toàn biết được độ tuổi và đối tượng hay xem phim là ai? thị hiếu của họ là gì? Từ đó chọn đề tài, chủ đề thật thu hút cho kịch bản của mình. 3. Ngại đi học Một số biên kịch có nền tảng là kĩ năng viết tốt, tuy nhiên viết tốt chưa đủ mà còn phải viết đúng. Để trở thành biên kịch, bạn cần biết một số quy tắc viết như kĩ thuật viết logline, synopsis và cấu trúc 3 hồi. Các nhà tuyển dụng thường yêu cầu biên kịch của mình thuần thục các kĩ thuật trên, và may mắn là các bạn có thể dễ dàng học được. Điều cần thiết là biên kịch cần phải quên đi những thứ mình tài giỏi và nhìn nhận những thứ mình chưa biết. Đăng kí một khoá học về biên kịch, đọc các sách quy chuẩn về cách viết kịch bản là điều mà một biên kịch mới vào nghề cần quan tâm. 4. Cái tôi quá lớn Biên kịch cần có chính kiến, nhưng đừng đồng nghĩa chính kiến với cái tôi cá nhân. Thông thường, khi viết một kịch bản phim, bạn sẽ nhận được nhiều ý kiến đóng góp của mọi người, đó có thể là nhà sản xuất, đạo diễn hoặc thậm chí là khen chê của khán giả sau khi bộ phim ra rạp. Một cái tôi quá lớn sẽ khiến mọi thứ đổ bể cả về nghĩa đen lẫn nghĩa bóng. Không ai thích làm việc với một người bảo thủ, và cũng không khán giả nào muốn trao cơ hội cho một người luôn phản bác lại khen chê của họ. 5. Phát ngôn thiếu kiểm soát trên mạng xã hội Hãy nhớ rằng, cộng đồng làm phim rất nhỏ, bất kì một phát ngôn thiếu cẩn trọng nào của bạn trên các group biên kịch, làm phim và trên trang cá nhân của bạn cũng có thể giết chết sự nghiệp của bạn. Vì vậy, hãy luôn cẩn trọng, và tôn trọng mọi người, một thái độ tốt sẽ giúp bạn bước vào nghề một cách trơn tru, dễ dàng hơn. Lạc An.

Bạn là nhà biên kịch phim giàu kinh nghiệm, và giờ muốn chuyển thể kịch bản phim sang kịch bản tiểu thuyết hình ảnh (graphic novel). Bốn mẹo hay trong bài viết dưới đây sẽ giúp bạn thực hiện việc đó. Ghi chú: Trường hợp không tự mình chuyển thể kịch bản phim sang kịch bản tiểu thuyết hình ảnh, bạn có thể thuê họa sĩ chuyển thể kịch bản phim sang ảnh tĩnh. Tuy nhiên, trông cậy vào họa sĩ đồng nghĩa với việc bạn phải trả thêm tiền và đặt hết niềm tin tưởng vào quyết định của người cộng tác.  1. Mỗi lần chỉ miêu tả một action Kịch bản tiểu thuyết hình ảnh tuy không có định dạng chuẩn, nhưng chung quy có hai loại chính: Full Script và Marvel Method. Kịch bản phim giống như Full Script chưa hoàn chỉnh. Do đó, chúng ta sẽ chuyển thể kịch bản phim sang Full Script. Giữa kịch bản phim và kịch bản tiểu thuyết hình ảnh có một điểm khác biệt quan trọng. Kịch bản phim miêu tả ảnh động, còn kịch bản tiểu thuyết hình ảnh miêu tả ảnh tĩnh. Trong quá trình chuyển thể, bạn nhớ mỗi lần chỉ miêu tả MỘT action mà thôi. Ví dụ: Ông nhấc điện thoại lên. NGƯỜI ĐÀN ÔNG: Hello? Có vẻ sai sai, vì nhấc điện thoại lên và nói vào ống nghe là HAI action, không phải MỘT. Action phải được viết như sau: Ông nhấc điện thoại lên. Ông áp điện thoại vào tai, cầm ngược đầu, nói vào ống nghe. NGƯỜI ĐÀN ÔNG: Hello? Khi trong một khoảnh khắc có hai action trở lên, họa sĩ sẽ phải chọn lựa giữa hai action, hoặc thêm khung hình không cần thiết vào kịch bản. Mẹo đơn giản là tưởng tượng mỗi khung hình truyện tranh là một ảnh tĩnh. Giống như truyện tranh, ảnh tĩnh mỗi lần chỉ ghi lại một khoảnh khắc. Mẹo ám chỉ chuyển động tuy có (chẳng hạn như bộ lọc Blur trong Photoshop,…), nhưng đừng áp dụng chúng. Từng hình đứng yên đúng thời điểm sẽ tốt hơn. Tách riêng từng action sẽ giúp bạn nhận diện những action cần thiết để thúc đẩy câu chuyện, đồng thời làm rõ những gì bạn muốn họa sĩ vẽ. Về mặt kỹ thuật, một khung hình có thể có nhiều action. Tuy nhiên, bạn không nên áp dụng công cụ kể chuyện này, vì nó làm cho việc phân chia action trở nên khó khăn hơn. Bạn đừng nhồi nhét quá nhiều action vào khung hình, dẫn đến sự rối rắm không cần thiết. Nếu mới hợp tác sáng tác truyện tranh, bạn hãy để họa sĩ tự phân chia action trong khung hình. 2. Ngắn gọn (<25 từ/khung hình) Hầu hết độc giả căn cứ vào chất lượng hình ảnh để lựa chọn tiểu thuyết hình ảnh muốn đọc – giống như chúng ta đánh giá cuốn sách qua trang bìa vậy. Vì vậy, bạn cần dành càng nhiều càng tốt đất diễn cho họa sĩ. Để làm được điều này, bạn viết không quá 25 từ cho phần thoại trong mỗi khung hình. Họa sĩ sẽ có ít đất diễn nếu bạn viết nhiều hơn con số đó. Ví dụ: Khung hình dưới đây mới có 16 từ mà đã bắt đầu thấy không đủ chỗ để vẽ rồi. Ví dụ: Như bạn thấy, khung hình này có 31 từ. Họa sĩ phải thu nhỏ nhân vật trong khung hình mới có đủ chỗ để chèn chữ. Mẹo không có ý nói rằng bạn không được phép viết quá 25 từ/khung hình; tuy nhiên, bạn cần lưu ý là viết càng nhiều, bạn càng khiến họa sĩ gặp khó khăn trong việc cung cấp hình ảnh lôi cuốn, hấp dẫn. Độc giả tiểu thuyết hình ảnh yêu thích hình ảnh lôi cuốn, hấp dẫn. Hãy viết càng ngắn càng tốt để dành không gian quý giá cho phần hình ảnh. Nói về độ dài của kịch bản. Truyện tranh thật sự “ngốn” rất nhiều thời gian và công sức của họa sĩ. Hầu hết tiểu thuyết hình ảnh mất 3 – 4 năm mới ra lò SAU KHI nhà xuất bản mua kịch bản – nguyên nhân thường là do phải vẽ quá nhiều. Kịch bản truyện tranh 100 trang chứa ngót nghét 500 bức vẽ. Họa sĩ sẽ phải phác thảo, chỉnh sửa, biên tập, vẽ mực, chèn chữ, tô màu,… Do đó, khung hình càng nhiều, thời gian sản xuất sẽ càng lâu. Thời gian sản xuất càng lâu, họa sĩ và/hoặc nhà xuất bản càng mất thêm thời gian theo đuổi dự án. Để tạo điều kiện cho họa sĩ gật đầu nhận lời, bạn cắt bớt số trang mà vẫn bảo đảm truyền tải được câu chuyện muốn kể, cắt bớt số action mà vẫn bảo đảm câu chuyện xuyên suốt, cắt bớt càng nhiều càng tốt số dòng thoại, cũng như số từ trong mỗi dòng thoại. 3. Chỉ miêu tả những gì người đọc có thể nhìn thấy Nhà biên kịch thường tiếp thu bài học này nhanh hơn tiểu thuyết gia, nhưng khi bắt tay vào viết tiểu thuyết hình ảnh, họ thường miêu tả quá mức. Họ không quen miêu tả những gì đưa cho họa sĩ vẽ, nên họ không biết cái gì là quá ít, cái gì là quá nhiều để có bức vẽ như ý. Họ thường miêu tả quá nhiều cho chắc ăn. Chỉ cần miêu tả những gì người đọc có thể nhìn thấy. Truyện tranh là phương tiện trực quan (visual medium). Nếu người đọc không nhìn thấy cái gì đó, tức là nó không thực sự tồn tại. Ví dụ: Cậu bé nằm trên giường, nhìn chằm chằm lên trần nhà. Cậu cau có vì nghĩ mẹ không công bằng. Trần sập không phải lỗi tại cậu. Trong ví dụ trên, chúng ta thấy cậu bé nằm

Ngô An Chi là nữ họa sĩ trẻ người Mỹ gốc Việt tài năng, tốt nghiệp trường Art Center College of Design với bằng cử nhân mỹ thuật (BFA), hiện đảm trách đủ mọi công việc từ thiết kế background đến phát triển hình ảnh (visual development) trong ngành công nghiệp giải trí. Cartoon Network, Hello Design, Airbnb, Tapas Media đều là khách hàng của cô. Các tác phẩm của cô được trưng bày tại nhiều phòng tranh và cuộc triển lãm như Gallery Nucleus, Q-pop Shop, Neon Lotus, Studion Ghibli Tribute, Lightbox Expo, CTN Animation Expo,… Nếu muốn chiêm ngưỡng những tác phẩm mang đậm dấu ấn cá nhân của cô, bạn có thể truy cập vào Instagram hoặc website Stuart Ng Books.  Trong bài phỏng vấn dưới đây, An Chi chia sẻ niềm đam mê nghệ thuật, tiết lộ lý do vì sao cô dấn thân vào nghề vẽ phim hoạt hình, và đưa ra lời khuyên cho những ai muốn theo đuổi con đường nghệ thuật như cô. Xin cô chia sẻ đôi điều về nơi mình sinh ra và lớn lên, cơ duyên nào đưa đẩy cô đến với nghệ thuật và gắn bó với nó? Tôi yêu thích công việc liên quan đến sáng tạo. Hồi còn ở Việt Nam, tôi đinh ninh mình sẽ nối nghiệp kiến trúc sư của cha mẹ. Tuy nhiên, lúc lớn lên, tôi đã trót “bén duyên” với nghệ thuật. Đối với người không giỏi văn chương chữ nghĩa như tôi, nghệ thuật là cách tôi diễn đạt câu chuyện mình muốn kể. Nhờ tham gia các lớp dạy vẽ, tôi nhận ra nghệ thuật chính là con đường mình muốn đi, và đó là lý do tại sao tôi quyết định đăng ký học tại ArtCenter.  Tôi thật may mắn được cha mẹ khuyến khích theo đuổi ước mơ của mình, và tôi hy vọng sẽ làm họ hãnh diện về thành quả tôi đạt được. Có vẻ như ArtCenter là sự lựa chọn phổ biến của những ai muốn nghiên cứu nghệ thuật. Theo cô, lợi thế lớn nhất khi theo học tại đây là gì? Nó có đóng góp vào sự thành công của cô trên con đường sự nghiệp hay không? ArtCenter có lợi thế là nằm gần nhiều hãng phim hoạt hình, nhiều công ty giải trí. Điều này có nghĩa bạn có thể tiếp cận dễ dàng các hãng phim và giới họa sĩ trong ngành công nghiệp giải trí. Ở trường, tôi đã học được giá trị của tính chuyên nghiệp và tận tâm trong công việc. Việc xung quanh tôi đều là những chuyên gia trong ngành đã giúp tôi nâng trình độ làm portfolio lên tầm cao mới, tạo nền tảng vững chắc cho tôi bước chân vào ngành công nghiệp giải trí. Theo học tại ArtCenter là quyết định sáng suốt nhất từ trước đến nay của tôi, và tôi may mắn có đủ tiền trang trải chi phí học tập. Đối với những ai có tài chính eo hẹp, tôi thiết nghĩ tham gia các khóa học online trên CDA, Scholism, Brainstorm,…cũng là cách hay để giúp nâng cao trình độ làm porfolio và kết nối với mọi người. Khi niềm đam mê nghệ thuật thật sự đủ lớn, bạn ắt sẽ tìm ra cách. Nhiều họa sĩ tự học, nhưng cô chọn đến trường, nơi cô luôn có những họa sĩ nhiệt tình vây quanh. Việc nhờ họa sĩ khác hỗ trợ, giúp đỡ trong quá trình học tập quan trọng như thế nào với cô? Cộng đồng họa sĩ có ý nghĩa rất lớn với tôi. Xung quanh tôi lúc nào cũng có nhiều họa sĩ tài năng, giàu nhiệt huyết, chung chí hướng, luôn vui vẻ động viên nhau làm việc hết sức mình để cùng tiến bộ. Tôi may mắn có bạn bè và giảng viên luôn sát cánh bên cạnh trong suốt thời gian đi học. Tôi được như ngày hôm nay là nhờ họ. Ngành công nghiệp hoạt hình là nơi hội tụ của những con người tuy nhỏ bé, nhưng dễ mến, luôn sẵn lòng giúp đỡ lẫn nhau. Phong cách sáng tác từ nhỏ tới nay của cô chịu ảnh hưởng lớn nhất từ đâu? (Họa sĩ, phim ảnh,…) Phim hoạt hình của Hayao Miyazaki có sức ảnh hưởng rất lớn đến tôi. Ông có lối kể chuyện rất hay. Tôi yêu thích mọi chủ đề được ông khai thác trong từng bộ phim. Ông truyền cảm hứng cho tôi, dạy tôi kỹ năng quan sát những khoảnh khắc đời thường, những biểu hiện cảm xúc tinh tế của con người, và không ngại đào sâu vào những góc khuất bên trong. Tôi không chỉ lấy nguồn cảm hứng từ phim hoạt hình/concept art, mà còn từ tranh minh họa, ảnh chụp, mẫu thiết kế đồ họa, và phong cách vẽ của họa sĩ khác. Tôi hay xem phim hoạt hình. Phim hoạt hình nào thấy có phần lồng tiếng đa dạng, phong phú là tôi mê tít ngay từ giây phút đầu tiên. Thuở mới dấn thân vào ngành công nghiệp giải trí, công việc đầu tiên của cô là vẽ background. Công việc đó như thế nào? Và cô học hỏi được gì từ nó? Đầu tiên, tôi làm việc cho studio Glow in the Dark với vai trò họa sĩ vẽ concept nhân vật và môi trường. Thời gian làm việc ở đây giúp tôi biết cách vận dụng kiến thức đã học ở trường vào thực tế sản xuất. Tôi tham gia vẽ background và nhân vật cho show truyền hình Victor and Valention trên Cartoon Network. Tôi vui mừng phấn khích khi thấy tên mình xuất hiện trên màn ảnh. Hiện tại tôi là họa sĩ thiết kế background cho series phim Transformers do Hasbro, Inc. sản xuất. Môi trường làm việc ở công ty danh tiếng hàng đầu thế giới cực kỳ đáng sợ, khác xa

Đây là bài viết tiếp theo của Phần 1 và cũng là bài viết cuối cùng của loạt bài “Webtoon: Loại hình truyện tranh hot nhất hiện nay.” Về “Webtoon: Loại hình truyện tranh hot nhất hiện nay – Phần 1”, bạn có thể xem tại đây . Đa phương tiện, đa nền tảng Do webtoon dựa trên nền tảng mạng, nó trở thành nơi kết hợp nhiều phương tiện với nhau để tạo hiệu ứng và thể loại mới đặc sắc. Thuật ngữ “đa phương tiện, đa nền tảng” thường được dùng để miêu tả quy trình sản xuất webtoon tại Hàn Quốc và phương pháp kiến tạo thế giới hư cấu trong câu chuyện. Phần này đề cập hai khía cạnh của sáng tác đa phương tiện, đa nền tảng. Thứ nhất là tính khả thi của việc kết hợp nhiều phương tiện trong sáng tác truyện tranh và phát hành nó trên nhiều nền tảng khác nhau. Thứ hai là kể chuyện qua nhiều phương tiện, nhiều nền tảng khác nhau (transmedia storytelling). Khác với truyện tranh giấy, webtoon là nền tảng cho sự kết hợp các phương tiện, chẳng hạn như nhạc nền (background music) để giúp truyền tải cảm xúc và nhấn mạnh bầu không khí trong câu chuyện. Ví dụ, webtoon Kurŭm ŭi norae (Bài hát của những đám mây) của Horang có đoạn miêu tả những thành viên trong ban nhạc, được lồng nhạc nền để giúp nhấn mạnh cốt truyện. Các ca khúc trong webtoon sau này được phát hành dưới dạng album riêng. Những video clip ngắn đôi khi được lồng ghép vào webtoon. Năm 2009, Yun T’ae-ho phát hành webtoon SETI, khai thác tối đa tiềm năng đa phương tiện của loại hình truyện tranh này để lồng ghép TV drama vào webtoon, và cho ra đời thể loại mới mang tên “Webtoon drama.” Yun thiết kế nhân vật dựa trên ảnh chụp diễn viên, thỉnh thoảng chuyển bản vẽ cho nhà sản xuất phim truyền hình để nhờ họ điều chỉnh cho giống nhân vật trong TV drama. Trong quá trình hợp tác sản xuất, hai bên cắt video clip từ TV series để chèn vào cuối mỗi tập webtoon. Webtoon lồng ghép video clip này nằm trong chiến lược quảng cáo của hãng Canon nhằm chứng minh máy ảnh giá rẻ có những tính năng không thua kém gì máy ảnh chuyên dụng đắt tiền. Ngoài ra, webtoon trên nền tảng kỹ thuật số cũng cho phép khai thác công nghệ 3D để tạo nhân vật và background chân thực hơn, màu sắc tinh tế hơn, không gian và thời gian giống như trong phim. Webtoon dễ chuyển thể thành phim và TV drama nhờ có tính lồng ghép. Ngay cả webtoon phiên bản giấy cũng tích hợp tính năng xem trên nhiều nền tảng. Webtoon phiên bản giấy đa phần được nhà xuất bản phát hành sau khi chúng được đăng thử nghiệm trên Cổng thông tin điện tử hoặc blog cá nhân. Tuy nhiên, nếu tác giả của loại hình truyện tranh mới nổi này là họa sĩ nổi tiếng, được đông đảo độc giả yêu thích, thì trong một số trường hợp, nhà xuất bản sẽ chủ động đề nghị tác giả hợp tác sản xuất và phát hành webtoon phiên bản giấy. Khi ấy, webtoon phiên bản giấy thường được phát hành song song với phiên bản web trên Cổng thông tin điện tử. Webtoon phiên bản giấy vẫn giữ nguyên bố cục như phiên bản web, ngoại trừ trang kỹ thuật số được định dạng thành trang in. Một số webtoon phiên bản giấy có phiên bản kỹ thuật số đi kèm, cho phép xem trên nền tảng khác thông qua truy cập mã QR Code (Quick Response Code – mã phản hồi nhanh). Chomyŏng kage của Kang P’ul là một ví dụ điển hình. Nếu chụp ảnh/quét mã QR Code trên webtoon phiên bản giấy bằng điện thoại di động, độc giả có thể xem truyện (thường dưới dạng video clip không lồng tiếng, dài khoảng 20 – 40 giây) thoải mái trên nền tảng di động. Những webtoon đa phương tiện, được nhiều độc giả yêu thích thường được chuyển thể thành phim, TV drama, và nhạc kịch. Ví dụ, những webtoon ăn khách như Sunjŏng manhwa (Truyện tranh lãng mạn), Iut saram (Người hàng xóm), Pabo (Chàng ngốc), và Ap’at’ŭ (Căn hộ) của Kang P’ul, Ikki (Rêu) của Yn T’ae-ho đều được chuyển thể thành phim. Các nhà sản xuất phim thường tìm kiếm nguồn kịch bản mới qua webtoon, và nhanh tay ký hợp đồng với tác giả ngay cả khi webtoon chưa đăng hết trên mạng. Khi thấy webtoon được đăng tải liên tục trên mạng, độc giả thường kỳ vọng trong nay mai nó cũng sẽ có mặt trên nền tảng khác. Ví dụ, sau khi thấy webtoon P’ain của Yun T’aeho được đăng tải liên tục từ ngày 29/6/2014 đến 14/8/2015 trên Cổng thông tin Daum, độc giả bắt đầu đoán già đoán non rằng nó sớm muộn gì cũng được chuyển thể thành phim. Một số độc giả thậm chí còn hào hứng lập hẳn danh sách phân vai và chia sẻ nó qua mục bình luận ở cuối mỗi tập webtoon. Misaeng (Cuộc sống không trọn vẹn) của Yun T’aeho – một trong những webtoon được yêu thích nhất tại xứ sở kim chi – là minh chứng tiêu biểu cho sáng tác và phát hành đa phương tiện, đa nền tảng, đa thể loại. Được phát hành định kỳ trên Cổng thông tin Daum từ tháng 1/2012 đến 7/2013, Misaeng miêu tả cuộc sống mưu sinh nhọc nhằn của chàng trai trẻ Chang Kŭrae. Anh là tuyển thủ cờ vây chuyên nghiệp, nhưng do còn trẻ người non dạ, nên cuối cùng anh đành đi làm công nhân thời vụ cho công ty thương mại tổng hợp. Webtoon cho thấy nỗ lực tìm hiểu con người, cuộc sống, và xã hội của

Frozen làm thay đổi thế giới quan của chúng ta (tốt hơn) từ 6 năm qua, và đến thời điểm hiện tại, thật không quá lời khi nói chúng ta vẫn bị ám ảnh bởi bộ phim này. Đây là lý do vì sao chúng ta háo hức đếm ngược từng ngày chào đón thời khắc Frozen 2 chính thức ra rạp. Chúng tôi thật may mắn khi có cơ hội đặt chân đến hãng phim hoạt hình Walt Disney để gặp gỡ và trò chuyện với ê-kíp làm phim Frozen 2. Năm điều thú vị mà chúng tôi biết được dưới đây qua cuộc trò chuyện với họ sẽ cho bạn cái nhìn tường tận hơn về bộ phim sắp công chiếu, từ chủ đề phim cho đến nhân vật. 1. Frozen 2 nằm trong số hiếm hoi phim hoạt hình Disney có phần hậu truyện  Hãng phim hoạt hình Walt Disney rất hiếm khi phát hành phần hậu truyện (sequel); vì vậy, như bạn có thể hình dung, việc họ làm tiếp phần 2 Frozen (Nữ hoàng băng giá) quả thực không phải là chuyện nhỏ chút nào. Nhà sản xuất Peter Del Vecho cho biết, “Ở Disney, chúng tôi không bao giờ làm phần hậu truyện trừ khi có ý tưởng cho bộ phim và mong muốn biến nó thành hiện thực.” Sau khi Frozen kết thúc, Del Vecho nghe có người thắc mắc, “Elsa sở hữu sức mạnh băng giá từ đâu?” Câu hỏi này hóa ra là ý tưởng tuyệt vời cho đạo diễn Jennier Lee và Chris Buck chuyển thành phim. Del Vecho giải thích, “Phần kết của Frozen chỉ là điểm khởi đầu cho cuộc đoàn tụ của hai chị em Anna và Elsa. Do đó, chúng tôi liền bắt tay vào làm tiếp phần 2.” 2. Arendelle sẽ hoành tráng, mãn nhãn hơn nhiều Nếu bạn yêu thích ngôi nhà của những nhân vật đáng yêu trong Frozen, Frozen 2 chắc chắn sẽ không làm bạn thất vọng vì vương quốc Arendelle hứa hẹn lung linh, huyền ảo, hoành tráng, mãn nhãn hơn phần 1 rất nhiều! Giám đốc nghệ thuật David Womersley chia sẻ, “Trong Frozen, chúng tôi lấy bối cảnh ngôi làng biệt lập với thế giới bên ngoài, nhưng trong Frozen 2, chúng tôi không sử dụng bối cảnh như thế nữa. Trong Frozen 2, chúng tôi đi từ vùng đất này sang vùng đất khác, chúng tôi thực sự nhìn thấy sự dịch chuyển từ nơi này sang nơi khác.” Thiết kế sản xuất Lisa Kenne tiết lộ thêm, “Chúng tôi thậm chí sẽ xem xét kỹ hơn tòa lâu đài. Tòa lâu đài có những nơi chúng tôi không ngó ngàng đến, song lần này chúng tôi sẽ xem xét chúng. Chúng tôi xem xét mặt sau tòa lâu đài, nơi bạn không nhìn thấy [trong phần 1 của bộ phim].” Chúng ta hy vọng sẽ được chiêm ngưỡng lâu hơn tòa lâu đài đẹp như mơ. Hơn nữa, chúng ta sẽ thấy Arendelle trong diện mạo hoàn toàn mới. Cảnh ngôi làng trong tuyết trắng bị loại bỏ để nhường chỗ cho cảnh mùa thu trong Frozen 2. Womersley giải thích, “Chúng tôi thay áo mới cho các ngôi nhà, trang hoàng chúng bằng màu sắc đậm chất mùa thu. Và nó cũng mang màu sắc khác nữa, màu sắc của lễ hội thu hoạch.” 3. Phim lấy chủ đề thần thoại, cổ tích Ê-kíp làm phim đi khảo sát nhiều nơi để tìm nguồn cảm hứng và bối cảnh phù hợp cho Frozen 2, nhưng chỉ có Phần Lan và Ai-len là chọn lựa lý tưởng hơn cả. Marc Smith giải thích, “Chúng tôi đến khảo sát hồ Inari, Phần Lan, và thấy nơi đây có phong cảnh đẹp tựa như trong truyện cổ tích. Chúng tôi không thắc mắc tại sao vùng đất này lưu truyền nhiều câu chuyện về phép thuật và những vị thần rừng, bởi nó là một phần bản sắc văn hóa nơi đây. Phong cảnh thiên nhiên Ai-len thật sự rất đẹp và hùng vĩ giống như trong truyện thần thoại.” Trong các bạn có ai muốn tham gia chuyến khảo sát này không?! Chủ đề thần thoại, cổ tích không chỉ góp phần thiết lập nền tảng cho câu chuyện, mà còn ảnh hưởng đến nhân vật. Smith cho biết, “Chúng ta nghe kể nhân vật trong truyện cổ tích có khả năng giết rồng. Chúng ta muốn Anna cũng có khả năng như thế! Chúng tôi tin cô sẽ có cái kết có hậu. Nhân vật trong truyện thần thoại thường phải gánh vác trọng trách trên vai, và ra sức hoàn thành sứ mệnh của mình. Câu chuyện về Elsa sẽ giống như vậy.” Anna và Elsa tuy là hai chị em, song họ có thế giới quan khác nhau, và chúng ta háo hức chờ đợi chuyện gì sẽ xảy đến với họ! Frozen 2 là phim ca nhạc Đúng rồi đấy, bạn không nghe nhầm đâu! Phim ca nhạc đa phần mang tính giải trí, nhưng Frozen 2 lại sử dụng nó làm phương tiện truyền tải thông tin. Giám chế âm nhạc Tom MacDougall nhấn mạnh tầm quan trọng của âm nhạc trong Frozen 2, “Khoảnh khắc bài hát cất lên là khoảnh khắc tuyệt vời nhất, báo hiệu sự xuất hiện của nhân vật ở một nơi nào đó, và khi bài hát kết thúc, nhân vật sẽ hiện diện ở nơi khác. Âm nhạc giúp bạn hiểu thấu hơn cốt truyện, nhân vật, động cơ của anh ta,…” Âm nhạc là yếu tố tạo nên sức hấp dẫn khó cưỡng cho Frozen 2. Into The Unknown là một trong những ca khúc được chúng ta mong đợi nhiều nhất khi xem bộ phim này, vì nó kể về cuộc đấu tranh nội tâm của Elsa. MacDougall giải thích, “Chúng tôi biết Elsa là ai. Chúng tôi biết hoàn cảnh của cô, nhưng không

Các thuật ngữ không phải lúc nào cũng dễ định nghĩa, và điều này vẫn đúng với nhiều loại hình truyện tranh. Việc phân loại truyện tranh chỉ mang tính tạm thời do sự phong phú, đa dạng về nội dung, và cách sử dụng thuật ngữ cũng thay đổi theo thời gian. Thuật ngữ “truyện trang mạng” (webcomics) thường có nghĩa là truyện tranh đăng trên mạng. Tuy nhiên, nó phải được định nghĩa là truyện tranh được sáng tác với mục đích phát hành/đăng tải trên nền tảng PC thì mới chính xác hơn cả. “Truyện tranh mạng” thường được dùng để thay thế cho các thuật ngữ như “truyện tranh kỹ thuật số,” “truyện tranh online,” và “truyện tranh internet,” mặc dù nó thỉnh thoảng còn là thuật ngữ chung cho mọi loại hình truyện tranh kỹ thuật số, bao gồm cả truyện tranh trên nền tảng di động và CD-ROM. “Cha đẻ” của truyện tranh mạng Scott McCloud nhấn mạnh việc sáng tác, phát hành và phân phối tác phẩm trên nền tảng kỹ thuật số đã góp phần làm thay đổi mọi thứ ra sao. Ông sử dụng thuật ngữ “trang vô hạn định” (infinite canvas) để phân biệt truyện tranh mạng với truyện tranh giấy. Khái niệm “trang vô hạn định” có thể khiến một số người nghi ngờ, vì thực tế cho thấy trang truyện tranh mạng không hề vô hạn định như tuyên bố của McCloud. Bằng chứng là cách phân khung và truy cập trang truyện bị phụ thuộc nhiều vào hình dáng và kích thước màn hình. Tuy nhiên, bất chấp những hạn chế cố hữu, truyện tranh mạng vẫn phát triển không ngừng, sản sinh ra loại hình nghệ thuật mới, phương thức mới trong sáng tác, phân phối và phát hành tác phẩm văn hóa, cũng như trong tương tác giữa tác giả với độc giả. Bài viết dưới đây đề cập những điểm khác biệt giữa truyện tranh giấy và webtoon (truyện tranh mạng Hàn Quốc), và chỉ ra những cái hay của truyện tranh mạng. Webtoon có hai điểm đáng chú ý. Thứ nhất, “webtoon” không phải là thuật ngữ chung, tương đương với “truyện tranh mạng,” và nó cũng không phải là một thể loại truyện tranh. Webtoon thực chất là sản phẩm của sự kết hợp giữa truyện tranh với phương tiện kỹ thuật số – nhân tố góp phần làm thay đổi diện mạo truyện tranh, quy trình sản xuất, thói quen đọc truyện, cũng như quan niệm về ranh giới giữa tác giả và độc giả, phân phối và phát hành tác phẩm văn hóa. Thứ hai, webtoon là hình thức kể chuyện mới lạ bằng hình ảnh kỹ thuật số trên mạng, có xuất xứ từ Hàn Quốc, được phát triển dựa trên cơ sở khái thác tiềm năng của công nghệ đa phương tiện và phương tiện truyền thông hiện đại. Webtoon – từ ghép của “web” (mạng) và “cartoon” (truyện tranh) – là thuật ngữ do người Hàn Quốc nghĩ ra để chỉ truyện tranh mạng. Ban đầu, họ sử dụng nhiều thuật ngữ khác nhau để chỉ truyện tranh đăng trên các website ở Hàn Quốc. Webcomic – từ ghép của “web” và “comic” – là một ví dụ, nhưng nó sớm bị thay thế bởi webtoon. Năm 2000, Ch’ŏllian khai trương website mới mang tên “Webtoon” trên Cổng thông tin điện tử Hàn Quốc. Tuy nhiên, hầu hết truyện tranh đăng trên website này đều theo định dạng truyền thống, nghĩa là chúng vẫn giữ nguyên bố cục (layout) như trên trang in. Webtoon có thời được dùng để chỉ flash animation, nhưng sau không còn mang nghĩa đó nữa, vì trước đó rất lâu, nó đã trở thành thuật ngữ chung cho truyện tranh được sáng tác và phát hành qua mạng ở Hàn Quốc. Khác với truyện tranh giấy, truyện tranh mạng được bố cục theo chiều dọc (vertical layout). Trước khi webtoon xuất hiện, các tác giả quen bố cục trang truyện theo chiều ngang do màn hình máy tính có thiết kế nằm ngang mỗi lần chỉ cho phép hiển thị 1/2 trang truyện, rồi đăng tác phẩm lên các website như N4 và Comics Today (K’omiksŭ t’udei). Webtoon vừa ra đời đã được nhiều họa sĩ học tập cách bố cục mới lạ của nó và tạo nên trào lưu hot nhất hiện nay. Được phát hành định kỳ trên Cổng thông tin Daum của Hàn Quốc (2002), Pape and Popo’s Memories của Sim Sŭnghyŏn là webtoon đầu tiên áp dụng bố cục dọc, và độc giả có thể xoay nút cuộn chuột để đọc truyện. Cũng được phát hành định kỳ trên Daum (2003), webtoon Sunjŏng manhwa (Truyện tranh lãng mạn) của họa sĩ nổi tiếng Kang P’ul khơi mào trào lưu bố cục trang truyện theo chiều dọc. Nhằm mục đích cải thiện lưu lượng truy cập, các tác giả truyện tranh khác cũng chạy theo trào lưu trên, áp dụng bố cục dọc vào tác phẩm của mình trên Cổng thông tin điện tử như Daum và Naver. Bên cạnh bố cục dọc, webtoon còn đóng vai trò quan trọng trong sáng tác và phát hành đa phương tiện, đa nền tảng. Bản thân webtoon cũng là nền tảng cho sự kết hợp nhiều phương tiện với nhau để tạo hiệu ứng thẩm mỹ độc đáo và thể loại mới. Thông qua đề cập khía cạnh đa phương tiện, đa nền tảng của webtoon, bài viết hé lộ những nét đặc trưng, riêng biệt của ngành công nghiệp webtoon ở Hàn Quốc. Bố cục dọc đầy màu sắc tuy thống trị thị trường truyện tranh mạng Hàn Quốc, nhưng nó không phải là trào lưu tại những thị trường khác. Ví dụ, tại Nhật Bản, truyện tranh mạng thường là trắng đen và vẫn giữ nguyên bố cục như trên trang in. Tương tự, tại Mỹ, truyện tranh mạng thường

Họa sĩ Lê Minh tên thật Lê Ngọc Minh, sinh năm 1937, qua đời lúc 17 giờ 10 phút ngày 14/10 tại tư gia, hưởng thọ 82 tuổi. Họa sĩ Lê Minh là một trong những họa sĩ truyện tranh nổi tiếng của Việt Nam, vào thập niên 60, ông được biết đến với vai trò họa sĩ vẽ tranh minh họa cho các bộ truyện tranh lịch sử dân tộc, vẽ bìa cho tiểu thuyết Kim Dung. Từ sau năm 1990, ông là tác giả của những bộ truyện tranh như: “Cô Tiên Xanh”, “Truyện cổ tích Việt Nam”, “Truyện cổ tích Thế giới”. Nhờ có năng khiếu và đầu tư học vẽ, ông đã bắt đầu cộng tác cho các báo từ khi còn là sinh viên năm nhất ĐH Mỹ thuật Gia Định. Thời của ông, các tác phẩm được vẽ bằng vẽ bằng mực tàu và bút sắt lá tre, bản kẽm lúc đó còn làm trên gỗ, phải khắc từng chi tiết, rất kỳ công. Từ thu nhập vẽ truyện tranh và minh họa, ông thành lập tờ báo Em, phát hành tại Sài Gòn những năm 1970, nhờ đó chăm lo được cho cả gia đình và mua được cả xe hơi. Vì những đóng góp của mình cho nền văn hóa nghệ thuật nước nhà, năm 2010 ông được trao tặng Kỷ niệm chương “Vì sự nghiệp văn học nghệ thuật Việt Nam”

Khai giảng khóa 09 lớp dạy vẽ thiếu nhi Manga Comics 8

5 Lợi Ích Cho Sự Phát Triển Của Trẻ Từ Vẽ Truyện Tranh Hình ảnh trẻ em cầm bút vẽ những dòng nguệch ngoạc chắc không có gì xa lạ với chúng ta, nhưng ít ai biết rằng vẽ truyện tranh là một cách đơn giản giúp phát triển trí não và óc sáng tạo của trẻ. Đây là 5 lợi ích cho sự phát triển của trẻ từ vẽ truyện tranh mà không phải ai cũng biết. 1. Vẽ Truyện Giúp Bé Dễ Dàng Thể Hiện Cảm Xúc Của Mình. Các em không phải lúc nào cũng có thể dễ dàng biểu hiện suy nghĩ của mình ra thế giới bên ngoài qua lời nói và hoạt động. Nên việc thể hiện suy nghĩ của bé qua những câu chuyện được vẽ trên giấy giúp các bậc phụ huynh có thể dễ dàng hiểu rõ con mình hơn.  2. Vẽ Truyện Tranh Là Một Hình Thức Giúp Trẻ Phát Triển Thể Chất. Vẽ thường xuyên tạo điều kiện cho các cơ ở tay của các em được phát triển. Ngoài ra khi vẽ tranh có nội dung các em còn được rèn luyện khả năng phối hợp của nhiều bộ phận: tay, mắt và não bộ. 3. Muốn Biết Cách Bé Giải Quyết Một Vấn Đề Thường Ngày, Hãy Để Bé Vẽ Truyện Tranh.  Khi vẽ tranh có nội dung, các em sẽ phải luôn đối mặt với những lựa chọn – Chẳng hạn như khi chọn màu cho nhân vật chính thì mình nên chọn màu nào? hay ở tình huống này thì mình sẽ cho nhân vật làm những hành động nào? Khi các bậc cha mẹ quan tâm đến phong cách vẽ của con mình sẽ hiểu rõ cách bé đang suy luận và cách giải quyết vấn đề xung quanh của các em. 4. Vẽ Truyện Tranh Cách Tốt Nhất Để Phát Triển Khả Năng Sáng Tạo Của Trẻ Khi vẽ truyện tranh bé sẽ cần nối kết trí tưởng tượng và đưa ý tưởng đó thành hiện thực trên giấy. Rèn luyện lâu ngày khả năng sáng tạo và trí tưởng tượng của các em sẽ càng trở nên phong phú. Các bạn có biết không, chính nhờ trí tưởng tượng của con người cùng quyết tâm đưa điều đó thành hiện thực đã giúp xã hội chúng ta phát triển như ngày hôm nay. 5. Con em chúng ta sẽ học tốt hơn nếu biết vẽ truyện tranh. Thêm một ích lợi nữa của vẽ truyện tranh đó là kích thích khả năng suy nghĩ logic của trẻ từ rất sớm. Nhờ vậy bé đã được trang bị hành trang vững chắc để tiếp cận với những kiến thức và khái niệm phức tạp hơn trên ghế nhà trường. Với sự phát triển của công nghệ các em không còn chỉ vẽ bằng các vật liệu quen thuộc như bút sáp, chì màu mà các em còn được tiếp cận với việc vẽ trên máy tính và bảng vẽ; những thiết bị mà bé sẽ phải thường xuyên sử dụng trong tương lai.  Theo Mini Lab Studios – Vũ Phạm dịch và giới thiệu Đến với các lớp học vẽ thiếu nhi truyện tranh/manga/comics tại Comic Media Academy các bậc cha mẹ sẽ yên tâm và hài lòng với đội ngũ giảng viên tận tâm luôn khuyến khích các em sáng tạo. Các em cũng được tiếp cận với các giáo trình và phương pháp học vẽ phù hợp nhất cho sự phát triển tư duy. Các phụ huynh có quan tâm đến việc cho bé học vẽ trên máy có thể tìm hiểu tại đây: KHOÁ HỌC VẼ THIÊU NHI TẠI CMA Khoá Vẽ truyện tranh Thiếu nhi tiếp theo sẽ khai giảng Ngày 19/10/2019 Thời gian học: 09h00 đến 11h00 vào thứ 7 và Chủ nhật hàng tuần ____________________________________________________ Viện Truyện Tranh & Hoạt Hình Việt Nam | mobile:  0902738806 | email:  daotao@cmavn.org | website: www.cmavn.org | address 1: 164 Nguyễn Đình Chính, Phú Nhuận, HCM City | address 2: 147 Pasteur, Quận 3, HCM City

Từ năm 2017, Shibuya Productions và SHUEISHA Inc. hợp tác với Shibuya International tài trợ cuộc thi sáng tác truyện tranh MAGIC (Monaco Anime Game International Conferences). -Shibuya Productions là công ty sản xuất phim hoạt hình và video game tại Monaco. -SHUEISHA Inc. là nhà xuất bản truyện tranh Nhật Bản nổi tiếng thế giới. -Shibuya International là công ty tư vấn quan hệ Châu Âu-Nhật Bản. Mục đích chính của cuộc thi là tìm kiếm tài năng mới và giới thiệu họ đến với công chúng Nhật Bản. Mục đích phụ là cho SHUEISHA Inc. cơ hội tuyển dụng nhân tài. Ban giám khảo đánh giá các tác phẩm dự thi dựa trên tính phổ biến, độc đáo và sáng tạo. Đối tượng tham gia Đây là cuộc thi toàn cầu và hoàn toàn miễn phí, dành cho mọi đối tượng từ 18 tuổi trở lên. Cách thức đăng ký dự thi Bạn download “Điều kiện và thể lệ cuộc thi” tại đây. Form đăng ký phải viết đầy đủ, dễ đọc. Form không đầy đủ hoặc khó đọc sẽ bị từ chối. Form phải ghi rõ tên thí sinh. Tên này sẽ được sử dụng khi liên lạc, đăng quảng cáo, và công bố giải thưởng. Form đăng ký phải được gởi bằng email tới địa chỉ mangacontest@magic-ip.com, kèm theo file ảnh scan “Điều kiện và thể lệ cuộc thi” đã ký (và ghi tên ở góc phải dưới mỗi trang) và đường link đến sever nơi chúng tôi có thể download đầy đủ tác phẩm dự thi của bạn. Bạn có thể ký tên từng trang và ghi ngày tháng. Nếu tác phẩm được sáng tác bởi hai người, thí sinh đăng ký dự thi sẽ được xem là tác giả. Tuy nhiên, nếu tác phẩm này đoạt giải thưởng, đồng tác giả sẽ được đề tên trên tất cả ấn phẩm phát hành trong thời gian diễn ra cuộc thi. Lịch trình cuộc thi -Thời gian tiếp nhận tác phẩm đăng ký dự thi: Từ ngày 12/6/2019 đến ngày 15/10/2019. -Hạn chót nhận tác phẩm: 31/10/2019. Tất cả tác phẩm nộp sau 12 giờ sáng (CET) ngày 31/10/2019 sẽ bị từ chối. -Thời gian ban giám khảo tuyển chọn 10 tác phẩm vào vòng trong: Từ ngày 1/11/2019 đến ngày 15/11/2019. -Công bố 10 tác phẩm lọt vào vòng trong: 19/11/2019. -Thời gian dịch 10 tác phẩm lọt vào vòng trong sang tiếng Nhật: Từ ngày 19/11/2019 đến ngày 15/12/2019. – SHUEISHA Inc. tiếp nhận tác phẩm dự thi: 16/12/2019. -Công bố 5 tác phẩm lọt vào vòng chung kết: Thứ Năm, ngày 16/1/2020. -Ban giám khảo công bố người đoạt giải nhất và giải nhì của cuộc thi: 7/3/2020. Shibuya Productions được quyền sửa đổi lịch trình cuộc thi vì những lý do ngoài ý muốn.  Mọi thay đổi sẽ được công bố trên website MAGIC – thí sinh nên truy cập thường xuyên để cập nhật thông tin – và trước 15 ngày qua email. Tiêu chí đánh giá Cuộc thi tập trung vào những tiêu chí sau: -Tính phổ biến của tác phẩm, nghĩa là độc giả nước nào cũng cảm nhận được câu chuyện ẩn chứa trong tác phẩm. -Tính nghệ thuật -Kịch bản -Chất lượng hình ảnh -Kỹ năng -Tiềm năng được độc giả thế giới đón nhận Yêu cầu đối với tác phẩm dự thi Độ dài: 31 – 45 trang Phong cách: Manga Ngôn ngữ: Pháp, Anh, hoặc Nhật (thí sinh tự chọn) Tác phẩm dự thi phải là bản gốc, chưa từng được khai thác, sử dụng vào mục đích thương mại (bán trên mạng hoặc trong các hội chợ) Thông tin kỹ thuật Ở vòng sơ tuyển, thí sinh phải nộp tác phẩm dài 31 – 45 trang với độ nét thấp (low definition) Định dạng file: PDF Chiều rộng: 764, 822, hoặc 844 px Chiều cao: 1200 px Khổ giấy: A5 và A4 Sau khi công bố kết quả, thí sinh vào chung kết phải nộp tác phẩm không chữ theo định dạng sau: TIFF hoặc PSD, trên 600 dpi cho sắc độ xám, không chữ. -Chiều rộng: 764, 822, hoặc 844 px -Chiều cao: 1200 px Ban giám khảo Ban giám khảo vòng sơ tuyển: -Bà Sahé CIBOT (giám đốc điều hành Shibuya International) -Ông Hervé TROUILLET (giám đốc nghệ thuật của Shibuya Productions) -Ông Cédric BISCAY (chủ tịch Shibuya Productions, nhà tài trợ cuộc thi MAGIC) Ban giám khảo có thể bổ sung thêm thành viên mới, sẽ được công bố chính thức trên website MAGIC. Ban giám khảo vòng chung kết: -Tổng biên tập hoặc trợ lý tổng biên tập của Shônen Jump -Tổng biên tập hoặc trợ lý tổng biên tập của Shônen Jump+ -Họa sĩ manga của Shueisha -Bà Sahé CIBOT (giám đốc điều hành Shibuya International) -Ông Hervé TROUILLET (giám đốc nghệ thuật của Shibuya Productions) Danh sách ban giám khảo vòng chung kết sẽ được công bố chính thức trên website MAGIC. Giải thưởng Ban giám khảo vòng chung kết lựa chọn người đoạt giải nhất và giải nhì: -Người đoạt giải nhì sẽ nhận tặng phẩm của Shueisha, bút tích của thành viên ban giám khảo (họa sĩ manga), và tác phẩm đoạt giải của mình sẽ được đăng trên website Shônen Jump+. -Người đoạt giải nhất sẽ nhận cúp, bút tích của thành viên ban giám khảo (mangaka), và tác phẩm đoạt giải của mình sẽ được đăng trên website Shônen Jump+. Ngoài ra, Shibuya Productions sẽ tặng cho người chiến thắng chuyến du lịch Nhật Bản 3 tuần (bao gồm vé khứ hồi hạng phổ thông, chi phí di chuyển từ sân bay đến nơi ở, chi phí ăn ở tại Tokyo cho 1 người). Người chiến thắng sẽ gặp gỡ tantô (nhà phát hành) của Shônen Jump trong chuyến đi này. Shibuya Productions sẽ thỏa thuận với người chiến thắng về ngày giờ của chuyến đi. Người chiến thắng sẽ chịu chi phí ăn

người Hàn Quốc ohát cuồng với webtoon tác giả Junkoo Kim

Bắt nguồn từ Hàn Quốc, Webtoon – truyện tranh đọc trên các thiết bị di động đã và đang lan ra toàn thế giới. Cùng với sự thuận lợi trong việc xuất bản và tiếp cận đọc giả, webtoon là xu thế sáng tác mới trong thời đại công nghệ 4.0. 1. Webtoon tạo nhiều cơ hội cho hoạ sĩ. So với việc sản xuất truyện tranh in giấy truyền thống, webtoon cho thấy ưu thế hơn về mặt chi phí. Không cần phải tốn chi phí in ấn, phân phối, hoạ sĩ truyện tranh dễ dàng hơn trong việc đưa sản phẩm của mình tiếp cận với mọi đối tượng đọc giả, không chỉ trong nước mà còn trên toàn thế giới bằng việc xuất bản online trên các nền tảng Webtoon khác nhau với nhiều ngôn ngữ. Bên cạnh đó, với việc xuất bản online, hoạ sĩ Webtoon có nhiều cơ hội để vẽ nên tác phẩm mang dấu ấn của mình khi không còn quá khắc khe về khâu kiểm duyệt như truyện tranh in giấy truyền thống. Chính vì thế, thật không quá lời khi nói sự ra đời của Webtoon đã mở ra một chân trời mới cho các hoạ sĩ yêu thích sáng tác tuyện tranh. Đặc biệt, ngôn ngữ khung của webtoon khá gần với điện ảnh, vì vậy, việc chuyển thể một tác phẩm truyện tranh Webtoon sang điện ảnh không tốn quá nhiều công sức, điển hình là trên thế giới đã có rất nhiều bộ Webtoon được chuyển thể sang phim ảnh như Thư Kí Kim, Cheese in the Trap,… Hãy tưởng tượng xem, nếu một ngày tác phẩm Webtoon của bạn được chuyển thể thành phim thì còn gì tuyệt hơn nữa? 2. Nhu cầu nhân lực hoạ sĩ Webtoon ở Việt Nam Cùng với sự phát triển lớn mạnh của ngành công nghiệp Webtoon, hiện nay, các công ty sản xuất truyện tranh Webtoon lớn ở Hàn Quốc đang bắt đầu mở rộng quy mô, và Việt Nam là một trong những điểm đến được chọn lựa. Để sáng tác Webtoon, ngoài kĩ năng vẽ thuần thục như các ngành mỹ thuật ứng dụng khác, bạn cần trang bị cho mình một số kiến thức chuyên môn về Webtoon như kĩ thuật phân khung theo bố cục dọc, kỹ thuật vẽ màu tạo được cảm xúc cho truyện, và đặc biệt là kỹ năng tạo trang phù hợp để có thể up lên các nền tảng Webtoon hiện hữu. 3. Lớp Webtoon ở CMA Được xây dựng sau nhiều năm nghiên cứu, lớp Webtoon ở CMA chủ trương đào tạo thiên về thực hành. Học viên ở CMA ngoài việc được học những kĩ năng về đường nét, bố cục, màu sắc, còn được cung cấp một nền tảng Webtoon để xuất bản online ngay sau khi hoàn thành khoá học. Ngoài ra, với việc liên kết với nhiều đối tác sản xuất Webtoon đến từ Hàn Quốc, các học viên tiềm năng ở CMA có cơ hội được giới thiệu với các công ty sản xuất Webtoon lớn, được tham gia dự án, được trải nghiệm và có thu nhập ngay từ khi còn ngồi trên ghế nhà trường. CMA hiện đang truyển sinh Khóa Truyện Tranh Webtoon. Khai giảng: 11/11/2019 Lịch học: Thứ 3 – 5 -7 từ 18h30 đến 21h00 Chi tiết khoá học: http://cmavn.org/khoa-hoc-truyen-tranh-webtoon

Truyện tranh có thu hút độc giả hay không là phụ thuộc vào cách bạn trình bày bố cục trang truyện. Tác phẩm sẽ đứng trước nguy cơ bị độc giả quay lưng nếu bạn không trình bày hợp lý bố cục trang truyện. Bài viết sau đây sẽ giúp bạn trình bày bố cục trang truyện sao cho lôgic và lôi cuốn độc giả nhất, khiến họ muốn đọc mãi không thôi. Bố cục dạng lưới Vào thời kỳ hoàng kim của truyện tranh, trang truyện được phân khung theo bố cục dạng lưới (grid), có khoảng trắng chen giữa các khung, phù hợp với hướng đọc từ trái sang phải. Dưới đây là ví dụ minh họa một trang truyện tranh của Jack Kerby, được trình bày theo bố cục 9 khung, miêu tả cảnh chiến đấu của Captain America. Mũi tên màu đỏ biểu thị hướng đọc của độc giả. Những họa sĩ yêu thích sự đột phá trong thời kỳ này bắt đầu cho ra đời nhiều bố cục khác với dạng lưới truyền thống do chịu ảnh hưởng của truyện tranh Châu Âu và Nhật Bản. Những bố cục mang tính đột phá tuy ấn tượng, đẹp mắt, nhưng có thể dẫn đến thảm họa nếu không được trình bày hợp lý. Bố cục dạng lưới được xem là bố cục cơ bản, hợp lý nhất để duy trì mạch truyện, điều tiết nhịp độ câu chuyện, tạo hiệu ứng hình ảnh mãn nhãn. Truyện tranh thường được trình bày theo bố cục 6 khung và 9 khung. Bố cục 9 khung được áp dụng nhiều nhất khi câu chuyện chứa đựng nhiều thông tin cần truyền tải đến độc giả. Ví dụ, series truyện tranh The Watchmen sử dụng bố cục 9 khung để truyền tải nội dung câu chuyện. Ở ví dụ dưới đây, bạn thấy hai cảnh diễn ra cùng một lúc trong 9 khung truyện để tạo hiệu ứng hình ảnh mãn nhãn. Còn đây là ví dụ về bố cục 6 khung trong truyện tranh kinh điển. Nó bảo đảm đủ chỗ cho cảnh hành động (action) và lời thoại. Đây là bố cục truyền thống trong truyện tranh Bắc Mỹ, vẫn thông dụng đến tận ngày nay. Trang truyện tranh dưới đây được trình bày khác với truyền thống đi từ trái sang phải, mang đậm phong cách truyện tranh Nhật Bản (manga). Bố cục khung chéo góp phần làm cho cảnh hành động trở nên sống động, lôi cuốn hơn trong mắt người đọc. Bố cục khung dài khiến độc giả có cảm giác như đang xem phim dưới dạng truyện tranh trên màn ảnh rộng. Độ dài của khung truyện giúp tạo ảo giác về thời gian. Truyện tranh trên báo/mạng thường được trình bày theo bố cục comic strip truyền thống – bố cục 3 khung. Bố cục comic strip cũng có biến thể 4 – 5 khung. Trình bày xong bố cục trang truyện, bạn bắt tay vào vẽ nhân vật, background, khung thoại sao cho hợp lý, bắt mắt nhất. Tiêu điểm Sau bước phân khung, giờ là lúc bạn xác định vị trí đặt tiêu điểm (focal point) trong từng khung truyện. Thông thường, bạn cần đặt tiêu điểm tại vị trí hợp lý nhằm tránh gây nhầm lẫn khung này với khung kia. Ví dụ, với khung ngang, bạn nên đặt tiêu điểm tại một trong ba vị trí sau: điểm giữa khung, bên trái điểm giữa, hoặc bên phải điểm giữa. Còn với khung dọc, bạn nên đặt tiêu điểm tại điểm giữa khung, phía trên hoặc phía dưới điểm giữa. Khung hình vuông thường khó đặt tiêu điểm nhất. Ngày nay, bạn có chọn lựa đặt tiêu điểm tại điểm giữa, cũng như bên phải, bên trái, phía trên, và phía dưới nó. Vì vậy, hãy lựa chọn một cách khôn ngoan. Nếu đặt tiêu điểm trong khung hình vuông, bạn cần bảo đảm nó dẫn dắt độc giả qua khung truyện tiếp theo. Ví dụ dưới đây được lấy từ truyện tranh Super Monkey, minh họa vị trí đặt tiêu điểm trong từng khung truyện. Tiêu điểm được sử dụng trong truyện tranh để giúp duy trì hướng đọc từ trái sang phải và mạch truyện. Những việc không nên làm khi đặt tiêu điểm trong khung truyện -Không đặt tiêu điểm chen chúc nhau trong khung truyện. -Không đặt tiêu điểm ngoài lề khung hoặc trong khung không dính dáng tới mạch truyện. Tiêu điểm trong khung phải có tác dụng dẫn dắt độc giả qua khung truyện tiếp theo; nếu không, nó có thể dẫn đến rắc rối lớn. Bố cục bất hợp lý sẽ làm đảo lộn hướng đọc tự nhiên từ trái sang phải và gây nhầm lẫn cho độc giả. Một khi bị mất phương hướng, độc giả sẽ không còn hứng thú với câu chuyện, bất kể câu chuyện hay đến đâu đi nữa. Hơn nữa, bố cục bất hợp lý còn khiến mọi công sức sáng tác câu chuyện tan thành mây khói. Nếu không muốn rơi vào thảm cảnh trên, bạn hãy tạo riêng từng khung truyện, rồi cho chúng tương tác với nhau để tạo thành trang truyện. Hướng nhìn Hướng nhìn (line of sight) là kỹ thuật đánh vào tiềm thức độc giả để buộc họ nhìn theo hướng nhất định. Ví dụ: Ánh mắt, vị trí, và chuyển động của nhân vật, hình ảnh background, và vị trí khung thoại được sử dụng để “điều khiển” hướng nhìn của độc giả trên trang truyện. Độc giả đảo mắt xem khắp lượt, nhưng vẫn trong phạm vi trang truyện. Bố cục khung dài buộc độc giả đi từ trái sang phải theo chiều ngang, còn những hình vẽ thu hút độc giả cho đến khung truyện cuối cùng – hình Batman nhìn chằm chằm vào độc giả. Bạn sẽ không gặp khó khăn gì trong việc thu hút độc

Hoa Mộc Lan chẳng những là nữ danh tướng có công chống giặc ngoại xâm, bảo vệ non sông bờ cõi trong truyền thuyết dân gian Trung Quốc, mà còn là nhân vật công chúa mặc chiến bào trong phim hoạt hình kinh điển Mulan do Disney sản xuất năm 1998. Nay, nối tiếp thành công của một loạt phim live-action được làm lại (remake) từ phim hoạt hình kinh điển The Jungle Book, Maleficent, Cinderella, Beauty and the Beast, Dumbo, và The Lion King, Disney quyết định biến nàng chiến binh xinh đẹp, quả cảm trong phiên bản hoạt hình thành phiên bản người đóng (live-action). Dưới đây là thông tin cập nhật gần đây nhất về ngày phát hành chính thức và chi tiết dàn diễn viên phim Mulan phiên bản live-action sau những tranh cãi liên quan đến việc thay đổi ngày phát hành và diễn viên đóng vai chính. Ngày phát hành chính thức là ngày nào? Walt Disney Studio xác nhận bản remake live-action sẽ ra rạp ngày 2/11/2018, tức 20 năm sau ngày ra mắt công chúng lần đầu tiên, thế nhưng… Tại hội chợ triển lãm D23 Expro, Disney công bố chi tiết một số bộ phim, nhưng có một thông tin đáng chú ý là sự thay đổi ngày phát hành phim Mulan. Phim dự kiến sẽ công chiếu trong năm 2019, nhưng giờ dời lại sang ngày 27/3 năm sau. Trailer phim Mulan Trailer phim live-action Mulan của Disney. Kevin Hart lồng tiếng cho Mushu? Nghe đồn Kevin Hart vẫn được Disney chọn lồng tiếng cho nhân vật chú rồng nhỏ vui tính Mushu bất chấp vụ lùm xùm gần đây khiến anh phải rút lui khỏi vị trí MC lễ trao giải Oscar 2019. Tuy nhiên, có tin đồn rằng chú rồng nhỏ Mushu sẽ được thay thế bằng chim phượng hoàng, nhưng tính xác thực của tin đồn này vẫn chưa được kiểm chứng, bởi trong trailer, chúng ta không thấy sự xuất hiện của chú rồng nhỏ hoặc chim phượng hoàng. Hình ảnh đầu tiên về Hoa Mộc Lan Đây là hình ảnh đầu tiên về tạo hình mới của Hoa Mộc Lan trong phiên bản live-action. Phim sẽ có âm nhạc chứ? Trong cuộc phỏng vấn với Moviefone, nữ đạo diễn Niki Caro kể về quá trình làm phim Mulan. Bà nói, “Theo như tôi được biết, hiện tại chưa có bài hát nào cả, và bọn trẻ nhà tôi rất sợ điều đó.” Tên ca sĩ hát ca khúc chủ đề phim vẫn chưa được tiết lộ. Trong phim hoạt hình gốc (1998), ca khúc Reflection được trình bày bởi ca sĩ kiêm diễn viên Lea Salonga. Bà chia sẻ với tờ The LA Times rằng, “Tôi không biết nguyên nhân do đâu. Chúng tôi không hề đả động đến những bài hát, không đưa ra bất kỳ quyết định nào.” Bà nói thêm, “Tôi thậm chí còn không bắt tay vào thực hiện phần âm nhạc.” Đó là chuyện trước đây. Hiện tại, nguồn tin mới cho hay phim sẽ có âm nhạc… Ai sẽ đóng vai Li Shang? Tháng 3/2017 có nguồn tin tiết lộ rằng phiên bản live-action sẽ không có tướng quân Li Shang (Lý Tường), và thế chỗ nhân vật này là Chen Honghui (Trần Hồng Huy). Thông tin này được Disney chính thức xác nhận. Ai sẽ vào vai Chen Honghui? Diễn viên Yoson An sẽ đóng vai người yêu của Hoa Mộc Lan trong phiên bản live-action sắp tới. Một số fan đã bày tỏ nỗi thất vọng khi thấy diễn viên người New Zealand gốc Hoa Yoson An được chọn đóng vai nam chính, trong khi số khác phẫn nộ việc anh “chiếm chỗ” thần tượng Li Shang của họ. Vai nữ chính được giao cho ai? Nữ diễn viên Trung Quốc Lưu Diệc Phi được chọn đóng vai Hoa Mộc Lan – vai diễn không chỉ đòi hỏi diễn viên phải giỏi võ thuật, mà còn có khả năng nói tiếng Anh lưu loát. Lưu Diệc Phi sở dĩ được chọn là vì trước đây cô từng sinh sống tại Mỹ, tham gia một số phim hành động võ thuật The Forbidden Kingdom, Outcast, và The Chinese Widow. Theo Hollywood Reporter, ngôi sao võ thuật Lý Liên Kiệt sẽ đảm nhận vai Hoàng đế Trung Hoa. Củng Lợi được xác nhận sẽ đóng vai phù thủy hùng mạnh trong phiên bản live-action. Nhân vật phản diện này được lấy cảm hứng từ thủ lĩnh Hung Nô Shan Yu (Thiền Vu) trong phiên bản gốc. Sao gốc Việt Xana Tang sẽ vào vai chị gái của Hoa Mộc Lan – nhân vật mới thêm vào câu chuyện. Ngôi sao phim hành động Chân Tử Đan sẽ xuất hiện trong Mulan với vai trò là quan chỉ huy Tung, tức sư phụ của Hoa Mộc Lan. Ngoài ra, theo Deadline, bộ phim còn có sự góp mặt của Utkarsh Amudbkar (Pitch Perfect) trong vai gian tế Sketh, và Ron Yuan (Marco Polo) trong vai phó tướng trung thành Qiang (Cường). Chum Ehelepola sẽ thủ vai Ramtish, cùng với Skatch (Utkarsh Amudbkar) tạo thành bộ đôi gian tế trong phim. Vai chính sẽ do diễn viên Trung Quốc đảm nhiệm? Vào tháng 10/2016, trang web Angry Asian Man đăng tải bức thư của một người giấu tên, khẳng định đã đọc qua kịch bản và nói rằng người yêu của Hoa Mộc Lan là một thương nhân da trắng trạc 30 tuổi. Chuyện phim dựa trên truyền thuyết dân gian Trung Quốc; do đó, tạo hình nhân vật cũng sẽ trung thành với nguyên tác. Tin đồn về sự thay đổi này làm dậy sóng dư luận, buộc Disney phải lên tiếng xác nhận không “tẩy trắng” nhân vật, tất cả vai chính đều do diễn viên Trung Quốc đảm nhiệm. Lời xác nhận trên cũng đồng thời dập tắt tin đồn Jennifer Lawrence đóng vai chính, còn Zac Efron

Name (ネーム nēmu) là thuật ngữ được sử dụng để chỉ công đoạn phân khung và viết lời thoại trong sáng tác manga. Đây là bản name cho tác phẩm ANGEL HEART (Trái Tim Thiên Thần) của họa sĩ Tsukasa Hojo. Tác phẩm vẫn trong giai đoạn sáng tác, nên nét vẽ còn rất đơn sơ, song vẫn cho phép biên tập viên hình dung điệu bộ, cử chỉ, và nét mặt của nhân vật trong cảnh truyện. Còn đây là tác phẩm hoàn chỉnh. So sánh nó với bản name để thấy bản name được chuyển thành tác phẩm hoàn chỉnh như thế nào. Hầu hết họa sĩ manga chuyên nghiệp đều nhờ biên tập viên nhận xét, đánh giá bản name trước khi chuyển nó thành tác phẩm hoàn chỉnh. Biên tập viên chịu trách nhiệm đọc bản name, hình dung tác phẩm hoàn chỉnh sẽ có diện mạo như thế nào. Mọi sai sót phải được phát hiện và khắc phục kịp thời trong giai đoạn này. Sau khi bản name được thông qua, họa sĩ sẽ chuyển nó thành bản thảo, rồi đi đến tác phẩm hoàn chỉnh. Công đoạn name thường được xem là mang tính quyết định trong sáng tác manga, bởi manga có lôi cuốn, hấp dẫn hay không là tùy thuộc vào nội dung bản name. Mỗi họa sĩ tuy có phong cách sáng tác khác nhau, nhưng đa phần vẫn tuân thủ theo quy trình cơ bản dưới đây: Ý tưởng ->Họp ->Cốt truyện/Kịch bản/Lời thoại ->NAME ->Tác phẩm hoàn chỉnh Công đoạn name là bước cuối cùng của giai đoạn tiền sản xuất – bước quyết định diện mạo của manga. Giai đoạn tiền sản xuất (pre-production) mở đầu bằng bước nghiên cứu, thu thập ý tưởng; kế đến là sáng tác câu chuyện giàu sức thuyết phục, phản ánh hành động và lời nói của nhân vật, cảnh truyện, cảnh cao trào,… Công đoạn name giúp gắn kết mọi thứ với nhau, tạo nền tảng vững chắc cho manga. Nói cách khác, ở giai đoạn này, họa sĩ phải hoàn tất mọi thứ, ngoại trừ hình vẽ. Họa sĩ Tsukasa Hojo có phong cách sáng tác độc đáo. Ông hình dung câu chuyện ngay trong lúc họp. Họp xong, ông ngồi viết kịch bản trên máy tính. Ông chỉ bắt tay vào thực hiện công đoạn name một khi đã hài lòng với lời thoại. Giờ bạn hiểu tại sao ông sáng tác quá tuyệt đỉnh rồi chứ?! Mỗi tác phẩm của ông đều khiến độc giả dâng trào cảm xúc. Bí quyết thành công nằm ở bước chuẩn bị kỹ lưỡng! *Nguồn: manga-audition *Biên dịch: V.Toàn – Comic Media Academy

Trong cuốn sách mang tên Aoyama Gosho 30-Shūnen Hon (Kỷ niệm 30 năm sự nghiệp của Aoyama Gosho), được Shogakukan xuất bản ngày 18/10/2017, họa sĩ Gosho Aoyama tiết lộ chi tiết về quy trình sản xuất bộ truyện tranh trinh thám ăn khách Detective Conan (Thám tử lừng danh Conan). Sau khi đọc cuốn sách này, fan hâm mộ không khỏi “choáng váng” với lịch làm việc dày đặc của ông. Aoyama chia sẻ rằng trong thời gian sáng tác series truyện tranh trên, ông đã phải làm việc cật lực 5 ngày/tuần, 20 tiếng/ngày. Mỗi ngày, ông chỉ dành 45 phút cho ba bữa ăn chính, và ngủ trưa tại văn phòng từ 11 giờ sáng đến 2 giờ chiều. Ngoài ra, ông cũng cho phép mình chợp mắt từ 2 giờ đến 2 giờ 30 sáng. Tuy nhiên, những lúc cấp bách, ông làm việc liên tục không ngủ. Nhìn vào lịch làm việc, chúng ta có cảm tưởng như Aoyama vẫn còn dư 2 ngày để nghỉ xả hơi. Tuy nhiên, thực tế không hẳn như vậy. Theo tiết lộ trong sách, mỗi tuần ông dành ra khoảng 3 ngày để vẽ storyboard. Vào ngày nghỉ, ông vẽ storyboard trong 8 tiếng, ngủ nướng đến tận 12 tiếng, chỉ ăn 2 bữa mỗi ngày, và dành 4 tiếng cho chuyện riêng tư. Trong 4 tiếng đó, ông chơi game Kan Colle để giải trí. Aoyama không làm việc một mình. Ông có 6 trợ lý với mỗi người đảm nhận một nhiệm vụ khác nhau. Lịch làm việc của họ tuy cũng căng như dây đàn, song không bằng Aoyama. Họ có thể tranh thủ nghỉ ngơi trong lúc ông đang ngủ, hoặc dọn bữa ăn nhẹ cho ông lúc 1 giờ 45 phút sáng. Aoyama thường tổ chức hàng loạt cuộc họp trước khi bắt tay vào vẽ storyboard mới. Mỗi tháng, ông dành ra 3 tuần để vẽ storyboard, tuần còn lại để chuẩn bị cho series tiếp theo. Trong sách, bên cạnh việc tiết lộ chi tiết lịch làm việc, Aoyama còn trải lòng về chặng đường sự nghiệp từ năm 1986 đến nay. Quy trình sản xuất bộ truyện được hé lộ trong bài phỏng vấn biên tập viên của Aoyama. Cũng qua tập sách này, fan hâm mộ biết được hậu trường làm việc và những sở thích của ông. 20 họa sĩ đồng nghiệp đã đóng góp thông điệp chúc mừng và hình minh họa cho tập sách. Không riêng gì Aoyama, nhiều họa sĩ manga nổi tiếng cũng có lịch làm việc căng như thế. Eiichiro Oda – tác giả series truyện tranh nổi tiếng One Piece – từng tâm sự rằng ông làm việc không có ngày nghỉ, chỉ ngủ từ 2 đến 5 giờ sáng, sẵn sàng sống chết vì One Piece. *Nguồn: soranews24 *Biên dịch: V.Toàn – Comic Media Academy

Sự ra đời và phát triển lớn mạnh của các hãng phim hoạt hình Made in Vietnam nhưng Vintata, Deedee Studio,… những năm gần đây cho thấy xu hướng phát triển của ngành hoạt hình đang có dấu hiệu rất tích cực. Đi cùng xu hướng đó, nhu cầu nhân lực của ngành hoạt hình cũng đang trở nên hot hơn bao giờ hết. Mức lương hiện nay của một ứng cửa viên đáp ứng nhu cầu tuyển dụng giao động từ 500$ – 1000$. Còn chần chừ gì nữa mà không nhanh tay update level của bản thân để tìm được công việc ưng ý nào! Bạn đã có năng khiếu vẽ Để trở thành một hoạ sĩ hoạt hình, việc sở hữu một chút năng khiếu sẽ là thuận lợi vô cùng lớn cho bạn. Bạn sẽ học nhanh hơn, tiếp thu dễ dàng hơn, và đặc biệt là rút ngắn được thời gian để hoàn thiện những kĩ năng cho bản thân. Tuy nhiên, năng khiếu chỉ bổ trợ một phần, quan trọng nhất vẫn là đầu tư thật nhiều thời gian cho đam mê của mình nhé bạn! Bạn đã tốt nghiệp chuyên ngành đồ hoạ, mỹ thuật hay thiết kế nhưng vẫn chưa tìm được công việc ưng ý? Có thể bạn sở hữu một bảng điểm tốt, kĩ năng tốt nhưng đó không phải là thứ mà doanh nghiệp cần. Từ học tập đến thực hành là một quãng đường khá dài, vì vậy bạn hãy dành thời gian nghiên cứu về doanh nghiệp và bổ trợ kĩ năng mà các nhà quyển dụng cần ngay từ khi còn trên ghế nhà trường. Tại CMA, khoá Chuyên viên Hoạt Hình 01 năm được xây dựng theo nhu cầu tuyển dụng của các công ty đối tác, trong quá trình học tập, học viên cũng được tạo nhiều cơ hội để thực hành với các đối tác là các công ty truyền thông, hoạt hình lớn. Vì vậy, có nhiều cơ hội hơn để kiếm được việc làm ưng ý sau khi tốt nghiệp, hoặc thậm chí là ngay khi còn ngồi trên ghế nhà trường. Bạn cần học được một nghề vững vàng trong khoảng thời gian 1 năm để ứng tuyển các công ty đang tuyển dụng ngành nghề liên quan! Một cách khác để trau dồi thêm kĩ năng chính là vừa học vừa làm. Hiện nay, các xưởng phim hoạt hình gia công ở Việt Nam có các chương trình dành cho thực tập sinh, mà ở đó, các bạn sẽ được đào tạo và thực hành tại chỗ. Dĩ nhiên, đây sẽ là một khoảng thời gian khá áp lực, nhưng chỉ cần vượt qua 1, 2 năm đầu, khi bạn có đầy đủ kĩ năng, thì còn sợ gì không kiếm được một công việc ưng ý? Bạn có ước mơ bước vào ngành công nghiệp sáng tạo . Ghibli sản xuất Princess Kaguya trong hơn 7 năm, Pixar chờ đợi hơn 10 năm để cho ra bộ phim Gia đình siêu nhân Phần 2. Điều đó cho thấy, hoạ sĩ hoạt hình là một ngành đòi hỏi sự kiên nhẫn và niềm đam mê mãnh liệt. Nếu hoạ sĩ hoạt hình là ước mơ của bạn, nếu bạn chưa bao giờ ngừng khao khát được làm việc trong các xưởng phim hoạt hình. Hãy kiên trì và bắt đầu từ việc học tập thật nghiêm túc. Bạn muốn mình vững vàng một chuyên môn để bước vào một công ty sản xuất phim Hoạt Hình. Bạn từng nghe về phần mềm hoạt hình Toon Boom nhưng ở Việt Nam chưa có nơi nào đào tạo? Đến với CMA, bạn sẽ được học và trải nghiệm làm hoạt hình trên một trong những phần mềm làm hoạt hình số một thế giới này. Việc thuần thục kĩ thuật sử dụng Toon Boom sẽ là một lợi thế lớn giúp các bạn dễ dàng tìm được một công việc ưng ý. CMA có trang việc làm, học viên được chủ động tạo hồ sơ ứng tuyển Song song với việc đào tạo, CMA luôn chủ trương tạo nhiều cơ hội việc làm cho các học viên. Chính vì lý do đó, chuyên trang Việc Làm CMA được ra đời. Khi tạo một hồ sơ trên chuyên trang, thông tin của bạn sẽ được chuyển thẳng đến các đối tác của CMA. Nếu hồ sơ của các bạn tạo được ấn tượng với nhà tuyển dụng, nghĩa là bạn đang nắm trong tay một cơ hội lớn về việc làm ngay từ khi còn ngồi trên ghế nhà trường rồi! Hãy nhanh update bản thân để có một profile siêu ngầu, siêu ấn tượng bạn nhé! _______ Tuyển sinh khoá Chuyên viên Hoạt Hình 01 năm – 2019 Khai giảng: 05/10/2019 Link chi tiết: Khóa học Chuyên viên Hoạt Hình 01 năm Đăng ký tư vấn.

Chuyện kể hồi còn ngồi trên ghế nhà trường, Dav Pilkery, tác giả của series truyện tranh Captain Underpants và Ricky Ricotta, học kém môn vẽ, nhưng ông không vì thế mà ngại theo đuổi con đường nghệ thuật. Và hiện nay, như chúng ta biết đấy, ông đã trở thành họa sĩ truyện tranh được độc giả nhỏ tuổi yêu thích. Gần đây bạn có tham dự buổi hội thảo hoặc thuyết trình nào mà mình cảm thấy giống như chơi game online thay vì chú ý lắng nghe hay không? Theo bạn, điều gì đã giúp bạn duy trì sự tập trung suốt từ đầu đến cuối cuộc họp? Ghi chép bằng hình ảnh (visual note-taking) không phải là cái gì đó mới mẻ, nhưng nó đã tạo nên trào lưu, do chúng ta ngày càng có xu hướng chia sẻ thông tin bằng hình ảnh. Ghi chép bằng hình ảnh không đơn thuần là vẽ nguệch ngoạc, nó là phương cách đơn giản và hiệu quả để tổng hợp thông tin, ghi nhớ ý chính, truyền đạt thông điệp,… Nhà sư phạm Amy Mount chia sẻ rằng cô chuyên áp dụng kỹ thuật ghi chép bằng hình ảnh để viết bài bình luận trên mạng xã hội. Cô là minh chứng tiêu biểu cho sức sáng tạo vô hạn của con người, và chúng ta không nhất thiết phải là họa sĩ giỏi mới có thể cho ra đời tác phẩm giàu ý nghĩa. Theo các nghiên cứu, ghi chép là phương pháp cho phép chúng ta tổng hợp và ghi nhớ thông tin mới. Nghiên cứu năm 2009 cho thấy với ghi chép bằng hình ảnh, chúng ta có thể ghi nhớ lượng thông tin lớn hơn rất nhiều. Ban đầu, chúng ta có thể rụt rè, e ngại vì mặc cảm về khả năng vẽ yếu kém, nhưng nếu mạnh dạn vượt qua, chúng ta sẽ sớm tìm thấy niềm đam mê bất tận qua xây dựng kỹ năng ghi chép bằng hình ảnh. Học sinh cần được định hướng kỹ năng mới. Trước tiên, chúng ta cân nhắc thông tin muốn truyền đạt đến học sinh, cũng như thông tin học sinh cần biết. Mỗi ngày chúng ta đề cập một thể loại truyện khác nhau (dân gian, thần thoại, ngụ ngôn,…) Chúng ta không quan tâm học sinh có ghi nhớ hết mọi chi tiết hay không, nhưng chúng ta muốn các em hiểu các thể loại truyện có cách kể chuyện khác nhau như thế nào. Chúng ta thực hành kỹ năng đọc và phản ứng với các thể loại truyện. Chúng ta phát giấy khổ lớn cho từng học sinh, vì các em có thể vừa đọc truyện, vừa vẽ. Chúng ta đề cập khái niệm bản phác thảo (sketch), và cách phân biệt với bản vẽ (drawing). Do học sinh mới biết đến ghi chép bằng hình ảnh, nên còn bỡ ngỡ, chúng ta cần nhấn mạnh ý nghĩa của việc sàng lọc thông tin và nắm bắt ý chính. Chúng ta cần nói chậm rãi để bảo đảm học sinh nghe kịp, cũng như cho các em thời gian để vẽ. Chúng ta chỉ cách vẽ hình dễ gợi nhớ. Chúng ta đưa ví dụ minh họa trước khi bắt đầu. Chúng ta hướng dẫn sử dụng mũi tên, biểu đồ, và hình ảnh để giúp củng cố thông tin. Chúng ta khuyên học sinh không nên vẽ hình vô nghĩa, theo ngẫu hứng. Hàng ngày chúng ta thảo luận về nhân vật, bối cảnh, mâu thuẫn/giải quyết, và những nét đặc trưng khác trong mỗi thể loại truyện. Chúng ta trình bày cách nhận biết thông tin cần ghi lại, cách nắm bắt ý chính. Chúng ta yêu cầu học sinh đưa ra đề xuất về hình ảnh, về những gì cần viết trước khi chúng hoàn thành công việc. Mỗi ngày chúng ta chỉ đề cập một thể loại truyện cho học sinh dễ ghi nhớ thông tin. Đề cập nhiều hơn sẽ dễ khiến các em rối trí.   Sau vài buổi học, hầu hết học sinh vẽ đúng theo hướng dẫn của giáo viên – bước khởi đầu thuận lợi. Số khác vẽ theo phong cách riêng. Chúng ta hướng dẫn học sinh chọn màu, vẽ chì, vẽ người que, vẽ theo phong cách truyện tranh,… Chúng ta để học sinh tự ghi chép bằng hình ảnh, thảo luận về thể loại truyện đang đọc, trình bày những điểm nổi bật, cần đưa vào ghi chép, rồi lựa chọn loại hình ảnh muốn sử dụng trong ghi chép. Thông qua thực hành, chúng ta cung cấp cho học sinh những thông tin mà các em thường khó tiếp thu tốt nếu chỉ thụ động ngồi nghe. Trong quá trình thực hành, chúng ta trau dồi cho các em kỹ năng tư duy sáng tạo, và hành động. Bạn rèn luyện kỹ năng ghi chép bằng hình ảnh như thế nào? Bạn có bao giờ thử ghi chép bằng hình ảnh hay chưa? Hãy chia sẻ kinh nghiệm của bạn cho chúng tôi biết. *Nguồn: https://www.scholastic.com/teachers/blog-posts/meghan-everette/visual-note-taking-keep-focus-and-improve-retention/ *Biên dịch: V.Toàn – Comic Media Academy Khoá học Sketchnote tại CMA: http://cmavn.org/sketch-note/#

Phim hoạt hình đòi hỏi chi phí sản xuất khá cao, đơn cử như chi phí sản xuất phim Zootopia (2016) và Frozen (2013) ước tính không thấp hơn 150 triệu USD. Chi phí sản xuất luôn là nỗi trăn trở, bận tâm hàng đầu của nhà sản xuất phim hoạt hình. Vì vậy, chẳng có gì khó hiểu khi họ thẳng tay gạt bỏ nhiều ý tưởng hay để chỉ tập trung phát triển ý tưởng giàu triển vọng, dự án phim hứa hẹn mang lại doanh thu “khủng.” Tuy nhiên, đôi khi ngay cả dự án phim đầy hứa hẹn cũng có thể bị “đắp chiếu” dài hạn, không hẹn ngày tái xuất do nhiều nguyên nhân khác nhau (chẳng hạn như gặp khó khăn, thiếu kinh phí,…), mặc dù trước đó nó đã được công bố trên phương tiện truyền thông đại chúng và ấn định ngày bấm máy. Bài viết dưới đây tổng hợp 8 dự án phim Disney được nhiều khán giả mong đợi, nhưng đáng tiếc là chúng sẽ không hẹn ngày ra rạp. Tuy nhiên, chúng ta vẫn vững tin nếu chúng tái xuất, chúng ta sẽ là người đầu tiên xếp hàng đi xem.   1. Gigantic Phim hoạt hình ca nhạc được phóng tác từ truyện cổ tích Jack và cây đậu thần (Jack and the Beanstalk), kể về chàng trai trẻ Jack lạc bước vào thế giới của người khổng lồ trên những đám mây, kết bạn với cậu bé khổng lồ Imma, 11 tuổi, rồi hợp sức cùng nhau chống lại âm mưu thống trị thế giới của người Storm Giant. Bộ phim có sự tham gia của đạo diễn Nathan Greno (Tangled) và Meg LeFauve (Inside Out), cùng nhà soạn nhạc Kristen Anderson-Lopez và Robert Lopez (Frozen), dự kiến sẽ được công chiếu trong năm 2019, sau Frozen II. Tuy nhiên, năm 2017, Disney tuyên bố hủy bỏ dự án vì chậm tiến độ.   2. King of the Elves Bộ phim dựa trên truyện ngắn của nhà văn Phillip K. Dick, xoay quanh câu chuyện về một người đàn ông sinh sống tại vùng đồng bằng sông Mississippi, tìm thấy ý nghĩa của cuộc đời sau khi dấn thân vào chuyến hành trình đầy hiểm nguy, giúp bộ tộc yêu tinh chạy trốn khỏi gã khổng lồ độc ác, và được họ suy tôn lên làm vua. Ban đầu, việc sản xuất phim diễn ra suôn sẻ và dự kiến công chiếu vào năm 2012 – phim Frozen thậm chí bị dời lịch phát hành sang năm 2013. Tuy nhiên, sau đó, sản xuất đình trệ do nảy sinh vấn đề liên quan đến cốt truyện, và đạo diễn “nhảy” sang thực hiện dự án khác.   3. The Seven Dwarfs Vào những năm 2000, DisneyToon Studio lên kế hoạch thực hiện phần prequel (tiền truyện) cho phim hoạt hình kinh điển Snow White and the Seven Dwarfs (1937). Phim tiết lộ hoàn cảnh đưa bảy chú lùn đến với nhau và chung sống dưới một mái nhà, cùng âm mưu chiếm đoạt ngai vàng của mụ hoàng hậu độc ác. Sau này, trong quá trình sản xuất, phim chỉ xoáy sâu vào nhân vật chú lùn Dopey bị mất giọng sau khi chứng kiến mẹ mình qua đời. Câu chuyện nhuốm nhiều màu sắc u ám đến mức không còn phù hợp cho thiếu nhi, và phim bị ngừng quay vào năm 2006.   4. Newt Câu chuyện xoay quanh hai cá thể cuối cùng của loài sa giông chân xanh. Chúng vốn không ưa nhau, nhưng cứ bị các nhà khoa học ghép đôi để giúp duy trì nòi giống. Ban đầu, nhà làm phim dự định phát hành phim vào mùa hè năm 2011, nhưng sau gạch tên nó khỏi danh sách dự án phim sắp khởi quay mà không nói rõ lý do tại sao. Theo một số người suy đoán, nhà làm phim sở dĩ khai tử nó là vì muốn dồn sức vào dự án phim giàu triển vọng hơn, trong khi số khác cho rằng Newt có quá nhiều điểm tương đồng với phim Rio (2011).   5. Mort Phim hoạt hình được Disney chuyển thể từ tiểu thuyết cùng tên của nhà văn Terry Pratchett, có nội dung kể về một cậu bé được Thần Chết chọn làm người học việc. Tuy nhiên, trong lần đầu tiên được giao nhiệm vụ đi lấy mạng công chúa, cậu bé đã trúng tiếng sét ái tình và không làm tròn phận sự của mình, dẫn đến làm thay đổi lịch sử và chuỗi biến cố sau đó. Dự án bị hủy bỏ vì nhiều lý do. Đầu tiên, Disney không có ý định biến Thần Chết thành nhân vật chính. Thứ hai, dự án được chuyển nhượng cho Disney, nhưng Disney không có ý muốn bao thầu hết. Câu chuyện nghe khá hấp dẫn, và chúng ta hy vọng một ngày nào đó Tim Burton sẽ biến nó thành tác phẩm điện ảnh.   6. Wild Life Phim hoạt hình được sản xuất vào cuối những năm 1990, nhưng đến năm 2000 thì bị đình chỉ. Chủ hộp đêm tìm kiếm ngôi sao ca nhạc mới để giúp tăng danh tiếng cho hộp đêm của mình. Ella là một nàng voi biết hát, đến từ vườn thú địa phương, hứa hẹn trở thành ngôi sao của hộp đêm. Ella vốn tính tự ti, không tin tưởng vào bản thân cho đến một ngày cô bị điện giật bất tỉnh. Tỉnh dậy, cô tìm thấy sự tự tin và trở thành ca sĩ nhạc pop nổi tiếng. Vấn đề là bộ phim hóa ra không phải dành cho thiếu nhi. Phim tràn ngập cảnh “người lớn,” Roy Disney vừa mới nghe qua kịch bản đã vội hạ lệnh đình chỉ sản xuất ngay lập tức.   7. Dumbo II Dumbo II nối tiếp câu chuyện trong phần đầu bộ phim, kể về những chú thú

Toon Boom là một trong những phần mềm đồ hoạ tốt nhất trên thể giới. Năm 2019 Toon Boom vừa kỷ niệm sinh nhật lần thứ 25. Với bề dày lịch sử, Toom Boom có giao diện dễ sử dụng và các công cụ đa dạng, là lựa chọn hàng đầu của các studio sản xuất phim hoạt hình 2D và 3D lớn trên toàn thế giới.  1. CMA luôn hướng đến phần mềm tối ưu nhất Viện Truyện Tranh và phim Hoạt Hình (CMA) là viện tiên phong trong việc đào tạo hoạ sĩ vẽ hoạt hình ở Việt Nam. Bên cạnh đào tạo chuyên môn mỹ thuật, CMA còn đặc biệt quan tâm đến chuyên môn kỹ thuật của hoạ sĩ trong thời đại công nghệ 4.0. Hiểu biết và sử dụng thuần thục các phần mềm hiện đại sẽ giúp học viên ngành hoạt hình có nhiều cơ hội việc làm không chỉ trong nước mà còn trên thế giới. Chính vì vậy, trong những năm qua, CMA đã không ngừng đầu tư máy móc hiện đại có cấu hình tốt nhất và thử nghiệm nhiều phần mềm để phục vụ học viên. Nhận thấy Toon Boom Harmony là một phần mềm tối ưu, CMA quyết định sở hữu bản quyền nhằm nâng cao chất lượng đào tạo cho các khoá học Hoạt Hình dài hạn và ngắn hạn. 2. Toon Boom Harmony – phần mềm làm hoạt hình được sử dụng bởi các studio hoạt hình tốt nhất thế giới. Dragon Ball Z – series phim hoạt hình nổi tiếng với hình ảnh đẹp mắt được thực hiện hoàn toàn trên phần mềm Toon Boom Harmony. Toon Boom là một công cụ được rất nhiều hãng hoạt hình chuyên nghiệp trên thế giới sử dụng. Các xưởng phim lớn ở Việt Nam như Armada, Vintata, DeeDee Studio,… cũng đang sử dụng phần mềm này cho những dự án của mình.  Toon Boom Harmony cung cấp một môi trường làm việc chuyên nghiệp với nhiều công cụ và đặc biệt dễ sử dụng. Với chức năng hỗ trợ tất cá các hình ảnh định dạng PNG, GIF, JPG, JPEG và tương thích với cả hệ điều hành 32bit và 64bit, thật không khó để giải thích tại sao Toon Boom lại trở thành một ứng dụng làm hoạt hình được sử dụng phổ biến nhất trên toàn thế giới. Nhà sản xuất – đạo diễn – Họa sĩ hoạt hình Thomas Voigt đến từ Đức. Từ năm 2017, ông đảm nhận vai trò Professor of Animation tại Viện Truyện tranh và Hoạt hình Toon Boom Harmomy còn là một phần mềm đa năng khi các hoạ sĩ vừa có thể phác thảo, đi nét, tô màu, làm chuyển động, thêm các hiệu ứng 2D và 3D vào bản vẽ,… Tất tần tật các quy trình thực hiện phim hoạt hình đều có thể thực hiện hoàn chỉnh chỉ trên một phần mềm. 3. Toon Boom Harmony hiện đang được sử dụng để đào tạo ngành hoạt hình ở CMA CMA là viện đào tạo duy nhất tính đến thời điểm này đưa Toon Boom vào chương trình giảng dạy. Việc thành thục các phần mềm hiện đại trong thời gian học tập sẽ tạo cơ hội cho những bạn trẻ đam mê hoạt hình đang muốn tìm kiếm cơ hội việc làm tại các Studio lớn. Khoá học làm phim hoạt hình tại CMA hiện đang có hai hệ đào tạo dài hạn và ngắn hạn. Trong đó, hệ ngắn hạn gồm có 2 chuyên ngành Animaiton và Layout, phù hợp với những bạn yêu thích hoạt hình nhưng quỹ thời gian hạn hẹp. Thông tin khoá học tại: http://cmavn.org/ky-thuat-vien-hoat-hinh/

Buổi triển lãm Hunted Projects II – Săn Tìm Siêu Phẩm 2019 đã diễn ra vô cùng thành công và tốt đẹp. ✨ 3 Siêu Phẩm Vàng thuộc về các team ▫️ Ngành Truyện Tranh:   ⭐️ Nhóm Geiss2 – Tác phẩm Trạm cứu hộ động vật   ▫️ Ngành Hoạt Hình:   ⭐️ Nhóm AniK10 – Tác phẩm Nightmare of deadline   ▫️ Ngành Digital Painting:   ⭐️ Nhóm Người bình dân – Tác phẩm Change   Cả 3 đều nhận được điểm đánh giá cao nhất từ hội đồng chuyên môn và khán giả. Cùng xem qua những trải nghiệm tại buổi triển lãm của mọi người nhé Khán giả trải nghiệm tác phẩm Trạm cứu hộ động vật thuộc thể loại motion comic của nhóm Geiss2, motion comic thể loại truyện tranh kết hợp với hiệu ứng âm thanh và chuyển động nhẹ, có thể dễ dàng xem trên các thiết bị điện tử.   Các thành viên của nhóm Geiss2 nhận giải Siêu phẩm vàng ngành Truyện tranh   Các thành viên nhóm AniK10 nhận giải Siêu phẩm vàng ngành Hoạt Hình   Tại gian hàng triển lãm của nhóm Người Bình Dân , khán giả có thể dùng postcard để trải nghiệm thêm các điều thú vị khác (như thay đổi màu sắc, ẩn hiện thông điểm)   Nhóm Người Bình Dân nhận giải Siêu phẩm vàng ngành Digital painting – Comic Media Academy –

Chỉ còn 24 tiếng nữa thôi, Hunted Projects II – Săn Tìm Siêu Phẩm sẽ chính thức diễn ra. Sự kiện lần này được tổ chức tại: Thư Viện Tổng Hợp Thành Phố – 69 Lý Tự Trọng, Quận 1, Phường Bến Thành, Tp Hồ Chí Minh. Lúc: 09h30 Ngày 07/09/2019 16 Nhóm – 3 Chuyên ngành: Hoạt Hình – Truyện Tranh – Digital Painting cùng nhau tranh tài. Tác phẩm nào sẽ là “Siêu Phẩm Vàng” của năm 2019? Là hoạt động thường niên thú vị của Viện Truyện Tranh Hoạt Hình (Comic Media Academy Vietnam). Sáng Tác Nhóm – Hunted Projects là một môn học đặc biệt, tất cả học viên đang theo học hệ chuyên nghiệp tại CMA đều tham gia. Cùng nhau tạo ra những tác phẩm đặc sắc để triển lãm thu hút khán giả, nhà đầu tư. Ngoài yếu tố điểm số, đánh giá từ hội đồng chuyên môn. Yếu tố thu hút được khán giả mới là điểm thú vị từ kỳ Sáng Tác Nhóm của CMA Có rất nhiều doanh nghiệp đối tác tại CMA sẽ tham gia sự kiện ngày mai. Từ lĩnh vực truyện tranh, hoạt hình, games, truyền thông … Một tác phẩm “Vàng” lọt vào mắt “Xanh” của nhà đầu tư sẽ mang đến rất nhiều cơ hội cho học viên ngay từ khi còn trên ghế nhà trường. Thông tin liên hệ trên bảng tên nhóm sẽ là “chìa khoá” nhà đầu tư tìm lại bạn sau khi tốt nghiệp tại CMA. Chỉ còn hơn 24 tiếng nữa thôi, sự kiện thú vị thường niên của CMA sẽ diễn ra, mọi thứ đã sẵn sàng, chỉ còn chờ học viên toả sáng và rinh giải thưởng từ BTC nữa thôi. Hẹn găp lại các bạn vào 09h30′ Ngày mai (07/09/2019) nhé ! Link đăng ký tham gia sự kiện: https://forms.gle/E3D4diZAcNXtovta7

Hunted Project là buổi triển lãm sản phẩm sáng tác nhóm tai Viện Truyện Tranh và Hoạt Hình Việt Nam (CMA). Đây là hoạt động thường niên, độc nhất vô nhị, và cũng là thời gian “cày bài” khổ sở nhất của CMAers. Nhưng các bạn ơi! Sau một thời gian thức khuya dậy sớm thì những đứa con tinh thần của các CMAers đã chuẩn bị trình làng rồi! Triễn lãm sản phẩm tại Hunted Project không chỉ là một kì báo cáo kết quả sáng tác nhóm đến hội đồng chuyên môn, mà còn là cơ hội để các CMAers đưa sản phẩm của mình đến gần công chúng và đặc biệt là các nhà đầu tư. Sau đây là 7 mẹo để các bạn gây ấn tượng với Nhà Đầu Tư tại Hunted Project 2019: 1. Kiểm tra thật kỹ khâu chuẩn bị các dụng cụ phục vụ triển lãm Tiền kì luôn là một trong những công tác quan trọng trong một dự án. Công tác tiền kì tốt sẽ phản ánh tính chuyên nghiệp của nhóm, hơn nữa, khi phần chuẩn bị được thực hiện chu đáo, các thành viên trong nhóm cũng được cung cấp năng lượng để tự tin hơn trong phần giới thiệu và thuyết minh sản phẩm đến công chúng. Hãy cho nhà đầu tư thấy các bạn luôn trong trạng thái tốt và chuyên nghiệp nhất. 2. Phân công nghiệm vụ kỹ thuật, trả lời, thuyết minh Một nhóm hoạt động tốt là khi các thành viên được phân công công việc một cách khoa học và phù hợp với thế mạnh của mình. Hơn nữa, với việc triễn lãm công khai, Hunted Project 2019 sẽ thu hút rất nhiều lượt khách tham quan. Hãy đảm bảo rằng nhóm của bạn không bị rối tung lên bằng cách phân công công việc một cách khoa học nhé! 3. Mặc đồng phục nhóm Hình thức tác phẩm rất quan trọng, nhưng hình thức của người trình bày sản phẩm cũng quan trọng không kém! Phải làm gì để tạo ấn tượng trước nhà đầu tư trong hơn 17 nhóm tham dự triễn lãm? Hãy chọn cho nhóm của mình một concept trang phục thật ấn tượng nha! 4. Tên nhóm và Slogan Bên cạnh sự thu hút về mặt hình ảnh qua tác phẩm và đồng phục nhóm, tên nhóm và một slogan độc đáo cũng là một cách thú vị để các CMAers tạo ấn tượng với công chúng. Vậy thì còn chần chừ gì nữa, mau mau thảo luận về slogan độc nhất vô nhị của nhóm mình nào! 5. Trang trí khu vực triển lãm của nhóm Một sản phẩm tốt tất nhiên sẽ thu hút Nhà Đầu Tư, nhưng hình thức trình bày sản phẩm như thế nào cũng quan trọng không kém. Đừng quên trang trí khu vực triễn lãm của nhóm, nhưng cũng phải thật chú ý đừng để phần trang trí “dìm hàng” tác phẩm nhé! 6. Chuẩn bị bài thuyết trình ấn tượng Tìm cách trả lời câu hỏi: “Tại sao công chúng phải đọc tác phẩm của bạn?”, từ đó chuẩn bị nhiều hơn một bài thuyết trình để thu hút các Nhà Đầu Tư. Một mẹo nhỏ là hãy cho công chúng cảm nhận được một phần của cuộc sống trong tác phẩm của bạn, hãy trao truyền cảm xúc thay vì kể nội dung chi tiết của tác phẩm. Hãy tìm cách khơi gợi cảm xúc khiến công chúng chủ động tiếp cận tác phẩm. 7. Cho nhà đầu tư thấy tính kinh tế của tác phẩm Đây là một trong những cách đặc biệt quan trọng để gây ấn tượng với Nhà Đầu Tư. Hãy trình làng thật nhiều sản phẩm đi kèm của tác phẩm như post card, book mark, áo thun,… hoặc trình bày cho Nhà Đầu Tư ý tưởng kinh doanh của các bạn từ tác phẩm. Một tác phẩm có tính nghệ thuật cao sẽ giúp bạn lấy điểm từ hội đồng chuyên môn, còn một tác phẩm vừa hài hoà giữa tính nghệ thuật và tính kinh tế chắc chắn sẽ giúp bạn có điểm từ cả hội đồng chuyên môn và Nhà Đầu Tư đấy nhé! Với 7 mẹo trên đây, chắc chắn rằng các CMAers của chúng ta đã tự tin hơn cho ngày hội Hunted Project 2019 rồi phải không? Vậy thì còn chần chừ gì nữa, cùng nhau đếm ngược ngày các “siêu phẩm” được ra mắt công chúng nào!!!

  Hoạ sĩ kể chuyện hay còn được gọi là hoạ sĩ sáng tác truyện và vẽ tranh đang là một ngành mới ở Việt Nam. Vậy hoạ sĩ kể chuyện có thể làm những công việc gì? Không chỉ vẽ truyện tranh truyền thống, CMA xin giới thiệu với các bạn 5 công việc hấp dẫn bạn có thể làm được nếu tốt nghiệp ngành hoạ sĩ kể chuyện.   1. Hoạ sĩ sáng tác và phát triển Fanpage. Truyện Tranh Nhảm Nhí, Vàng Xám Comic, Hủ Tiếu Lâm, Bà Già Kêu Ca,… hiện đang là những page có lượng follow nhiều nhất trên mạng xã hội hiện nay. Hình thức viral của các trang hiện đang sử dụng chính là truyện tranh 1 trang với content đơn giản, trẻ trung, bắt kịp thời đại. Với công việc này, hoạ sĩ không cần phải vẽ quá chi tiết, thay vào đó một content hay, đúng tâm lý đối tượng thụ hưởng là chìa khoá cho sự thành công của Page. Thỏ Bảy Màu: Lượt thích [+1.364.100] Thỏ Bảy Màu vô cùng dễ thương nhưng thương không dễ (Nguồn: facebook) Bên cạnh việc cùng làm với các đối tác, các bạn hoạ sĩ trong quá trình học hoàn toàn có thể tự xây dựng, phát triển fanpage để chủ động tìm kiếm các hợp đồng quảng cáo cho mình. Hủ tiếu lâm – Một fanpage trực tiếp do học viên của CMA phụ trách mặt content và hình ảnh   2. Hoạ sĩ vẽ concept. Trong chương trình đào tạo, một hoạ sĩ kể chuyện sẽ phải hoàn thành môn học Concept Art với đầy đủ các nội dung: thiết kế bối cảnh, thiết kế nhân vật, thiết kế công cụ dụng cụ và thiết kế thú vật. Đây là một môn học thú vị và có tính ứng dụng cao. Một hoạ sĩ kể chuyện có khả năng vẽ Concept Art tốt hoàn toàn có thể tự tin làm việc ở các công ty game, hay các studio quảng cáo với vai trò hoạ sĩ vẽ concept. Trích Tác Phẩm – Hồ Y của học viên Hoài Thương K2 – CMA   3. Hoạ sĩ vẽ minh hoạ sách. Màu, bố cục và đặc biệt là kĩ năng kể chuyện bằng hình ảnh là những môn học không thể thiếu khi đào tạo một hoạ sĩ kể chuyện. Đó chính là lý do mà rất nhiều hoạ sĩ có xuất phát điểm là vẽ truyện tranh lại dễ dàng tìm kiếm được một hợp đồng vẽ sách minh hoạ cho các nhà xuất bản lớn trong và ngoài nước. Thật là thích nếu có một quyển sách minh hoạ có đề tên mình ở bìa đúng không? Hãy nhanh tay vẽ ra những câu chuyện minh hoạ thật đẹp và gửi đến các nhà xuất bản lớn để chủ động tìm kiếm cơ hội cho chính mình nhé! Bài minh hoạ tác phẩm Lục Vân Tiên (Nguồn: Internet)   4. Hoạ sĩ vẽ story board. Cùng với sự phát triển của ngành công nghiệp giải trí, nhu cầu làm viral clip, MV, phim hoạt hình, phim điện ảnh ngày càng tăng cao, kéo theo đó là nhu cầu về hoạ sĩ vẽ story board trong giai đoạn tiền kì đang trở nên hot hơn bao giờ hết. Với khả năng tư duy hình ảnh, bố cục, góc quay,… một hoạ sĩ kể chuyện hoàn toàn có thể thực hiện tốt công việc vẽ story board mà các công ty đối tác yêu cầu. Job: storyboard cho agency của team CMA thực hiện   5. Biên kịch chuyên nghiệp. Wow, một hoạ sĩ kể chuyện có thể trở thành biên kịch? Tất nhiên rồi! Vì kể chuyện bằng tranh là một kĩ năng không thể thiếu nếu bạn muốn trở thành một hoạ sĩ kể chuyện đúng nghĩa. Ngoài ra, việc biết vẽ cho bạn lợi thế trong việc tư duy hình ảnh. Bất kì một câu mô tả nào được viếc ra, ngay lập tức hình ảnh đều vụt qua trong đầu bạn, từ đó tạo điều kiện thuận lợi cho đạo diễn tưởng tượng ra sự chuyển động của nhân vật, bối cảnh, và góc quay từ kịch bản của bạn. Biên kịch Trần Khánh Hoàng – Giảng Viên Biên Kịch Tại CMA Không còn gì phải lo lắng khi cánh cửa của thời đại đang mở ra ngày càng nhiều cơ hội việc làm cho các hoạ sĩ kể chuyện. Không chỉ thế, trong quá trình học tập ở CMA, học viên luôn có cơ hội gặp gỡ và giới thiệu sáng tác của mình đến các nhà tuyển dụng. Chỉ cần chăm chỉ và chọn đúng ngành hot, thành công sẽ đến với bạn! Xem Thông Tin và Đăng Ký Khoá Đào Tạo Chuyên Nghiệp CMA By Lạc An  

  Đồ án tốt nghiệp – tác phẩm tựa đề Hồ Y, do Nguyễn Thị Hoài Thương, học viên khóa 2 thực hiện Bìa đồ án tốt nghiệp-học viên Hoài Thương khóa 2   Quá trình thực hiện tác phẩm Bản vẽ bối cảnh trắng đen   Bản phác thảo nhân vật từ hình bóng đen   Bản thiết kế nhân vật Nhân vật Nhân Khang trong tác phẩm     Nhân vật Minh Du trong tác phẩm     Các nhân vật phụ và phản diện     Bìa tác phẩm   Một số hình ảnh tác phẩm Hồ Y   copyright © Nguyễn Thị Hoài Thường

VÌ SAO NÊN HỌC DIGITAL PAINTING CHUYÊN NGHIỆP TẠI CMA? 1. Nhiều cơ hội làm việc, không giới hạn lĩnh vực sau khi tốt nghiệp. Digital Painting, hay kĩ thuật vẽ bằng bảng vẽ điện tử là một ngành mỹ thuật ứng dụng mới xuất hiện trong nền công nghiệp 4.0. Với sự hỗ trợ của công nghệ, hoạ sĩ hoàn toàn có thể thực hiện toàn bộ mọi quy trình sáng tác trên máy nhưng vẫn đảm bảo thể hiện được tất cả mọi chất liệu và đặc biệt tiết kiệm thời gian, chi phí cho việc vẽ và chỉnh sửa gấp nhiều lần. Chính vì vậy, hoạ sĩ vẽ Digital Painting đang trở thành một cụm từ vô cùng hot trong ngành giai đoạn các ngành truyền thông, giải trí đang phát triển như hiện nay. Cơ hội làm việc của hoạ sĩ Digital Painting nằm ở rất nhiều lĩnh vực, ngành nghề. Một hoạ sĩ Didital Panitng có kĩ năng tốt hoàn toàn có thể làm việc trong các studio Games, Hoạt Hình, các công ty truyền thông, điện ảnh, hoặc cộng tác với các nhà xuất bản sách in giấy cũng như ấn phẩm online. Với vai trò là đơn vị tiên phong đào tạo ngành Digital Painting, Viện Truyện Tranh và Hoạt Hình tự tin cung cấp cho học viên tất cả kĩ năng để có thể làm việc tại các công ty lớn trong ngành. Đặc biệt, nhờ có sự tin tưởng và liên kết với các công ty lớn như YAN News, Sao Sáng, cùng các Nhà Xuất Bản,… học viên CMA luôn có cơ hội có được các việc làm sáng tạo ngay khi vẫn còn ngồi trên ghế nhà trường. 2. Không xét tuyển đầu vào – Nhập học bằng học bạ THPT CMA tin rằng, có nhiều cánh cửa để đi đến thành công. Bạn cũng có nhiều con đường để trở thành một hoạ sĩ Digital Painting. Nhưng đến với Viện Truyện Tranh và Hoạt Hình Việt Nam, bước khởi đầu sẽ trở nên đơn giản hơn khi bạn chỉ cần Bằng và Học Bạ THPT để nhập học. Với phương châm: “99% quyết định thành công của một người đến từ đam mê và sự chăm chỉ”, CMA chủ trương không yêu cầu xét tuyển đầu vào. Thay vào đó, chương trình học tập trung, chú trọng vào thực hành là môi trường tốt để học viên vừa bộc phát được tài năng, vừa điêu luyện trong kĩ thuật. 3. Chương trình đào tạo chuyên nghiệp, không yêu cầu năng khiếu vẽ. Đội ngũ giảng viên trẻ, tận tình và chuyên nghiệp luôn là điểm mạnh trong công tác đào tạo của CMA. Đến với Viện, học viên không cần có năng khiếu vẽ. CMA đánh giá học viên dựa trên niềm đam mê và sự kiên trì. Chương trình đào đạo chuyên sâu hơn 2 năm, cùng những cơ hội cọ sát với thực tế trong những kì sáng tác, CMA chắc chắn rằng, bất kì học viên hoàn thành chương trình học nào cũng có thể tích luỹ đầy đủ kĩ năng và kinh nghiệm để trở thành một hoạ sĩ Digital Painting chuyên nghiệp. 4. Trang thiết bị hiện đại, được thực hành phần mềm bản quyền mới nhất CMA cũng là nơi đầu tiên ở Việt Nam mạnh dạn đầu tư hệ thống bảng vẽ điện tử để phục vụ quá trình đào tạo. Ở CMA, học viên được học ở các phòng máy hiện đại và thực hành trên những phần mềm bản quyền mới nhất. Đây cũng chính là một điểm mạnh của học viên CMA so với những cơ sở đào tạo khác. Vừa được học chuyên sâu về kĩ năng, vừa được tiếp xúc sớm với công nghệ hiện đại, sau khi hoàn thành chương trình học, học viên CMA hoàn toàn có thể tự tin làm việc ở những công ty trên cả Việt Nam và Thế Giới. 5. Học bổng hoàn học phí 100% Chương trình duy nhất chỉ có tại Viện Truyện Tranh & Hoạt Hình Việt Nam. PHÓNG SỰ GIỚI THIỆU VỀ CMA VÀ CÁC CHUYÊN NGÀNH ĐÀO TẠO  ĐĂNG KÝ HỌC DIGITAL PAINTING CHUYÊN NGHIỆP

⚡ PHỔ BIẾN KỲ SÁNG TÁC NHÓM – HUNTED PROJECT 2019 Hunted Project (Sáng tác nhóm) của CMA là một môn học đặc biệt, nhằm rèn luyện và phát triển kỹ năng quản lý dự án – nhân sự thời gian để tạo ra các sản phẩm mang tính thực tế cao, đáp ứng được yêu cầu của khách hàng và được thị trường chấp nhận. Ngày hôm nay 12/08/2019, Thầy Lê Thắng – Viện Phó, cùng đội ngũ giảng viên nhà trường công bố danh sách nhóm và hướng dẫn các bạn sinh viên của các chuyên ngành chuyên nghiệp: Truyện tranh Hoạt hình Digital Painting sẽ làm gì trong bài sáng tác nhóm – hunted project 2019 của mình. Trong mỗi chuyên ngành thì các nhóm sẽ phân công nhau như thế nào để đạt hiệu quả tốt nhất   Chúc các bạn CMAers có một kỳ sáng tác nhóm thật thành công nhé. Nhớ lời thầy Thắng dặn nha: “Trong quá trình làm bài, nếu có khó khăn, thắc mắc gì thì tìm đúng người hỗ trợ đã được chỉ định nhé”

  CMA luôn nỗ lực tạo ra các hoạt động thú vị và mang lại nhiều lợi ích nhất cho học viên, tiêu biểu là Hunted Project (Kỳ sáng tác nhóm) được diễn ra hàng năm. Đây là một môn học đặc biệt giúp học viên rèn luyện và phát triển kỹ năng quản lý dự án – nhân sự – thời gian để tạo ra các sản phẩm mang tính thực tế cao, đáp ứng được yêu cầu của khách hàng và được thị trường chấp nhận. Tại hội trường của CMA sáng nay ngày 9/7/2019 đã diễn ra buổi khởi động Hunted Project 2019 và có sự tham gia của đại diện YAN Digital – Công ty truyền thông giải trí hàng đầu tại Việt Nam, cùng với hơn 100 bạn học viên ở các ngành học thuộc hệ chuyên nghiệp tại CMA như Họa sĩ vẽ truyện tranh, Họa sĩ kể chuyện ngành hoạt hình và Digital Painting. Các bạn học viên đã rất hào hứng khi hiểu được mục tiêu và tầm quan trọng của kỳ Sáng tác nhóm Hunted Project này, đồng thời được chia sẻ về cơ hội nghề nghiệp hấp dẫn tại YAN Digital và những hướng đi mà mình có thể lựa chọn trong tương lai. Nhờ những hoạt động như Hunted Project 2019, các bạn học viên sẽ có cơ hội thể hiện khả năng của mình, và rất nhiều bạn đã được các doanh nghiệp đối tác của CMA “để ý”, tạo ra cơ hội việc làm ngay khi vẫn đang còn rèn luyện tại CMA.