Có rất nhiều tiêu chí để đánh giá một bộ phim hoạt hình hay, từ cách kể chuyện, hình ảnh nhân vật cho đến diễn hoạt của bộ phim. Mặc dù có hàng trăm bộ phim hoạt hình mới ra mắt mỗi năm nhưng chỉ ít trong số chúng nhận được sự ưa thích của đại chúng. Đó là lý do tại sao sự xuất hiện của một số đạo diễn tài năng, những người tạo ra sự ảnh hưởng rõ ràng nhất đối với ngành công nghiệp này, lại có ý nghĩa hơn bao giờ hết. Sau đây là một số cái tên rất nổi tiếng đã hoạt động lâu năm và để lại rất nhiều ấn tượng trong lòng khán giả.

10/ Masaaki Yuasa luôn xem thế giới như một chiếc kính trực quan sinh động

Masaaki Yuasa là một trong những cái tên tham vọng nhất hiện đang làm việc trong ngành công nghiệp hoạt hình. Yuasa chịu trách nhiệm cho một số phim hoạt hình và phim truyền hình mang tính biểu tượng. Tất cả đều hướng đến sự phá vỡ bản chất tự nhiên của con người để thể hiện sự gần gũi và tự do theo những cách khác nhau. “Lu Over the Wall”, “Ride Your Wave”, “The Night is Short”, “Walk on Girl” và “Kaiba” đều là những câu chuyện đẹp đẽ, tha thiết, trong đó cơ thể con người căng ra đến mức phi lý, mô hình nhân vật thay đổi theo ý muốn và bảng màu hoạt động với sự khó đoán đáng kinh ngạc. Mỗi tác phẩm của Yuasa là một trải nghiệm hình ảnh chân thực.

9/ Satoshi Kon là một bậc thầy của chủ nghĩa tượng trưng siêu thực

Satoshi Kon đã qua đời ở tuổi 46, nhưng ông đã để lại một bộ sưu tập tác phẩm độc lạ và phi thường. Nhiều tác phẩm của Kon khám phá các chủ đề về danh tính, sự hoang tưởng và sức mạnh của những giấc mơ, mặc dù chúng được xây dựng bởi những hình ảnh có phần kinh dị. “Perfect Blue”, “Paprika” và “Paranoia Agent” là những kiệt tác của ông nhờ vào cách miêu tả đặc sắc của Kon về sự mất mát và đau thương. Các tác phẩm khác của ông như “Nữ diễn viên thiên niên kỷ” và “Tokyo Godfathers”, mặc dù ít siêu thực hơn, nhưng vẫn là những bài giảng đầy ám ảnh của nhân loại.

8/ Hayao Miyazaki – người tạo ra thế giới diệu kỳ

Một trong những đạo diễn phim hoạt hình nhận được sự công nhận quốc tế là Hayao Miyazaki. Miyazaki đã sản xuất các bộ phim như “Spirited Away”, “Princess Mononoke” và “Ponyo”, tạo dựng tình huống để đưa các nhân vật nữ có ý chí mạnh mẽ vào những tình huống viễn vông. Bên cạnh đó ông cũng xây dựng các chủ đề liên quan như cảnh báo về tình trạng tự nhiên, yếu tố đóng vai trò to lớn để tạo ra sức hút của bộ phim. Một bộ phim khác là “The Wind Rises”, được tạo ra để Miyazaki thể hiện niềm đam mê với ngành hàng không. Có thể nói những sáng tạo của ông bắt nguồn từ những điều hằng ngày trong cuộc sống.

7/ Mamoru Hosoda thể hiện sự cuốn hút với những đường nét mờ nhạt giữa giả tưởng và thực tế

Mamoru Hosoda là đạo diễn phim hoạt hình được mệnh danh là người có tầm nhìn xa. Bộ phim mới nhất của ông mang tên “Belle” tái hiện cuộc du hành đầy tỉnh thức của nhân vật khi hòa nhập với cộng đồng và khi về lại với chính mình. Trước đó, ông đã có những trải nghiệm đầu tiên để học hỏi và áp dụng nhiều kĩ thuật mới để sản xuất bộ phim đầu tiên của mình – “Digimon”. Cho dù đó là “Belle”, “Digimon: Our War Game !”, “Summer Wars” hay “The Boy and His Beast”, các tác phẩm của Hosoda đều thể hiện niềm say mê với công nghệ, lĩnh vực kỹ thuật số và mối quan hệ đang phát triển của nhân loại với các thế giới nhân tạo. Hình ảnh động chi tiết, tỉ mỉ và rực rỡ về màu sắc nhưng không khiến các nhân vật trong tác phẩm của ông mất đi hình ảnh tự nhiên của con người.

6/ Hideaki Anno tạo nên thế giới nội tâm u tối qua các chất liệu thẩm mỹ nguyên bản

Sự đóng góp của Hideaki Anno có ảnh hưởng sâu sắc đến ngành công nghiệp hoạt hình. Anno được biết đến nhiều nhất với bộ phim nhiều tập “Neon Genesis Evangelion”, nhưng “His and Her Circumstances”, “Gunbuster and Nadia: Secret of Blue Water” vẫn là những tác phẩm mang dấu ấn của Anno. Phần lớn tác phẩm của Anno chìm trong ánh sáng ảm đạm đến mức ngột ngạt, nơi có thể cảm thấy như hoạt hình gần như đối kháng lại khán giả. Đây là một cách vô cùng hiệu quả khi mà Anno vừa có thể thỏa sức với tác phẩm của mình vừa có thể biến những rắc rối về ngân sách thành lợi thế.

5/ Tiêu chuẩn mới được đặt ra từ một Katsuhiro Otomo sôi nổi và một Akira cô đơn

Katsuhiro Otomo luôn được nhớ đến trong ngành công nghiệp hoạt hình như một người đa nhiệm khi vừa làm việc trong mảng truyện tranh (manga) vừa đạo diễn phim truyện của Akira. Chỉ riêng điều này đã đủ để lại rất nhiều dấu ấn trong lòng khán giả, nhưng với phong cách trơ trợi và vô trùng, Otomo đã mang lại nhiều dự án đầy sức gợi, chẳng hạn như “Steamboy”, “Mushishi”,“Rojin Z” và bộ phim đầu tiên “JoJo’s OVA Bizarre Adventure”. Những câu thoại nặng nề của Otomo cùng những pha hành động và phân đoạn chuyển cảnh đã truyền cảm hứng cho vô số tác phẩm quốc tế. Khả năng tạo ra thế giới trong đống đổ nát và các nhân vật chính với thân hình cường tráng từ ông đã trở thành biểu tượng.

4/ Mamoru Oshii dẫn đầu các tác phẩm về Cyberpunk Dystopias – đề cập một xã hội công nghệ tiên tiến nhưng mang tính phản địa đàng

Mamoru Oshii là một nhân vật không thể thiếu trong ngành công nghiệp hoạt hình, người được ca ngợi là một trong những “tiếng nói” quan trọng nhất với thể loại cyberpunk, điển hình như tác phẩm “Ghost in the Shell”. Sự nghiệp của Oshii rất đa dạng, ông phụ trách nhiều thể loại phim khác nhau, bao gồm cả những bộ phim nhẹ nhàng như “Lupin III” và “Urusei Yatsura”. Tuy nhiên, phong cách kể chuyện nổi bật nhất của ông vẫn là kể về những người mắc chứng loạn thần khó hiểu, như Patlabor. Oshii là bậc thầy về chi tiết và xây dựng thế giới, và đó là lý do tại sao những bộ phim như “Ghost in the Shell” vẫn gây được tiếng vang lâu đến vậy. Ông biết cách kết hợp một cách hài hoà giữa con người và máy móc.

3/ Makoto Shinkai kể lại những câu chuyện đau lòng – điều khiến các nhân vật lạc lõng trong hiện thực

Makoto Shinkai tiếp tục trở thành người chiến thắng áp đảo khi danh tiếng của ông được kính trọng ngang ngửa như Hayao Miyazaki. Những câu chuyện của Shinkai đề cập đến những khái niệm viễn vông và những ý tưởng siêu nhiên, giống như của Miyazaki. Tuy nhiên chúng được miêu tả có cơ sở và thực tế hơn cùng với tính hiện thực của các nhân vật và môi trường, nên đã thu hút được rất nhiều trái tim của khán giả. Các bộ phim của Shinkai thường giới thiệu những nhân vật mong manh, những người khao khát sự kết nối trung thực và thoát khỏi môi trường ngột ngạt xung quanh họ. “Your Name”, “Weathering With You”, “The Garden of Words” và “5 Centimers Per Second” đều là tác phẩm xuất sắc nhưng luôn khiến người xem cảm thấy đau lòng.

2/ Shinichiro Watanabe – bậc thầy về phong cách phối

“Cowboy Bebop”, “Space Dandy”, “Samurai Champloo” và “Carole & Tuesday” là những bộ phim hoạt hình hoàn toàn khác với các thể loại tương phản, nhưng tất cả đều được xây dựng dựa trên sự pha trộn hỗn loạn giữa sự ảnh hưởng và độ nhạy cảm. Đây cũng chính là đặc trưng nghệ thuật gọi của Watanabe. Một số bộ phim của ông dù được tính toán trước, như “Terror in Resonance”, nhưng luôn có một cách tiếp cận không điển hình khi ông đưa các nhân vật nước ngoài vào các kịch bản khoa học viễn tưởng. Phong cách nghệ thuật luôn được nhấn mạnh trong các bộ phim của ông nhưng không bao giờ làm lu mờ các các nhân vật. Shinichiro Watanabe cảm thấy bản thân giống như một Edgar Wright hoặc Quentin Tarantino để đưa nguồn cảm hứng của mình vào trong cách kể chuyện.

1/ Osamu Tezuka tạo ra thế giới hấp dẫn với các anh hùng đáng yêu

Osamu Tezuka đã mang lại sự tác động to lớn đến ngành công nghiệp hoạt hình trong thời kỳ sơ khai đến nỗi mọi người hay ví von ông là Walt Disney của Nhật Bản. Tezuka luôn có cách để đáp ứng những kỳ vọng đó, và tất cả các tác phẩm của ông đều thể hiện những nhân vật có sức hấp dẫn sâu sắc và thân thiện. Rất nhiều tác phẩm của Tezuka hướng đến khán giả nhỏ tuổi hoặc phù hợp với khán giả ở mọi lứa tuổi, như “Astro Boy and Kimba the White Lion”, nhưng ngay cả những bộ phim dành cho người lớn hơn như “Black Jack” của Tezuka vẫn mang một hình ảnh rất nhẹ nhàng.

• Người dịch: Mita
• Nguồn: cbr.com